Academia de Hollywood: la Clase 2022.

 Con el negocio del cine aun recuperando su equilibrio después de más de dos años muy difíciles, la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas anunció que abrirá sus filas a 397 nuevos miembros en el último paso en su esfuerzo continuo por diversificar su membresía.

En representación de 54 países, la lista de invitados incluye nombres como Ariana DeBose, Billie Eilish, Jamie Dornan y Anya Taylor-Joy, así como muchos artistas, cineastas, ejecutivos y profesionales cuyos nombres nunca han aparecido en la cartelera de un multiplex. El grupo incluye 71 nominados al Premio de la Academia, como Jessie Buckley, la estrella de La hija perdida y el nominado de El poder del perro, Jesse Plemons, así como 15 ganadores anteriores del Oscar, incluido Troy Kotsur, ganador del actor de reparto por CODA.

Dado que la Academia continúa presionando por una mayor inclusión tanto dentro de la organización como en la industria en su conjunto, el 44 % de los miembros de la clase 2022 se identifican como mujeres y el 37 % pertenecen a comunidades étnicas/raciales subrepresentadas. La mitad son de fuera de los Estados Unidos.

El anuncio se produce cuando la Academia se encuentra en una encrucijada con una transición de liderazgo inminente, ya que el director del Museo de la Academia, Bill Kramer, se prepara para asumir el próximo mes como director ejecutivo de la organización del actual CEO Dawn Hudson, quien ha dirigido la academia a través de 11 transformaciones y en años de tiempos complicados. 

Habiendo logrado su obajetivo en 2020, establecido a raíz de la controversia #OscarsSoWhite, de duplicar el número de mujeres y personas de color en sus filas de miembros, la organización ha desacelerado el ritmo de crecimiento en los últimos años. El grupo de invitados de este año es casi exactamente del mismo tamaño que el del año pasado, que era de 395.

Si bien sigue siendo significativamente más grande que los grupos anuales de invitados en décadas anteriores, que generalmente estaban limitados por cuotas a alrededor de 100 miembros, la clase de este año es menos de la mitad del tamaño de la clase de 2020 de 819, que en sí misma fue más pequeña que el récord de 2018, clase que alcanzó un gigantesco 928.

El año pasado, la Academia anunció que planeaba volver a tamaños de clase más limitados “para permitir un crecimiento constante en el futuro y garantizar la infraestructura, los recursos de personal y el entorno necesarios para apoyar a todos los miembros de la academia”.

Incluyendo la nueva clase, según la academia, el 34% de sus miembros se identifican como mujeres, mientras que el 19% son de comunidades étnicas/raciales subrepresentadas, a la par con los puntos de referencia del año pasado. En un análisis histórico de 2012, The Times informó que los votantes de los Oscar eran en ese momento 94% blancos y 77% hombres.

Siete filiales invitaron a más mujeres que hombres este año, incluidas directoras de casting, diseñadoras de vestuario, documentalistas, productoras y de marketing y relaciones públicas. Tres ramas atrajeron a la mayoría de sus candidatos de comunidades étnicas/raciales subrepresentadas, incluidos documentalistas, directores y actores, con mucho, la rama más grande de la academia.

En la rama de directores, los invitados incluyen a Sian Heder, quien ganó el premio de guion adaptado este año por CODA, que se llevó a casa el Oscar a la mejor película, así como a Reinaldo Marcus Green, cuya King Richard también obtuvo una nominación a la mejor película. En la rama de la música, los invitados incluyen a Eilish y su hermano Finneas O’Connell, quien ganó el Oscar a la canción original por la canción principal de la película de James Bond, No Time to Die.

El anuncio de la Academia de Hollywood se produce cuando los problemas de inclusión siguen surgiendo en la importante temporada de premios de Hollywood. Si todos aceptan sus invitaciones, la membresía total de la academia de cine aumentará a 10,665, incluidos 9,665 miembros con derecho a voto.

Goya 2023: 11 de febrero, en Sevilla.

Sevilla será la sede de la 37 edición de los Premios Goya, que se celebrarán el sábado 11 de febrero de 2023 en el Palacio de Congresos y Exposiciones FIBES, ha anunciado el presidente de la Academia de Cine, Fernando Méndez-Leite, junto al alcalde de la capital andaluza, Antonio Muñoz, y el vicepresidente de la institución, Rafael Portela.  

Desde el Palacio de la Motilla de la capital hispalense, Mendéz-Leite alabó la “pujanza de la industria del cine en Andalucía y especialmente en Sevilla”, ciudad que ya acogió la gala de 2019. “Se prevé un año espectacular de cine español, que culminará con la celebración de unos Goya que pretendemos que sean los mejores de la historia”.

El alcalde de Sevilla, Antonio Muñoz, ha agradecido a la Academia de Cine la confianza depositada de nuevo en la ciudad para albergar la gala de los Goya. “La de 2019 fue todo un ‘taquillazo’, y en la de 2023 Sevilla volverá a superar las expectativas”. Ante un auditorio con presencia de cineastas y representantes de la industria audiovisual sevillana y andaluza, Muñoz ha emplazado a aprovechar esta nueva oportunidad que ofrece la gala. “Además de ser un escaparate para la imagen nacional e internacional de Sevilla, debe servir para fortalecer el tejido empresarial y generar una industria audiovisual más sólida”, ha dicho.

Méndez-Leite anunció además “una noticia que es muy buena para el cine español y para esta ciudad en la que festejaremos su gran noche y que tiene mucho que ver con la buena y prolífica cosecha de nuestro cine este año. Hasta ahora, excepto en Mejor Película y Mejor Cortometraje de Ficción, todas las categorías contaban con cuatro candidatos. La Junta Directiva de la Academia ha decidido que en la próxima edición de los Premios Goya el número pasará de las cuatro actuales a cinco nominaciones en cada categoría”.

“La Academia da un paso más para reconocer el talento de nuestros creativos y técnicos. Películas e interpretaciones tendrán más posibilidades de entrar en las nominaciones en un año en el que hay un nivel altísimo. Habrá más nominadas y nominados que nunca en Sevilla, donde celebraremos los Goya 2023 con una gran gala”, aseguró el presidente de la institución. 

En la rueda de prensa en la que se ha hecho el anuncio, Méndez-Leite también indicó que la capital hispalense se impregnaría del espíritu de los Goya con una serie de actividades de las que podrá disfrutar el público sevillano –proyecciones de las películas nominadas acompañadas de encuentros con sus autores y/o protagonistas, mesas redondas con profesionales de nuestra industria, exposiciones, conciertos y un photocall que se instalará en el Ayuntamiento para fotografiarse con una réplica de un Premio Goya–, acciones que culminarán en la noche del 11 de febrero del próximo año. 

La viceconsejera de Cultura de la Junta de Andalucía María Esperanza O´Neill; la presidenta de la Academia de Cine de Andalucía, Marta Velasco; el presidente de la Spain Film Office Carlos Rosado, los actores Antonio Dechent, Alfonso Sánchez, Ignacio Mateos y Charo Reina; el productor Gervasio Iglesias; el director del Festival de Cine Europeo de Sevilla, José Luis Cienfuegos; y el director del Festival de Huelva Manuel H. Martín; académicas y académicos sevillanos, entre otros, asistieron a la que ha sido la presentación de los Premios Goya 2023 en Sevilla.

Woody Allen anuncia su retiro del cine.

Uno de los más prolíficos e importantes directores del cine americano, Woody Allen, dijo que hacer películas ya no le emociona como antes debido a la aparición de las plataformas de “streaming” y que se retirará pronto, probablemente para dedicarse a escribir.

Así se pronunció el reservado cineasta en una conversación con el actor Alec Baldwin que este compartió en Instagram y que abarcó muchos temas, aunque ninguno polémico, como las acusaciones de abuso sexual de la hija de Allen, Dylan Farrow, contra su padre.

El artífice de éxitos como Annie Hall y Medianoche en París dijo a Baldwin que prepara una película que grabará en París en otoño, pero resaltó que será una de las últimas de su carrera, porque a sus 86 años considera que “las cosas ya no son como antes” en el mundo del espectáculo.

“Probablemente haré al menos una película más, pero buena parte de la emoción se ha ido (...). Cuando empecé, los filmes llegaban a cines por todo el país e iban cientos de personas en grandes grupos” mientras permanecían meses en taquilla, explicó.

Ahora, sostuvo, las películas se quedan en las salas dos semanas, seis con suerte, y luego van directas a las plataformas de “streaming”.

“No es como cuando entré en el negocio de las películas, no lo disfruto tanto ni me divierto”, apostilló, por lo que anticipó una próxima retirada y “quizás un giro hacia la escritura”, ya sea con una novela o con ensayos como los que ha publicado recientemente, llamados Zero Gravity.

De la misma manera que el cine, el director se lamentó del presente del teatro y de Broadway, y recordó una “variedad” que a su juicio ya no existe porque el famoso distrito del centro de Nueva York se ha convertido en “un centro comercial espantoso”.

“Ahora todas las obras son musicales, reestrenos, espectáculos en los que hay estrellas...”, aseguró Allen, que dijo echar de menos a dramaturgos de la calidad de Tennessee Williams o Arthur Miller y mostró disgusto con las producciones multimillonarias.

“El mundo en el que crecí, el del cine y Broadway, ya no es lo mismo. Es menos placentero para mí, y se combina con la experiencia de que me gusta estar en casa escribiendo, disfrutando de mi tiempo libre”, agregó.

Premio Donostia 2022: David Cronenberg.

El director y guionista canadiense David Cronenberg (Toronto, 1943) recibirá un Premio Donostia de la 70ª edición del Festival de Sebastián, que reconocerá con su máxima distinción honorífica la carrera de uno de los cineastas más singulares del último medio siglo. El canadiense se suma así al listado de directoras y directores que también han recibido el Premio Donostia, entre quienes destacan Francis Ford Coppola, Woody Allen, Oliver Stone, Agnès Varda, Hirokazu Koreeda y Costa-Gavras.

El 21 de septiembre el Teatro Victoria Eugenia acogerá la ceremonia de entrega del galardón, tras la que se proyectará Crimes of the Future (2022), el largometraje protagonizado por Viggo Mortensen, Léa Seydoux y Kristen Stewart que concursó en el último Festival de Cannes.

Maestro del horror biológico, de las atmósferas turbadoras y de un universo tan personal como intransferible, Cronenberg ha dirigido una veintena de largometrajes entre los que destacan obras convertidas en clásicos de géneros como la ciencia ficción, el terror, el drama psicológico o el thriller.

En 2004 el Festival de San Sebastián proyectó Crash (1996) en el marco de la retrospectiva Incorrect@s y tres años después Cronenberg visitó San Sebastián por primera y única vez hasta la fecha para inaugurar la Sección Oficial a concurso con Eastern Promises (2007).

Hijo de una pianista y de un escritor, David Cronenberg creció entre libros y cómics que cimentaron su interés por la cultura y el cine. Autodidacta, sus primeros trabajos fueron cortos como Transfer (1966) y From the Drain (1967), a los que siguieron sus primeros largometrajes, de corte experimental, Stereo (1969) y Crimes of the Future (1970), cuyo título coincide con el de su película más reciente.

En estas obras primerizas podían rastrearse ya los rasgos de una filmografía marcada por temas como la enfermedad, la violencia, el sexo, el cuerpo o la experimentación científica. Esta última está muy presente en la primera etapa de su obra, por ejemplo, en Vinieron de dentro de…(1975), Rabia (1977) o Cromosoma 3, (1979), en las que conviven parásitos asesinos, plagas violentas y terapias fallidas para tratar psicópatas.

También firmó encargos como Fast Company (1979), una película sobre carreras de coches, aunque los títulos que forjaron su prestigio como autor dentro del cine de género más radical fueron Scanners (1981), sobre un grupo de personas con mortales poderes mentales, y Videodrome (1983), una de las cimas de la estética de la Nueva Carne.

Tras narrar en La mosca (1986) la asfixiante historia de un científico que se transforma en insecto, contó con Jeremy Irons para protagonizar dos de sus siguientes películas: Dead Ringers (1988), en la que el actor se desdobló para encarnar a unos atormentados ginecólogos gemelos, y M. Butterfly (1993), el ambiguo romance entre una misteriosa diva de la ópera y un diplomático francés en la China de los años 60.

Cronenberg ha llevado a la pantalla novelas de escritores tan icónicos como Stephen King (The Dead Zone, 1983), William Burroughs (The Naked Lunch, 1991), quizá su mayor obra de culto y J.G. Ballard, a quien adaptó en Crash (1996), que analizaba la excitación sexual de varios personajes al sufrir accidentes automovilísticos y que obtuvo el Premio Especial del Jurado en el Festival de Cannes.

Tras adentrarse en la realidad virtual con eXistenZ (1999) y asomarse a los abismos de la enfermedad mental en Spider (2002), el cineasta canadiense inauguró una etapa en su filmografía en la que el fantástico dejó de ser el ingrediente principal de su cine, hasta que ahora, 20 años después, acaba de estrenar Crimes of the Future (2022), una revisión o compendio de sus antiguas obsesiones.

Esta última película supone su cuarta colaboración con el actor Viggo Mortensen, con quien primero rodó Una historia de violencia (2005), un thriller sobre un hombre marcado por un intrigante pasado. Los otros filmes son Promesas peligrosas (2007), una inmersión en el infierno de la mafia rusa de Londres, y Un método peligroso (2011), en la que Mortensen interpretaba a Sigmund Freud.

Los dos últimos títulos anteriores a  Crimes of the Future fueron Cosmopolis (2012), adaptación de la novela de Don DeLillo, y Maps to the Stars (2014), una ácida reflexión sobre la fama.

En ambos trabajos participó Robert Pattinson, uno de los últimos en sumarse a la amplia nómina de estrellas con las que David Cronenberg ha trabajado a lo largo de su dilatada carrera y en la que destacan, entre otras, Juliette Binoche –otro de los Premios Donostia de esta edición–, Gabriel Byrne, Willem Dafoe, Geena Davis, Michael Fassbender, Ralph Fiennes, Jeff Goldblum, Ed Harris, Holly Hunter, William Hurt, Keira Knightley, Jude Law, Jennifer Jason Leigh, Miranda Richardson, Martin Sheen, James Spader, Christopher Walken, Naomi Watts, Peter Weller y James Woods.

David Cronenberg también ha intervenido como actor en películas de otros cineastas como, por ejemplo, en Nightbreed (1990, Clive Barker), To Die For (1995, Gus Van Sant), Extreme Measures (1996, Michael Apted) y Falling (2020), cuyo director, Viggo Mortensen, fue Premio Donostia 2020.

Además, ha sido distinguido con la Orden de Canadá y es Oficial de la Orden de las Artes y las Letras y Caballero de la Legión de Honor francesas. En 2014 publicó su primera novela, Consumed: A Novel.

 

“Carajita”: conflicto de clases en Las Terrenas.

Carajita es uno de los filmes dominicanos que más expectativas ha creado previo a su estreno en los cines. La razón es simple: Carajita tuvo su estreno en el Festival de San Sebastián, uno de los pocos festivales clase A del mundo, donde consiguió una mención de honor en la categoría de Nuevos directores. Luego, en el Festival de Fine Arts, consiguió el premio a la Mejor Película, una racha ganadora que ha continuado con premios similares en los festivales de Miami y Guadalajara.

Lo digo de entrada para que quede claro: Carajita paga con creces todas las expectativas y entra por méritos propios dentro de las 5 mejores películas dominicanas en la historia de nuestra joven industria. 

El azar es caprichoso.

Para que un filme sea representativo de una nación debe abrazar algunos de los elementos que conforman la identidad de quienes quiere representar. Carajita desde su título alude a un americanismo que forma parte de nuestro léxico y abre con una reflexión sobre el azar que forma parte del ADN del dominicano: “El azar es caprichoso”, una especie de axioma existencial que nos marca de manera inexpugnable para cada cosa que pensamos, intentamos o hacemos.

Yarisa, personaje central a quien su familia llama Santa (para evitar cualquier tipo de embrujo), vive a merced de sus presentimientos: recibe avisos de que algo va a pasar y esa certeza le crea un desasosiego que no puede explicar.

Yarisa ha creado un vínculo muy especial con Sara, la adolescente de la familia De Moya, a la que ella sirve con sumisión de esclava moderna. Esta es una familia disfuncional cuya riqueza tiene su origen en la corrupción, típica de los políticos criollos, una riqueza que despilfarran en excesos con los que buscan definirse.

Sara encuentra en Yarisa el amor que no le brinda su madre biológica y, entre ellas, cualquier abrazo, cualquier palabra, cualquier caricia, destila una cálida complicidad. Un lazo que verá cuestionada su fortaleza, porque es caprichoso el azar.

Realidad versus Metarealidad.

Triste realidad: unos todo lo tienen y otros no tienen nada. ¿Es la misma realidad o son dos realidades distintas? Para los primeros, la realidad se define en cosas concretas o en cosas que pueden comprarse con dinero, como la lealtad de otros del mismo círculo. Es gente que siempre se sale con las suyas porque tiene el dinero para financiar sus posibilidades.

Para los segundos, la realidad está poblada de sueños de superación y otras supersticiones, que conforman un mundo en donde lo mágico envía permanentes señales, de evidencias más allá de lo racional. Para ellos, cualquier suceso altera el orden del cosmos y desencadena el látigo de la ira de los dioses.

Las Terrenas, lugar paradisíaco de Dominicana, emerge como escenario perfecto para este conflicto de clases. La naturaleza presta su magia compositiva para acabar de una buena vez con el mito del jardín divino. En realidad, las diferencias sociales están presentes, todo lo demás es ilusión de ternura y nos deja pidiéndole respuestas al mar.

Para unos, el alcohol y otras sustancias funcionan como elixir para atravesar los espejos sin inmutarse: el efecto del país de las maravillas. Para los otros, la soledad de un rincón con una bachata de fondo. Para unos, un complejo de culpa que se diluye en cualquier juego de infancia. Para los otros, la conformidad.

En la parte formal, Carajita emerge como unos de los guiones más sólidos de nuestro cine y hace uso de una de las pocas verdades absolutas de cualquier narrativa: menos siempre es más. Con pocas palabras, se presentan los perfiles sicológicos de los personajes y se contextualizan los hechos sin la necesidad (o la necedad) de mostrarlo todo.

En efecto, es más lo que se esconde que lo que vemos y, en más de una ocasión, el filme lleva al espectador a regocijarse con la posibilidad de jugar a los géneros. No se hagan ilusiones: es un drama, puro y duro como nuestra realidad.

Hay que destacar la excelente fotografía y edición, elementos que contribuyen de manera notable a los tempos del filme, así como la actuación de Magnolia Núñez (también premiada en Guadalajara) y Cecile van Welie: dos presencias asombrosas sobre las cuales descansa el conflicto central del filme.

Carajita es una de las mejores buenas nuevas para el cine dominicano de los últimos años.

 

Carajita (2021). Dirección: Silvina Schnicer y Ulises Porra; Guion: Ulla Prida, Silvina Schnicer y Ulises Porra; Fotografía: Iván Gierasinchuk y Sergio Armstrong; Edición: Delfina Castagnino y Ulises Porra; Música: Andrés Rodríguez; Sonido: Franklin Hernández; Elenco: Magnolia Núñez, Cecile van Welie, Richard Douglas, Adelanny Padilla.

Oscar honoríficos para Peter Weir, Diane Warren, Euzhan Palcy y Michael J. Fox.

La Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de Hollywood ha anunciado los galardonados de sus Oscar honoríficos, los también conocidos como Premios de los Gobernadores de la Academia de Hollywood (Governors Awards), que este año son para la compositora Diane Warren, el director Peter Weir y la directora y guionista Euzhan Palcy. El actor Michael J. Fox, protagonista de Regreso al futuro o Teen Wolf, será reconocido el premio Jean Hersholt en reconocimiento a su labor humanitaria.

“La Junta de Gobernadores de la Academia tiene el honor de reconocer a cuatro personas que han hecho contribuciones indelebles al cine y al mundo en general”, señala David Rubin, presidente de la Academia, en un comunicado en el que destaca “la incansable defensa de la investigación sobre la enfermedad de Parkinson de Michael J. Fox junto con su optimismo ilimitado ejemplifica el impacto de una persona para cambiar el futuro de millones”.

De Euzhan Palcy (Calle cabañas negras, A Dry White Season) la Academia destaca que es una “cineasta pionera cuya importancia revolucionaria en el cine internacional está cimentada en la historia del cine”. En cuanto a Diane Warren, que estuvo nominada en trece ocasiones al Oscar a la mejor canción y nunca se llevó el premio, el comunicado señala que “su música y sus letras han magnificado el impacto emocional de innumerables películas e inspirado a generaciones de artistas musicales”.

“Peter Weir es un director de consumada habilidad y maestría cuyo trabajo nos recuerda el poder del cine para revelar la gama completa de la experiencia humana”, señala el presidente en referencia al director de cintas como Único testigo, La sociedad de los poetas muertos, El show de Truman o Master and Commander, quien acumula un total de seis nominaciones a los Oscar sin conseguir ningún premio.

La entrega de los cuatro premios tendrá lugar en una gala que se celebrará el 19 de noviembre en Los Ángeles.

La ceremonia de entrega de la 95.ª edición Oscar está prevista para el domingo 12 de marzo del 2023. La lista de nominados a los premios de la Academia de Hollywood se conocerá el próximo 24 de enero.

Lightyear: Disney y Pixar más allá del infinito.

Nota: no estoy de acuerdo con ningún tipo de censura, una costumbre medieval que debe desaparecer. Ni suscribo una sola letra de la Cultura de la Cancelación, nueva forma de los timoratos de siempre. 

En 1995, Pixar rompió con todos los esquemas de animación conocidos. John Lasseter, al frente de la nueva compañía, apostó a la posibilidad de soñar en píxeles y llegar hasta el infinito y más allá. El resultado fue Toy Story, un filme completamente animado por computadoras, que marcó un antes y después en el género.

Toy Story ganó el Oscar a la mejor película de animación (un renglón prácticamente dominado por Pixar desde entonces) y fue el inicio de una saga que ya suma 4 entregas y acaba de renovarse con el estreno de Lightyear (2022, Angus MacLane).

No es un exceso afirmar que ninguna otra compañía se ha arriesgado más que Pixar con sus propuestas. Y lo mejor: ha cosechado rotundo éxito de público y crítica con historias que, sobre el papel, lucen ser proyectos imposibles.

Toy Story, por ejemplo, no se trata de la vida de Andy, un niño de 6 años que comienza a conocer el mundo y todas sus exigencias, sino sobre sus juguetes, encabezados por el vaquero Woody y el guardián espacial Buzz Lightyear. La prosopoyeya elevada a niveles dramáticos existenciales, porque, en el proceso, deben descubrir que son…juguetes. ¿Quién se iba a imaginar que el público se iba a identificar más con los juguetes que con los humanos de la historia?

La culminación de ese proceso es la ganadora del Oscar, Wall-E (2008, Andrew Stanton), la kinésica elevada a la categoría de sublime drama, por cuando el protagonista en un robot que ni palabras es capaz de pronunciar, en un filme que se permite ser, al mismo tiempo, una alerta medioambiental y una colección de memorias cotidianas.

Pero Pixar se atrevió a animar una historia de las emociones en sí mismas, Intensa Mente (2015, Pete Docter y Ronnie del Carmen), ganadora del Oscar, apostando a una narrativa más cercana a Tarkovski que a Disney. Recuerdo que son películas que tienen como blanco de público a niños menores de edad, aunque, para ser sinceros, muy pocos padres podemos explicar satisfactoriamente esas tramas de matices tan abstractos.

Con Soul (2021, Pete Docter), también ganadora del Oscar, Pixar llegaba más allá y hacía protagonista a un afrodescendiente, además de que continuaba explorando una temática muy abstracta que ya viene sugerida con el título del filme.

Pues bien, Lightyear ha debutado con $51 millones de dólares en USA, sin duda por debajo de la proyección inicial de $70 mdd, pero con un honroso primer lugar entre los animados postpandemia. Como era previsible, cierta campaña mediática ha surtido efecto y, para colmo, se ha prohibido su exhibición en 14 países, la mayoría de orientación islámica. Un absurdo.

Creo que Lightyear es una maravilla de animación que merece ser disfrutada por todos porque es un producto Pixar que, nueva vez, rompe los esquemas. En ese sentido, muy pocos podemos teorizar con precisión sobre la hipervelocidad y la alteración del tiempo mientras se viaja por el espacio, pero eso no nos impide disfrutar de las aventuras de Buzz en el planeta T’Kani Prime.

Lightyear contiene los elementos básicos de la ciencia ficción común: viaje por el espacio, imposibilidad de regresar a la Tierra, el héroe que encuentra su camino de redención, robots gigantes que disparan a matar y un compañero divertido que es Sox, un gato de compañía terapéutica que comparte protagonismo.

Elogiar los logros de animación en una película Pixar es llover sobre mojado. Los niveles de excelencia que exhibe están fuera de toda duda.

De cara a la Temporada de Premios, Lightyear tiene su nominación garantizada, aunque es indudable que Turning Red (2022, Domee Shi) emerge ahora como la carta con mayores probabilidades para Pixar.

Como suele suceder en estos casos, el tiempo escribirá el final perfecto.

 

Lightyear (2022). Dirección: Angus MacLane;  Guion: Angus MacLane, Jason Headley y Matthew Aldrich; Fotografía: Jeremy Lasky y Ian Megibben; Edición: Anthony Greenberg; Voces (inglés): Chris Evans, Keke Palmer, Peter Sohn, Taika Waititi.

“Carajita” arrasa en Festival de Guadalajara.

La película dominico-argentina Carajita y la cinta mexicana El reino de Dios se alzaron como las ganadoras de la 37ma. edición del Festival Internacional de Cine de Guadalajara.

Carajita fue galardonada como mejor largometraje iberoamericano de ficción, además de llevarse los premios a mejor director para Silvina Schnicer y Ulises Porra, mejor actriz para la protagonista Magnolia Núñez y Mejor Fotografía para Iván Gierasinchuk y Sergio Amstrong.

En la categoría de largometraje iberoamericano de ficción el filme Utama obtuvo el premio a Mejor Guion para el boliviano Alejandro Loayza, quien también dirigió la película y recibió el galardón a mejor ópera prima y el premio Jorge Cámara.

El premio a mejor actor fue Nahuel Pérez Biscayart, protagonista de la cinta One year, one night.

En la categoría de largometraje documental iberoamericano Alis, de Clare Weiskopf y Nicolas van Hemelryck fue premiada como Mejor Película.

El premio a mejor dirección fue para Marc Sempere-Moya y Leire Apellaniz López por la cinta española Canto cósmico, Niño de Elche y el de Mejor fotografía fue para Víctor Mares por el filme Para su tranquilidad haga su propio museo.

El documental argentino La espera, de Ingrid Valencic y María Celeste Contratti recibió el Premio de la Federación de escuelas de la imagen y sonido de América Latina. Esa misma instancia otorgó una mención especial a Mamá, documental mención especial, del director indígena Xun Sero.

En la categoría de cine mexicano la película El reino de Dios obtuvo cinco estatuillas Mezcal por Mejor Película, Mejor fotografía para Carlos Correa; Mejor actor al niño Diego Armando Lara. Mejor dirección para Claudia Sainte-Luce y premio del Jurado.

El galardón a la mejor actriz mexicana fue para Martha Aura, por la cinta Coraje y el Premio de público fue para la cinta Goya, de Pablo Orta.

El premio a mejor película por parte de la Federación Internacional de Prensa Cinematográfica fue para Coraje, del director mexicano Rubén Rojo Aura.

El Premio Maguey a mejor película de la diversidad sexual fue para la española Mi vacío y yo, de Adrián Silvestre.

El festival concluyó tras nueve días de actividades en las que fueron exhibidos 166 filmes tanto en su competencia oficial como en los programas paralelos, además de ser el espacio para decenas de conferencias con expertos.

De manera sorpresiva y fuera del programa previamente anunciado, el director Guillermo del Toro, ganador del Oscar por La forma del agua, tuvo una charla en vídeo en la que habló sobre su nueva cinta animada Pinocho, que se estrenará en diciembre.

Jean Louis Trintignant (1930-2022)

Jean-Louis Trintignant, leyenda del cine y el teatro francés, actor de Y Dios creó la mujer y Z, falleció en Francia, anunció su esposa, Mariane Hoepfner Trintignant, en un comunicado transmitido por su agente. Tenía 91 años.

El actor murió “serenamente, de vejez, esta mañana en su casa, rodeado de sus seres queridos”, precisó Hoepfner.

Desde hacía varios años sufría de cáncer. Tímido y discreto, forjó sin embargo una larga carrera con más de 160 papeles, entre cine y teatro.

Su entrada en la historia del cine fue sonada, con Un hombre y una mujer, de Claude Lelouch,

Apenas tres años después logró el premio a la mejor interpretación masculina con Z, de Costa Gavras, una requisitoria contra la dictadura de los coroneles griega que resonaría rápidamente en América Latina.

En activo desde 1956, Jean-Louis Trintignant trabajó en más de 110 películas junto con nombres tan ilustres como Brigitte Bardot, Jeanne Moreau, Dino Risi, Costa-Gavras, Éric Rohmer...

Nacido el 11 de diciembre de 1930 en Piolenc, en el sur de Francia, cerca de donde murió, Trintignant comenzó haciendo teatro, pero alcanzó mayor fama en el cine, particularmente al protagonizar con Brigitte Bardot Y Dios creó a la mujer, en 1956. Ambos vivieron una historia de amor fuera de la pantalla que sorprendió a muchos.

Trintignant describió que recurrió a la actuación para superar su timidez. Un actor “es ser una página en blanco, partir de la nada, del silencio. A partir de ahí, no necesitas hacer mucho ruido para que te escuchen”, dijo al periódico Le Monde.

Protagonizó películas italianas y varias del gran director francés Claude Lelouch, la más famosa Un hombre y una mujer, de 1966, que ganó la Palma de Oro en Cannes y el Oscar a la mejor película extranjera. Trintignant interpretó a un piloto de carreras, una pasión suya de la vida real, en un complicado romance con Anouk Aimée.

Dejó de actuar durante casi una década tras la muerte de su hija Marie, también actriz, en 2003. Su novio, el cantante francés Bertrand Cantat, la mató a golpes durante una pelea en un cuarto de hotel en Lituania, donde ella estaba rodando una película. Trintignant no recuperó las fuerzas para filmar hasta el 2012, año en el que Michael Haneke le dirigió en la desasosegante Amour. Por casualidad de la vida su último rodaje fue Happy End, también de Haneke, aunque recibió más propuestas.

Hace cinco años, Jean-Louis Trintignant anunciaba que dejaba la actuación, que ya no podía aguantar físicamente las luchas de un rodaje y que sentía la sombra de la muerte demasiado cerca como para dar vida a un nuevo personaje: “El cine acabó para mí... Tuve miedo de no dar la talla físicamente. Ya no logro desplazarme solo, siempre necesito a alguien a mi lado”, dijo en su momento.

Pucamaima anuncia 15 edición de la “Semana Más Corta”

El festival de cortos cinematográficos de la universidad Semana más Corta, comenzará el lunes 20 de junio a las 6:30 pm, en el lobby del edificio de las Facultades. La gala será inaugurada con las palabras de la ministra de Cultura Milagros German y del Rector de la Pucamaima, doctor Secilio Espinal, y contará con la participación de la afamada actriz dominicana Judith Rodríguez, con la presencia de la directora y productora de cine Leticia Tonos, presidenta de EGEDA Dominicana, y Yohan Amparo, ganador de The Voice Dominicana.

También participarán el artista Karil y el grupo de baile Pucamaima, en este festival que cuenta con la dirección ejecutiva de Ana Bélgica Guichardo, la coordinación general de Félix Manuel Lora y la asesoría de Edilenia Tactuk y Walkiria Almonte.

Este décimo quinto aniversario de la Semana más Corta está inspirado en el rescate de las contribuciones realizadas en el ámbito educativo en el cine local y también valora la evolución del cine dominicano.

Este año innova con su homenaje a los estudiantes egresados de la Pucamaima que ya tienen una trayectoria en el cine, el jueves 23 de junio, cuando se proyectarán los cortos ganadores de años anteriores y nuevos audiovisuales de los egresados, y cuenta con invitados especiales que han hecho aportes significativos a la industria cinematográfica tanto nacional como internacionalmente.

Como cada año en este festival participan otras instituciones educativas y en esta oportunidad se amplía la cantidad de instituciones educativas que suman 8 en total, contando con la Universidad de Nebrija, de Madrid, la UASD, UNIBE, INTEC, Chavon, Unapec y Acting Shool, de Bávaro, además de los campus de Santiago y Santo Domingo de la Pucamaima.

Este evento se desarrollará desde el día 20 hasta el 24 de junio gracias al apoyo de los patrocinadores, docentes, estudiantes, autoridades, invitados especiales y universidades aliadas.

Entre los patrocinnadores se destacan, el Grupo Ramos, Banreservas, EGEHID, Banco Popular, EGEDA Dominicana, AERDOM, Caribbean Cinemas, DGCine, y La Nave Post Lab.

EGEDA Dominicana, auspiciado por Entidad de Gestión de los Derechos de los Productores Audiovisuales Dominicana, premia a los estudiantes ganadores con pasajes y gastos pagos a vivir la experiencia de asistir al mercado audiovisual más grande de Iberoamérica: Iberseries & Platino Industria a celebrarse en Madrid, España en septiembre de este año. Esta alianza

estratégica permite a los estudiantes ganadores lograr un mayor aprendizaje para sus carreras al acceder a eventos que los conectan con la realidad y el dinamismo del sector cinematográfico y audiovisual que más que local tiene dimensión regional.

También apoyan este evento las empresas Laso Films, Listín Diario, Mediáticos, CDN, El Caribe, RTVD Canal 4, Acento, Vridge Studio, Color Visión y Telesistema.

Otros patrocinadores son el Nuevo Diario, ADOPRESCI, Banco Central, How To Be A Brand, What’s That Food, la Academia de las Artes y Ciencias Cinematográficas de RD, el Ministerio de Medioambiente, Aldea Studio, Mejía y Alcalá, Creativos Social Media, Emilios Hot Dog, Personalizatto, MESCYT, Pepsi, El Catador y World Television.

El jurado de esta edición está compuesto por miembros de la Asociación Dominicana de Prensa y Crítica Cinematográfica (Adopresci), integrado por Dahiana Acosta, José Aquino, Ysidro García, Edwin Cruz y Oliver Oller.

“Rafaela”: el drama del barrio.

En 2015, Tito Rodríguez debutó con el largometraje La familia Reyna, un título que demostró que, con los mínimos recursos, se puede hacer un cine digno cuando se tiene una buena historia que contar. Ahora Rodríguez nos presenta Rafaela, filme para el que cuenta con un poco más de recursos, pero que evidencia fidelidad al propósito de contar historias que, de alguna manera, recrean nuestra realidad.

El origen de Rafaela es un cortometraje de Judith Rodríguez, quien ha evolucionado de forma continua, hasta convertirse en una de nuestras mejores actrices. Ella encarna a esta líder de pandilla que sobrevive a las duras calles de Capotillo y que tiene sus propios problemas: viene de una familia disfuncional con madre adicta y sufre su indefinida orientación sexual.

Desde esta óptica, Rafaela es un solo vehicle para el lucimiento de las dotes histriónicas de Rodríguez y, en efecto, ella brilla en cada fotograma del filme, por encima incluso del desasosiego que nos siembra en el cuerpo las impactantes imágenes de este barrio de Santo Domingo.

Como en cualquiera de nuestros barrios, en Capotillo la ley del más fuerte (o mejor armado) es la que impera como razón. El microtráfico y los asaltos a cualquier hora dejan de ser percepción de burócratas para estallar ante nuestros ojos como parte del paisaje. Al margen de los colores y los sabores, únicos en sus múltiples formas, también hay un lado oscuro que viene en el todo incluido que funciona como contrato social cuando vives en esta nueva zona de guerra contra todos: contra las otras bandas, contra la policía corrupta, contra la sociedad indiferente.

Rafaela funciona como radiografía de esa atmósfera envolvente, asfixiante para los más débiles, para aquellos que se dejan devorar por las adicciones o la ambición desmedida, males que tejen un círculo vicioso que cobra vidas. Muchas vidas, de inocentes de toda culpa y de culpables de todos los excesos.

Como evidencia de que Rafaela es una forma de hacer cine que muchos de nuestros cineastas pueden (y deben) intentar, está el hecho de que ganó el concurso Primera Mirada del Festival de Panamá y tuvo su estreno mundial en el Festival de La India, uno de los más importantes del mundo. Es decir, el reconocimiento nos llega de afuera, logrado en transparente competencia.

Lo que le falta a Rafaela es superar algunas premisas que se sienten como baches en un guion que, por ratos, se percibe como una colección de clichés del bajo mundo, o como una serie de episodios que no desarrollan todo el potencial de su arco dramático, algo muy común en la mayoría de los dramas de nuestro cine.

Se agradece, eso sí, esa aproximación cruda al drama del barrio, un escenario que puede proporcionar tantas historias como personajes lo habitan, como ya lo han demostrado otras cinematografías latinoamericanas, desde Los olvidados (1950) hasta Ciudad de Dios (2002). Porque lo que importa es que Rafaela es un espejo de esta compleja realidad que nos ha tocado vivir, una realidad enmarcada entre la fugacidad del respiro y el fogonazo del disparo.

 

Rafaela (2021). Dirección: Tito Rodríguez; Guion: Cristian Mojica; Fotografía: Oliver Mota; Edición: Ramón Alfonso Peña, Tito Rodríguez; Música: Federico López Schaper; Elenco: Judith Rodríguez, Manuel Raposo, Lucas Marte.  

Caribbean Cinemas estrena nueva identidad visual.

Desde 1969, Caribbean Cinemas ha ofrecido lo mejor de la gran pantalla a través de una experiencia cinematográfica de primer nivel, desde el 3D, 4DX, proyectores digitales incluyendo 4K, tecnología láser, sonido Atmos hasta la experiencia VIP y proyección de eventos en vivo, siempre con el objetivo de mantener nuestro liderazgo en entretenimiento.

Además de avanzar en el desarrollo y posicionamiento en el mercado, la empresa con operaciones en toda el área del Caribe, incluyendo República Dominicana, se reinventa y estrena nueva identidad visual.

Caribbean Cinemas una vez más se transforma acorde a las tendencias actuales con un nuevo logo, más fresco y moderno que busca reflejar también los avances que hemos tenido como empresa desde el inicio de nuestras operaciones.

La renovada imagen de la compañía aporta también una estética elegante, sin dejar de ser entretenida como es su esencia, con elementos que unen la modernidad, que aportan la constante renovación y mejora continua de servicios.

La renovación de la imagen celebra, además, la solidez y flexibilidad que tiene la empresa de entretenimiento cinematográfica más grande del caribe. Este cambio se reflejará de manera escalonada, en esta primera etapa con cambio de logo y refrescamiento visual de sus canales digitales, página web, aplicación móvil y redes sociales.

Caribbean Cinemas es la cadena de cines más grande del Caribe. En la actualidad cuenta con 67 teatros, con 560 pantallas, incluyendo 273 pantallas en Puerto Rico, 119 en República Dominicana, 61 en Bolivia y 12 en Panamá. Su presencia en la región abarca también territorios como: Trinidad, Aruba, St. Lucia, St. Maarten, Antigua, St. Kitts, St. Thomas, St. Croix, Guyana y Guadalupe. Caribbean Cinemas tiene como objetivo ofrecer el mejor entretenimiento en el mejor ambiente incorporando siempre las últimas tendencias e innovaciones disponibles en la industria del cine.

Penélope Cruz: Premio Nacional de Cinematografía 2022.

Penélope Cruz Sánchez ha sido galardonada con el Premio Nacional de Cinematografía, correspondiente al año 2022, a propuesta del jurado. Este premio, concedido anualmente por el Ministerio de Cultura y Deporte, está dotado con 30.000 euros.

El jurado ha concedido por unanimidad el galardón a la actriz “por los éxitos cosechados en 2021, que se unen a todos los recogidos en una trayectoria excepcional. El año pasado se alzó como la primera actriz española ganadora de la Copa Volpi en el Festival de Venecia, por Madres paralelas. Y su cuarta candidatura a los premios Oscar la encumbra como la actriz española más nominada de la historia”.

Además, el jurado ha señalado que “estos premios se suman a otros que ya han reconocido su talento como el premio a la mejor interpretación femenina en Cannes, junto con sus compañeras de reparto de Volver, el Oscar a la mejor actriz de reparto (por Vicky Cristina Barcelona), el Cesar honorífico, el Premio Donostia en San Sebastián, y las trece nominaciones al Goya, de las que ha ganado tres (las dos mencionadas y La niña de tus ojos)”.

También, el jurado ha destacado a Penélope Cruz como “una de las cabezas visibles de una generación, la de los años 90, que supuso una renovación del cine español, participando en muchas de las películas emblemáticas y aclamadas internacionalmente. Desde entonces, su enorme talento y versatilidad le han abierto las puertas a colaborar con cineastas de todo el mundo manteniendo igualmente un firme vínculo con el cine español”.

“Comprometida con su oficio, busca la excelencia en su trabajo, gracias a lo cual ha creado algunos de los personajes más inolvidables de la historia de nuestro cine. Por todo ello, Penélope Cruz es una actriz icónica cuyo brillante legado enriquece el patrimonio cultural español”, ha añadido el jurado en la motivación.

El Premio Nacional de Cinematografía recompensa la aportación más sobresaliente en el ámbito cinematográfico español, puesta de manifiesto preferentemente a través de una obra hecha pública o una labor profesional desarrollada durante el año 2021, o, en casos excepcionales debidamente motivados, se otorga como reconocimiento a una trayectoria profesional.

El galardón, que el ministro de Cultura y Deporte entrega habitualmente en el marco del Festival de San Sebastián, reconoció en su pasada edición a José Sacristán, uniéndose a una amplia lista de personalidades de la cinematografía española, entre quienes se encuentran Isabel Coixet, Antonio Banderas o Fernando Trueba, entre otros.

El jurado ha estado presidido por Beatriz Navas Valdés, directora general del Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales (ICAA), y como vicepresidenta ha actuado Elisa Rodríguez Ortiz, subdirectora general de Promoción y Relaciones Internacionales del ICAA. Como vocales han actuado Virginia Yagüe Romo, a propuesta de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España; Olatz Arroyo Abaroa, a propuesta de Autores Literarios de Medios Audiovisuales; María Aranzazu Aranguren Ilarregui, a propuesta de la Unión de Actores y Actrices; Almudena Carracedo Verde, a propuesta de la Asociación de Mujeres Cineastas y de Medios Audiovisuales (CIMA); y María José Blanes Martínez, Gonzalo de Pedro Amatria y Francisco Javier Calvo Guirao, a propuesta del ICAA.

Venecia 2022: León de Oro a la trayectoria de Catherine Deneuve.

 La actriz Catherine Deneuve, icono del cine francés y una de las grandes estrellas de su generación, recibirá el “León de Oro” a su carrera en la 79 edición del Festival de cine de Venecia, que se celebrará del 31 de agosto al 10 de septiembre.

“Es una alegría recibir este prestigioso premio en el Festival de Cine de Venecia, que amo y conozco desde hace mucho tiempo, desde que Belle de Jour, de Luis Buñuel, recibió el León de Oro. Es un honor ser elegida para este homenaje por la Mostra, porque me ha acompañado muy a menudo en tantas películas”, fueron las primeras palabras de Deneuve, de 78 años, al conocer la decisión.

El director del Festival de Venecia, Alberto Barbera, valoró “el número impresionante de películas, la mayoría de ellas grandes éxitos internacionales” de la diva del cine francés, según el comunicado.

“Una cantidad igualmente considerable de premios obtenidos en los principales festivales del mundo, a los que hay que sumar una nominación al Oscar a la mejor actriz principal, un raro privilegio para una artista no estadounidense”, añadió.

Barbera también destacó sus colaboraciones con los directores y actores europeos más importantes, como Roger Vadim, Jacques Demy, Luis Buñuel, François Truffaut, Roman Polanski, Marco Ferreri, Marcello Mastroianni y Gérard Depardieu.

Durante su extraordinaria carrera, Catherine Deneuve ha recibido numerosos premios, entre ellos dos César a la mejor actriz (en 1981 por El último metro y en 1993 por Indochina), así como el Oscar a la mejor película extranjera, una Palma de oro en Cannes en 2005, y el Oso de Plata a la Mejor Contribución Artística en Berlín en 2002 por Ocho mujeres de François Ozon. 

“Un talento indiscutible al servicio de unas dotes de intérprete a las que una belleza refinada y fuera de lo común han contribuido en convertirla en el rostro mismo del cine francés, una diva atemporal, un auténtico icono de la gran pantalla”, agregó.

El director de la Mostra subrayó como Catherine Deneuve ha pasado “de ser uno de los rostros más representativos de la Nueva Ola (...) a encarnar la esencia de la diva universalmente reconocida, situándose entre las más grandes intérpretes de la historia del cine”.

“Por estos motivos, el León de Oro a la Trayectoria que le atribuye el Festival Internacional de Cine de la Bienal de Venecia con motivo del 90 aniversario de la primera edición del festival veneciano, después del León de Oro ganado con Belle de Jour, de Luis Buñuel, en 1967 y la Copa Volpi como mejor actriz por Place Vendôme, de Nicole Garcia, en 1998”, concluyó.

Johnny Depp en 6 personajes.

Johnny Depp es tendencia en las redes sociales y no por las razones correctas. El fallo a su favor en el juicio por difamación a Amber Heard es visto como un triunfo de la justicia contra la mentira y ha despertado una abrumadora de sus seguidores en todo el mundo.

La verdad es que Depp es el mejor actor americano de su generación (55-60 años) y debería ser por lo que aparezca como tendencia en las redes: un talento excepcional para recrear personajes, sobre todo cuando se pone a la orden de otro genio: Tim Burton.

Para muestra, seis de los fabulosos personajes que ha creado en el cine:

1. Jack Sparrow de Piratas del Caribe: la maldición del Perla Negra (2003, Gore Verbinski)

Según Depp, “el personaje de Jack Sparrow es una mezcla entre Keith Richards, el guitarrista de los Rolling Stones y el personaje animado, Pepe Le Pew”.

El capitán Sparrow impertinente, excéntrico y embaucador es el personaje más popular de Depp. Como cualquier pirata, vive obsesionado por los tesoros, los barcos y las aventuras en alta mar. La saga de las películas de Piratas del Caribe ha generado ingresos más de $4,000 millones de dólares.

2. El sombrerero loco de Alicia en el país de las maravillas (2010, Tim Burton)

Imaginen el atrevimiento: hacer una live action del clásico de animación de Disney y cambiar el enfoque: ahora el sombrerero loco será el centro de atención (y no Alicia) de todas las miradas. ¿Resultados? $1,024 millones de dólares recaudados en todo el mundo.

Con el cabello naranja rizado, los ojos verdes claros y un gran sombrero mágico el personaje es una explosión de color. Basado en la novela de Lewis Carroll de 1865, Burton imprime en el Sombrerero una personalidad arrolladora, polémica y bipolar: su piel y sus ojos cambian de color según su estado de ánimo.

3. Ed Wood en Ed Wood (1994, Tim Burton)

No sé cómo, pero Burton consiguió financiar una película en blanco y negro, como especie de homenaje al director de cine norteamericano Ed Wood, que ostenta el infame título de “el peor director de todos los tiempos”.

Depp hace galas de sus rangos dramáticos cuando exhibe la poderosa personalidad del director, pero también sus múltiples complejidades y talentos. Con esta película Depp fue nominado a mejor actor de reparto en los Globos de Oro.

4. Sweeney Todd en El barbero diabólico de la calle Fleet (2008, Tim Burton)

Sweeney es un barbero... bueno, en realidad se trata de un asesino en serie que convierte a sus víctimas en pasteles de carne. En esta producción trabaja junto a Burton y otra de sus compañeras recurrentes de set, Helena Bonhan Carter.

Depp consiguió su único Globo de Oro al mejor actor de comedia musical por este papel. 

5. Eduardo Manos de tijeras en El joven Manos de tijera (1990, Tim Burton)

En su primera colaboración, la vida le cambió a Tim Burton (director) y Johnny Depp (actor) hasta el punto de que han rodado 9 películas juntos y todavía no le han puesto punto final.

Eduardo es un hombre robot y su apellido indica que tiene un detalle que lo hace distinto. Se trata de un personaje de pocas palabras. De hecho, solo pronuncia 159 durante toda la película. 

Un personaje que se mueve en la brumosa frontera de lo inverosímil, pero que debe crear suficiente empatía con el público para que sea creíble su historia de amor con la adolescente del filme, encarnada por Winona Ryder, una atracción que trascendió la pantalla.

A de que Manos de tijera explota su talento esculpiendo figuras en los jardines y, tiempo después, haciendo cortes de pelo, lo cierto es que es víctima de la discriminación por parte de su comunidad y decide aislarse para protegerse.

6. Willy Wonka en Charlie y la fábrica de chocolate (2005, Tim Burton)

La primera película basada en el libro, publicado por Roald Dahl en 1964, se estrenó en 1971 y tuvo un gran éxito de crítica y público.

Sin embargo, la interpretación de Depp como el dueño de esta fábrica de chocolates en la versión renovada de Burton es magistral aportó nuevos matices a la historia y los resultados están a la vista de todos.

Un personaje que debe ser potable para todos los públicos, para un artista que debe actuar, cantar, bailar y despatillarse junto a un bosque de dulces y chocolate. Un fenómeno que le valió el primero de los 10 People’s Choice Award que tiene acumulados.