jueves, octubre 31, 2024

Muestra Audiovisual “Mirando Pa Otro Lao”

Mirando Pa Otro Lao, se gesta como plataforma donde se exhiben los trabajos cinematográficos realizados por productores, directores, actores, técnicos del área del cine de la Región Norte en principio abarcando en corto tiempo la producción en territorio nacional, diáspora e internacional (invitados).

Gracias a la iniciativa de la productora audiovisual El Nido Laboratorio & Colectivo de Artistas, dicha muestra se ha venido gestando desde el año 2018, donde hemos podido gozar de exhibiciones de cortos y largometrajes de origen local, la diáspora dominicana como también invitados internacionales tales como Argentina, México, España, Venezuela, Costa Rica, Estados Unidos entre otros.

Dentro de la Muestra Audiovisual nace el espacio de #ELJUNTE que ofrece la oportunidad de intercambiar conceptos, ideas, percepciones y pareceres de los artistas involucrados dentro de la muestra y el público interesado en cine.

Cabe señalar, que desde nuestros inicios hemos tenido el respaldo de grandes instituciones relacionadas al arte y Empresas colaboradoras que han hecho posible que Mirando Pa Otro Lao (2018-2024) sea una realidad, por lo que damos gracias por el apoyo y la confianza mostrada durante este tiempo. Asimismo, invitamos a unirse y formar más alianzas, más colaboraciones, para continuar apoyando el cine dominicano y la industria creciente en la que se ha convertido apoyando eventos solidarios para la exhibición, divulgación de su arte cinematográfico.

Este año 2024 la muestra se dedica a las figuras pioneras del cine en Santiago en honor a: MARÍA ELECTA STEFANI ESPAILLAT y FRANCISCO PALAU PICHARDO, Pioneros del Cine Dominicano (se conmemoran dos aniversarios redondos: 140 aniversario nacimiento de Maria Electa Stefani Espaillat, primera cineasta dominicana, y el 145 aniversario de nacimiento de Francisco Palau, productor de la que se le considera la primera dominicana: “La aparición de Nuestra Señora de la Altagracia”.

La muestra se llevará a cabo la semana del 27 de noviembre al 1 diciembre las proyecciones en diferentes puntos de la ciudad de Santiago y en Puerto Plata

miércoles, octubre 30, 2024

Premio AFI 2025: Francis Coppola.


Francis Coppola, director de obras maestras del cine como la trilogía de El Padrino, será galardonado con el premio a toda una trayectoria, el más importante que concede el American Film Institute (AFI) de Estados Unidos.

La entrega del premio se celebrará en una gala homenaje al realizador de Apocalypse Now que tendrá lugar en el Dolby Theater de Los Ángeles el 25 de abril del próximo año.

Coppola, de 85 años, es el último de una serie de artistas a los que se ha concedido este prestigioso galardón entre los que ya figuran Nicole Kidman, que lo recibió este año junto a Julie Andrews, Denzel Washington, George Clooney o Diane Keaton, entre otros.

Las películas de Coppola, nacido en Detroit, se encuentran entre las mejores de la historia, según el listado del AFI.

“Es uno de los cineastas más aclamados de nuestro tiempo; seis veces ganador del premio Oscar (incluido el premio Irving G. Thalberg Memorial de la Junta de Gobernadores), director, guionista y productor de películas como Patton, American Grafitti, Drácula de Bram Stoker y su última epopeya, Megalópolis”, cita la asociación cinematográfica al enumerar los méritos del realizador.

Como cofundador de la productora American Zoetrope junto a George Lucas, Coppola inició y alimentó las carreras de talentos como Carroll Ballard, John Milius, Sofia Coppola y los actores Al Pacino, Robert De Niro, James Caan, Harrison Ford, Richard Dreyfus, Diane Keaton, Robert Duvall, Matt Dillon y Diane Lane, agrega el instituto cinematográfico.

Como escritor, director, productor y pionero tecnológico, creó un conjunto de trabajos que han ayudado a dar forma al cine estadounidense contemporáneo.

Su última película, Megalópolis, estrenada este año en el Festival de Cannes, es una epopeya romana ambientada en tiempos modernos con un elenco estelar que incluye a Adam Driver, Giancarlo Esposito, Nathalie Emmanuel, Jon Voight, Laurence Fishburne y Aubrey Plaza.

El American Film Institute es una organización sin fines de lucro cuyo objetivo es defender la imagen en movimiento como forma de arte, asegura la asociación.

Premios Gotham 2024: los nominados.


Estas son las nominaciones para la 34.ª edición de los Premios Gotham, que distinguen a 40 largometrajes y 25 actuaciones en nueve categorías de premios.

Los Premios Gotham ofrece un reconocimiento temprano y la atención de los medios a narradores destacados e innovadores, incluidos escritores, directores, productores y actores.

Los nominados son seleccionados por comités de críticos de cine, periodistas, programadores de festivales y comisarios de cine. Jurados separados de escritores, directores, actores, productores, editores y otros profesionales de la industria cinematográfica determinarán los destinatarios finales de The Gothams.

Los Premios Gotham de 2024 serán entregados el lunes 2 de diciembre.

Mejor Película 

Anora

Babygirl

Challengers

A Different Man

Nickel Boys


Mejor Película International

All We Imagine as Light

Green Border 

Hard Truths

Inside the Yellow Cocoon Shell

Vermiglio


Mejor Documental 

Dahomey 

Intercepted

No Other Land

Soundtrack to a Coup d’Etat

Sugarcane

Union

lunes, octubre 28, 2024

“La Grande”, desde el 14 de noviembre en cines.

La Grande, la película biográfica sobre Fefita, la primera mujer en triunfar en el merengue típico dominicano dentro de una industria musical dominada por hombres, llegará a las salas de Caribbean Cinemas el próximo 14 de noviembre. Conocida cariñosamente como La Mayimba, Fefita no solo revolucionó el merengue típico, sino que se convirtió en un símbolo de resiliencia y empoderamiento.

Dirigida por Tito Rodríguez y bajo la producción general de Antonio Rubio, de Lolo Films, La Grande ofrece una mirada íntima a la vida de esta legendaria artista. Desde sus esfuerzos por sacar adelante a su familia hasta su consolidación como la merenguera típica más trascendental de la historia dominicana, el filme muestra el lado humano de Fefita y el impacto de su legado en la cultura.

En el elenco principal destacan Lumy Lizardo como Fefita adulta, Mariela Pichardo (La Marimba) como Fefita joven y Fahdly Jacobo como Fefita niña. Los acompañan actores como: Johanny Sosa, María Ligia Grullón, Laura Giselle Reynoso, Vic Morey, Geovanni Jerez, Rosendo De Los Santos, Raúl Plácido, Maite Bonilla, Elvis García y una actuación especial de Julie Carlo.

“Me faltan las palabras para expresar lo que significa La Grande para mí. Agradecida primero de Dios y luego de este equipo maravilloso. Hace más de cinco años, Antonio Rubio se fijó en mí para un proyecto tan hermoso, y lo mejor es que puedo disfrutarlo en vida”, expresó emocionada Manuela Josefa Cabrera Taveras, Fefita La Grande.

“Tengo una gran admiración y respeto por Lumy Lizardo, protagonista de esta película. Gracias a todos y cada uno de los que hicieron posible este proyecto”, agregó.

La Grande no solo honra la trayectoria de Fefita, sino que también destaca la riqueza cultural dominicana y el poder de la música como agente de cambio social. Con una narrativa visual cautivadora, la película explora temas como la superación, la lucha contra los estereotipos de género y la preservación de nuestras raíces culturales.

Este proyecto cuenta con el respaldo de la Ley de Cine y de Cervecería Nacional Dominicana, Aeropuerto Internacional del Cibao, Induveca,Asociación Cibao de Ahorros y Préstamos, Loteka, Hospital Metropolitano de Santiago - HOMS, Quala Dominicana, Espaillat Motors, Lear Investments, Integra Power, ASA y Asociados, Constructora Promotora, AMRZ y Asociados.

“Tíguere” debuta en Mostra de Sao Paulo.

La República Dominicana tiene presencia en la Mostra Internacional de Cinema de São Paulo, un evento que se lleva a cabo desde el 17 hasta el 30 de octubre, en la ciudad de São Paulo, Brasil, donde también tuvo su estreno mundial Tíguere, del cineasta José María Cabral.

Las producciones que participan en representación del país la encabezan Tíguere, que tuvo su estreno mundial, y es una producción del director y productor José María Cabral, y cuenta con el protagonismo de los actores Manny Pérez y Carlos Fernández, y forma parte de la sección “Perspectiva Internacional”, que se encarga de promover el intercambio cultural.

Cabe destacar que cada película seleccionada aborda temas universales y cuentan con una perspectiva única en su dramatización y tendrá exhibición al público desde este sábado 26 hasta el 30 de octubre.

Tíguere apoyada a través de la Modalidad No Concursable de Acciones de Apoyo al Posicionamiento Internacional de Agentes y Proyectos Cinematográficos que lleva a cabo la Dirección General de Cine (DGCine), fue beneficiada también con boleto aéreo gracias al acuerdo de cooperación entre la DGCine y Arajet S.A.

También el largometraje Sugar Island una coproducción dominico-española, entre Guasábara Cine y Tinglado Films, bajo la dirección de Johanné Gómez Terrero y la producción de Fernando Santos, tendrá presencia en la sección de “Competencias de Nuevos directores”. Sugar Island es ganadora del Concurso Público Fonprocine, destacando la calidad de este proyecto y la rigurosidad con que se cuenta para la selección de los filmes en dicho concurso. La sección en la que participa el film en São Paulo, destaca el trabajo de cineastas emergentes en todo el mundo. Fomentado el dialogo entre sus creadores y el público, además de contribuir al desarrollo de la industria cinematografía y al descubrimiento de nuevas voces en el cine.

La película Zafari una coproducción de Perú, Brasil, Chile, Venezuela, México, Francia y la República Dominicana, representada por Selene Films y con la participación de la productora dominicana Sterlyn Ramírez, agotará una agenda en la sección “Perspectiva Internacional”.

La participación de estos tres proyectos dominicanos y que también han sido realizados bajo la ley 108-10 para el Fomento de la Actividad Cinematográfica en la República Dominicana, resalta el éxito del talento local, y su proyección internacional en otras regiones, como la Mostra Internacional de Cinema de São Paulo que culminará el próximo miércoles 30 de octubre.

17 películas compiten por el Goya Mejor Película Iberoamericana.


17 películas presentadas por 17 países iberoamericanos competirán por ser nominadas al Goya a la Mejor Película Iberoamericana en la 39 edición de los Premios Goya, que se celebrará en Granada el próximo 8 de febrero. En esta selección, que cuenta con un título más que en la última edición, figuran un total de diez directoras y once directores.

Se trata de Agárrame fuerte, largometraje dirigido por Ana Guevara Pose y Leticia Jorge Romero que representa a Uruguay; Aire, Just Breathe, de Leticia Tonos Paniagua, escogida por República Dominicana; Aún estoy aquí, cinta brasileña de Walter Salles; la ecuatoriana Chuzalongo, dirigida por Diego Ortuño; Despierta mamá, de Arianne Benedetti, que llega de Panamá; El Jockey, representante de Argentina, dirigida por Luis Ortega; El ladrón de perros, de Vinko Tomicic Salinas, desde Bolivia; y El lugar de la otra, dirigida por Maite Alberdi, que viaja desde Chile.

Las opciones se completan con La flor del Burití, de João Salaviza y Renée Nader Messora, por Portugal; La mujer salvaje, representante de Cuba de Alán González; el largometraje colombiano La suprema, de Felipe Holguín Caro; Los últimos, de Paraguay dirigida por Sebastián Peña Escobar; Memorias de un cuerpo que arde, de Antonella Sudasassi Furniss, que representa a Costa Rica; el documental venezolano de Marianela Maldonado, Niños de las brisas; Rita, dirigida por Jayro Bustamante y que participa por Guatemala; la mexicana Sujo, de Astrid Rondero y Fernanda Valadez; y, desde Perú, Yana-Wara, codirigida por Óscar Catacora y Tito Catacora.

viernes, octubre 25, 2024

Serrat recibe el Princesa de Asturias.

Joan Manuel Serrat había advertido de que buscaría la brevedad y, como músico que tira a la poesía, ha condensado en su discurso de agradecimiento en los Premios Princesa de Asturias de las Letras 2024 una suerte de autorretrato machadiano y su visión, de “un señor mayor tirando a viejo”, sobre las injusticias del mundo, mientras en la platea le arropaban su mujer, hijas y amigos como Ana Belén o Víctor Manuel.

El compositor catalán ha comenzado recordando una lección de sus años universitarios cuando “obligado a complementar la magra beca de estudios” recurría a trabajos alimenticios previos a su carrera musical. “En uno de ellos, para casos de urgencia de los empleados, la empresa tenía habilitado un teléfono”, que tenía un límite: "Tiene para tres minutos joven, tal vez le parezca poco tiempo, pero cuando se tiene algo importante que comunicar, tres minutos son más que suficientes”.

En sus tres minutos sobre el Teatro Campoamor de Oviedo ha comenzado rememorando su infancia. “Vengo de una larga posguerra y de una familia humilde que me dio lo mejor que podrán hallar en mí. En el camino azaroso fui encontrando las razones para seguir adelante y con el impulso de los sueños llegué hasta aquí”. Serrat ha dicho ser una persona “que se siente querida y respetada, a la que le gusta su oficio. Cantar y escribir canciones”. En resumen: “Soy un hombre partidario de la vida”.

En su fallo, el jurado elogio su compromiso y Serrat lo ha comenzado a desgranar. “Prefiero los caminos a las fronteras, la razón a la fuerza y el instinto a la urbanidad. Soy un animal social y racional que necesita del hombre más allá de la tribu. Creo en la tolerancia. Creo en el respeto al derecho ajeno y el diálogo como la única manera de resolver los asuntos justamente. Creo en la libertad, la justicia y la democracia. Valores que van de la mano o no lo son”.

Pero a continuación ha apuntado a la disonancia entre esos valores y el mundo real. “Tal vez por eso no me gusta el mundo en que vivimos, hostil, contaminado e insolidario donde los valores democráticos y morales han sido sustituidos por la avidez del mercado, donde todo tiene un precio. No me gusta ser testigo de atrocidades sin unánimes y contundentes respuestas. No me conformo al ver los sueños varados en la otra orilla del rio. ¿Cuándo llegará el tiempo de vendimiar los sueños?, me pregunto de mala gana, al ver partir a los amigos sin cosechar”.

Finalmente, ha tenido tiempo para asomar una idea sencilla pero profunda de su legado: “Quiero dejar el recuerdo de un buen hombre, justo y agradecido y espero no haber llegado hasta hoy para mostrar gratitud y afecto a quienes generosamente me han regalado su amistad, su compañía y su consejo”. A saber, su mujer, padres hijos y mis nietos que son su “mayor orgullo”. Y unas últimas palabras para sus seguidores. “Gracias a los que han hecho suyas mis canciones y a todos los que desde los cuatro puntos cardinales se alegran conmigo al ver mi nombre unido a la rotunda lista de galardonados con este premio”.

Caribbean Cinemas abre sus puertas en San Francisco de Macorís.


La magia del cine llega a San Francisco de Macorís de la mano del grupo Caribbean Cinemas, quienes, en presencia de los principales ejecutivos de la cadena de cine, invitados especiales de la provincia Duarte y amigos de la prensa, dejaron formalmente inauguradas las instalaciones ubicadas en Plaza Palmares. 

El cine que lleva por nombre CARIBBEAN CINEMAS PALMARES AT SAN FRANCISCO, ubicado en la avenida Antonio Guzman Fernandez Plaza Palmares, tendrá tandas matinée de lunes a viernes desde las 5pm y a partir de las 3pm los fines de semana. 

Dentro de las novedades que cuenta el cine se pueden resaltar 7 salas tipo estadio con asientos en piel, numeradas, sala CXC con Dolby Atmos, sala 3D, kioskos de autoservicio, Game Room, Salón de cumpleaños, 2 salas VIP con moderno lounge. 

En adición, incluye ascensor para personas con condiciones especiales, moderno y variado candy bar, menú de alimentos y bebidas con servicio de mozo al asiento en las salas VIP, entre otras comodidades. 

Caribbean Cinemas continúa confiando en la industria del entretenimiento y cine en el país, apostando al desarrollo de la zona y ofreciendo modernas instalaciones, con lo último en tecnología, impresionante iluminación de áreas, en adición de las funciones de Cine para todos para niños y adultos con condiciones especiales. 

El acto inaugural con el tradicional corte de cinta estuvo encabezado por los principales ejecutivos del Grupo, Robert Carrady presidente de Caribbean Cinemas; Gregory Quinn, Managing Partner, y Zumaya Cordero, directora general de Operaciones, quienes se hicieron acompañar por José López y José Abigail López, presidente y vicepresidente de Operaciones de Grupo Porvenir respectivamente, Franklin Romero, Senador de la provincia Duarte; Mariana Vargas, directora de DGCINE, y otros ejecutivos de la empresa. 

Durante la ceremonia, Robert Carrady expresó “para nuestra empresa es una gran satisfacción seguir construyendo ambientes sanos donde las familias se puedan unir y disfrutar, de igual forma contribuir al crecimiento cultural en República Dominicana, ahora con un cine que cuenta con todas las facilidades que caracteriza nuestra cadena Caribbean Cinemas en San Francisco”.

En el mismo orden, Gregory Quinn, Managing Partner de Caribbean Cinemas, además de agradecer al Grupo Porvenir reafirmó: “Caribbean Cinemas ha operado de forma continua en la República Dominicana por más de 48 años, generando empleos y dinamismo económico en cada zona donde abrimos, en esta ocasión en la zona nordeste con más de 100 empleos indirectos con la etapa de construcción y terminación y más de 60 nuevos empleos fijos con la operación de este cine”.

En cuanto a la remodelación del cine los ejecutivos de Caribbean Cinemas reconocieron y agradecieron al equipo de trabajo dentro y fuera del grupo que hizo posible este proyecto, Zumaya Cordero, directora de operaciones en el país junto al equipo interno, ingeniero Richard Ramirez, Johaina Raposo de Operaciones, Pablo Lobos, Percy Castillo, Héctor Peña. En electricidad e iluminación la empresa STM a cargo del ingeniero Iván Jiménez, y Kelvin Cibrián; mientras que el moderno diseño del cine estuvo a cargo de la constructora HAGECO, con la supervisión de proyecto del arquitecto Javier Robledo. 

Para celebrar esta apertura se proyectó de manera especial uno de los estrenos más esperados de octubre, Venom 3: el último baile.  

“Julie Keeps Quiet”: formidable ópera prima de Leonardo Van Dijl.

Una confesión al año no hace daño: a los críticos nos gustan las películas que obligan al espectador a “leer entre líneas”, o sea, abandonar su zona de confort, soltar las redes sociales en banda y prestar absoluta atención a lo que no es evidente en una historia.

Ese “leer entre líneas” siempre implica involucrarse activamente con el llamado subtexto de la narrativa cinematográfica porque, de lo contrario, un sentimiento de desorientación te invade y te quedas sin entender nada o te entregas, aburrido, a los brazos de Morfeo.

La introducción le viene como anillo al dedo al filme Julie Keeps Quiet (vaya usted a saber cómo la van a titular en español), ópera prima del belga Leonardo Van Dijl, que fue estrenada este año en la Semana de la Crítica en Cannes, donde recibió los premios GAN Foundation y SACD.

Lo primero que me llamó la atención entre la lista de 23 productores ejecutivos fueron los nombres de Jean-Pierre y Luc Dardene, cineastas belgas que han ganado la Palma de Oro en dos ocasiones: Rosetta (1999) y El niño (2005), así como de Florian Zeller, ganador del Oscar por El Padre (2020). Pero también de Naomi Osaka, campeona del U.S. Open en 2018 y 2020, y eso porque el filme trata sobre el mundo del tenis.

La premisa de Julie Keeps Quiet es bastante simple: la adolescente del título es prometedora jugadora de tenis cuya meta a corto plazo en ser seleccionada en el torneo de la Federación Belga de Tenis (BFT, por sus siglas en inglés). El conflicto empieza cuando una compañera de academia de Julie se suicida y las investigaciones conducen hasta el entrenador de ambas, Jeremy. Todos quieren que Julie hable, pero ella permanece callada (si no te has percatado todavía, ese es el título de la película).

Lo interesante es que Van Dijl no se decanta por el thriller fácil de cacería del sospechoso, sino por el intenso drama de Julie, a punto de ver su mundo derrumbarse. En efecto, Julie Keeps Quiet nos cuenta más de la preparación mental que de su acondicionamiento físico para la competencia en un deporte tan demandante como el tenis, en que todo depende de uno mismo y no hay piedad en ningún saque en la cancha.

Los atletas todo lo hacen ver fácil. La realidad es que detrás de cada punto marcado hay una estela de sudor y sangre, de dolor y ganas de tirar la toalla. Eso en el aspecto físico, el más fácil.

Detrás de cada trofeo se esconde una historia de continua superación contra las trampas que siembra en la mente del atleta, mensajes de un cuerpo que lo reta a permanecer de pies en el vacío del cansancio. Esa es la preparación mental, la más difícil de todas.

Físicamente, entrenas cada día en un horario establecido acorde a tus necesidades. Mentalmente, no hay horarios definidos. En el caso de Julie, sacrifica horas de esparcimiento, horas de sueño y carga el enorme peso de las tribulaciones que le vienen de lo que sus padres, sus profesores y sus compañeras esperan de ella.

En este punto es preciso señalar el excelente desempeño de la debutante Tessa Van den Broeck, auténtica atleta de tenis. Ella ha logrado construir un personaje que, bajo su impasible calma, intuimos vive el mayor desafío de su vida y no cuenta con nadie en quien confiar. Cuando está con sus padres, lo niega todo. Cuando está con sus amigas, todo está bien. Pero sentimos que es un volcán a punto de estallar.

Ahora, permítanme citar a Bergman: “Hay muchos directores que olvidan que nuestro trabajo en una película empieza con el rostro humano. (Debemos ser conscientes) de que el enfoque del rostro humano es, sin duda, el atributo que distingue al cine.”

Tessa Van den Broeck aparece en cada fotograma de Julie Keeps Quiet y su rostro nos sirve de referencia para todo lo que es evidente y lo que debemos intuir de la historia. Un logro estético que se aprecia en su justa dimensión y que la convierte en una de las mejores películas de 2024.

 

Julie Keeps Quiet (2024). Dirección: Leonardo Van Dijl; Guion: Leonardo Van Dijl y Ruth Becquart; Fotografía: Nicolas Karakatsanis; Edición: Bert Jacobs y Ludo Troch; Música: caroline Shaw; Elenco: Tessa Van den Broeck.

jueves, octubre 24, 2024

"Venom: el último baile” desde 24 de octubre en cines.

Cinematográfica Blancica, representante oficial de Sony Pictures en República Dominicana, celebró la premier privada de Venom: el último baile. Al evento, que tuvo lugar en Caribbean Cinemas Downtown Center, asistieron críticos de cine, miembros de la prensa y amigos cercanos a la marca.

En Venom: el último baile, Tom Hardy regresa como Venom, uno de los personajes más grandes y complejos de Marvel, para la última película de la trilogía. Eddie y Venom están huyendo. Perseguidos por sus dos mundos, el dúo se ve obligado a tomar una decisión devastadora que bajará el telón en un último baile entre Venom y Eddie.

Venom: el último baile está protagonizada por Tom Hardy, Chiwetel Ejiofor, Juno Temple, Rhys Ifans, Peggy Lu Alanna Ubach y Stephen Graham. La película está dirigida por Kelly Marcel a partir de un guion escrito por ella, basado en una historia de Hardy y Marcel. La película está producida por Avi Arad, Matt Tolmach, Amy Pascal, Kelly Marcel, Tom Hardy y Hutch Parker.

Desde su debut, Venom se ha consolidado como una de las franquicias más exitosas dentro del universo de personajes de Spider-Man creado por Sony. Con las dos primeras películas recaudando más de $800 y $500 millones de dólares en todo el mundo, y siendo indiscutiblemente las películas mejor clasificadas en el Universo Spider-Man de Sony.

En Venom 3, el personaje principal y su anfitrión, Eddie Brock, se enfrentarán a Knull, el dios de los simbiontes y uno de los villanos más temibles de Marvel Comics. Knull ha demostrado ser una amenaza del nivel de los Vengadores en los cómics, lo que promete una confrontación épica. Con un villano intrigante, un antihéroe carismático y el éxito de las dos primeras entregas, Venom 3 tiene todos los elementos necesarios para ofrecer una conclusión espectacular. Venom: el último baile es una película de Sony Pictures, distribuida en República Dominicana por Cinematográfica Blancica y ya está disponible en cines.

miércoles, octubre 23, 2024

“The Outrun”: formidable actuación de Saoirse Ronan.

The Outrun arranca con una voz en off que nos cuenta una fábula terrible: “En las islas Orcadas, se dice que las personas que se ahogan se convierten en focas. Nosotros las llamamos selkies. Cuando hay marea alta, se quitan la piel de foca por la noche y llegan a la orilla en forma de gente bellísima y bailan juntos desnudos a la luz de la luna. Los selkies vuelven al mar al amanecer, a menos que los vea una persona. Entonces, quedan atrapados en su forma humana y no pueden regresar”.

La reflexión nos conduce a Amy Liptrot, personaje que baila apaciblemente, bajo una luz crepuscular. No deja entrever ningún problema, pero sospechamos que algo no anda bien. Amy está maravillosamente encarnada por Saoirse Ronan, una de las mejores actrices jóvenes del mundo cinematográfico. Tomando en cuenta que The Outrun está basada en las memorias de Liptrot, un éxito editorial extraordinario para un libro que trata de adicción a las drogas y rehabilitación, de salud mental y supervivencia, el riesgo de aceptar el personaje es que existe una persona de carne y hueso con quien podemos comparar su actuación y sacar nuestras conclusiones.

El peligroso personaje de Amy solo tiene mucho miedo y le faltan la serenidad, el valor y la sabiduría que le pide a Dios en sus oraciones, al inicio de cada sesión de Alcohólicos Anónimos. En el duro entorno de Islas Orcadas, al norte de Escocia, Amy vive en un mar de confusiones, agravadas por el constante movimiento de las olas y el frío glaciar que le congela el alma. Simple: ella no puede ser feliz mientras está sobria.

Como todas las adictas al alcohol, Amy busca las respuestas a su desasosiego donde nunca las va a encontrar: en el fondo de la botella. Es por eso que debe iniciar el proceso de su propia salvación encerrándose consigo misma en la isla Papay, la más lejana, solitaria y barata, un sitio inhóspito hasta para los lugareños: en un bonito día, la temperatura puede subir hasta los 9 grados. Punto para el bolero: para conjurar la soledad, en un momento suena una curiosa versión de Perfidia, composición del mexicano Alberto Domínguez, incluida por primera vez en el clásico Casablanca (1942).

Para medir la hostilidad del lugar: han desaparecido los Guiones de codornices, una pequeña ave capaz de emigrar hasta el centro de África y retornar, para llenar la soledad de las Orcadas con su canto nocturno: “crex, crex”, tan único que de él heredaron su nombre científico.

Amy lo ha perdido todo y busca recuperar lo que se pueda, milagro posible cuando comprenda que el universo late en su cuerpo, que puede conocer los secretos de las olas y del viento si les presta la atención debida, si renuncia de una buena vez a las presiones cotidianas de una sociedad que no la entiende en su compleja simplicidad.

Este detalle del personaje le emparenta con la marca de estilo de la directora Nora Fingscheidt en sus dos películas anteriores: System Crasher (2019, sobre una niña de 9 años que reclama desesperadamente amor de su familia) e Imperdonable (2021), en la que Sandra Bullock es una exconvicta que solo recibe rechazo social.

Saoirse Ronan ha estado nominada cuatro ocasiones a los Globos de Oro: por Atonement (2008), Brooklyn (2016), Lady Bird (2018, ganadora) y Mujercitas (2020). Cuenta también con cuatro nominaciones al Oscar y al SAG (premio del sindicato de actores) y cinco al Premio Bafta. Es decir, reconocimiento de la crítica y de sus colegas actores no le ha faltado. En The Outrun consigue una de las actuaciones más físicamente demandantes que hemos visto en los últimos años y huele a Temporada de Premios.

The Outrun (2024). Dirección: Nora Fingscheidt; Guion: Nora Fingscheidt y Amy Liptrop, basado en las memorias de Liptrop; Fotografía: Yunus Roy Imer; Edición: Stephan Bechinger; Música: John Gürtler y Jan Miserre; Elenco: Saoirse Ronan.

martes, octubre 22, 2024

“Fancy Dance”: ópera prima de Erica Tremblay.

Una de las mejores cosas que nos dejó la pasada Temporada de Premios fue descubrir a Lily Gladstone. A pesar de que ella había protagonizado par de películas, fue su participación en Los asesinos de la luna lo que la puso en el mapa cinéfilo. Recuerden que por su papel consiguió el Globo de Oro a la mejor actriz y una justa nominación al Oscar.

Ahora, Gladstone protagoniza Fancy Dance, ópera prima dirigida por Erica Tremblay, cineasta originaria de la Nación Seneca Cayuga que hasta ahora solo había realizado cortos documentales. Tremblay, de manera indudable, se inscribe por méritos propios en la lista de las realizadoras a quienes hay que dar seguimiento porque tienen cosas nuevas (e interesantes) que contar.

En Fancy Dance, Jax cuida de su sobrina Roki (de trece años), mientras espera que la madre de la niña, desaparecida en misteriosas circunstancias, regrese para llevarla al Powwow.

Abro un paréntesis cultural: el Powwow es un encuentro de los miembros de las Naciones indígenas americanas que se hace para celebrar su cultura. Así, cada año se reúnen con el propósito de bailar, cantar y honrar las tradiciones de sus antepasados.

Para Roki, una teenager que quiere permanecer fiel a las tradiciones de la Nación Seneca Cayuga, asistir al powwow en compañía de su madre significa todo en la vida. Tiene dos pequeñitos problemas: su madre no aparece y su abuelo ha puesto en marcha una reclamación legal de tutoría que la separa de su tía Jax.

En ese contexto, Fancy Dance se presta para denunciar cómo las naciones indígenas son abiertamente discriminadas por las autoridades (policía estatal) y el sistema de justicia de Estados Unidos (el conocido FBI), quienes los tratan como ciudadanos de segunda categoría. Tremblay sirve adecuadamente los elementos narrativos para que eso conste en acta y, además, introduce algunos guiños del thriller más sofisticado: hay una persona desaparecida y su foto con un “missing” en mayúsculas nos siembra en el centro de la angustia.

Fancy Dance también se sirve del contraste de culturas entre quienes se han “asimilado” como ciudadanos de la sociedad colonial y aquellos que no piensan renunciar a ser Seneca Cayuga y hablan en cayuga, idioma incomprensible para los blancos, quienes tampoco entienden el significado espiritual que envuelve todo lo relativo a las naciones indígenas y sus costumbres. No es un carnaval al que van “disfrazados”, es una ceremonia de profundo significado a la que hay que asistir con el atuendo adecuado.

Gladstone brinda otra formidable actuación y frente a ella brilla con luz propia Isabel DeRoy-Olson, quien ya ganó por el filme el Premio Lost Weekend como actriz de reparto. Hay que señalar que, aunque en Los asesinos de la luna Gladstone también encarnó a una nativa americana, el personaje de Jax es radicalmente distinto y le permite crear unos matices completamente distintos, amén de que su arco dramático requiere de una actriz con condiciones de asumir riesgos. No digo más porque sería innecesario spoiler.

Fancy Dance queda como una luminosa película, que reinvidica el derecho a permanecer fieles a nuestra herencia cultural, al respeto a nuestros antepasados, en busca de encontrar las respuestas en los nebulosos caminos de nuestra identidad.

 

Fancy Dance (2023). Dirección: Erica Tremblay; Guion: Erica Tremblay y Miciana Alise; Fotografía: Carolina Costa; Edición: Robert Grigsby Wilson; Música: Samantha Crain; Elenco: Lily Gladstone, Isabel DeRoy-Olson, Shea Whigham.

Película animada dominicana “Olivia y las nubes” recibe Mención Especial en el London Film Festival.

La película animada Olivia y las nubes fue reconocida con una Mención Especial en el prestigioso British Film Institute (BFI) London Film Festival 2024. El filme, que participó en la categoría First Feature Competition, fue destacado por el jurado del Premio Sutherland, una de las competiciones más importantes del certamen, que premia la Mejor Ópera Prima.

Olivia y las nubes dirigida por el cineasta Tomás Pichardo y bajo la producción de Fernando Santos y Amelia del Mar, fue elogiada por el jurado definiéndola como “un festín caleidoscópico para los ojos y los oídos que juega de manera lúdica con la línea entre la memoria y la realidad, explorando magistralmente una variedad de estilos de animación”. Esta notable apreciación subraya la creatividad visual y narrativa de la película, que combina diversos estilos de animación para contar su historia, proporcionando una experiencia sensorial única para el espectador.

El BFI London Film Festival, organizado por el British Film Institute (BFI), se celebró del 9 al 20 de octubre de 2024 en Londres, Inglaterra. Este festival, uno de los más importantes en la industria cinematográfica a nivel global, se ha consolidado como una plataforma clave para el estreno de películas internacionales y europeas, además de servir como punto de encuentro para cineastas, críticos, distribuidores y productores.

La First Feature Competition es una sección dedicada a las óperas primas, con el objetivo de celebrar la originalidad, el riesgo creativo y la visión artística de los nuevos talentos en el cine. Este año, la competición contó con una selección de trabajos innovadores de realizadores emergentes de todo el mundo, y el jurado internacional destacó la calidad artística de Olivia y las nubes.

El reconocimiento a esta película animada reafirma el éxito, la calidad y el trabajo de las películas dominicanas en la escena cinematográfica internacional, consolidándola como una de las producciones animadas más prometedoras en este tipo de festivales que reúne a los nombres más importantes de la industria y ofrece una plataforma única para el estreno de películas y la promoción de nuevos talentos.

Además de Olivia y las nubes, otras 3 películas dominicanos estuvieron presentes en el Festival: Pepe, dirigida por Nelson Carlo de los Santos Arias y producida por Pablo Lozano y Tanya Valette. Además, La bachata de biónico de Yoel Morales, y finalmente, Sugar Island, de Johanne Terrero, estas tres participando en la sesión Dare. 

Importante resaltar que, estas películas fueron realizadas con el financiamiento de la Ley de Cine y que tanto Olivia y las nubes, como Pepe y Sugar Island son proyectos ganadores del Concurso Público FONPROCINE. Esto destaca la calidad y rigurosidad con las que son seleccionados los filmes en dicho concurso.

lunes, octubre 21, 2024

Premios SAG 2025: Jane Fonda, Premio a la Trayectoria.

La legendaria actriz y activista Jane Fonda ha sido nombrada la 60.ª ganadora del máximo homenaje del Sindicato de Actores: el premio SAG a la trayectoria, tanto por sus logros profesionales como humanitarios. Fonda recibirá el máximo honor del sindicato de artistas en la 31.ª edición de los premios anuales del Sindicato de Actores de Cine, a entregarse el domingo 23 de febrero de 2025.

El premio SAG a la trayectoria, que se entrega anualmente a un actor que fomenta los “mejores ideales de la profesión de actor”, será la última de las distinciones internacionales de la industria y del público que Fonda recibe en reconocimiento a sus magistrales actuaciones y su impactante activismo.

La aclamada carrera de Jane Fonda, que abarca seis décadas, ha cautivado al público con sus versátiles actuaciones en cine, televisión y teatro, al tiempo que ha utilizado su plataforma para defender causas sociales fundamentales.

Entre sus distinciones anteriores se incluyen dos Oscar, dos premios BAFTA, un Emmy, siete Globos de Oro, el premio AFI Life Achievement Award 2015, el premio Cecil B. DeMille, el premio Women in Hollywood Icon de Elle y el premio humanitario Jane Fonda Women in Film, que lleva el nombre de Fonda por su activismo de toda la vida y sus compromisos filantrópicos.

Aceptó el premio Harry Belafonte Voices for Social Justice en el Festival de Cine de Tribeca de 2023. Más recientemente, en abril de 2024, Fonda aceptó el premio Earth Award de la revista TIME.

La presidenta de SAG-AFTRA, Fran Drescher, dijo: “Jane Fonda es una pionera y un talento extraordinario; una fuerza dinámica que ha dado forma al panorama del entretenimiento, la defensa y la cultura con una pasión inquebrantable. Honramos a Jane no solo por su brillantez artística, sino por el profundo legado de activismo y empoderamiento que ha creado. Su honestidad intrépida ha sido una inspiración para mí y para muchos otros en nuestra industria”.

Fonda dijo por su parte: “Me siento profundamente honrada de ser la ganadora del premio SAG Life Achievement Award de este año. He trabajado en esta industria durante casi toda mi vida y no hay honor como el que te otorgan tus colegas. SAG-AFTRA trabaja incansablemente para proteger a los actores que trabajan y para garantizar que los miembros del sindicato sean tratados de manera equitativa en todas las áreas, y estoy orgullosa de ser miembro mientras continuamos trabajando para proteger a las generaciones futuras de artistas”.

Jane Fonda hizo su debut cinematográfico en Tall Story, pero fue su actuación en Klute la que solidificó su estatus como actriz principal, lo que le valió el primero de dos premios de la Academia a la Mejor Actriz. Luego protagonizó películas icónicas como Coming Home, por la que recibió su segundo premio de la Academia, y 9 to 5, una adorada comedia sobre el sexismo en el lugar de trabajo en la que coprotagonizó con Lily Tomlin y Dolly Parton. La filmografía de Fonda es tan variada como impresionante, con trabajos notables como They Shoot Horses, Don't They?, The China Syndrome y On Golden Pond.

jueves, octubre 17, 2024

Caribbean Cinemas llega a San Francisco de Macorís.


Este sábado 19 de octubre tendrá su apertura el nuevo cine Caribbean Cinemas San Francisco de Macorís, ubicado en la Av. Antonio Guzman Fernandez, Palmares Mall con un soft opening.

Caribbean Cinemas continúa apostando al desarrollo de la industria del cine, ofreciendo instalaciones modernas y accesibles para todo tipo de público. Este nuevo cine contará con 7 salas tipo stadium, butacas altas de piel, asientos numerados, kioscos para venta online, áreas para discapacitados, una sala formato 3D y CXC con proyección láser y sonido dolby ATMOS 7.1, gameroom, salón para cumpleaños. Además, contará con dos balcones con área VIP con las siguientes características: ascensor para discapacitados, moderna área lounge de espera, candy bar, menú de bar full drinks y servicio con mozos desde el asiento.

Con esta nueva apertura, Caribbean Cinemas muestra del compromiso de la marca, la cual ha operado de forma continua en la República Dominicana por más de 48 años, además de contar con más de 600 pantallas de cine en 15 países de la región.

Cabe resaltar que con esta apertura San Francisco podrá disfrutar de grandes blockbusters como Joker 2, Venom 3, Moana 2, Mufasa y también las películas dominicanas más esperadas en un ambiente sano y familiar.

Así mismo Caribbean Cinemas ofrecerá una atractiva cartelera vigente desde su apertura con películas como: Joker, Beetlejuice, Smile 2, Deadpool & Wolverine, The Wild Robot, Intensa Mente 2 y Perdiendo el Juicio

La emprensa destacó, por motivo de la inauguración, del 28 de octubre al 5 de noviembre se realizará un ciclo de cine con películas de la actriz francomacorisana Nashla Bogaert, a un costo de entrada de $150 pesos, con las películas No es lo que parece, Colao, Las pequeñas cosas, Cuarencena, El método, No me conoces, Hotel Coppelia y Lo que siento por ti.

Caribbean Cinemas confirma el compromiso de la marca en ofrecer el mejor entretenimiento en el mejor ambiente incorporando siempre las últimas tendencias e innovaciones disponibles en la industria del cine. Como un regalo por su apertura estará obsequiando palomitas de maíz gratis en su apertura el sábado 19.

Para horarios y cartelera pueden visualizar a través de la página web www.caribbeancinemas.com  o a través de su aplicación móvil.

“Morena(s)”: el amargo camino de la migración.

Lo peor que le puede pasar a una nación es que sus hijos pierdan toda la fe en su porvenir económico, quemen las naves y se marchen a otras tierras con la firme convicción de no volver. Esos migrantes que buscan mejorar sus condiciones de vida son una herida que desangra nuestras posibilidades de ser mejores, como país o como individuos, y cada vez condiciona nuestro futuro a los dictados del azar.

Esos migrantes, en su mayoría, son carne de cañón destinados a los peores oficios del mundo, los peores remunerados, a sufrir la xenofobia habitual y a vivir permanente en un camino de amargura, entre sentidas bachatas y botellas de cerveza.

Ese es la terrible realidad que describe Morena(s), emotivo documental escrito y dirigido por Victoria Apolinario e Iván de Lara. Morela Mateo Medina, es la “Morena” del título y regentea el bar restaurant Sabor Caribeño en el barrio Constitución, en Buenos Aires (Argentina). Su drama es que necesita dinero para salvar su negocio y debe recurrir a su exnuero, quien plantea unas condiciones inaceptables.

En realidad, el principal problema de Morena es el desarraigo que le corroe el pecho y le intranquiliza el alma. Como muchas otras, Morena ha emigrado para tratar de echar pa’lante y superarse y brindarles una mejor vida a sus hijos, comenzando por la necesaria reunificación: el menor de ellos todavía vive en Dominicana.

A veces, una bachata de Anthony Santos funciona como bálsamo a sus penas. Pero ese dolor del emigrante sigue ahí, intacto, presto a intensificarse en los peores momentos. Morena se aferra a sus raíces caribeñas y baila con tristeza contenida. Ríe, pero el dolor sigue ahí. Pero una bachata y una botella de cerveza es lo que necesita su identidad en construcción para no rendirse, para no tirar la toalla ante tanto espanto.

Uno de los aspectos más sobresalientes de Morena(s) es que Apolinario y De Lara han logrado la maravilla de hacerse invisibles para sus protagonistas, quienes nos abren sus corazones de par en par, nos hacen testigos privilegiados de sus testimonios (contando hasta lo que no se debe), de sus penas y sus alegrías, de sus pequeños momentos de colores, en un entorno donde no florece la esperanza de un futuro mejor.

Morena(s) navega las aguas del documental puro y duro (con notoria influencia del Neorrealismo Italiano), ese que no manipula emociones, ni repite testimonios con mejor iluminación. Sus realizadores se entregan por entero a la aventura de rodar y hasta sortean uno que otro “despojo” de su zona de interés, la locación donde se hacen añicos los sueños.

Morena(s) es un brillante ejercicio de las posibilidades narrativas de nuestros documentales. Y hace tiempo que títulos como Ramona, Diáspora y No me conoces (por solo mencionar tres) lo han dejado bien claro: el cielo es el límite, si los enemigos de la Ley de Cine lo permiten.

 

Morena(s) (2022). Dirección y guion: Victoria Apolinario e Iván de Lara; Fotografía: Iván de Lara; Edición: Nathalia LaFuente; Elenco: Morela Mateo Medina, Leomarys Medina, Sabrina Fernández.  

Aitana Sánchez-Gijón: Goya de Honor 2025.

La actriz Aitana Sánchez-Gijón será reconocida con el Goya de Honor de 2025, premio a su trayectoria que la institución le entregará en la Gala de los Goya, que se celebrará el 8 de febrero en el Palacio de Congresos de la ciudad de Granada.

Casi 40 años de carrera cinematográfica avalan a la intérprete, que logró la Concha de Plata a la Mejor actriz del Festival de San Sebastián por Volavérunt, de Bigas Luna, y su primera nominación a los premios Goya por Madres paralelas, de Pedro Almodóvar. Una trayectoria en el cine, que ha compatibilizado con sus extraordinarios trabajos en la escena y con populares personajes en series de televisión.

En un encuentro con los medios, donde se mostró “abrumada, agradecidísima y muy feliz”, Sánchez-Gijón hizo balance de los 38 años que lleva en el cine. “Cuando era joven solo deseaba ser actriz como nada en el mundo, era una certeza. Tuve la suerte de que me saliera bien. No me he imaginado nada de lo que me iba a pasar, me lo he encontrado por el camino y también he podido hacer elecciones conscientes. Me lo he tomado con mucha seriedad, pero sin perder de vista la niña interior que juega y que intenta sacar hacia fuera algo del alma humana a través de los personajes”, expuso.

La Junta Directiva de la Academia ha decidido otorgar este premio honorífico a “una actriz muy querida y respetada por sus compañeros y reconocida por el público y la crítica desde sus comienzos. Una actriz completa: seria, responsable, competente, cercana y que sabe otorgar a todos sus trabajos verdad, sinceridad y profundidad”, destacó el presidente de la Academia, Fernando Méndez-Leite.

Para la actriz, el Goya de Honor “es un espaldarazo, es sentirme querida por mis compañeras y compañeros, que valoran que llevo aquí toda la vida y sentir que formo parte de esta familia del cine. Son 40 años desde que empecé a dedicarme profesionalmente a la actuación y 45 años desde que empecé con La Barraca. He nacido casi siendo actriz y sentir que esa trayectoria de vida es vista por mis compañeros me emociona profundamente. Muchos de los que nos dedicamos a esto necesitamos ser amados y esto es una prueba de amor máxima. Es un estímulo para seguir adelante”.

Sánchez-Gijón, que ha trabajado en películas de Fernando Fernán-Gómez, Pilar Miró, Bigas Luna, Vicente Aranda, Gonzalo Suárez, Jaime Chávarri, Imanol Uribe, Fernando Colomo, Pedro Almodóvar, Adolfo Aristarain, Juan José Campanella, Manolo Gómez Pereira o Patricia Ferreira, entre otros, cree que este Goya le llega en un buen momento profesional. “Estoy en plenitud de facultades, soy más consciente de mis recursos, estoy más en paz con mis limitaciones y me doy más espacio a jugar y arriesgarme más”, reflexionó la intérprete, a quien la noticia le llegó a una hora de tener que subirse a las tablas para interpretar la obra de teatro La madre.

Aitana fue la primera mujer en presidir la Academia de Cine (entre 1998 y 2000) y que ha rodado en inglés, francés e italiano, tampoco ha abandonado su trabajo en televisión, donde en los últimos años ha aparecido en las series Velvet, Estoy vivo y Respira.

En los últimos diez años de Premios Goya, el Goya de Honor ha recaído en 5 mujeres (Aitana Sánchez-Gijón, Ángela Molina, Pepa Flores ‘Marisol’, Marisa Paredes y Ana Belén) y en 5 hombres (Juan Mariné, Carlos Saura, José Sacristán, Narciso Ibáñez Serrador y Mariano Ozores).

viernes, octubre 11, 2024

“La sustancia”: la mortal industria de la belleza.

La industria de la belleza es uno de los negocios más prósperos del mundo. La cosa es simple: debemos ser perfectas Afroditas o comprar productos para serlo. Y la propaganda es continua las 24 horas de todos los días: o somos muy gordos, o muy bajos, o nuestro pelo, o alguna parte de nuestro cuerpo nos impide reclamar el 10 de la perfección. Y terminamos convencidos de que no encajamos con los ideales de belleza del mundo.

Esa enorme presión social se multiplica por dos en el caso de las mujeres y se triplica en el caso de las damas de los medios de comunicación: siempre hay que andar bien puestas, controlar el peso y tratar de prorrogar el natural envejecimiento del cuerpo hasta donde se pueda.

Actrices y comunicadoras son productos a los que la industria de Hollywood les tiene una fecha de vencimiento inexpugnable: 50 años. Es el caso de Elisabeth Sparkle, el personaje protagonista de La sustancia, filme de Coralie Fargeat que, desde su estreno en Cannes, ha provocado todo tipo de reacciones y se ha convertido en uno de los filmes más comentados del año. Sparkle, encarnada por la bellísima actriz Demi Moore (de 62 años, protagonista de muchas de nuestras fantasías, en los tiempos de Ghost), es una actriz a la deriva que se mantiene en el showbizz gracias a un programa de aeróbicos y, al cumplir los 50 años, sabe que sus días están contados.

Sparkle (me sonrío cuando caigo en cuenta que, en inglés, significa “brillar”) recurre a una última esperanza: una sustancia milagrosa con un eslogan poderoso: (“¿Alguna vez has soñado con una mejor versión de ti misma? Más joven. Más bonita. Más perfecta”) y que la convierte en Sue, encarnada por la talentosa actriz Margaret Qualley, la nueva sensación televisiva en Hollywood, capaz de desbordar las pasiones de todos los caballeros que se encuentra a su paso.

Esta nueva forma de aproximarnos a un mal de siglos, que han llamado “body horror film”, tiene antecedentes en filmes como Titane, de Julia Ducornau (Palma de Oro 2021) y Revenge (2017), la ópera prima de Fargeat; y obvias referencias a The Shining (de Kubrick), Carrie (de De Palma), The Fly (de Cronenberg), para mencionar tres. Y, por supuesto, le confiere a su realizadora luz verde para los excesos: mucha sangre, muchas tripas, muchas imágenes pensadas para provocar al espectador, para no dejarlo indiferente ante la experiencia: yo me reí con el atrevimiento, otros se sienten incómodos.

La sustancia se convierte para Fargeat en el mecanismo ideal para estrujarnos en la cara toda la hipocresía de un mundo que cosifica a las mujeres y las mide por su talla, por sus libras, por sus arrugas, por sus errores de vestuario en la alfombra roja. Son muchos años de desmedidas exigencias de corrección para las cineastas también.

Para Fargeat no hay límites y se permite explorar (o explotar) la sensualidad de sus personajes con la típica agresividad masculina. En efecto, hay muchos acercamientos indebidos, mucha carne expuesta, pero en el contexto de un discurso estético, como expresión radical de lo que la propia industria del entretenimiento hace con las mujeres: convertirlas en objetos.

En ese sentido, Fargeat no hace concesiones: siempre traspasa la frontera de los espejos y nos incomoda con su reclamo de justicia: no es posible crear, digerir como fastfood y desechar a cualquier mujer cincuentona, en medio de una sociedad despersonalizadora y que actúa como tribunal disciplinario ante cualquier pedido de clemencia.

La sustancia se proyecta, aún sin proponérselo, como nueva forma del feminismo (al margen de ideologías) en el contexto de la más brutal de las dictaduras: la industria de la belleza ideal y se burla de todos los actores del circo.

Al final, todos queremos ser recordados con una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood. Una estrella que también se deteriora y es depositaria del aplauso, del silencio, del estiércol y del olvido. Ni modo: es el mundo que nos ha tocado vivir.

La sustancia (2024). Dirección y guion: Coralie Fargeat; Fotografía: Benjamin Kracun; Edición: Jerome Eltabet, Coralie Fargeat y Valentin Féron; Música: Raffertie; Elenco: Demi Moore, Margaret Qualley, Dennis Quaid.   

Premio Chaplin 2025: Pedro Almodóvar.


Film at Lincoln Center (FLC) anuncia que el director de cine, guionista y autor español Pedro Almodóvar ha sido galardonado con el 50.º Premio Chaplin. Será homenajeado en una velada de gala en el Lincoln Center el 28 de abril de 2025. El anuncio fue realizado por la presidenta de FLC, Lesli Klainberg, antes del estreno en el 62.º Festival de Cine de Nueva York de la primera película en inglés de Almodóvar, La habitación de al lado, que ganó el León de Oro en el Festival de Cine de Venecia de este año y se estrena en FLC el 20 de diciembre.

Pedro Almodóvar, reconocido internacionalmente por su narrativa enérgica y audaz con un estilo visual distintivo y colorido, es uno de los cineastas españoles más célebres. Su obra se caracteriza por una mezcla de humor y melodrama y su capacidad para crear historias resonantes y emotivas a menudo centradas en las vidas de mujeres fuertes e intrépidas. Ha dirigido 23 largometrajes, entre ellos Mujeres al borde de un ataque de nervios (1988), Átame (1989), Volver (2006) y Dolor y gloria (2019), así como varios cortometrajes, entre ellos La voz humana (2020) y Extraña forma de vivir (2023).

Almodóvar ha recibido numerosos galardones, entre ellos los premios de la Academia y los Globos de Oro al mejor guion original por Hable con ella (2002) y a la mejor película en lengua extranjera por Todo sobre mi madre (1999), cinco premios BAFTA, un récord de tres victorias y 11 nominaciones al premio Goya al mejor director, cuatro premios César y al mejor director en Cannes. El homenaje al premio Chaplin contará con extractos de su trabajo; apariciones de coprotagonistas, amigos y colegas; y Almodóvar en persona para aceptar el premio.

El premio Chaplin ha sido otorgado a actores y cineastas legendarios como Alfred Hitchcock, Sidney Poitier, Barbara Streisand, Martin Scorsese, Meryl Streep, Spike Lee, Cate Blanchett, Viola Davis y Jeff Bridges. La Gala del Premio Chaplin es el principal evento anual de recaudación de fondos para Film at Lincoln Center; las ganancias apoyan los programas anuales de la organización sin fines de lucro, que incluyen ciclos de cine, programas para estudiantes y festivales de cine como el Festival de Cine de Nueva York y New Directors/New Films.

“Pedro irrumpió en nuestras vidas en 1985 con el estreno de su película irreverente y de humor negro ¿Qué he hecho yo para merecer esto? en New Directors/New Films. Organicé una fiesta muy animada en mi apartamento esa noche, y fue entonces cuando me enamoré”, dijo Wendy Keys, secretaria de la junta directiva de Film at Lincoln Center.

“A lo largo de los años, ha participado en 15 películas del Festival de Cine de Nueva York y también ayudó a inaugurar el Walter Reade Theater con una ruidosa proyección de Tacones Altos en 1991. Todos adoramos sus personajes animados, su paleta de colores hermosa y su sentido del humor travieso, pero sus películas también afirman su profundo amor por las mujeres y su profunda comprensión de la condición humana. No podríamos estar más felices de nombrar a Pedro como el destinatario del 50mo. Premio Chaplin”.

“Pedro Almodóvar es un maestro de la narración cuyo arte, creatividad y talento excepcional han cautivado tanto al público como a los cineastas”, dijo Lesli Klainberg, presidenta de Film at Lincoln Center. “Desde sus primeras películas, nos ha sumergido en mundos emocionalmente ricos, vibrantes, complejos y compasivos. Pedro, un firme creyente en la capacidad del cine para entretener e iluminar la experiencia humana, ha tocado los corazones de los amantes del cine de todo el mundo. Film at Lincoln Center se enorgullece de honrar a Pedro Almodóvar con el 50mo. Premio Chaplin”.

Almodóvar nació en Calzada de Calatrava, España, y dejó su pequeño pueblo para trasladarse a Madrid cuando era adolescente para hacer realidad su sueño de convertirse en cineasta. Al llegar con pocas perspectivas, consiguió un empleo “adecuado” en la Compañía Nacional de Teléfonos de España, lo que le permitió comprar su primera cámara Super 8. Durante los siguientes 12 años, Almodóvar dividió su tiempo entre este serio trabajo diurno y noches locas colaborando con grupos de teatro y bandas de punk, escribiendo para revistas underground y haciendo cortometrajes con sus amigos. En 1980, después de un año y medio de filmación con un presupuesto limitado, Almodóvar hizo su debut en largometrajes con Pepi, Luci, Bom.

Su relación de larga data con FLC comenzó con las proyecciones de Nuevos Directores/Nuevas Películas de ¿Qué he hecho yo para merecer esto? en 1985 y La ley del deseo en 1987. La habitación de al lado marca su 15.ª selección en el NYFF, de la cual un récord de nueve títulos han sido presentaciones de gala.

Hizo su debut en el NYFF en 1988 con Mujeres al borde de un ataque de nervios como selección de la noche de apertura, y nuevamente inauguró el NYFF en 1999 con Todo sobre mi madre. La mala educación, Volver y La habitación de al lado fueron seleccionadas como piezas centrales, y Carne trémula, Hable con ella, Los abrazos rotos y Madres paralelas fueron las piezas de la noche de clausura. Otras selecciones del NYFF incluyen La flor de mi secreto, La piel que habito, Julieta, Dolor y gloria, La voz humana y Extraña forma de vivir.