Lo mejor del 2010, según Sight & Sound

Sight & Sound es, sin duda, la revista más respetada del mundo del cine. Un plantel de especialistas y académicos conforman su staff y sus opiniones se tienen como referencia de crítica seria.
La publica el British Film Institute y ya publicó el listado con las mejores películas del 2010.

Lo comparto con ustedes:



1. La red social (David Fincher, USA).

2. Uncle Boonmee Who Can Recall His Past Lives (Apichatpong Weerasethakul, Tailandia).

3. Another Year (Mike Leigh, Inglaterra).

4. Carlos (Olivier Assayas, Francia).

5. The Arbor (Clio Barnard, Inglaterra).

6. Winter’s Bone (Debra Granik, USA).

7. I Am Love (Luca Guadagnino, Italia).

8. The Autobiography of Nicolae Ceausescu (Andrei Ujica, Rumania).

9. Film socialisme (Jean-Luc Godard, Francia).

10. Nostalgia de la luz (Patricio Guzmán, Chile).

11. Poesía (Lee Changdong, Corea del sur).

12. Un profeta (Jacques Audiard, Francia).

Lo mejor del 2010, según el Instituto de Cine Americano

El Instituto Americano del Cine (AFI, por sus siglas en inglés) acaba de publicar su selección de lo mejor de 2010 de los títulos producidos en Estados Unidos.
Este listado es un excelente parámetro para medir la calidad fílmica de lo estrenado en USA. ¿Por qué? Simple: la votaciones se llevan a cabo tomando en cuenta criterios como los aportes al desarrollo de las imágenes en movimiento (abarca también la televisión), el enriquecimiento del acervo artístico y cultural americano, así como la inspiración provocada en los artistas y el público.

Para esta ocasión el Jurado estuvo presidido por el renombrado productor Tom Pollock e integrado además por los críticos Leonard Maltin (Entertainment Tonight), Claudia Puig (USA Today), Lisa Schwarzbaum (Entertainment Weekly) y Elvis Mitchell (The Treatment); la guionista Diablo Cody, el director Lee Daniels; el editor Donn Cambern; Bob Gazzale (miembro del AFI) y los académicos Jeanine Basinger (Universidad de Wesleyan), Akira Mazuta Lippit (Universidad del Sur de California), Jane Gaines (Universidad de Columbia) y Michael Wood (Universidad de Princeton)

Esta es la lista de lo más sobresaliente del 2010, según el Instituto de Cine Americano, en orden alfabético (por su título en inglés):



1. Black Swan, la nueva de Darren Aronofsky, protagonizada por Natalie Portman.

2. The Fighter, con Mark Wahlberg y Christian Bale.

3. El origen.

4. The Kids are all right, Lisa Cholodenko ha dado un jonrón con su filme.

5. 127 horas, lo nuevo de Danny Boyle.

6. La red social, seleccionada como la Mejor Película por varias asociaciones de críticos.

7. Atracción peligrosa, qué buen director es Ben Affleck.

8. Toy Story 3, otro éxito para Pixar.

9. True Grit, lo nuevo de los hermanos Coen.

10. Winter’s Bone, ¿la sorpresa del año?

Lo mejor del 2010, según la National Board of Review

Arrancó la temporada de premios con el anuncio de la National Board of Review de los Estados Unidos. Creada en 1909 como mecanismo de autocensura por las majors de Hollywood, la NBR es una organización compuesta por 125 miembros que marca una tendencia de las que podrían ser las películas más premiadas de cada año.
La red social ha sido escogida como la mejor película de 2010, así como los premios al Mejor Director (David Fincher), Mejor Actor (Jesse Eisenberg) y Mejor Guión Adaptado (Aaron Sorkin).

Por su parte, una producción española, Enterrado, se ha hecho con el premio al mejor guión original (Chris Sparling). El filme de Rodrigo Cortés aparece también en la selección de las mejores películas independientes del año.

El premio a la mejor actriz fue para Lesley Manville (Another Man), y los premios como secundarios para Christian Bale, por The Fighter y Jackie Weaver, por Animal Kingdom.

La cinta francesa De dioses y hombres (Xavier Beauvois) se ha llevado el galardón a la Mejor Película Extranjera, mientras Toy Story 3 recibió el Mejor Película Animada.

El resto de lo mejor de 2010, según la National Board of Review, en estricto orden alfabético:

1. Another Year (Mike Leigh)

2. The Fighter (David O. Russell)

3. Más allá de la vida (Clint Eastwood)

4. El origen (Christopher Nolan)

5. El discurso del Rey (Tom Hooper)

6. La isla siniestra (Martin Scorsese)

7. Atracción peligrosa (Ben Affleck)

8. Toy Story 3 (Lee Unkrich)

9. True Grit (Joel y Ethan Coen)

10. Winter’s Bone (Debra Granik)

Anuncian los nominados a los Spirit Awards

El drama Winter's bone y la comedia The kids are allrigth son los favoritos a los Independent Spirit Awards al conseguir nominaciones en varias categorías, incluyendo mejor película.
Winter's bone es un oscuro drama sobre una chica que busca a su padre en una comunidad infestada de drogas en la zona rural de Arkansas. Ha conseguido siete nominaciones, incluidas las del director y de su protagonista, Debra Granik y Jennifer Lawrence, quien ha sido nominada a mejor actriz.

La película también ha conseguido nominaciones por mejor guión, fotografía, actriz de reparto para Dale Dickey y actor de reparto para John Hawkes.

Su principal competidor es The kids are allright, una comedia que ha triunfado en la taquilla y en varios festivales. Trata de una pareja de lesbianas que han adoptado niños e intentan localizar al donante de esperma de los mismos.

En total ha recibido cinco nominaciones, incluyendo las de mejor director para Lisa Cholodenko, mejor actriz para Annette Bening, actor de reparto para Mark Ruffalo y el guión.

En la lista de nominados a mejor película también figura la nueva de Danny Boyle, 127 Horas, sobre un hombre atrapado en un cañón, el drama de Darren Aronofsky, Black Swan, el retrato de una bailarina que compite por un papel protagonista en el "Lago de los Cisnes" y Greenberg de Noah Baumbach en la que un hombre busca el sentido de la vida.

Boyle y Aronofsky también están nominados a mejor director. Una categoría que completa John Cameron Mitchell con su drama, Rabbit Hole, protagonizado por Nicole Kidman y Aaron Eckhart que interpretan a dos padres afectados por la muerte de su hijo.



Los Independent Spirit Awards es un evento clave para las películas hechas fuera de los grandes estudios de Hollywood que buscan el reconocimiento en la carrera por los Oscar. El año pasado, por ejemplo, Jeff Bridges recogió un premio Independent Spirit al mejor actor por su papel de un cantante de música country en Corazón rebelde antes de ganar el Oscar.

En la carrera de mejor actor principal, James Franco (127 horas) y Aaron Eckhart (Rabbit Hole) competirán con Ben Stiller (Greenberg), John C. Reilly (Cyrus) y Ronald Bronstein (Daddy Longlegs), que interpreta a un padre divorciado con dos niños a los que no ve más que un par de semanas al año.

Junto a Bening y Debra Granik Jennifer Lawrence en la carrera por mejor actriz principal figura Nicole Kidman (Rabbit Hole), Natalie Portman (Black Swan), Michelle Williams (Blue Valentine) y Greta Gerwig (Greenberg).

Exit throught the gift shop, Restrepo, Sweetgrass, Marwencol y Thunder soul compiten en la categoría de mejor documental.

En la categoría de mejor película extranjera figuran The King's speech, (Reino Unido), Kisses (Irlanda), Mademoiselle Chambon (Francia), Of goods an men (Marruecos) y Tío Boonmee.. (Tailandia).

Los Independent Spirit Awards se entregarán el 26 de febrero de 2011.

Jean Gentil: el rostro de una tragedia

Jean Remy Genty es un Gentil que huye de la desesperanza que habita su natal Haití y busca sobrevivir en Dominicana. Tan simple como eso.

Jean Remy Genty es un profesor de idiomas y busca ganar el pan de cada día con el sudor de su lengua. También busca lograr, con su ilimitado carisma, que todos le comprendan y muestren alguna solidaridad. Tan complicado como eso.

Jean Gentil es el poderoso drama que han construído Laura Amelia Guzmán (dominicana) e Israel Cárdenas (mexicano) con un admirable toque documental, demostrativo de su talento cinematográfico.

Sin complicaciones argumentales innecesarias, Jean Gentil muestra las penurias, las humillaciones, las miserias cotidianas que deben enfrentar no sólo los emigrantes haitianos en Dominicana, sino los exiliados de la pobreza en todo el mundo.

Jean Gentil le pone rostro a una tragedia de proporciones bíblicas: Haití se cae a pedazos mientras la comunidad internacional le castiga con su indiferencia, con sus promesas incumplidas, con sus discursos plagados de retórica y nada más.

Jean es un gentil que, en la jungla de asfalto, se siente discriminado: a pesar de su preparación como profesor de idiomas, sólo puede aspirar a conseguir trabajo en el sector de la construcción, labor de la que (sospechamos) no tiene la menor idea.

Jean es un gentil que, ante la indiferencia del mundo, escucha y se refugia en el llamado de la madre tierra a la que roba algunos frutos, ante la mirada celosa de otro gentil que también ha huido de la miseria. Nunca un mango supo tan sabroso.

Jean es un gentil que, como todos, ahoga sus penas en un mar de cervezas y bachatas. Como todos, se refugia en lo espeso de la noche para perder su inocencia a cambio de algún placer carnal, bombillitas de colores incluídas.

Jean es un gentil cuyo norte es el oeste, un Haití devastado por la fuerza de un terremoto implacable, por la incapacidad de sus tiranos, por la explotación despiadada desde épocas coloniales, por la ignorancia acumulada en el tiempo de la oscuridad.

Jean Gentil es una realidad expuesta sin adornos, ni complicidades. Una realidad que debe motivarnos a reflexionar, a plantear búsqueda de soluciones.

Jean Gentil es la mejor demostración de que, en Dominicana, podemos hacer cine de calidad internacional.

Zona Sur: la Bolivia de Juan Carlos Valdivia

Zona Sur es la más fina disección de una sociedad que hemos visto en el cine latinoamericano. Efectivamente, a través de la incisiva mirada a una familia atrapada en la burbuja de confort que supone vivir en Zona Sur, Valdivia se permite construir un drama sin fisuras, que nos expone con precisión de relojero suizo y virtuosidad técnica de primera.

Zona Sur, premiada ya en el Festival del Sundance en las categorías de Mejor Director y Mejor Guión, es otra evidencia más de la madurez expresiva de nuestro cine, de las inmensas posibilidades narrativas de nuestras historias.

En una sociedad en donde nada es lo que parece, las élites sociales sucumben ante la triste realidad de su desmoronamiento y lo hacen elegantemente. Mientras, desde la ventana de cristal, todos observamos el mundo perder todo su valor.

“Esta película está llena de dulce dolor, de exquisita decadencia y de un tono que critica todo aquello que homenajea”-nos explica Valdivia de su filme. Y, en sus ácidos cuestionamientos, no tiene contemplación para nada, ni para nadie.

Debajo de la postalita de familia feliz, se esconde un mundo de insatisfacciones con el padre está ausente, en la que la madre no representa una autoridad moral para nadie (no tiene control sobre sus hijos), en la que el hijo mayor no tiene idea de su futuro y no sirve ni para comprar sus propios condones, en la que la hija enfrenta los problemas de su identidad lésbica, en la que el más pequeño sueña, como Peter Pan, escapar volando de todo aquello.

Nada es lo que parece: rodeados de todo el confort y vestidos de las mejores marcas, pero le adeudan seis meses de salario a sus sirvientes, indígenas aymaras.

Nada es lo que parece: rodeados de blanco, estamos podridos por dentro y no hay conjuro que valga: al final todos pagamos un angustioso precio por nuestros pecados.

Nada es lo que parece y no basta vernos reflejados en los espejos, buscando esos otros que hemos dejado abandonados en el camino y, sin embargo, siguen siendo nosotros.

No hay piedad tampoco para la servidumbre: él usa las cremas humectantes de la señora y se escapa sin permiso al funeral de un familiar, impresionante escena con el Tititaca de fondo y música excepcional. Ella, ilimitadamente servil, cuida del jardín que los niños destrozan en sus juegos.

Para el final dejo el elogio para el permanente movimiento circular de la cámara, acaso como metáfora del tiempo narrativo, que merece destacarse como brillante ejercicio de virtuosidad técnica, dejando espacio suficiente para que el espectador deguste a su ritmo esta joya del cine boliviano.

IV Festival de Cine Global en Santiago

La propuesta es simple: revise su agenda y borre todo compromiso desde el 16 al 24 de noviembre para que pueda disfrutar de la exquisita cartelera que el Festival de Cine Global Dominicano trae a Santiago.
Las proyecciones serán en Palacio del Cine, en Bella Terra Mall, en tandas de 7:00 p.m. y 9:00 de la noche.

La cuarta edición del festival que cada año organiza la Fundación Global Democracia y Desarrollo inaugura con Zona Sur, el nuevo filme de Juan Carlos Valdivia que ganó los premios al Mejor Director Dramático Mundial y Mejor Guión en el pasado Festival de Sundance, una de las muestras que más proyección le ha dado al buen cine latinoamericano.



MIÉRCOLES 17 DE NOVIEMBRE.

7:00 p.m.: El hombre de al lado, filme debut para sus directores Gastón Duprat y Mariano Cohn que ha ganado diversos premios, entre ellos Mejor Fotografía en el Sundance, categoría Drama Mundial, y Mejor Película Argentina en el Festival Mar de Plata.

9:00 p.m.: Serafina es el filme basado en la historia real de Serafina Louis, un ama de casa y ferviente devota que a sus 41 años comenzó a pintar lienzos, supuestamente inspirada por un ángel. Por este filme, Martin Provost recibió el César en las categorías de Mejor Director y Mejor Guionista, el último compartido con Marc Abdelnour.



JUEVES 18 DE NOVIEMBRE.

7:00 p.m.: Rompecabezas, filme debut para la argentina Natalia Smirnoff que trata de una esposa y madre ejemplar que descubre su gran habilidad para armar rompecabezas y se propone participar en el Campeonato Mundial de Rompecabezas en Alemania. Un relato encantador que mereció el Premio Fipresci a la ópera prima en el Festival de Guadalajara.

9:00 p.m.: Retratos de un mar de mentiras, filme debut para el colombiano Carlos Gaviria, muestra el viaje desde Bogotá hasta la costa del Caribe de dos personajes que buscan recuperar las tierras que pertenecieron a su familia. Ganadora del Premio a la Mejor Película Iberoamericana en el Festival de Guadalajara.



VIERNES 19 DE NOVIEMBRE.

7:00 p.m.: Jean Gentil es la propuesta de la dominicana Laura Amelia Guzmán y el mexicano Israel Cárdenas que tuvo una excelente acogida cuando se presentó, dentro de la sección Orizzonti, en la pasada Muestra de Venecia. Pareja en la vida real, Laura e Israel comparten los créditos como directores, productores, guionistas y fotógrafos de sus filmes.

9:00 p.m.: El cuarto de Leo, filme debut para el uruguayo Enrique Buchichio, que aborda el siempre difícil tema del despertar homosexual para su ventajero protagonista. Esta cinta está llena de pequeños toques maravillosos y cambios en los personajes.



SÁBADO 20 DE NOVIEMBRE.

7:00 p.m.: Zona Sur, en otra oportunidad de disfrutar de este filme de Juan Carlos Valdivia.

9:00 p.m.: La Yuma, el primer largometraje de ficción hecho en Nicaragua en más de 20 años es la historia de Yuma, una chica con temperamento fuerte que sueña con llegar a ser boxeadora, única opción de escapar de su círculo de pobreza y violencia. Entre otros, ha ganado los premios a la Mejor Opera Prima (Florence Jaugey) y Mejor Actriz (Alma Blanco) en el Festival Cinematográfico de Guadalajara



DOMINGO 21 DE NOVIEMBRE.

7:00 p.m.: José Martí: el ojo del canario. Fernando Pérez es considerado el más importante cineasta cubano contemporáneo y nos presenta este filme inspirado en la infancia y adolescencia de José Martí.

9:00 p.m.: Océanos. De los celebrados directores Jacques Perrin y Jacques Cluzaud llega este documental milagroso que lleva al espectador a las profundidades de los océanos más bellos del planeta y los muestra como mundos propios en sí mismos, llenos de misterios y características únicas.



LUNES 22 DE NOVIEMBRE.

7:00 p.m.: Amy, esta película de la directora Nadia Tass llega como muestra del cine de Australia y trae como referencia su Premio Especial del Jurado en Cannes 2009.

9:00 p.m.: El ocaso de un asesino. Es una producción americana dirigida por el holandés Anton Corbijn y protagonizada por el conocido George Clooney.



MARTES 23 DE NOVIEMBRE.

7:00 p.m.: Jugadora. Como parte de la muestra de cine de Francia, nos llega este filme dirigido por Carolina Bottaro y protagonizado por los conocidos Sandrine Bonnaire y Kevin Kline (en su primer papel en francés) en esta comedia romántica y excéntrica.

9:00 p.m.: Jindabyne. Otros de los filmes australianos es el que dirige Ray Lawrence, el más respetado de los directores australianos. Sobresale el guión de Beatrix Christian (Premiada por el Círculo de Críticos Australianos), basado en un cuento de Raymond Carver.



MIÉRCOLES 24 DE NOVIEMBRE.

7:00 p.m.: La luna en directo. Basada en una historia real, el filme de Rob Sitch sigue las emociones, drama y risas detrás de los cuatro días de la misión del Apolo XI en julio de 1969 y el extraordinario papel desempeñado por Australia.

9:00 p.m.: Yolngu Boy, elogiado drama de Stephen Jonson sobre tres adolescentes atrapados en un choque cultural entre el nuevo mundo del rap, el fútbol y la credibilidad callejera versus la más antigua cultura de la tierra.

Vuelve el Festival de Cine Global Dominicano

Oscar 2011: las postuladas al Oscar Mejor Película Extranjera

Claude Chabrol (1930-2010)

(Ha fallecido Claude Chabrol y lo menos que puedo hacer es publicar de nuevo unas notas que escribí hace un par de años en las que, torpemente, intento describir el impacto de su cine. Reproduzco un párrafo de la prensa sobre Chabrol “crítico e historiador, actor, gastrónomo, director, fue el cronista cinematográfico más feroz de la sociedad francesa del último medio siglo”. –José D’Laura)


En 1958 sucedió un milagro: los críticos de cine devinieron en realizadores. Por supuesto, esto sólo podía ocurrir en Francia.

En efecto, los redactores de la prestigiosa revista Cahiers du Cinema decidieron dejar a un lado sus protestas por la pésima calidad del cine francés y las cambiaron por propuestas.

Francois Truffaut, Jean-Luc Godard, Eric Rohmer, Jacques Rivette, Jacques Doniol-Valerose y Claude Chabrol, tomaron por asalto el escenario cinematográfico francés y regalaron al mundo el movimiento de La nueva ola.

El más prolífico de todos fue Claude Chabrol, quien se dio a conocer en 1957 con su tesis Hitchcock, escrita a cuatro manos con Eric Rohmer, y que se convirtió en el primer estudio sobre un director que era tratado como autor, convirtiéndolo de dotado artista del entretenimiento en genio cinematográfico.

A partir de la admiración por Hithcock, Chabrol construyó una obra que elevó de categoría el género del suspenso y promovió su aceptación por parte de los críticos.

Chabrol debutó con Le Beau Serge (1958), la primera película de La nueva ola, y gracias al éxito que consiguió, pudo fundar su productora y convertirse en el mecenas de sus compañeros de movimiento.

La crítico Pauline Kael precisó en su momento: “Chabrol usa la cámara como los escritores usan la pluma, y tiene la gracia y la fluidez de un maestro…Chabrol hace poemas tonales de temas sicológicos”.

Paradójicamente, a Chabrol no se le ha reconocido en la justa dimensión de su talento. Tampoco está justamente acreditado por la enorme influencia que ha ejercido en numerosos realizadores contemporáneos.

Chabrol estremeció a las audiencias de su tiempo. Ya sea con joyas del suspenso como: La Femme Infidéle (1969) o Que la béte Meure (1978), curiosamente ambas han sufrido sus remakes americanos; sino también con películas abiertamente polémicas como Les Biches (1968), que escandalizó a los hipócritas de Estados Unidos al presentar una relación lésbica, o Nada (1974), que se desarrolla en las movedizas arenas del terrorismo y la violencia política.

Una constante en las películas de Chabrol es su cuestionamiento al mundo y los valores de las élites sociales (La Rupture (1970), Les Innocents aux Mains Sales (1975), aunque también castigaba con su látigo implacable las incongruencias de muchos revolucionarios.

Claude Chabrol supo como nadie manejar sus elementos para que el espectador no permaneciera indiferente. Con su cine no es posible: nos sentimos arrastrados por la pasión que corroe sus personajes, nos sentimos violentados en nuestra intimidad, nos vemos empujados a participar de la acción, a comernos las uñas, vamos, a suspirar de alivio cuando nos premia con la última vuelta de tuerca.

Es indudable que la filmografía de Chabrol está poblada de una completa galería de extraordinarios personajes, propios o ajenos, que habitan en la complejidad temática y visual de su universo.

Toda una aventura.

Revisen sus agendas: llega a Santiago el Festival de Cine Fine Arts

Revisen sus agendas: llega a Santiago el Festival de Cine Fine Arts

A partir de este jueves llega a Santiago el Festival de Cine Internacional Fine Arts e inaugura con Celda 211, película de Daniel Monzón ganadora este año de 8 premios Goya, incluyendo mejor Película, Mejor Director, Mejor Actor (Luis Tosar) y Mejor Guión Adaptado (Monzón y Jorge Guerricaechevarría).

Además, se presenta Dos hermanos, el nuevo filme del argentino Daniel Burman, una adaptación a cuatro manos con Sergio Dubcovsky de su novela “Villa Laura”. Burman destaca por el tratamiento que da a los personajes y el toque íntimo de sus historias. Protagonizan Graciela Borges y Antonio Gasalla.

También será presentada Norteado, el formidable filme debut del mexicano Rigoberto Perezcano que le ha merecido varios premios internacionales.

El viernes 3 de septiembre será para Rabia, filme del ecuatoriano Sebastián Cordero, basado en la novela del mismo título de Sergio Bizzio, ganadora del Premio Especial del Jurado en el Festival de Tokio.

Completa, Tetro, lo más reciente del Maestro Francis Ford Coppola. Si necesito motivarlo con este filme, mejor consulte su médico.

El sábado 4, la cartelera la componen: Mi nombre es Khan, filme del hindú Karan Johar, protagonizado por la superestrella de Bollywood, Shahrukh Khan.

También La chica de Mónaco, producción francesa de Anne Fountaine y que cuenta con el brillante debut de Louise Bourgoin, considerada una de las actrices jóvenes más sobresalientes del cine francés.

Para cerrar, Música en espera, filme debut para el argentino Hernán Golfrid que le ha merecido elogios, así como a sus protagonistas Natalia Oreiro, Diego Peretti y la extraordinaria Norma Aleandro.

Cartelera para el Domingo 5: El pequeño Nicolás, adaptación del popular personaje creado hace 50años por Jean-Jacques Sempé y René Goscinny, elogiada como la mejor película francesa para toda la familia del 2009; También, A ojos cerrados, filme debut de Hernán Jiménez, considerada la mejor película hecha en Costa Rica.

El lunes 6 estrena Cyrus. El cine independiente americano ha brindado excelentes comedias en los últimos años, como este filme dirigido por Jay y Mark Duplas, y protagonizado por John C. Reilly y Marisa Tomei.

El martes 7 se repiten algunos de los títulos antes mencionados, mientras el miércoles se presenta Agora, la más reciente película del aplaudido Alejandro Amenábar, la más cara producción del cine español y ganadora de 7 Premios Goya el pasado año.

Sin duda, el Festival de Cine Internacional Fine Arts será la opción de los cinéfilos deseosos de ver el otro cine.

El origen, lo nuevo de Christopher Nolan

Cuando Christopher Nolan tiene una idea, algún productor de cine tiembla. Habitualmente, las ideas de Nolan se tornan en tratados sobre el mundo de las percepciones, sueños y paradojas. Y ninguna de las tres cosas le gustan a las majors.
Imagino la cara del productor cuando intentaba comprender el libreto y escuchó la sinopsis de El origen: “se trata de un grupo de hackers de la mente que plantan una idea en el subconsciente de una persona, a través de los sueños… y cuesta $160 millones de dólares.” Parecería el mejor proyecto para el Maestro Luis Buñuel.

De alguna manera, tratándose del director de Batman: el caballero de la noche, tercera película más taquillera en el cine americano (US$533 millones), pusieron manos y dólares a la obra y comenzaron por reclutar un elenco envidiable: Leonardo DiCaprio, Marion Cotillard, Michael Caine, Ellen Page y Joseph Gordon-Levitt.

El origen cuenta con uno de los libretos más originales de los últimos años, lo que me lleva al primer pronóstico de la temporada: huele a nominación al Oscar (y Nolan ya hace tiempo se lo merece).

Christopher Nolan es uno de los más estimulantes y creativos directores ingleses que debutó en el cine internacional con Following (1998). La excelente impresión se consolidó con Memento (2000). En ambos casos, estos filmes requieren dos cosas del espectador: total atención y que ejerciten algunas de sus neuronas.

Lo mismo sucede con El origen: puede originar muchísima confusión en el público la presentación de cuatro líneas narrativas simultáneas, que equivalen a tres niveles de sueños y una realidad. Por eso, todavía no me explico que, al momento de escribir estas líneas, el filme lleva recaudado $248 millones y permaneciera 3 semanas al frente de la taquilla en pleno verano cinematográfico.

Más que un sueño: ver a la hermosa Marion Cotillard, ganadora del Oscar por su formidale interpretación de Edith Piaf en La vida en rosa, y escuchar como música de fondo Rien de rien, tema emblemático de esa cantante, es un placer lúdico que sólo el séptimo arte puede provocar.

En sus roles secundarios, la talentosa Ellen Page huele a Oscar, así como Joseph Gordon-Levitt. Hollywood les debe algún reconocimiento por filmes como Juno (la más taquillera de las nominadas al Oscar en el 2008) y 500 días con ella, una comedia romántica con sentido.

Un consejo: olvídese de las posibilidades de premios para El origen y acepte la invitación de Nolan a soñar a la medida de sus posibilidades.

la Soga: digno cine dominicano

Manny Pérez es un santiaguero de Baitoa que, a base de mucho esfuerzo y talento, ha logrado un espacio propio dentro del complicado mundo del cine en Estados Unidos. Ese sólo hecho habla de su obsesión cuando se embarca en un proyecto: cuando se nace décimo en una familia de once, la vida te prepara para sortear obstáculos de forma natural.
Uno de sus proyecto era, contra todo pronóstico y recomendación, filmar en Dominicana, en Santiago, en Baitoa, un libreto de su autoría que primero conocimos como El hijo del carnicero y que ahora se estrena con el sugerente título de La Soga.

No piensen que Manny Pérez es un libretista improvisado: ya había mostrado sus credenciales con Washington Heights (2002, Alfredo de Villa) contando en aquella ocasión con colaboradores de lujo, tipo Junot Díaz.

Esa tozudez de este hijo de Baitoa merece el reconocimiento de todos: pudo haber filmado en cualquier sitio, pero quiso que fuera en Santiago (también una parte se rodó en New York). Sólo quienes conocen las diferencias de las condiciones de rodaje entre un sitio y otro pueden aquilatar el gesto: aquí se cogió pela.

Pero esa no es la única razón por la que La Soga merece el apoyo del público dominicano: ha sido la única película dominicana presentada en el Festival de Cine de Toronto, lo que nos evidencia la calidad de su puesta en escena y, por enésima vez, demostrar que, a pesar de ser cine hecho con mínimos recursos, es comparable como producto fílmico a cualquier producción de Hollywood.

Eso que se ha logrado también tiene mucho que ver el hecho de que todos los involucrados has puesto alma y corazón en el proyecto. La tozudez de Manny Pérez es contagiosa.

Rodada con mínimo presupuesto y mucho corazón La Soga reúne dignas condiciones para una producción cinematográfica hecha en Dominicana. Sí ombe, cuando se quiere, se puede.

Presidente Fernández promulga Ley de Cine

El presidente Leonel Fernández acaba de promulgar la Ley para el Fomento de la Actividad Cinematográfica en la República Dominicana, según informó José Rafael Lantigua, Ministro de Cultura.
La pieza legislativa había sido aprobada por el Senado el 29 de junio, y luego sancionada por la Cámara de Diputados el 22 de julio.

La ley tiene por objeto “propiciar un desarrollo progresivo, armónico y equitativo de la cinematografía nacional y, en general, promover la actividad cinematográfica en la República Dominicana”.

Entre los aspectos centrales de la ley figuran el cambio de nombre de la hasta ahora Dirección Nacional de Cine (Dinac), que en lo adelante se denominará Dirección General de Cine (Dgcine), que funcionará con “autonomía administrativa, financiera y técnica”, bajo la tutela del ministerio de Cultura.

Igualmente, se crea el Consejo Intersectorial para la promoción de la actividad cinematográfica en la República Dominicana (Cipac), que estará formado además del Ministerio de Cultura, por el Ministerio de Turismo, la Dirección General de Impuestos Internos, el Centro de Exportación e Inversión (CEI-RD), Proindustria, y representantes de las instituciones académicas cinematográficas, así como por las asociaciones de Exhibidores, de Distribuidores y de Profesionales del Cine.

Otras novedades de la ley son la creación del Sistema de Información y Registro Cinematográfico Dominicano (Sirecine) y el Fondo de Promoción Cinematográfica (Fonprocine), destinado al fomento y promoción permanente de la industria cinematográfica y audiovisual nacional, a fin de “brindar un sistema de apoyo financiero, de garantías e inversiones, en beneficio de los productores, distribuidores, comercializadores y exhibidores de películas nacionales, así como para el desarrollo de políticas formativas en el ámbito cinematográfico”.

El licenciado Lantigua informó, que entre los estímulos creados por la Ley de Cine figura el de las personas jurídicas que realicen inversiones en dinero efectivo en proyectos cinematográficos de largometrajes dominicanos, que tendrán derecho a deducir o calcular el 100 por ciento del valor real invertido para efectos de calcular el Impuesto sobre la Renta a su cargo, durante diez años, a partir de la vigencia de esta ley.

Toy Story 3: el nuevo éxito de la Factoría Pixar

Hará poco más de un año, expresaba mi entusiasmo por la película de animación UP: una aventura de altura. Aproveché la ocasión para destacar el éxito arrollador de la Factoría Pixar, un proyecto de John Lasseter que ha llegado al infinito (rigor creativo) y más allá: 5 premios Oscar con 10 filmes.
El entusiasmo ha sido renovado con la propuesta Pixar para el verano Toy Story 3, que ha debutado en el primer puesto de las taquillas con una recaudación de US$109 millones.

Esta impresionante historia de éxitos comenzó en 1995 con el lanzamiento de Toy Story, dirigida por John Lasseter. Este fue el primer filme completamente generado por computadoras (CGI, por sus iniciales en inglés) y significó el descubrimiento de un nuevo mundo de posibilidades en el campo de la animación. Fue galardonado con un Oscar especial.

Le siguió Bichos (1998, John Lasseter) que recaudó unos US$163 millones en las taquillas. Toy Story 2 fue lanzada en el 1999 y sus US$246 millones en las taquillas no dejaban lugar para las dudas: estaban en presencia de un filón de oro.

Monsters, Inc (2001) no sólo significó el debut como realizador de Pete Docter, sino también el establecimiento de Pixar como indiscutible sello de garantía taquillera: su recaudación fue de US$256 millones.

Vino entonces Buscando a Nemo (2003). Otro de los animadores de Pixar, Andrew Stanton, debutó como realizador del filme que recaudó unos US$340 millones y se llevó el Oscar como Mejor Filme de Animación.

Los increíbles fue el lanzamiento Pixar para el 2004. Esta vez dirigió Brad Bird, la taquilla fue excelente (US$261 millones) y se llevó el Oscar como Mejor Filme de Animación.

Cars en el 2006 sirvió para la vuelta de Lasseter como director y engrosó a las arcas de sus productores la nada despreciable suma de US$244 millones.

Ratatouille (2007), segundo trabajo de Brad Bird, se disfrutó como un plato gourmet por los cinéfilos y consiguió US$206 millones en las taquillas.

Apenas el pasado año, Wall-E (Andrew Stanton) sobrepasó todas las expectativas con US$223 recaudados y su flamante Oscar como Mejor Filme de Animación. Ojo: la Asociación de Críticos de Los Angeles la eligió Mejor Filme del Año.

El pasado 7 de marzo de 2010, UP: una aventura de altura, de Pete Docter, fue premiada con el Oscar a la Mejor Película de Animación, abrió el Festival de Cannes y sumó US$293 millones a los bolsillos de sus felices productores.

La cosecha continuará para Pixar: The Bear and the Bow y Cars 2 serán sus propuestas para el próximo año, mientras se ultiman detalles para el lanzamiento de Brave en el 2012.

Espera su turno al bate Sulley (el oso de Monsters) que reaparecerá en el 2013. Ya lo esperamos con una sonrisa a flor de piel.

El nuevo Robin Hood de Ridley Scott

Con Robin Hood todos simpatizamos porque es un héroe medieval que atracaba a los ricos que cruzaban el bosque de Sherwood para repartir el botín entre los pobres.
El Cine, que hace uso de su fuerza de convencimiento para poner a soñar a las masas, echó mano a esta historia desde muy temprano: la primera versión la protagonizó Robert Frazer en Robin Hood (1912, Etienne Arnaud).

Al Errol Flynn de la mítica Las aventuras de Robin Hood (1938, Michael Curtiz y William Keighley) es el que se tiene se referencia obligatoria al hablar del personaje.

Sean Connery nos flechó para siempre cuando protagonizó Robin y Marian (1976, Richard Lester) y Kevin Costner por poco nos mata del disgusto cuando protagonizó Príncipe de ladrones (1991, Kevin Reynolds).

Todos hemos visto la versión animada de Disney, Robin Hood (1973, Wolfgang Reitherman) en la que el héroe era, literalmente, un zorro.

El problema es que todas han reducido al personaje a una especie de pillo carismático sin brindar otros elementos a la historia.

El gran mérito de Ridley Scott y de su guionista (el siempre brillante) Brian Helgeland es que han hecho una precuela del personaje, es decir, antes de que marcara al bosque de Sherwood como su territorio personal, que es la reducida historia que conocemos. Y no crean que asumen postura catedrática. Todo lo contrario: Robin Hood presenta los hechos históricos de forma amena y disfrutable.

Recordemos que hace un par de semanas, Robin Hood abrió el Festival de Cannes y ese hecho habla de lo bien impresionados que quedaron los organizadores del más prestigioso festival de cine del mundo. Es lo que nos lleva a hacer el primer pronóstico de la temporada: Robin Hood obtendrá varias nominaciones al Oscar.

Recordemos también que Ridley Scott y Russell Crowe trabajaron juntos en Gladiador, filme que le permitió al malcriado neozelandés convertirse en una megaestrella, gracias a su Academy Award como Mejor Actor. Ese tándem tiene otros tres títulos: Un buen año (2006), American Gangster (2007) y Red de mentiras (2008).

La pregunta que todos se hacen es: ¿Qué harán primero, una secuela de Gladiador o Robin Hood 2?

Cannes 2010: los ganadores

El filme El tío Bonmee se acuerda de sus vidas pasadas del tailandés Apichatpong Weerasethakul se ha llevado la palma de oro, lo que deja suponer que el estadounidense Tim Burton y el español Víctor Erice tienen gustos convergentes al otorgar el máximo premio a un brillante cineasta autor, militante contra la censura en su país y muy poco conocido por el público en general.
Weerasethakul había ganado ya el premio del jurado en 2004 con Tropical Malady. Su estilo es inconfundible, de una belleza plástica admirable y su obra tiene la coherencia y la poesía de un Jean Cocteau del cine tailandés.

Un palmarés que muestra la vitalidad del cine asiático, pues el coreano Lee Chang Dong se lleva el premio al mejor guión con Poetry, la historia de una entrañable anciana interpretada por Yoon Hee Jeong.

El premio el de interpretación femenina se lo llevó Juliette Binoche, con la película franco iraní Copie Conforme de Abbas Kiarostami. Francia recoge así mismo dos premios más con la mejor dirección para Mathieu Amalric por Tournée y Hombres y dioses de Xavier Beauvois gran premio del jurado.

El premio de interpretación masculina fue compartido ex aequo por el español Javier Bardem en Biutiful y por el italiano Elio Germano en La nostra vita.

El cine latinoamericano goza también de buena salud y está bien reflejado en este palmarés, no sólo con la película del mexicano Iñárritu que se lleva el premio con Bardem, sino también con el premio Cámara de oro a la mejor ópera prima que fue para Michael Rowe, director de origen australiano afincado en México, por Año bisiesto: un relato vigoroso sobre una joven periodista que tiene una relación sadomasoquista que va a poner a prueba sus límites.

Los premios en la sección “Una cierta mirada” de la selección oficial, para la película peruana Octubre de los hermanos Daniel y Diego Vega, y para las tres actrices de la película argentina Los labios de Santiago Loza e Iván Fund prueban también la vitalidad del cine latinoamericano.

Oficialmente: ya arrancó el Verano 2010

Con el estreno de Iron Man 2 se abre la temporada del verano cinematográfico en los Estados Unidos. Los cines se llenan de adolescentes malcriados y niños chillones, de fundas de palomitas y vasos de refresco, de lentes 3D. Algo grande estamos pagando.
De cualquier manera, un repaso por los principales títulos del verano 2010:

7 de mayo: Iron Man 2 repite la misma fórmula: Robert Downey Jr. (actor), Gwyneth Paltrow (actriz) y Jon Favreau (director) con los deliciosos añadidos de Mickey Rourke (adorable bandido) y Scarlett Johansson (adorable bandida). Es dinero seguro. Lo que falta por saberse es cuánto recaudará la nueva entrega del hombre de hierro.

14 de mayo: Robin Hood, protagonizada por Russell Crowe y Cate Blanchett, y dirigida por Ridley Scott. Todos han ganado el Oscar, pero eso no garantiza nada. Más le suma al expediente su selección para la noche inaugural del Festival de Cannes.

21 de mayo: Shrek 4: una de las franquicias más taquilleras del cine regresa en 3D. La diversión está garantizada.

28 de mayo: tendremos, por el lado adolescente-masculino a Príncipe de Persia (protagoniza Jake Gyllenhaal y dirige Mike Newell) y, por el lado adolescente-femenino a Sexo en la ciudad 2 (protagonizan SJP, Kim, Kristin y Cynthia y dirige Michael Patrick King).

4 de junio: Killers con Ashton Kutcher y dirigida por Robert Luketic.

11 de junio: The A Team, una trepidante película de acción protagonizada por Liam Neeson (trabajando más que nunca) y Bradley Cooper.

18 de junio: Toy Story 3: la diversión está garantizada, ahora en 3D.

25 de junio: Knight and Day protagonizada por Tom Cruise y Cameron Diaz, dos de los imanes de taquillas más probados de Hollywood.

30 de junio: Eclipse: ya saben, una chica entre un vampiro y un hombre lobo. Y las glándulas de las adolescentes que llenan de gritos el cine. Es la saga del siglo XXI.

9 de julio: Mi villano favorito, en 3D, promete hacer reir a los amantes del humor ácido. No en vano Steve Carell presta su voz a Gru, el pillo más infeliz del mundo.

16 de julio: The Sorcerer’s Apprentice con el Maestro Nicolas Cage defendiendo al mundo de los maleficios del brujo Alfred Molina. ¿Creció Harry Potter?

23 de julio: Salt, un filme de espías y acción con Angelina Jolie en el papel estelar.

30 de julio: I Love You Phillip Morris. Si esta película logra respaldo, abrirá un nuevo capítulo en el marketing cinematográfico: ¿Jim Carrey y Ewan McGregor, pareja gay?

6 de agosto: The Other Guys, nueva oportunidad para Will Ferrer demostrar que puede llevar a alguien a una sala de cine. De no lograrlo, ganará su pasaje a la tierra perdida.

13 de agosto: Eat, Pray, Love. Julia Roberts no tiene nada que demostrarle a nadie. Y, en la búsqueda de equilibrio luego de un divorcio, recorre medio mundo hasta encontrarse con Javier Bardem.

20 de agosto: Takers. Los chicos malos Matt Dillon y Paul Walker planean el asaltoa un banco y conseguir unos $20 millones de los verdes.

27 de agosto: Piranha. Protagoniza Elisabeth Shue y advierto desde ahora que si un pajarito de esos pica esa mujer, le voy a pegar fuego al cine. Para colmo, ahora muerden en 3D.

El 3 de septiembre es la fecha que, tradicionalmente, cierra el verano. Este año, no hay ningún gran disparate programado. La que se anuncia es The American con George Clooney y la alemana Thekla Reuten, dirigidos por el renombrado Anton Corbijn. En los corrillos de Hollywood es de los primeros títulos que se menciona con posibilidades para el Oscar.

Fuera del verano, pero también con muchas expectativas, está Wall Street 2. Oliver Stone dirige la continuación de su éxito del 1987. Protagoniza Michael Douglas quien, al igual que Harrison Ford, testamenta a favor de Shia LaBeouf.

Un pasaje de ida, ahora en dvd

(Hace unos años, escribí una nota sobre la historia del Cine Dominicano. A propósito del lanzamiento en dvd de Un pasaje de ida, reproduzco algunos de los párrafos dedicados al filme de Agliberto Meléndez.)

En 1987, Meléndez hipotecó su apartamento para poder financiar su película Un pasaje de Ida y, prácticamente, introdujo equipo para filmar de contrabando al país. La misma se basaba en los trágicos eventos del barco carguero Regina Express, que costaron la vida a más de 20 dominicanos.

Aunque el caso ocupó la primera plana de los diarios y conmovió la conciencia nacional, muy pronto salió de los grandes titulares y pasó a formar parte de esa cosa indescifrable y enmarañada que se llama proceso judicial.

Agliberto Meléndez quiso que nadie olvidara y construyó un poderoso drama sobre uno de los aspectos más negativos de la realidad dominicana: la desconfianza en nuestro futuro, la falta de fe que empuja a muchos a lanzarse a las aguas del mar Caribe en busca de la esperanza perdida. Muchos pierden la vida antes de llegar a las costas de Puerto Rico (víctimas de los tiburones de tierra y mar), los más afortunados pierden la dignidad trabajando en condiciones de informal esclavitud hasta que son ubicados por el Servicio de Migración y son repatriados en el acto. A otros los asfixian en el tanque de lastre como sucede con los personajes de Un pasaje de Ida. Un drama que se repite una y otra vez, una y otra vez y que ha terminado insensibilizándonos ante una tragedia de magnitudes bíblicas.

Meléndez era ya conocido en los círculos cinéfilos por cortos como El hijo, basado en el cuento de Horacio Quiroga, y por su magnífico El mundo mágico de Gilberto Hernández Ortega, homenaje a uno de los maestros de la plástica dominicana, pero Un pasaje de Ida le permitió llegar a un público mucho más amplio que, por primera vez, se sintió parte del drama que se veía en pantalla.

Antes, debió romper el cerco que imponen las compañías distribuidoras de películas para controlar todo lo que se exhibe en las salas de cine del país.

En su presentación por varios festivales internacionales, Un pasaje de Ida cosechó una impresionante cantidad de premios, evidente señal de aprecio y apoyo de parte de quienes la vieron. Incluso, Un pasaje de Ida llegó a estar entre las favoritas para ser nominadas al Oscar como Mejor Película Extranjera. Como suele suceder con muchos productos dominicanos, nos faltaron recursos para la promoción.

El elenco de Un pasaje de Ida estuvo encabezado por: Carlos Alfredo, Angel Muñiz, Angel Haché, Delta Soto y Rafael Villalona. La música fue escrita por Rafael Solano, mientras la fotografía y la edición estuvieron al cuidado de Pedro Guzmán y Pericles Mejía, respectivamente. (Las excelentes condiciones de Guzmán eran conocidas gracias a su corto Carnaval y caretas). El libreto estaba firmado por Danilo Taveras, con amplia experiencia en el mundo del teatro.

Verano Cinematográfico USA 2010

Festival de Cannes 2010: la Selección Oficial

Ya se conocen las candidatas a la Palma de Oro de la 63° edición del Festival de Cannes, que se celebrará del 12 al 23 de mayo.
El delegado general, Thierry Frémaux, ha hecho pública la lista de películas competidoras, una lista en la que figuran, por el momento, 16 títulos, a la espera de que algunas películas que están actualmente en fase de postproducción puedan llegar a tiempo.

En el variopinto grupo de privilegiados que competirán por la Palma de Oro conviven algunos grandes nombres del cine mundial (Mike Leigh y Abbas Kiarostami, ambos vencedores en ediciones anteriores, así como directores que ya se alzaron con algún premio en el pasado, como Kitano, Inárritu, Tavernier, Bouchareb, Weerasethakul, Beauvois y Mikhalkov, sin olvidar el regreso de Luchetti a la competición) con cinco primerizos en la: Doug Liman, Mahamat-Saleh Haroun, Im Sang-soo, Matthieu Amalric y Sergei Loznitsa.

Aunque en la selección la diversidad de la creación mundial se percibe con claridad, Europa domina la lista de candidatas con siete películas dirigidas por: tres franceses (Bertrand Tavernier, Xavier Beauvois y Matthieu Amalric), un británico (Mike Leigh), un italiano (Daniele Luchetti) y dos cineastas de Europa del este (Sergei Loznitsa, ucraniano, y Nikita Mikhalkov, ruso). El continente asiático está representado por dos coreanos, un japonés, un tailandés y un iraní. África ha dado la sorpresa con el argelino Rachid Bouchareb y el chadiano Mahamat-Saleh Haroun. Alejandro González Inárritu será el único representante de América Latina, mientras que el único director norteamericano en concurso es, por ahora, Doug Liman.



Este es el listado de las películas en competición:

Another Year - Mike Leigh

Biutiful - Alejandro González Inárritu

Hors-la-loi - Rachid Bouchareb

La princesse de Montpensier - Bertrand Tavernier

Poetry - Lee Chang-dong

The housemaid - Im Sang-soo

Outrage - Takeshi Kitano

Copie conforme - Abbas Kiarostami

Tournée - Matthieu Amalric

Uncle Boonmee - Apichatpong Weerasethakul

Des hommes et des dieux - Xavier Beauvois

La nostra vita - Daniele Luchetti

Un homme qui crie - Mahamat-Saleh Haroun

You: My Joy - Sergei Loznitsa

Utomlyonnye solntsem 2 - Nikita Mikhalkov

Fair Game - Doug Liman



Fuera de concurso, se presentarán:

Robin Hood - Ridley Scout, en la noche inaugural.

Tamara Drewe - Stephen Frears

You Will Meet a Tall Dark Stranger - Woody Allen

Wall Street 2 – El dinero nunca duerme - Oliver Stone

La isla siniestra, lo nuevo de Scorsese

Martin Scorsese es el director que más sabe de cine en el mundo. Y Leonardo DiCaprio quiere aprender a actuar. Esos factores permiten la colaboración entre estas dos personalidades cinematográficas que ahora presentan La isla siniestra.
Nadie como Scorsese ha descargado sus traumas y complejos en sus películas. Lo propio hizo Hitchcock con sus fobias. Cuando le damos un vistazo a filmes como Taxi Driver (1976), El toro salvaje (1980) y Goodfellas (1990) se puede percibir una inquietante mirada al interior del alma americana.

Pero Scorsese ha visto (y recuerda) más películas que nadie y aún en un filme de buena factura y nada más, como La isla siniestra, se permite darnos un paseo por algunas de las películas del cine clásico. Está presente El ciudadano Kane (1941, Orson Welles) pero también Vértigo (1958, Alfred Hitchcock).

Y ha encontrado en Leonardo DiCaprio el talento y la energía necesarios para convertirlo en su nuevo actor-fetiche. Una historia que comenzó en 2002 con Pandillas de New York y ha continuado con El aviador (2004) y The Departed (2006). Por supuesto, nada comparable con Robert De Niro, pero digno sucesor.

La novela en que se basa la película es de Dennis Lehane, autor de otros dos éxitos de papel y celuloide: Río místico (2003, Clint Eastwood) y Gone baby Gone (2007, Ben Affleck). Con eventos que se desarrollan en la década 50, están presentes los elementos sociológicos de ese momento: guerra fría, experimentos siquiátricos, trauma de la Segunda Guerra Mundial, etc. Estos elementos facilitan una vuelta de tuerca en el desenlace (anticipado en un par de escenas) correctamente formulado por la mano diestra de Scorsese.

Para lograr el suspenso sicológico, Scorsese cuenta con la ayuda de un elenco formidable: Mark Ruffalo (alguna vez anunciado como “el próximo Brando”), Ben Kingsley (ganador del Premio de la Academia por Gandhi (1982), Max von Sydow (otro de los del clan Ingmar Bergman), Michelle Williams, Emily Mortimer (anote ese nombre y ya hablaremos) y Patricia Clarkson.

La isla siniestra es nada comparada con las obras que Martin Scorsese ha hecho anteriormente, pero nadie puede cuestionar que está bien dirigida por uno de los grandes Maestros del cine contemporáneo.

Ingmar Bergman: la verdad del espejo

(Vacaciones de Pascua implica sumergirme en la filmografía del algún grande del cine. En esta ocasión, me decidí por el sueco Ingmar Bergman, el Padre de la Psicología Cinematográfica. Mea culpa: debí acudir antes a esta cita: mi más admirado realizador, Woody Allen, es su confeso discípulo.
Debo agradecer al crítico Félix Manuel Lora quien, fiel a su promesa, me condujo a la tierra prometida y me puso al alcance de la colección del Maestro Bergman.)



Ingmar Bergman fue un ángel sobre el estanque de Narciso. En ese estanque nos buscamos, nos reconocemos con nuestras virtudes y defectos y quizás nos encontramos con la promesa de la eterna redención. La trampa es que muchos son los llamados y muy pocos quienes resisten la insoportable prueba de vernos frente al espejo.

Cuando el cine era Cine, Bergman fue uno de los mejores directores de actores en toda su historia, creó su propio club (Ingrid Thulin, Bibi Andersson, Max Von Sydow y Liv Ullmann, con quien procreó una hija) y, al decir de Truffaut, eran los mismos, pero completamente diferentes de un filme a otro. Curiosa: a sus actores les llamaba colaboradores y les permitía improvisar libremente sobre sus líneas.

Atención cineastas en desarrollo: la de Bergman es una fórmula infalible: economía de recursos, mínimo de personajes, máximo dramatismo. Y las mujeres, la psicología y la religión como constantes en una obra que aborda el alma humana como escenario.

No abundaré con lo del Caballero que juega ajedrez con la Muerte en El séptimo sello (1957). Una absoluta Obra Maestra.

Cuando el cine era Cine, Bergman habló de los temas esenciales: la vida y la muerte, y todo lo contenido entre ellas. De emociones como el deseo y la repulsión entre dos hermanas en El silencio (1963). Esta soledad compartida, pecadora por partida doble (lésbica e incestuosa) se ambienta en un país desconocido, oscuro, en guerra. Y proponía un axioma que todavía mantiene su vigencia: el sexo no es la solución al vacío de nuestras almas.

Llámele suerte o destino, Bergman trabajó con dos de los mejores DP de la historia del cine: Gunnar Fischer y Sven Nykvist. La dirección de fotografía de esos señores contribuía mucho a la digestión de los lacerantes dramas anteriormente citados.

Cuando el cine era Cine, hizo Persona (1966): una célebre actriz asume la opción del silencio frente a un mundo intolerante, cruel, mediocre. Somos prisioneros del sueño imposible de ser, del abismo entre los que somos para los demás y para nosotros mismos y lo peor: siendo los actores de nuestro propio drama, siempre estamos expuestos al juicio de los demás.

Cuando el cine era Cine, dirigió Gritos y susurros (72) en la que enfatizó sus particulares obsesiones con la muerte, la incomunicación, sobre lo castradora que resulta una sociedad construida sobre la base de la estupidez, de la sinrazón, de la conveniencia.

Cuando el cine era Cine, Bergman diseccionó esa trágica institución social que llamamos matrimonio en Escenas de la vida conyugal (1973) en la que se permitió etiquetarnos como analfabetos sentimentales, egoístas sin futuro en este confuso valle de lágrimas. Cuando nos recuperamos del boche, no podemos olvidar la histórica actuación de Liv Ullmann en este soberbio drama que hurga los vergonzosos secretos de una pareja aparentemente feliz.

Bergman hizo Cine, con mayúsculas. Existencialista. Cuestionador. Inquietante.

Lo repito para que quede claro: Cine con mayúsculas.

Festival de Cannes 2010, primeras noticias

Bitácora de la Muestra de Cine 2010

Tim Burton en el País de las Maravillas

Cuando se analiza la filmografía de Tim Burton parecería que, en 1865, Lewis Caroll escribió Alicia en el País de las Maravillas expresamente para que él la llevara al cine. ¿Por qué? Tim Burton es, sin duda, el mejor director de atmósfera del cine contemporáneo.

Cuando hablamos de atmósfera, queremos significar el logro de ambientar sus filmes con tal nivel de perfección que se nos olvida que la fílmica es una imitación de la otra realidad.

Los verdaderos artistas siempre crean mundos nuevos.

En efecto, Tim Burton sobresale por la excelencia con la que emplea los decorados, el vestuario, el maquillaje, las luces y todo elemento que contribuya a crear la atmósfera adecuada para los personajes del filme. Esto, independientemente de que se trate de una adaptación de cómic (Batman), un musical de terror (Sweeney Todd), o de una novela, como Alicia en el País de las Maravillas.

Lo cierto es que, detrás de cada fotograma se siente la presencia de un autor obsesivo por los detalles que sirven para acentuar el ambiente de sus historias.

Sobra señalar que sus proyectos requieren cuantiosas inversiones y que Tim Burton nada entre las profundas aguas del cine de autor y la superproducción de Hollywood.

Burton goza de indudable prestigio en Hollywood, a cuyo stablishment le ha hecho más de un guiño (Ed Wood) y le ha puesto en más de un aprieto (Mars attacks).

Con la crítica de cine también su relación ha sido de amor y odio: algunos lo adoran por creaciones como Big Fish, casi todos lo detestan por fiascos como El planeta de los simios.

Cuando escribo estas líneas ya se sabe que Alicia en el País de las Maravillas tuvo un impresionante debut: $116 millones de dólares en su primer fin de semana en Estados Unidos.

Está el factor de su actor-fetiche, Johnny Depp. Una relación que comenzó en 1990 con El joven Manos de tijeras. Ha seguido con Ed Wood (1994, en homenaje a unos de los peores directores que ha tenido el cine), Sleepy Hollow (1999), Charlie y la factoría de chocolate (2005), la fabulosa cinta de animación La novia cadáver (2005) y el musical Sweeney Todd (2007). Está el factor del filme en 3D y el éxito de este formato. Está el factor de una formidable campaña de mercadeo, con mucho protagonismo para el Sombrerero Loco.

Y el factor Tim Burton: un talento sobrenatural para crear atmósferas. Y eso se agradece con la sonrisa del niño que llevamos dentro y que sale a divertirse cada vez que, en la penumbra de la sala de cine, como Alicia, exploramos el mundo de los sueños.

Oscar 2010: mis pronósticos

Vuelve la Muestra de Cine de Santo Domingo

Los ganadores de los Premios Bafta

Oscar 2010: Curiosidades

Up: una aventura de altura, de Pixar, es sólo la segunda película de animación de la historia en ser nominada como Mejor Película después del clásico de Disney La Bella y la Bestia, en 1992. No olviden que también compite como Mejor Película de Animación.
De ganar la estatuilla, sería el tercer año consecutivo en que Pixar obtiene un Oscar después de las películas de animación Wall-E y Ratatouille.

Con su nominación número 16, Meryl Streep superó su propio récord como la actriz más nominada de la historia de los Oscar. Nominada este año en la categoría de Mejor Actriz por su actuación en Julie & Julia, Streep pasó ya a Katharine Hepburn y Jack Nicholson, cada uno con 12 candidaturas.

Como dato adicional, recordemos que Streep ha ganado el Oscar dos ocasiones: Kramer vs. Kramer (1980) y La decisión de Sophie (1983).

Otra curiosidad: Meryl Streep y Penélope Cruz son las únicas dos nominadas de este año que repiten del Oscar el año pasado. Street fue postulada por Doubt, mientras que Cruz ganó el Oscar a Mejor Actriz de Reparto por Vicky Cristina Barcelona, de Woody Allen.

12 de los 20 nominados en las categorías de actuación recibieron son debutantes en los premios Oscar. Los otros cinco candidatos (George Clooney, Morgan Freeman, Penélope Cruz, Helen Mirren y Meryl Streep) ya ganaron la preciada estatuilla alguna vez.

Kathryn Bigelow es sólo la cuarta mujer en ser nominada en la categoría de Mejor Director(a) y, si triunfa, será la primera mujer en ganar.

La directora de drama The Hurt Locker, se une a un selecto grupo de mujeres nominadas en esa categoría: Lina Wertmuller (1976, Seven Beauties), Jane Campion (1993, El Piano) y Sofia Coppola (2003, Lost in Translation).

La cinta blanca es la novena película rodada esencialmente en blanco y negro en ser nominada al Oscar a Mejor Fotografía desde 1967, año en que la Academia de Hollywood abandonó la separación entre blanco y negro y color. La película de Michael Haneke también está nominada como Mejor Película Extranjera.

La teta asustada de Claudia Llosa es la primera película peruana en ser postulada como Mejor Película Extranjera.

El Oscar se entregará el próximo 7 de marzo.

Oscar 2010: los nominados

Mejor Actor:

Jeff Bridges in “Crazy Heart” (Fox Searchlight)

George Clooney in “Up in the Air”

Colin Firth in “A Single Man” (The Weinstein Company)

Morgan Freeman in “Invictus” (Warner Bros.)

Jeremy Renner in “The Hurt Locker” (Summit Entertainment)

Performance by an actor in a supporting role

Matt Damon in “Invictus” (Warner Bros.)

Woody Harrelson in “The Messenger” (Oscilloscope Laboratories)

Christopher Plummer in “The Last Station” (Sony Pictures Classics)

Stanley Tucci in “The Lovely Bones” (DreamWorks in association with Film4, Distributed by Paramount)

Christoph Waltz in “Inglourious Basterds” (The Weinstein Company)

Performance by an actress in a leading role

Sandra Bullock in “The Blind Side” (Warner Bros.)

Helen Mirren in “The Last Station” (Sony Pictures Classics)

Carey Mulligan in “An Education” (Sony Pictures Classics)

Gabourey Sidibe in “Precious: Based on the Novel ‘Push’ by Sapphire” (Lionsgate)

Meryl Streep in “Julie & Julia” (Sony Pictures Releasing)

Performance by an actress in a supporting role

Penélope Cruz in “Nine” (The Weinstein Company)

Vera Farmiga in “Up in the Air” (Paramount in association with Cold Spring Pictures and DW Studios)

Maggie Gyllenhaal in “Crazy Heart” (Fox Searchlight)

Anna Kendrick in “Up in the Air” (Paramount in association with Cold Spring Pictures and DW Studios)

Mo’Nique in “Precious: Based on the Novel ‘Push’ by Sapphire” (Lionsgate)

Best animated feature film of the year

“Coraline” (Focus Features), Henry Selick

“Fantastic Mr. Fox” (20th Century Fox), Wes Anderson

“The Princess and the Frog” (Walt Disney), John Musker and Ron Clements

“The Secret of Kells” (GKIDS), Tomm Moore

“Up” (Walt Disney), Pete Docter

Achievement in art direction

“Avatar” (20th Century Fox), Art Direction: Rick Carter and Robert Stromberg, Set Decoration: Kim Sinclair

“The Imaginarium of Doctor Parnassus” (Sony Pictures Classics), Art Direction: Dave Warren and Anastasia Masaro, Set Decoration: Caroline Smith

“Nine” (The Weinstein Company), Art Direction: John Myhre, Set Decoration: Gordon Sim

“Sherlock Holmes” (Warner Bros.), Art Direction: Sarah Greenwood, Set Decoration: Katie Spencer

“The Young Victoria” (Apparition), Art Direction: Patrice Vermette, Set Decoration: Maggie Gray

Achievement in cinematography

“Avatar” (20th Century Fox), Mauro Fiore

“Harry Potter and the Half-Blood Prince” (Warner Bros.), Bruno Delbonnel

“The Hurt Locker” (Summit Entertainment), Barry Ackroyd

“Inglourious Basterds” (The Weinstein Company), Robert Richardson

“The White Ribbon” (Sony Pictures Classics), Christian Berger

Achievement in costume design

“Bright Star” (Apparition), Janet Patterson

“Coco before Chanel” (Sony Pictures Classics), Catherine Leterrier

“The Imaginarium of Doctor Parnassus” (Sony Pictures Classics), Monique Prudhomme

“Nine” (The Weinstein Company), Colleen Atwood

“The Young Victoria” (Apparition), Sandy Powell

Achievement in directing

“Avatar” (20th Century Fox), James Cameron

“The Hurt Locker” (Summit Entertainment), Kathryn Bigelow

“Inglourious Basterds” (The Weinstein Company), Quentin Tarantino

“Precious: Based on the Novel ‘Push’ by Sapphire” (Lionsgate), Lee Daniels

“Up in the Air” (Paramount in association with Cold Spring Pictures and DW Studios), Jason Reitman

Best documentary feature

“Burma VJ” (Oscilloscope Laboratories), A Magic Hour Films Production, Anders østergaard and Lise Lense-Møller

“The Cove” (Roadside Attractions), An Oceanic Preservation Society Production, Nominees to be determined

“Food, Inc.” (Magnolia Pictures), A Robert Kenner Films Production, Robert Kenner and Elise Pearlstein

“The Most Dangerous Man in America: Daniel Ellsberg and the Pentagon Papers”, A Kovno Communications Production, Judith Ehrlich and Rick Goldsmith

“Which Way Home”, A Mr. Mudd Production, Rebecca Cammisa

Best documentary short subject

“China’s Unnatural Disaster: The Tears of Sichuan, Province”, A Downtown Community Television Center Production, Jon Alpert and Matthew O’Neill

“The Last Campaign of Governor Booth Gardner”, A Just Media Production, Daniel Junge and Henry Ansbacher

“The Last Truck: Closing of a GM Plant”, A Community Media Production, Steven Bognar and Julia Reichert

“Music by Prudence”, An iThemba Production, Roger Ross Williams and Elinor Burkett

“Rabbit à la Berlin” (Deckert Distribution), An MS Films Production, Bartek Konopka and Anna Wydra

Achievement in film editing

“Avatar” (20th Century Fox), Stephen Rivkin, John Refoua and James Cameron

“District 9” (Sony Pictures Releasing), Julian Clarke

“The Hurt Locker” (Summit Entertainment), Bob Murawski and Chris Innis

“Inglourious Basterds” (The Weinstein Company), Sally Menke

“Precious: Based on the Novel ‘Push’ by Sapphire” (Lionsgate), Joe Klotz

Best foreign language film of the year

“Ajami” (Kino International), An Inosan Production, Israel

“El Secreto de Sus Ojos” (Sony Pictures Classics), A Haddock Films Production, Argentina

“The Milk of Sorrow”, A Wanda Visión/Oberon Cinematogrà/Vela Production, Peru

“Un Prophète” (Sony Pictures Classics), A Why Not/Page 114/Chic Films Production, France

“The White Ribbon” (Sony Pictures Classics), An X Filme Creative Pool/Wega Film/Les Films du Losange/Lucky Red Production, Germany

Achievement in makeup

“Il Divo” (MPI Media Group through Music Box), Aldo Signoretti and Vittorio Sodano

“Star Trek” (Paramount and Spyglass Entertainment), Barney Burman, Mindy Hall and Joel Harlow

“The Young Victoria” (Apparition), Jon Henry Gordon and Jenny Shircore

Achievement in music written for motion pictures (Original score)

“Avatar” (20th Century Fox), James Horner

“Fantastic Mr. Fox” (20th Century Fox), Alexandre Desplat

“The Hurt Locker” (Summit Entertainment), Marco Beltrami and Buck Sanders

“Sherlock Holmes” (Warner Bros.), Hans Zimmer

“Up” (Walt Disney), Michael Giacchino

Achievement in music written for motion pictures (Original song)

“Almost There” from “The Princess and the Frog” (Walt Disney), Music and Lyric by Randy Newman

“Down in New Orleans” from “The Princess and the Frog” (Walt Disney), Music and Lyric by Randy Newman

“Loin de Paname” from “Paris 36” (Sony Pictures Classics), Music by Reinhardt Wagner, Lyric by Frank Thomas

“Take It All” from “Nine” (The Weinstein Company), Music and Lyric by Maury Yeston

“The Weary Kind (Theme from Crazy Heart)” from “Crazy Heart” (Fox Searchlight), Music and Lyric by Ryan Bingham and T Bone Burnett

Best motion picture of the year

“Avatar” (20th Century Fox), A Lightstorm Entertainment Production, James Cameron and Jon Landau, Producers

“The Blind Side” (Warner Bros.), An Alcon Entertainment Production, Nominees to be determined

“District 9” (Sony Pictures Releasing), A Block/Hanson Production, Peter Jackson and Carolynne Cunningham, Producers

“An Education” (Sony Pictures Classics), A Finola Dwyer/Wildgaze Films Production, Finola Dwyer and Amanda Posey, Producers

“The Hurt Locker” (Summit Entertainment), A Voltage Pictures Production, Nominees to be determined

“Inglourious Basterds” (The Weinstein Company), A Weinstein Company/Universal Pictures/A Band Apart/Zehnte Babelsberg Production, Lawrence Bender, Producer

“Precious: Based on the Novel ‘Push’ by Sapphire” (Lionsgate), A Lee Daniels Entertainment/Smokewood Entertainment Production, Lee Daniels, Sarah Siegel-Magness and Gary Magness, Producers

“A Serious Man” (Focus Features), A Working Title Films Production, Joel Coen and Ethan Coen, Producers

“Up” (Walt Disney), A Pixar Production, Jonas Rivera, Producer

“Up in the Air” (Paramount in association with Cold Spring Pictures and DW Studios), A Montecito Picture Company Production, Daniel Dubiecki, Ivan Reitman and Jason Reitman, Producers

Best animated short film

“French Roast” , A Pumpkin Factory/Bibo Films Production, Fabrice O. Joubert

“Granny O’Grimm’s Sleeping Beauty” (Brown Bag Films), A Brown Bag Films Production, Nicky Phelan and Darragh O’Connell

“The Lady and the Reaper (La Dama y la Muerte)”, A Kandor Graphics and Green Moon Production, Javier Recio Gracia

“Logorama” (Autour de Minuit), An Autour de Minuit Production, Nicolas Schmerkin

“A Matter of Loaf and Death” (Aardman Animations), An Aardman Animations Production, Nick Park

Best live action short film

“The Door” (Network Ireland Television), An Octagon Films Production, Juanita Wilson and James Flynn

“Instead of Abracadabra”, (The Swedish Film Institute), A Directörn & Fabrikörn Production, Patrik Eklund and Mathias Fjellström

“Kavi”, A Gregg Helvey Production, Gregg Helvey

“Miracle Fish”, (Premium Films), A Druid Films Production, Luke Doolan and Drew Bailey

“The New Tenants”, A Park Pictures and M & M Production, Joachim Back and Tivi Magnusson

Achievement in sound editing

“Avatar” (20th Century Fox), Christopher Boyes and Gwendolyn Yates Whittle

“The Hurt Locker” (Summit Entertainment), Paul N.J. Ottosson

“Inglourious Basterds” (The Weinstein Company), Wylie Stateman

“Star Trek” (Paramount and Spyglass Entertainment), Mark Stoeckinger and Alan Rankin

“Up” (Walt Disney), Michael Silvers and Tom Myers

Achievement in sound mixing

“Avatar” (20th Century Fox), Christopher Boyes, Gary Summers, Andy Nelson and Tony Johnson

“The Hurt Locker” (Summit Entertainment), Paul N.J. Ottosson and Ray Beckett

“Inglourious Basterds” (The Weinstein Company), Michael Minkler, Tony Lamberti and Mark Ulano

“Star Trek” (Paramount and Spyglass Entertainment), Anna Behlmer, Andy Nelson and Peter J. Devlin

“Transformers: Revenge of the Fallen” (DreamWorks and Paramount in association with Hasbro, Distributed by Paramount), Greg P. Russell, Gary Summers and Geoffrey Patterson

Achievement in visual effects

“Avatar” (20th Century Fox), Joe Letteri, Stephen Rosenbaum, Richard Baneham and Andrew R. Jones

“District 9” (Sony Pictures Releasing) , Dan Kaufman, Peter Muyzers, Robert Habros and Matt Aitken

“Star Trek” (Paramount and Spyglass Entertainment), Roger Guyett, Russell Earl, Paul Kavanagh and Burt Dalton

Adapted screenplay

“District 9” (Sony Pictures Releasing), Written by Neill Blomkamp and Terri Tatchell

“An Education” (Sony Pictures Classics), Screenplay by Nick Hornby

“In the Loop” (IFC Films), Screenplay by Jesse Armstrong, Simon Blackwell, Armando Iannucci, Tony Roche

“Precious: Based on the Novel ‘Push’ by Sapphire” (Lionsgate), Screenplay by Geoffrey Fletcher

“Up in the Air” (Paramount in association with Cold Spring Pictures and DW Studios) , Screenplay by Jason Reitman and Sheldon Turner

Original screenplay

“The Hurt Locker” (Summit Entertainment), Written by Mark Boal

“Inglourious Basterds” (The Weinstein Company), Written by Quentin Tarantino

“The Messenger” (Oscilloscope Laboratories), Written by Alessandro Camon & Oren Moverman

“A Serious Man” (Focus Features), Written by Joel Coen & Ethan Coen

“Up” (Walt Disney), Screenplay by Bob Peterson, Pete Docter, Story by Pete Docter, Bob Peterson, Tom McCarthy