Lo mejor del 2007, según el Instituto Americano del Cine

El Instituto Americano del Cine (AFI, por sus siglas en inglés) honra lo mejor dentro de los títulos producidos en Estados Unidos.

Este listado es un excelente parámetro para medir la calidad fílmica de lo estrenado en USA. ¿Por qué? Simple: la votaciones se llevan a cabo tomando en cuenta criterios como los aportes al desarrollo de las imágenes en movimiento (abarca también la televisión), el enriquecimiento del acervo artístico y cultural americano, la inspiración provocada en los artistas y el público. Además, las huellas que deja en la sociedad contemporánea.
Es decir, se elige al margen de los intereses comerciales de los grandes estudios de producción.
Para esta ocasión el Jurado estuvo presidido por el director Frank Pierson e integrado por los renombrados críticos: Richard Schickel (Time), David Ansen (Newsweek) y Leonard Maltin (Entertainment Tonight), la novelista Diana Ossana, los productores David Picker y Tom Pollock, los directores Lawrence Kasdan, Gary Winick y Donn Cambern y las académicas Mary Corey, Tara McPherson y Kristal Brent.
Lo mejor del 2007, según el American Film Institute es (en estricto orden alfabético):

Befores The Devil Knows You're Dead

The Diving Bell and The Bitterfly

Into The Wild

Juno

Knocked Up

Michael Clayton

No Country For Old Men

Ratatouille

The Savages

There Will Be Blood

Como siempre sucede, sólo tres de esos títulos se han estrenado en Dominicana. Esperamos por el resto.

Lo mejor del 2007, según el National Board of Review

La temporada de premios está oficialmente abierta: ya se saben los galardonados por el National Board of Review de los Estados Unidos. Es bueno saber que el NBR está formado por profesionales, profesores, estudiantes e historiadores del mundo del cine, quienes evaluaron unos 282 títulos este año, tanto de cine independiente como de las majors de Hollywood, así como filmes extranjeros.
Aquí va el listado: No Country for Old Men, la nueva película de los hermanos Coen, basada en la novela de Cormac McCarthy, ha sido elegida mejor película del 2007.
Las otras 9, en estricto orden alfabético (por su título en inglés) son:
-The Assassination of Jesse James by the Coward Robert Ford
-Atonement
-El ultimátum Bourne
-The Bucket List
-Into the Wild
-Juno
-The Kite Runner
-Lars and the Real Girl
-Michael Clayton
-Sweeney Todd
Otras categorías seleccionadas son:
-Mejor Director: Tim Burton por Sweeney Todd
-Mejor Actor: George Clooney por Michael Clayton
-Mejor Actriz: Julie Christie por Away From Her
-Mejor Actor de Reparto: Casey Affleck por The Assassination of Jesse James by the Coward Robert Ford
-Mejor Actriz de Reparto: Amy Ryan por Desapareció una noche
-Mejor Película Extranjera: The Diving Bell and the Butterfly
-Mejor Documental: Body of War
-Mejor Película de Animación: Ratatouille
-Mejor Reparto: para el elenco de No Country for Old Men
-Brillante Actuación para un Actor: Emile Hirsch por Into The Wild
-Brillante Actuación para una Actriz: Ellen Page por Juno
-Mejor Director Debutante: Ben Affleck por Desapareció una noche
-Mejor Guión Original (empate entre): Diablo Cody por Juno y Nancy Oliver por Lars and the Real Girl
-Mejor Guión Adaptado: Joel Coen y Ethan Coen por No Country For Old Men
Michael Douglas será honrado con el Premio a toda una Carrera.
El listado de las mejores 5 películas extranjeras es: 4 meses, 3 semanas, 2 días; The Band’s Visit, The Counterfeiters, La vida en rosa y Lust, Caution.
Las principales producciones de cine independiente fueron: Away From Her, Great World of Sound, Honeydripper, In The Valley of Elah, A Might Heart, The Namesake, Once, The Savages, Starting Out in The Evening y Waitress.
Además, el Premio a la Libertad de Expresión fue compartido por: The Great Debaters y Persépolis.
Tome nota de los títulos y comience su propia temporada de caza de algunos de los mejores filmes del 2007, según el Nacional Board of Review.

El juego de amor en Las Vegas

(Entre papeles, buscando mis apuntes para la fórmula de la felicidad, encontré este comentario sobre un auténtico clásico contemporáneo: Leaving Las Vegas. Buen provecho.)

El amor es un juego. Como en el juego, a veces se pierde, a veces se gana un corazón (incluso el propio). En el juego de las apuestas se paga con dinero, en el juego del amor se paga con dolor. Como las apuestas, el amor es excitante, crea adicción, siempre es un riesgo, termina haciendo trizas nuestra voluntad.

Por eso, Las Vegas, esa maravillosa ciudad-juego, emerge como marco ideal para la desgarrante historia que cuenta Leaving Las Vegas, formidable drama que dirige Mike Figgis y protagonizan Nicolas Cage y Elisabeth Shue.

Para comenzar, nadie quiso financiar este canto a la desesperanza hasta que Lila Cazés, ejecutiva de Lumiére Pictures, fue convencida. La única condición fue precisa:la película debía permanecer en la categoría de bajo presupuesto, de lo contrario sería imposible su culminación. Todos renunciaron a una parte de sus salarios y se rodó en super 16mm, un formato más barato.

Superados los escollos materiales, el suicidio de John O’Brien, autor de la novela en que se basa la película, pocos días antes del inicio del rodaje, ensombreció con una sobrecarga de existencialismo la atmósfera del set de filmación.

El dolor detrás del neón

Como estrategia de aproximación al significado emocional de una ciudad, hay que tener en cuenta lo que es esa ciudad en apariencia. Las Vegas, en este contexto, es la ciudad de la esperanza donde miles de tránsfugas cada día siembran sus sueños y cosechan desilusiones, atrapados acaso en su propio despropósito.

La vida no es color neón. Detrás de las luces intermitentes se esconde el dolor de los hombres, el parto del mundo en una mueca reprimida. Detrás del telón de aquel mundo se erige una estructura de pesadillas que es la que soporta toda la mentira que la alucinación es capaz de concebir.

Se impone, entonces, una visión distinta de esta ciudad y lo que ella alimenta cada noche. Se impone una visión distinta de la relación de pareja y una revisión del odio o la tolerancia que esa relación genera cada día.

El sexo de la soledad

Establecer una relación platónica entre los personajes de nuestra historia es un logro dramático excepcional. Sobre todo si sirve para reconfirmar, por enésima vez, que cuando no hay una alfombra de ternura que lo sustente más allá del amanecer, el sexo no tiene ningún sentido.

Para Ben y Sera el sexo nunca tendrá sentido hasta que puedan recuperarse de sentir el caos y el vacío de otro cuerpo. No podrán interconectarse hasta tanto dejen de sentirse frente al abismo de la soledad que representa el otro cuerpo. Uno frente a otro se sienten como un espejo repleto de patetismo y nunca se debe amar por lástima.

Por demás, sospechamos que estamos antes los oscuros designios del amor, esa terrible palabra. Así que permítanme citar al Maestro Milan Kundera: “El amor no se manifiesta en el deseo de acostarse con alguien sino en el deseo de dormir junto a alguien.”

Sin opciones de ningún tipo, al acto de amor deja de ser exorcismo de demonios, y en vez de la derrota de la muerte, se convierte en sumisa, necrofílica entrega a la humedad de los siglos.

El juego del amor

El amor desarma las almas. Nada prepara las almas para el daño permanente que causa el amor no correspondido o no realizado. Lo que es peor, el hechizo nos hace creer que saldremos ilesos del juego.

Una vez heridos por el destino, el miedo nos habita y la solución a los problemas la buscamos en el fondo de la botella, con la misma incierta esperanza de los náufragos.

Como en el juego de las apuestas, en el amor aunque se gane, siempre se pierde. Sin la protección de Casandra, navegamos a la deriva para pescar las sobras y convencernos de que atrapamos el premio mayor. Siempre es más lo que se arriesga que lo que se gana, siempre es más lo que dejamos en el camino que lo que alcanzamos.

En el amor, la victoria es siempre pírrica y los vicios innegociables. Es por eso que el final obligado es un abandono que, como la verdad, no tiene remedio. No importa el tono de confesión utilizado para descargar nuestro sino fatal: nuestro auditorio es incapaz de entendernos, de entender esa excesiva vocación de suicida; y si lo fuera, eso no sería suficiente para expiar nuestras culpas.

Cine en los tiempos del cólera

Las relación cine y literatura es uno de esos temas que uno sabe propicios para seminarios y congresos: la discusión de nunca acabar y todos tenemos razón.
El estreno en USA de El amor en los tiempos del cólera, basada en la novela homónima de Gabriel García Márquez, ha puesto nueva vez el tema de moda. Como sólo he visto la secuencia de créditos de la película, me limito (por el momento) a refrescar unas líneas sobre el amour fou del cine y la literatura.
En el mundo cinematográfico, las novelas sólo admiten dos categorías: las filmables y las imposibles, clasificación tan relativa que tiene más excepciones de las que pueden preverse y que siempre varía acorde con quien la hace.
¿Cuál es el secreto para llevar a la pantalla una novela con un mínimo de dignidad? No existe una fórmula precisa, pero muchos dan gran importancia a la capacidad del guionista de traducir las imágenes literarias a imágenes cinematográficas, que no son la misma cosa y necesitan distintos códigos y, por ende, distintas semiologías.
La fiesta del chivo, por ejemplo, se consideró una novela filmable y Luis Llosa hizo una película empantanada (en diálogos). La insoportable levedad del ser, desde su lanzamiento se consideró imposible y, sin embargo, Phillip Kaufman salió exitoso de la prueba.
Pero no existe una buena película de los muchos textos de García Márquez. ¿Por qué? El realismo mágico que fluye de su prosa no acepta traducciones.

En todos los casos, los guionistas y directores han olvidado una regla de oro: cuando se trabaja con una novela hay que dejar fuera de libreto todo lo que no sea cinematográfico y sólo incluir aquello que tiene algún sentido, que tenga alguna significación en la pantalla, que no vaya en contradicción con lo específico cinematográfico.
Por supuesto, esta libertad de adaptación está supeditada a lo que es esencial en la novela y bajo ningún concepto es aceptable ni recortar pasajes fundamentales, de gran significación dramática, ni viciar cualidades físicas o mentales de los personajes en procura de hacer su adaptación fílmica más verosímil.
Vuelvo a García Márquez. Nadie duda de la excelencia de la prosa del Premio Nóbel de Literatura. Pero, para decirlo con sus palabras, el lector suda hielo con sus escritos y ningún director de cine ha conseguido siquiera que entremos en calor con sus aventuras en el mundo garcíamarquiano.
Pongamos por ejemplo la serie de los Amores difíciles (1988): Cartas del parque (Tomás Gutiérrez-Alea, mi querido Titón), Un señor muy viejo con unas alas enormes (Fernando Birri), Fábula de la bella palomera (Ruy Guerra), Milagro en Roma (Lisandro Duque), El verano de la señora Forbes (Jaime Humberto Hermosillo) y Yo soy el que tú buscas (Jaime Chávarri). Ninguna se salva de la hoguera.
Debo admitir mis simpatías por algunos logros en Eréndira (1983) que dirigió Ruy Guerra. Pero todavía recuerdo el amargo sabor que me dejó Crónica de una muerte anunciada (1987), de Francesco Rosi.
Más recientemente, el mexicano Arturo Ripstein llevó a la pantalla grande El coronel no tiene quien le escriba (1999). Mejor me reservo el comentario. (Al igual que con la reciente adaptación de Carnaval de Sodoma, la magnífica novela de Pedro Antonio Valdez, porque, créanme, es material para otra crónica).
Se sabe que Ruy Guerra dirigió La mala hora hace un par de años, pero de esa no tengo ninguna referencia.
Vamos a los maestros: John Howard Lawson en su Teoría y Técnica de la Dramaturgia establece varias diferencias entre la técnica del novelista y del guionista que siempre hay que tener en cuenta:
1) El filme debe mostrar una acción visible. La novela es más discursiva: puede detenerse, describir, reflexionar. Puede describir un paisaje inmóvil, un personaje que no ejecuta ninguna acción. Esta es la diferencia básica entre la narración escrita y la visual.
2) El conflicto cinematográfico no puede concretarse en divagaciones genéricas que expresen la posición del autor hacia la vida y la sociedad.
3) El filme debe personalizar el conflicto. Los hechos que se producen en pantalla deben individualizarse con personas que observan la acción o participan en ella; y
4) El conflicto cinematográfico provoca una tensión visual que no es necesaria en la novela. También el novelista expresa un conflicto, pero se limita a estudiar las consecuencias, a esclarecer el significado desde el punto de vista individual y social.

Hasta aquí por el momento. Volveré con el tema tan pronto se estrene El amor en los tiempos del cólera en Santiago.

George Clooney es Michael Clayton

George Clooney es un tipo que le cae bien a (casi) todo el mundo. A su encanto personal hay que sumarle una particular búsqueda de un espacio como actor de talento, capaz de participar en filmes independientes y/o de bajo presupuesto como Michael Clayton.
La película Out of sight fue el punto de encuentro con su socio, el director Steven Soderbergh. Desde el nombre de la compañía (ahora disuelta) se evidencia el dejo de bellaquería de sus fundadores: Section Eight es un término de uso del ejército de USA que se aplica a los rechazados del servicio por causa de incapacidad física o mental.
Esta productora le ha permitido a Clooney dirigir dos filmes: Confesiones de una mente peligrosa (2002) y Good Night, Good Luck (2005).
Además, Clooney es capaz de renunciar a su corona de People como “el hombre más sexy del mundo” para, al igual que Brad Pitt, asumir proyectos en los que explora sus posibilidades histriónicas. Recordemos que ya ganó el Oscar por Syriana.
En Michael Clayton, Clooney presenta, sin duda, la mejor actuación de su carrera (pronóstico: ganará más de un premio) y permite que un drama aderezado con denuncia social sirva para el debut como director de Tony Gilroy, guionista de la trilogía sobre Jason Bourne.
Estos dramas en los que algún infeliz enfrenta una (siempre poderosa) corporación no son nada nuevo. Incluso podría decirse que los involucrados en la película ya conocen de algún antecedente similar: Steven Soderbergh (Erin Brockovich, con la que comparte también el tema del daño medioambiental), Sidney Pollack (The Firm), las dirigidas por el propio Clooney, y otros títulos recientes.
Pero es indudable que Gilroy ha dirigido con pulso de buen artesano y ha logrado una película que nos hipnotiza, con su vigoroso inicio, con su narración en retrospectiva, con su vuelta de tuerca final.
Es por eso que, a pesar de algunas lagunas en la historia, se puede recomendar Michael Clayton como un estreno que nos salva del total desamparo cinematográfico que sufrimos luego de la cancelación del Festival de Cine Global.

Sanky Panky y Mi novia está de madre a Festival en Suiza

Las producciones dominicanas Sanky Panky y Mi novia está de madre, de los directores José E. Pintor y Archie López, han sido invitadas a participar en el 3er. Festival de Cine Latinoamericano de Berna, Suiza a celebrarse este noviembre en dicha ciudad.

Gracias a la Embajada Dominicana en Berna y las gestiones del Ministro Consejero, Juan Manuel Alcántara, el séptimo arte dominicano rompe las fronteras locales para seguir creciendo y colocarnos en la palestra mundial del mundo del cine, según nos comentó el productor/creativo Gustavo López de 5 Lunas Boutique Creativa, contacto local para dicho festival.

Cancelado el II Festival de Cine Global Dominicano

(Reproduzco in extenso el comunicado de la Fundación Global anunciando la cancelación del Festival de Cine Global Dominicano. Será el próximo año.)

La Fundación Global Democracia y Desarrollo (FUNGLODE) y su institución hermana en los Estados Unidos, Global Foundation for Democracy and Development (GFDD), lamentan la tragedia que afecta a la República Dominicana y se unen al dolor de las personas y familias que han sufrido, y todavía sufren, el impacto y las consecuencias del paso de la tormenta tropical Noel.

Desde la finalización del I Festival de Cine Global Dominicano, celebrado hace un año en Santo Domingo, Santiago y Puerto Plata, los equipos de ambas organizaciones y sus asesores han trabajado duro para la celebración de la segunda edición, pautada para el periodo 13 al 18 de noviembre próximos. Una programación con 29 películas de ficción y documentales de gran calidad y más de 100 invitados internacionales vinculados a la cinematografía y su industria es el resultado de ese arduo trabajo que FUNGLODE y GFDD han hecho durante casi un año.

Tras conocer los efectos devastadores de la tormenta tropical Noel a su paso por la República Dominicana, los altos responsables de la organización del Festival han evaluado la situación y se han debatido entre la cancelación del magno evento o su conversión en un mecanismo de ayuda humanitaria para las miles de familias dominicanas que han perdido una parte de su vida por los estragos causados por el fenómeno climatológico.

Pese a que en un principio se pensó en seguir adelante con el Festival y hacer de él un elemento generador de recursos en beneficio de los damnificados, vista la magnitud de la tragedia y por el respeto que merece este país, los altos responsables del II Festival de Cine Global Dominicano entienden que las prioridades son otras y que es tiempo de solidaridad y de sumarse al esfuerzo de instituciones, entidades de toda índole y comunidades para superar la dramática situación y devolver a las poblaciones afectadas, y al país en general, al camino de la normalidad y del desarrollo.

En consecuencia, FUNGLODE y GFDD anuncian la cancelación del II Festival de Cine Global Dominicano que se iba a celebrar del 13 al 18 de noviembre en Santo Domingo, Santiago, Puerto Plata, Nagua e Higûey.

Rogamos perdonen las molestias que esta cancelación pueda ocasionar y estamos convencidos de que todos nuestros esfuerzos y el de nuestros invitados, patrocinadores, colaboradores y voluntarios estarán enfocados ahora en la recuperación inmediata de la República Dominicana, para luego trabajar para el Festival de Cine Global Dominicano de 2008. Gracias a todos y todas por su comprensión, apoyo y colaboración.

Natasha Despotovic
Directora

Festival de Cine Global 2007 en Santiago.

La Fundación Global ya anunció el programa que presentará en Santiago en el marco del II Festival de Cine Global Dominicano que, nueva vez, tendrá el auditorio del Cursa-Uasd como sede en Santiago, así como el auditorio del Centro León.
Si usted se considera un cinéfilo serio, no puede faltar a esta verdadera fiesta de cine en el Caribe. Saque su agenda, borre todos los compromisos a partir del 13 de noviembre y apunte:
La Gala de Apertura será, al igual que en otras ciudades, el martes 13 de noviembre. Ese día está reservado para la presentación de Lejos de ella, debut como directora para la actriz Sarah Polley, protagonizado por Julie Christie, Gordon Pinsent, Michael Murphy y Olimpia Dukakis. Es una adaptación de un relato de Alice Munro que ya se ha presentado en los festivales de Toronto, Sundance, New York y Berlín.
Tocar y luchar (miércoles 14, 10:00 a.m.) es un inspirador documental sobre uno de los fenómenos sociales más alentadores en el mundo de la música: el Sistema de Orquestas Juveniles de Venezuela. Este trabajo ganó el Premio del Público en el Festival Internacional de Cine de Miami 2007.
Bling: A Planet Rock (miércoles 14, 5:00 p.m.) es un documental que arroja una mirada despiadada acerca del papel que jugó el hip hop en la guerra civil de 10 años en Sierra Leona. Dirigido por Raquel Cepeda, cineasta de ascendencia dominicana, sigue a las estrellas del hip hop: Raekwon, Paul Wall y Tego Calderón a través del desvastado país.
Sonidos de la arena (miércoles 14, 7:30 p.m.) es una historia de éxodo, esperanza y fatalidad. La necesidad de agua impulsa a una familia a abandonar su hogar, bajo la amenaza de mercenarios y el sol del desierto, en busca de alguna forma de salvación. Esta película, dirigida por la belga Marion Hänsel, ha conseguido premios y menciones en numerosos festivales.
Cochochi (jueves 15, 10:00 a.m.) cuenta la historia de dos hermanos indígenas rarámuris. Dirigida por la dominicana Laura Amelia Guzmán y el mexicano Israel Cárdenas, ganó el Premio a la Mejor Opera Prima en el Festival de Toronto y fue muy elogiada en el Festival de Venecia.
Guerra/Danza (jueves 15, 5:00 p.m.) es una historia reconfortante y desgarradora que sigue a tres muchachos ugandeses, durante la guerra de Uganda del Norte, que tienen dos cosas en común: su inmenso sufrimiento y su participación en el Concurso Nacional de Música de Kampala.
Nuevo Mundo (jueves 15, 7:30 p.m.) es la historia de los inmigrantes europeos que hacen el largo y agotador viaje hasta Ellis Island, para luego someterse a las pruebas físicas y sicológicas que les abrirán la “puerta de oro” de Estados Unidos. Dirigida por Emanuele Crialese, ganó el León de Plata en el Festival de Venecia 2006.
Paisajes manufacturados (viernes 16, 10:00 a.m.) es un espléndido retrato del célebre fotógrafo canadiense Edgard Burtynsky, que tiene que ver con las dimensiones estéticas, sociales y medioambientales de la globalización como con el artista y su trabajo. El filme recibió el Premio al Mejor Largometraje Canadiense en el Festival de Toronto.
El hombre de las dos Habanas (viernes 16, 5:00 p.m.) es un documental sobre Max Lesnik, quien fue íntimo amigo de Fidel Castro y que luego se marchó al exilio en Estados Unidos, Dirigido por su hija, Vivien Lesnik Weisman, obtuvo el Premio al Mejor Documental Latino en el Festival Tribeca 2007.
Padre Nuestro (viernes 16, 7:30 p.m.) evoca el lado oscuro del sueño americano, en un New York donde los inmigrantes trabajan duro y los estafadores siempre están seguros de encontrar una presa fácil. Ganó el Premio del Gran Jurado en el Festival del Sundance 2007.
Oriundos de la noche (sábado 17, 5:00 p.m.) trata sobre los momentos finales de la dictadura de Trujillo en la República Dominicana, a través de tres personajes decisivos en la lucha por las libertades: Juan Bosch, Pedro Mir y Minerva Mirabal. Esta película fue co-producida por Funglode.
El pasado (sábado 17, 7:30 p.m.) explora las múltiples facetas en las relaciones entre hombres y mujeres. Este filme dirigido por Héctor Babenco y protagonizado por Gael García Bernal y Marina Anghileri. Presentada en los festivales de Toronto 2007 y San Sebastián 2007.
El filme seleccionado para el cierre en Santiago es El puente del destino (domingo 18, 7:30 p.m.) es un drama sobre cuatro jóvenes que, sin saber el uno del otro, han intentado suicidarse simultáneamente. Alternando el tono documental y la ficción este filme de Sergio Castilla nos traslada al interior del corazón del condado Washington Heights. Ganadora del Premio Red Star en el Festival de Cine Latino de Nueva York.

Definitivamente, el Festival de Cine Global Dominicano 2007 será una fiesta para los que disfrutan del Séptimo Arte.

Muestra de Cine 2007: el año que volvimos a la magia del Cine.

(En el inicio, debo agradecer la distinción de Arturo Rodríguez por invitarme a formar parte del Jurado de la Sección Oficial, formidable experiencia que me permitió compartir con las cinéfilas personalidades: Sonia Fritz, Cynthia Weisner, Jon Apaolaza y Alfonso Quiñones. Debo agradecer también las finas atenciones de Lidia Bastos, Luis Jiménez y Héctor Moreta, miembros del comité organizador.)

La Muestra Internacional de Cine de Santo Domingo es una oportunidad única que tienen los cinéfilos de saborear Cine, así con mayúsculas. Es la merecida pausa para descansar de tanta superproducción insulsa, de tanto sistema de estrellas, de tanto despropósito fílmico que nos mantiene aislados del resto del mundo cinematográfico.
La 9na. Edición de la Muestra de Cine ha concluido y sus organizadores tienen más de un motivo para celebrar. En primer lugar destaco el apoyo que brindó el público a las películas presentadas, llenando las salas con su presencia y entusiasmo. La mejor prueba es que las exhibiciones continúan hasta el próximo miércoles 17 de octubre. Es como para revisar agendas y anotar los títulos que nos faltan.
El premio de la Ciguapa de Oro para El año que mis padres se fueron de vacaciones, postulada por Brasil al Oscar, se veía venir desde su primera proyección. Es indudable que esta película de Cao Hamburger (Ciguapa al Mejor Director) tiene un encanto que, más allá de cualquier valoración, nos atrapa. Les recuerdo que también ganó el Premio del Público, extraña y satisfactoria coincidencia con el veredicto del Jurado. Esta historia tan universal y tan precisa, del mundo (en específico, el Brasil de 1970) visto a través de los ojos de un niño de 10 años cautiva por la dulce, sutil forma empleada para hablarnos de una dictadura.
Pero el Jurado también supo apreciar la crueldad con la que se describe el bajo mundo de la Alemania contemporánea. Allí, el peligro de las calles acecha para devorar la inocencia de la gente joven e incomprendida en sus necesidades afectivas. Knallhart (¡Hay que ser duro!) , de Detlev Buck retrata con crudo realismo este mundo y le brinda a David Kross la oportunidad de mostrar su enorme talento como actor. Por eso se llevó su Ciguapa.
La veteranía de Mercedes Sampietro se impuso sin ninguna oposición en la categoría de Mejor Actriz. Su magnífico desempeño en La edad de la peseta, de Pavel Giroud y postulada por Cuba al Oscar, no deja ningún tipo de dudas.
Pero lo más importante de la Muestra de Cine no puede verse en los premios. Creo que lo más importante es el respaldo del público que llena las salas, acaso como justa compensación al gran esfuerzo de los miembros del comité organizador, quienes dejan el pellejo en el trayecto. Nueva vez se demuestra que mucha gente quiere ver Cine, así con mayúsculas y en pantalla gigante, con toda su magia.
Sonia Fritz, realizadora mexicana que vive en Puerto Rico, hizo la pregunta más difícil de contestar: “¿Eres feliz?”. Bueno, depende de la película que acabas de ver.

Las razones de Arturo Rodríguez

Para todo cinéfilo que se respete la Muestra de Cine de Santo Domingo debe ser una cita obligada. Por si faltaba algún estímulo, Arturo Rodríguez, cinéfago y Presidente de su comité organizador, ha publicado sus razones para que sea una cita de todos. Buen provecho.

10 razones para acudir a la Muestra.
Por Arturo Rodríguez Fernández.

1. Desintoxicarse de todo un año de cine mediocre y malo.
2. Aprovecharse de los tragos gratis y las otras ofertas de los patrocinadores.
3. Experimentar de nuevo lo que es ver buen cine en pantalla gigante.
4. Conocer a directores, actores y productores de valía.
5. Compartir con aquellas personas que piensan que ni “El hombre araña”, ni “Los cuatro fantásticos” valen la pena.
6. Olvidarse de la realidad circundante que nos tiene agobiados.
7. Aprovecharse también de los considerables descuentos en los precios de las boletas.
8. Sentirse importante al votar por el premio del público.
9. Colaborar para que esta novena Muestra no sea la última.
10. Ayudar a unos pobres organizadores que nunca han visto ni verán beneficio económico y sí muchos problemas para realizar el evento.

La Muestra de Cine de Santo Domingo con Chile como país invitado

Vuelve la Muestra y con mayores bríos que nunca.

El destacado crítico Arturo Rodríguez, junto a un grupo de colaboradores, montará la IX versión de la más importante Muestra de Cine en Dominicana, del 4 al 13 de octubre en las salas del Palacio del cine de Bella Vista Mall.
La Muestra Internacional de Cine de Santo Domingo continúa su consolidación como uno de los más importantes eventos cinematográficos del área del Caribe, ofreciendo la posibilidad de visionar obras inéditas que escapan de los circuitos cinematográficos tradicionales y captando la atención de los mercados internacionales para la distribución, producción y difusión del cine en general, además de poner nuestra isla en el mapa de las posibles producciones que necesitan bellas locaciones para sus rodajes ayudando de esta forma a darse a conocer los excelentes técnicos que tiene nuestro país.
Para que el mayor número de personas pueda asistir se ha conseguido, gracias a un acuerdo con la administración del complejo, una rebaja considerable en el precio de las entradas que será de RD$120.00 por película durante todos los días que dure el evento.
Como todos los años, se ha contado con el apoyo oficial de la Secretaría de Estado de Cultura y toda una serie de empresas privadas que han colaborado con gran entusiasmo.
Además muchas de las embajadas acreditadas en el país aportan al evento toda una serie de películas seleccionadas por su gran calidad y su reciente fecha de producción.

Programa de películas

Cintas provenientes de países como Alemania, Argentina, Bélgica, Colombia, Cuba, Dinamarca, Ecuador, España, Estados Unidos, Francia, Italia, México, Paraguay, Perú, Polonia, Suiza, Venezuela y, por supuesto, Chile, estarán presentes en esta gran fiesta del Cine donde el público dominicano tendrá la oportunidad de ver un tipo de películas muy diferentes a las que usualmente ofrecen las carteleras comerciales.
Muchas de estas películas vendrán acompañadas de sus actores, productores o directores que estarán en contacto directo con el público durante las presentaciones estableciendo diálogos y comentando sus respectivas películas.

Chile como país invitado

Uno de los países que más ha colaborado con la Muestra desde sus primeras ediciones ha sido Chile que, de una manera u otra, ha estado presente con filmes de gran calidad.
En los últimos años, la cinematografía chilena se ha destacado internacionalmente obteniendo premios y galardones en los más diversos festivales.
Como película de apertura y como deferencia a Chile, se escogió El rey de los huevones, una comedia escrita, dirigida y protagonizada por Boris Quercia que, de seguro, divertirá al gran público con su falta de pretensiones, su simplicidad, su ternura y sus buenas actuaciones.
El resto de la representación chilena está compuesta por títulos como Padre nuestro, En la cama, El rey de San Gregorio y Horcón, al sur de ninguna parte.

Sección Oficial

Entre las películas a competir en este renglón se encuentran, por ejemplo, Soñar no cuesta nada de Colombia que ha roto todos los récords de boletería en su país y ha conseguido una sorprendente internacionalización.
Para la Muestra será de gran satisfacción poder contar con la presencia de El carnaval de Sodoma del gran director mejicano Arturo Ripstein ya que, por vez primera, la novela de un dominicano, en este caso, Pedro Antonio Valdés, es llevada a la pantalla grande.
Asimismo se presentará Persona non grata, del extraordinario director polaco Krzysztof Zanussi.

Jurado de la Sección Oficial

No es nada fácil elegir la mejor película de una Muestra o Festival.
De ahí que se necesiten personas de gran experiencia, cultura y conocimientos para hacer una adecuada selección.
La gran responsabilidad de este año recae en personas como Sonia Fritz, realizadora mejicana, Cynthia Wiesner, distribuidora radicada en Puerto Rico, Jon Apaolaza, director de la revista Noticine, Alfonso Quiñones, crítico cubano de Diario libre y José D’Laura, crítico de Santiago

Sección Opera Prima

Descubrir nuevos autores es uno de los objetivos de cualquier festival que se precie de su seriedad.
De las primeras películas de un director podemos aprender mucho, conocer nuevos estilos, nuevas inquietudes y nuevas formas de ver la vida a través del arte cinematográfico.
Esta vez, en la sección Opera prima que premia a la primera película de jóvenes realizadores tenemos cintas de países que por vez primera visitan el evento como es el caso de Paraguay con Hamaca paraguaya.
Habrá además cine latino hecho en los Estados Unidos como Shut up and do it y películas como El niño de barro de España o Ultranova de Bélgica, así como la presencia de un cine tan multipremiado como el danés, con la película Dia y noche.
En esta sección, también como novedad, y trayendo extraordinarias críticas está la producción ecuatoriana Que tan lejos.

Jurado de la Sección Opera Prima

El crítico de El Caribe, Máximo Jiménez se encargará, junto a los realizadores locales Víctor Ramírez y Humberto Espinal de seleccionar aquella película que signifique el debut más promisorio de un autor.

Miradas

Además de la sección especial dedicada a Chile, se organizará otras para filmes de Francia
(Las hermanas enfadadas, Vipere au poing y A tout de suite), de Alemania (Sophie Scholl, Vacaciones y la galardonada con el Oscar a la mejor producción extranjera La vida de los otros) y de otros países como Italia (Manual de amor), de Suiza (Todo un invierno sin fuego) o de México (La vida inmune).

Premio del Público

Como ya es tradicional, la empresa Mercasid otorgará el Premio del Público.
Cada espectador, al acabar la función, depositará en una urna, escrito en un volante, su puntuación acerca de la película acabada de visionar.
Aquella que al final de la Muestra, obtenga una mayor puntuación, será seleccionada como la mejor película del evento según la audiencia.

Premio de la X-102

Esta emisora radial, desde hace unos años viene otorgando el premio a la película mejor musicalizada.
En esta oportunidad, el jurado estará compuesto por Annina Rodríguez, Tony Rojas y Nelson García.

Taquillas en USA para el verano 2007

Ha llegado el Labor Day en Estados Unidos (uno
de los pocos países que no celebra el Día del Trabajo el 1ero. De mayo) y eso significa el simbólico final del verano cinematográfico de Hollywood. Es tiempo entonces de dar un vistazo por los títulos más taquilleros del 2007.
Por primera vez, Hollywood logra la marca de los 4 mil millones en recaudaciones, sobrepasando el hasta ahora verano más exitoso, del 2004. Sin embargo, no se estableció un nuevo record de ventas de taquillas: unos 606 millones de entradas se vendieron en el verano, apenas el sexto lugar de los últimos años. Para los que llevan anotaciones, la mayor cantidad de boletos vendidos en una temporada es de 653, en el 2002.
Sólo 4 películas han sobrepasado la marca de los $300 millones de dólares en recaudación: El hombre araña 3 ($336.5), Shrek Tercero ($320.7), Los transformers ($308.6) y Piratas del Caribe 3 ($308).
En el rango de más de $200 millones tenemos a: Harry Potter 5 ($283) y 300 ($210).
El listado de filmes con más de $100 millones, hasta este Labor Day, lo conforman unos 13 filmes: Ratatouille ($199), El ultimátum Bourne ($185), Los Simpson ($173), Wild Hogs ($168), Knocked Up ($147.7), Duro de matar 4 ($133), Los 4 fantásticos 2 ($131), Blades of Glory ($118), Ahora son 13 ($116.8), Ghost Rider ($115.8), I Now Pronounce You Chuck & Larry ($114), Rush Hour 3 ($108) y Hairspray ($107).
Por supuesto, otros estrenos recientes llegarán a estar dentro de las más taquilleras del año. Por ejemplo: Superbad y National Treasure: Book of Secrets, cuyo lanzamiento se pospuso para diciembre.
Pero ya no veremos esos impresionantes debuts de tres cifras en un fin de semana. A propósito, los únicos 3 títulos que consiguieron 3 cifras: El hombre araña 3 ($151.1), Piratas del Caribe ($139.8) y Shrek Tercero ($121.6).
El verano tocó a su fin y dará paso a los estrenos con olor a Oscar.

El milagro de Salma Hayek

Salma del Carmen Hayek Jiménez es un auténtico milagro: dotada de un cuerpo que parece un manual para jugar al pecado, esta veracruzana guapa y cerebral fue también una de las alumnas más aplicadas del taller interpretativo de Stella Adler. Esto le dotó del coraje para, contra los consejos de amigos a quienes les parecía una quimera, marcharse a conquistar el mundo del cine de Estados Unidos.
No sólo ha logrado establecerse como actriz: ahora es, además, directora y productora, y está enfrascada en parir varios proyectos con su propia compañía Ventanazul, productora que fomenta los temas y el talento latinos en el mercado de Hollywood. Imagino las caras largas de quienes dudaron mucho de su éxito.
El milagro de Maldonado, su debut como directora, se presentó en el Festival del Sundance, el más importante del cine independiente en USA y un escenario para la proyección de lo mejor de latinoamérica, donde fue ovacionada de pie por el público y recibió elogios de la crítica.
El milagro de Maldonado no es una comedia, pero como los mejores dramas, mezcla momentos cómicos con temas serios acerca de la esperanza, la redención, el amor y también toca el aspecto de la inmigración ilegal en la frontera entre Estados Unidos y México.
Por si falta algún punto que sumar, Salma (elegida en el 2001 por People como la “artista femenina más sexy”) es también una defensora a ultranza de la comunidad latina en Estados Unidos.
Ya lo dije al principio: un auténtico milagro de la naturaleza.

Mi cine está de novio

El cine dominicano está de novio. Su (por el momento) conveniente relación es con la televisión. En efecto, nuestro cine atraviesa por su necesaria etapa televisiva. Me explico: el cine dominicano se sustenta gracias al talento de la televisión que da el salto de pantallas.
Con el estreno de Mi novia está de madre, dirigida por Archie López y protagonizada por Roberto Angel Salcedo, Patricia Manterola, Pamela Sued, Cuquín Victoria y Frank Perozo, se pone de manifiesto esa tendencia.
Aclaro que no tiene nada de malo el escenario donde se ha formado el talento que nutre al cine dominicano. Muy por el contrario, la presencia de figuras muy conocidas por el público, equivale a nuestro particular sistema de estrellas, uno de los soportes para el crecimiento de la industria del cine americano.
Mi novia está de madre es la típica comedia de enredos que está llamada a convertirse en otro éxito de público para el incansable Roberto Angel. De hecho, él protagonizó Un macho de mujer, la única película dominicana que tuvo masivo respaldo en el 2006.
Mi novia está de madre cumple con creces su propósito de que los espectadores pasen un buen rato en el cine. Uno de sus mejores puntos es lograr que la gente ría sin necesidad de caer en vulgaridades. El fraseo popular es la base de los diálogos de los personajes y se siente la sintonía con la audiencia: todo el mundo celebra las ocurrencias.
Como libretista, Roberto Angel recurre a los estereotipos habituales (intelectual aburrido, chica postmoderna, solitaria mujer madura, homosexual sentimentaloide, ex-esposos posesivos) para sus personajes y enfrenta ideas en su nivel más simple (música clásica/reggaetón, biblioteca/discoteca, romance/sexo). Su mejor punto está en la inteligente vuelta de tuerca que le evita caer en un final que no esté a la altura de las expectativas del público.
La presencia de Domingo Bermúdez, Manuel Corripio y José Miguel Bonetti como productores ejecutivos habla muy bien de la salud y las potencialidades del cine dominicano: ellos son empresarios de muy bien ganado prestigio que ven este filme como una buena y rentable inversión.
Técnicamente es una de las realizaciones de mejor factura. No puedo hablar de actuaciones sino de eficiente desempeño: todos aportan para que las situaciones resulten hilarantes. Si se fijan en los bloopers de los créditos finales, el inmenso Cuquín Victoria saca de concentración al extraordinario Iván García: pide a gritos alguien que le escriba una película para un lucimiento histórico.
En definitiva, Mi novia está de madre es otro paso hacia delante en el gratificante momento que vive el cine dominicano.

Los Simpson, políticamente incorrectos.

Debo confesar que soy la única persona de la galaxia que nunca ha visto un capítulo de Los Simpson y que, al margen de las referencias básicas, no siento ningún vínculo para con esta disfuncional familia.
Pues bien, nada de lo escrito anteriormente me ha impedido disfrutar de Los Simpson, la película que se estrenó en todo el mundo (incluyendo nuestra media isla) el pasado fin de semana. ¿Por qué la disfruté? Simple: lo políticamente incorrecto siempre ha contado con mi absoluta simpatía.
Estoy gratamente sorprendido por el desparpajo de los personajes para criticar ácidamente algunos aspectos de la sociedad norteamericana contemporánea, verbigracia, su total apatía a los temas ambientalistas.
Es fascinante descubrir que los chicos malos de USA han encontrado en los cartoons (otro en la misma línea es South Park) una magnífica vía de expresión crítica que, además, cuenta con el favor del público: Los Simpson debutó en la primera posición de las taquillas con la astronómica recaudación de US$71.9 millones, el quinto mejor debut para un filme en el 2007.
Hay que resaltar dos aspectos básicos en la película dirigida por David Silverman: su contínua referencia a otras películas y la violación del propio discurso narrativo del cine.
En relación a las referencias a otras películas, 2001: Odisea del espacio, Titanic, Día de la independencia, El hombre araña, Una verdad incómoda y muchas más son reconocidas por el público a través de la satirización de sus escenas más famosas.
En relación a los atrevimientos contra las reglas del discurso narrativo, Los Simpson establece una especial empatía con el público desde el primer minuto: nos definen como crédulos, porque hay que ser… para pagar por ver algo que es gratis en la televisión. Como vienen del mundo de la televisión, no falta la promoción a un ficticio programa de la cadena Fox, ni la clásica pantalla de “Continuará”, tan familiares a los adictos a las series. También incluyen su llamado contra la piratería cuando uno de los niños copia en la pizarra: “No descargaré ilegalmente esta película”.
Un consejo: búsquese la mejor excusa (si la necesita) y disfrute de una de las mejores comedias ácidas de los últimos tiempos.

Ratatouille, la nueva generación de personajes animados.

Me cuentan que el Ratón Mickey está de psicoanalista en estos días. Y no es para menos: después de muchos años de servir de símbolo y figura al imperio Disney, se le dio el papel protagónico de un largometraje a… una rata. Mickey está deprimidísimo y, con razón, no encuentra consuelo en los barbitúricos que le recetó su doctor. Para colmo de males, Ratatouille debutó en el primer lugar de las taquillas en USA.
Parecería que los ejecutivos cinematográficos se han decidido a renovar su staff de personajes ante el éxito de los recién llegados: Shrek, Sully (de Monsters), Nemo, etc. Remy, (personaje protagónico), dice mi bola de cristal, se coloca a la cabeza de la nueva generación de personajes del catálogo Disney.
(Algún día hablaré de la Importancia Icónica de los Roedores en el Cine: desde Mickey hasta Stuart Little. Pero eso, créanme, es material de otra crónica).
Nada más difícil que crear armónica relación entre una rata y la comida gourmet, pero todos disfrutamos Ratatouille sin reparos y con una sonrisa en los labios. El hacedor del milagro es Brad Bird, quien ya tiene en su carrera títulos como Iron Giant y Los increíbles.
Todo el mundo sabe que París es la ciudad de las luces. El sitio perfecto para enamorarse, hacer el amor y admirar la Torre Eiffel. También es la capital mundial del buen comer. Por eso, es el escenario natural para esta historia drama-gastronómica.
Remy se gana nuestros corazones desde el primer minuto. La clave de su discurso es su deseo de ser auténtico y no aceptar la basura como comida porque sus sentidos le exigen algo gourmet. ¿Quién no se identifica con esos ideales de superación? Todos hemos enfrentado la tradición, lo que se supone destino para nuestras vidas. Ahí radica la enorme riqueza de este nuevo personaje que, además, nos hace reir con sus ocurrencias y sabe cocinar delicias para los paladares más exigentes.
Los logros en animación son inefables, es decir, no pueden describirse con palabras. Compre su taquilla y véalos por usted mismo.

Franquicias en las taquillas de USA

A raíz de los éxitos taquilleros de este verano 2007, nueva vez reviso el listado de las películas más taquilleras de la historia del cine en Estados Unidos y descubro que se trata de una serie de franquicias cinematográficas que se han hecho populares y de las que se han hecho, al menos, 3 películas.
El dato escalofriante: entre las 33 películas más taquilleras, al menos 21, es decir, el 64% forma parte de una de estas exitosas franquicias. Por eso, tantas secuelas. Por eso, se prefiere no inventar mucho y apostar a lo seguro, a lo que el público ha mostrado su interés de ver.
La más taquillera de la historia es Titanic (1997) con sus $600 millones. Lamentablemente para sus productores el barco se hundió y no tienen posibilidad de hacer una segunda parte.
El segundo puesto lo ocupa Guerra de las galaxias, la franquicia que George Lucas inició en 1977. Con sus $460 millones luce lógico material para una saga: El Retorno del Jedi (22, $309) y El imperio contra-ataca (28, $290).
Si se preguntan por las demás de la saga de Lucas, recuerde que el creó el término “pre-cuela” para estos filmes: La amenaza fantasma (5, $431), La venganza del Sith (8, $380) y El ataque de los clones (21, $310).
Por si no lo notó, George Lucas tiene 3 películas entre las 10 más taquilleras y 6 dentro de las primeras 30.
El tercer puesto lo ocupa Shrek 2 con $436 millones. La trilogía del agradable ogro verde la completan: Shrek 3 (20, $313) y Shrek (33, $268).
El sexto puesto de la lista es para Piratas del Caribe 2 con $423. Johnny Depp ha roto el maleficio de las películas sobre piratas y ha colocado otras dos entre las más taquilleras: La maldición del Perla Negra (24, $305) y Piratas del Caribe 3 (25, $301).
La séptima posición está atrapada entre las redes infalibles de El hombre araña con $403 millones. La trilogía la completan: El hombre araña 2 (10, $373) y El hombre araña 3 (15, $333).
El señor de los anillos 3 ocupa la novena posición con $377 millones recaudados. Como imaginarán las otras dos partes de la trilogía también están entre las más taquilleras: El señor de los anillos 2 (13, $340) y El señor de los anillos (19, $313).
Y así llegamos hasta la saga de Harry Potter que ha colocado todas sus entregas entre las más taquilleras: Harry Potter (18, $317), Harry Potter 4 (29, $290), Harry Potter 2 (34, $262) y Harry Potter 3 (42, $249).
Hollywood es siempre más de lo mismo. Y mientras el público pague, tendremos mucho más… de lo mismo.

Las 100 mejores películas según el AFI

Hace unos días se dio a conocer el listado actualizado de las 100 mejores películas acorde con los datos recaudados por el Instituto Americano del Cine (AFI, por sus siglas en inglés). La primera vez que el AFI publicó dicho listado fue en 1997 y se refiere, esencialmente, producciones norteamericanas e inglesas.
En realidad, el listado más reconocido por el mundo del cine es el que publica cada 10 años, desde 1952, la revista Sight & Sound. En la primera ocasión, Ladrón de bicicletas (1948), la obra maestra de Vittorio De Sica, ocupó la primera posición. Desde 1962, Ciudadano Kane, de Orson Welles ha ocupado el lugar de la película más admirada por los consultados.
Volvamos al listado del AFI. Ciudadano Kane ocupa la primera posición. Hasta ahí las similitudes con el listado de Sight & Sound. Bueno, imagino que ya saben el problema de los listados: no están todas las que son, ni son todas las que están. Y siempre habrá algún inconforme en una media isla del Caribe.
El segundo lugar lo ocupa El Padrino (1972), la obra maestra de Francis Ford Coppola que, desde que la primera vez que la vi, ocupa en mi listado el mejor de todos los lugares. Es la película que he visto mayor cantidad de veces y mi favorita de las miles que he visto.
Casablanca (1942), este clásico de Michael Curtiz fue elegida hace un tiempo como la historia de amor preferida del público norteamericano y ocupa el tercer puesto de la lista de AFI.
El toro salvaje (1980) del maestro Martin Scorsese y elegida hace muchos años la mejor película de la década 80 ocupa la cuarta posición. En este filme Robert De Niro dio una cátedra de actuación.
El quinto puesto es para Cantando bajo la lluvia (1952) de Stanley Donen, elegido en otra votación como el musical favorito de los norteamericanos.
El lugar número 6 es para Lo que el viento se llevó, la historia épica de Victor Fleming, el único director que aparece dos veces entre los primeros diez: también ocupa el décimo puesto con El mago de Oz. Curiosamente, ambas películas fueron rodadas en 1939, iniciando la espléndida época del cine a color.
El maestro David Lean ocupa el séptimo puesto con Lawrence de Arabia (1962).
La lista de Schindler (1993) de Steven Spielberg ocupa el puesto número 8 y es la más reciente de las películas incluídas en la lista.
Finalmente, Vértigo (1958) uno de los tantos clásicos de Alfred Hitchcock ocupa la novena posición dentro del listado del cine que prefieren los consultados por el American Film Institute.

Shrek 3: el triunfo de la nueva animación

Hace unos días Shrek 3 debutó en los Estados Unidos recaudando la modesta cantidad de $122 millones de dólares en su primer fin de semana. No sólo se estableció como la película de animación con el mejor debut en la historia del cine, sino que ocupa el tercer lugar de todos los tiempos, sólo detrás de El hombre araña 3 ($151.5) y Piratas del Caribe 2 ($135.6).
Bueno ya tenemos al ogro verde entre nosotros y merece disfrutarse como uno de los mejores estrenos del año. Los mercadólogos de Hollywood han logrado el milagro: los padres acompañamos a nuestros hijos al cine con una sonrisa dibujada en el rostro y hasta mayores ganas de ver el filme en cuestión.
En 1995, Toy Story inauguró un nuevo campo en el mundo de la animación: las películas generadas por computadoras. A la luz de los resultados, no se equivocaron quienes propiciaron los cambios a la nueva tecnología y el nuevo posicionamiento de los filmes de animación.
¿Un nuevo posicionamiento? Cualquier madre promedio puede reconocer sin complejos de ningún tipo que hasta hace unos años acompañar a los niños al cine era poco menos que un suplicio. Por suerte las cosas han cambiado en términos de los conceptos que los realizadores se permiten tratar.
Pongo por ejemplo a Shrek. En todo cuento de hadas que se respete el ogro es un personaje antagonista, es decir, un modelo de valores negativos: es un antisocial, de espantosa apariencia, poca higiene y un largo etcétera, que sólo sirve para asustar a los niños.
Para re-posicionar este personaje, los realizadores se han valido de muchos recursos y talentos y de una perspectiva en la que se esconde la clave del éxito: ser absolutamente irreverentes hacia el mundo de los cuentos de hadas.
Talentos. En inglés, los nombres de los actores reclutados para hacer las voces sería el sueño de cualquier realizador: Mike Myers, Eddie Murphy, Cameron Díaz, Antonio Banderas y ahora añadieron a Justin Timberlake. Para la versión en español que disfrutamos, no se quedan atrás: Alfonso Obregón, Eugenio Derbéz, Dulce Guerrero y Antonio Banderas, que no necesita sustituto.
Irreverencias. Siempre he sostenido la tesis de que los filmes de animación se dirigen más a los adultos que a los niños. Eso incluye los de la factoría Disney, paradigma del género y contra quienes se dirigen algunas de las provocaciones: en un momento, se rebana en dos una representación de Bambi. En Shrek 3 se juntan unos 23 personajes de cuentos infantiles, incluídas las princesas: Cenicienta, Blanca Nieves (que regala uno de los enanitos con el argumento de que le quedan 6 en la casa), Rapunzel (que resulta que usa peluca) y la Bella Durmiente (que lo único que saber hacer es dormir). Y Merlín es un viejo en tratamiento que ha perdido su poder de hacer magia.
Las letras del reino Far, Far Away están colocadas en la falda de Beverly Hills como las de Hollywood y eso implica también una dosis contra la propia industria. En efecto, en cada entrega de Shrek se han burlado de algunas películas. Para la ocasión, son muy obvias las burlas a Harry Potter y Rosemary’s Baby (el clásico de Polanski).
Si lo que busca es una buena comedia para olvidarse de los pre-candidatos, las promesas, el calentamiento global y el caos del tránsito, Shrek 3 es la película. Recuerde llevar a sus hijos. Ellos también agradecerán la iniciativa.

Hollywood: cuna de proyectos en conflicto

Hollywood es, aunque cueste creerlo, un infierno creativo de proyectos en permanente conflicto. Nada nuevo se crea bajo el sol, pero todo el mundo vigila lo que hace el vecino.
El público con sus dólares está ahí, sólo falta una idea capaz de provocar que la gente compre su taquilla. Para lograrlo, inventaremos cualquier cosa o le robaremos la idea a otro estudio. En una ley no escrita de esta particular jungla de celuloide, si las opciones anteriores no son aplicables, boicoteamos el proyecto del estudio más cercano.
En ese ambiente de permanente espionaje empresarial, de yuppies con demasiado stress, de estrellas con demasiado ego, de patrocinadores buscando desesperadamente algo en que apoyar sus campañas, se anuncian proyectos y contra-proyectos. Es decir, en la guerra del mercado (antes era del amor) todo se vale.
De ahí viene eso de que Hollywood es una cuna de proyectos en conflicto. Uno de los ejemplos más sonados llegó de manos del V Centenario del Encuentro de Culturas y la idea de hacer una película sobre el viaje de Colón. En una frenética carrera con salir primero se hicieron: Christopher Columbus: The Discovery, un disparate dirigido por John Glen y protagonizado por Marlon Brando que opacó el posible éxito de 1492: Conquista del Paraíso, de Ridley Scott con Gerard Depardieu. El sabor amargo que dejó la primera, operó en contra de la segunda.
Ahora que se estrenó Pathfinder, dirigida por Marcus Nispel, caigo en cuenta que se trata del otro “proyecto pre-colombino”. El primero es Apocalypto, de Mel Gibson. Se trata de una nueva versión de la película noruega Veiviseren (1988) que llegó a estar nominada al Oscar como Mejor Película Extranjera.
La negativa estela que ha dejado el disparate de Mel Gibson ha limitado significativamente el éxito de Pathfinder. En otras circunstancias, sus logradas escenas de acción, la violencia física que presenta y la atmósfera de Norteamérica antes que llegaran los españoles, hubiesen tenido mejor aceptación. Pero al público no hay quien lo convenza de ver otro apocalipto.
Porque en Hollywood, cuando no juegan todos rompen las barajas.

Un Verano entre arañas y piratas

Hasta hace unos años, en Estados Unidos el verano cinematográfico comenzaba en el fin de semana del Día de los Veteranos a finales de mayo y se extendía hasta la primera semana de septiembre.
Cuando reviso las taquillas del año noto que han adelantado un mes el verano y los resultados son más que satisfactorios.
Muchos dirán que tantas secuelas se hacen porque tienen el éxito garantizado. Y quizás tienen razón: El hombre araña 3 lleva unos $307.6, mientras Shrek 3 suma unos $219.4.
Este lunes 28 de mayo se acaban de dar los datos del fin de semana y Piratas del Caribe 3: en el fin del mundo, alcanzó la cifra de $115.1, debutando como se esperaba en el primer lugar.
Leo un análisis y según el titular la película “falló en encontrar el tesoro de las taquillas” porque no logró romper el récord que hace unas semanas impuso El hombre araña 3. Me pregunto: ¿se volvieron locos los analistas?. 115 millones no es paja de coco y menos si sumamos los 245 millones que Piratas ha recaudado en el resto del mundo desde el pasado miércoles.
En el 2003, cuando comenzaron las andazas de Jack Sparrow a bordo del Perla Negra, señalaba que se había roto una maldición que pesaba con las películas que tenían a los piratas como tema. Hasta Steven Spielberg (Hook) o Roman Polanski (Pirates) habían saboreado el fracaso frente a semejante reto.
¿Dónde radica el éxito de Piratas del Caribe? Sin duda en que su protagonista Johnny Depp, es un auténtico imán taquillero, además de uno de los actores más completos de su generación.
Depp ha generado una legión de fanáticas a las que no le importa que esta película dura 2 horas y 47 minutos y que tiene una trama más intrincada que un acertijo chino.
Piratas del Caribe 3 ha conseguido el quinto mejor debut en la historia del cine y todavía hay quien le regatea su mérito.
Créame si le digo que, mientras usted leyó esta nota, alguien ya está preparando la parte cuatro.

Cannes 2007: Lista de Ganadores

Cuatro meses, tres semanas y dos días, la película del director rumano Cristian Mungiu, que ya había obtenido el Premio de la Crítica Internacional FIPRESCI, cumplió con los pronósticos y se alzó con la Palma de Oro en la 60ª edición del Festival Internacional de Cine de Cannes.
La japonesa El bosque de luto obtuvo el Gran Premio del Jurado en la gala presentada por la actriz Diane Kruger, que destacó el alto nivel cualitativo de los filmes presentados en la Sección Oficial Competitiva.
El premio al Mejor Director fue para Julian Schnabel por The Diving Bell and the Butterfly, mientras el Premio 60mo Aniversario fue para Gus Van Sant por Paranoid Park.
Meduzot, cinta israelí dirigida por Etgar Keret y Shira Geffen, se consagró con la Cámara de Oro a la Mejor Ópera Prima, mientras que el Premio Especial del Jurado recayó ex aequo en Luz silenciosa, del mexicano Carlos Reygadas, y la película de animación francesa Persépolis.
El galardón fue para el actor ruso Konstantin Lavronenko por su papel en Destierro. La actriz surcoreana Do-yeon Jeon ganó el Premio a la Mejor Interpretación Femenina por Secret Sunshine.

El Pianista: el Polanski más personal.

(A propósito de la celebración del Festival de Cannes, he vuelto a ver esta joya de Polanski y nueva vez, el brillante cineasta logra activar muchas sensibilidades.)

Roman Polanski es, sin duda, un personaje de historias de películas. Un gran artista, un auténtico autor, pero también una persona que ha sufrido innumerables traumas a lo largo de su vida. Y desde temprano: sus padres retornaron de Francia a Polonia en 1942 y afrontaron todos los problemas de la ocupación alemana y el ghetto de Varsovia. Su madre murió en un campo de concentración.
Cuenta en sus memorias, Roman por Polanski, que estuvo a punto de morir a causa de una bomba que le perforó parte de su cráneo mientras huía de la muerte en Varsovia.
El destino habría de preservarlo para otras pruebas.
El 8 de agosto de 1969 sucedió uno de los sucesos que más ha conmocionado la sociedad americana en las últimas décadas: el asesinato de su esposa, Sharon Tate (embarazada de 8 meses) a manos de la banda de Charles Manson. 10 años después, Polanski redimiría toda esa deuda de dolor, dedicándole Tess a su asesinada esposa.
Cuando ganó el Oscar al Mejor Director por El Pianista (2002, a la edad de 69 años y 7 meses, el director de mayor edad que lo consigue), una de las mayores expectativas era si lo retiraría en persona. Polanski es prófugo de la justicia americana que le persigue por la violación de una menor de 13 años durante una fiesta en la mansión de Jack Nicholson. Por supuesto, no asistió a la ceremonia.
Pero al margen de esa atribulada vida, Polanski ha entregado un clásico en más de un género del cine: Rosemary’s Baby (1968, excepcional cine de terror, ahora parodiada en Shrek 3), Chinatown (1974, film noir), El inquilino (1976, suspenso), Tess (1979), Frenético (1988), Luna de hiel (1992).

Con El Pianista, Polanski redime una herida que lo hace sangrar desde su infancia cuando escapó del ghetto y sobrevivió gracias a la solidaridad de los campesinos que encontró en su huida. Precisamente, Wladyslaw Szpilman, el pianista judío en cuyas memorias se basa la película, fue un maestro de la sobrevivencia, después de padecer mucha soledad e innumerables sufrimientos.
He aquí una de sus constantes: de alguna manera, Polanski siempre habla de la soledad, del aislamiento del ser humano en determinadas circunstancias.
El Pianista es lo que los americanos llaman un solo vehicle, es decir, un vehículo para el lucimiento de su actor principal, Adrien Brody, merecidísimo Oscar como Mejor Actor. Entre las cosas que hizo Brody estuvo un intenso entrenamiento para aprender a tocar el piano y aislarse por completo de familiares y amigos para sentir la soledad.

Pero la clave del éxito de El Pianista radica en su poética visual, que nos asombra y nos estremece, que nos enternece hasta las lágrimas con una fuerza que pocos directores logran convocar. Polanski ha logrado hacer de una super-producción su película más personal.

Sus propias palabras no dejan duda: “El Pianista es un testimonio del poder de la música, la voluntad de vivir y el coraje para enfrentar el mal”.

Festival de Cannes: 60 años de Excelencia Cinematográfica

Desde sus inicios, el Festival Internacional de Cine de Cannes se erigió como tribuna para celebrar y estimular la libertad creativa de los cineastas, al margen de cualquier prejuicio.

Surgido como respuesta a un exabrupto de la dictadura de Mussolini, se ha convertido en el mejor escenario para conocer la calidad del cine que se hace en todo el planeta.

Cuentan las buenas lenguas que en 1938, todo el mundo esperaba que ganara La gran ilusión de Jean Renoir. Pero el premio se lo dieron a Olympia, de Leni Riefenstahl (realizadora preferida del régimen Nazi) y el disparate italiano Luciano Serra, Pilota (de Goffredo Alessandrini, hijo bastardo de Mussolini).

El enojo de los franceses fue bíblico: iniciaron amarres para tener su propio festival en el que se escogiera libre de presiones políticas o de cualquier tipo. Lo inauguraron en 1939, con tan mala suerte que al otro día, al cabronazo de Hitler se le antojó invadir Polonia y poner en marcha la Segunda Guerra Mundial. Hubo una pausa hasta 1946.

Así nació Cannes y hoy se ha convertido en el termómetro del cine mundial.

A sus 82 años, Louis Lumiére, el inventor del cine, tuvo el justo honor de ser el Presidente del primer jurado de Cannes. Ese hecho marcaría la pauta del grandioso recorrido del festival.

Cannes ha significado el descubrimiento de los mejores nombres del cine mundial y nadie discute su supremacía entre los festivales de cine.

Simple: Cannes es el más prestigioso festival de cine del mundo. Ganar la Palma de Oro es sinónimo de buen cine y garantía de calidad para los cinéfilos.

Ahora que celebramos sus primeros 60 años, quizá bastaría con soplar las velitas y dejar que las maravillosas imágenes en movimiento llenen de poesía nuestros sueños.

Notas para un excelente escándalo

Cate Blachett es, sin duda, la más camaleónica de las actrices contemporáneas.
Ella ha demostrado tener más agallas que todas y ya ganó el Oscar por El aviador (de Martin Scorsese) en la que encarnó a Katherine Hepburn.
Blanchett combina a la perfección su carrera comercial (El señor de los anillos) con papeles de mayor peso dramático: Elizabeth (ganó Globo de oro y Bafta), Veronica Guerin y Charlotte Gray. Recientemente la vimos en Babel.
Y maravilla por el extraordinario rango que es capaz de abarcar con sus personajes: esposa ítalo-americana en Pushing Tin; niña de sociedad en El talentoso señor Ripley; apalache con poderes síquicos en The Gift; Galadriel en El señor de los anillos.
Hay quienes le cuentan más de una docena de acentos perfectos a esta australiana.
Parte de la clave de su éxito radica en sus inusuales facciones: entre clásico perfil griego y esa next door girl, que nos atrae por su rústica lozanía. Una sensualidad apenas contenida a flor de piel que nos incita por igual a mirarla con disimulo o desatar nuestros más fieros instintos.
Después de esta carta de amor a Blanchett, debo también acreditar a otras personas del logro de Escándalo. Merece todo nuestro respeto Judi Dench, porque esta película es lo que se denomina un tour de force, un enfrentamiento entre dos formidables actrices que entregan lo mejor de sí para ganarse el favor del público.
Merece señalarse la acertada dirección de Richard Eyre: adecuada, sobria, sin excesos innecesarios. Merece un reconocimiento el fino trabajo de Phillip Glass, formidable músico responsable, entre otras cosas, de la trilogía Qatsi (de Godfrey Reggio) y Las horas.
Todos aportan para que esta adaptación de la novela de Zoe Heller sea una de las mejores opciones dentro del verano que ya llegó preñado de hombres arañas y piratas del caribe.

Yuniol, lo nuevo de Alfonso Rodríguez.

Mucho me gustaría decir que Yuniol, la nueva propuesta cinematográfica de Alfonso Rodríguez, es una joya pero no puedo hacerlo por una razón muy simple: es una propuesta digna pero carente del toque final que nos deje satisfechos.
A propósito, el final (con todo y sus moralejas incluídas) es débil y eso lo sabe Alfonso Rodríguez: debió terminar con una suerte de acento concluyente para esta historia de nuestros días. Humilde sugerencia: se puede sustituir por completo el audio del reporte de noticias por los sub-títulos correspondientes a las fotos actuales de cada personaje. Así se evitaría el inútil esfuerzo de que sus protagonistas aparenten ser mayores.
Yuniol crea un nuevo registro en el cine dominicano: apuesta por la denuncia de los males que padecen los pobres de los barrios del país desde la visión de la gente joven con ganas de triunfar que debe salvar toda clase de obstáculos. Una perspectiva urbana y juvenil: un nuevo registro.
Rodríguez demuestra que es un director valiente y apuesta al talento joven (Frank Perozo, Shalim Ortíz, Hemky Madera y Sharlene Taulé) para que sobre ellos recaiga todo el peso dramático y eso siempre será un riesgo de cara a las probabilidades comerciales del filme y al respaldo que el público puede ofrecer. Explico: cuando no se tiene a un cómico como gancho para atraer más gente, cuando se ha renunciado a la típica comedia que llena las salas de cine, es porque se está claro acerca de las posibilidades de nuestro cine.
Sin renunciar a su carga de entrenimiento (no todo puede ser comedias), Yuniol es un paso de avance para que el público dominicano se acostumbre a la idea de que también se puede denunciar.
También Yuniol nos hace ver que el cine dominicano vive una etapa de madurez en los términos de su realización. Siempre habrá algún aspecto técnico que mejorar (cuestión de recursos) porque estamos muy mal acostumbrados a comparar las criollas a las superproducciones de Hollywood.
Ya hacemos cine con una correción más que apropiada en función de su inversión monetaria. Y sólo ese logro merece el respaldo de todos y todas.

Claude Chabrol: maestro francés del suspenso.

(A Eric Cruz,

por su bondadoso obsequio de la Colección Chabrol,
permitiéndome la más cinéfila Semana Santa.)

En 1958 sucedió un milagro: los críticos de cine devinieron en realizadores. Por supuesto, esto sólo podía ocurrir en Francia.
En efecto, los redactores de la prestigiosa revista Cahiers du Cinema decidieron dejar a un lado sus protestas por la pésima calidad del cine francés y las cambiaron por propuestas.
Francois Truffaut, Jean-Luc Godard, Eric Rohmer, Jacques Rivette, Jacques Doniol-Valerose y Claude Chabrol, tomaron por asalto el escenario cinematográfico francés y regalaron al mundo el movimiento de La nueva ola.
El más prolífico de todos fue Claude Chabrol, quien se dio a conocer en 1957 con su tesis Hitchcock, escrita a cuatro manos con Eric Rohmer, y que se convirtió en el primer estudio sobre un director que era tratado como autor, convirtiéndolo de dotado artista del entretenimiento en genio cinematográfico.
A partir de la admiración por Hithcock, Chabrol construyó una obra que elevó de categoría el género del suspenso y promovió su aceptación por parte de los críticos.
Chabrol debutó con Le Beau Serge (1958), la primera película de La nueva ola, y gracias al éxito que consiguió, pudo fundar su productora y convertirse en el mecenas de sus compañeros de movimiento.
La crítico Pauline Kael precisó en su momento: “Chabrol usa la cámara como los escritores usan la pluma, y tiene la gracia y la fluidez de un maestro…Chabrol hace poemas tonales de temas sicológicos”.
Paradójicamente, a Chabrol no se le ha reconocido en la justa dimensión de su talento. Tampoco está justamente acreditado por la enorme influencia que ha ejercido en numerosos realizadores contemporáneos.
Chabrol estremeció a las audiencias de su tiempo. Ya sea con joyas del suspenso como: La Femme Infidéle (1969) o Que la béte Meure (1978), curiosamente ambas han sufrido sus remakes americanos; sino también con películas abiertamente polémicas como Les Biches (1968), que escandalizó a los hipócritas de Estados Unidos al presentar una relación lésbica, o Nada (1974), que se desarrolla en las movedizas arenas del terrorismo y la violencia política.
Una constante en las películas de Chabrol es su cuestionamiento al mundo y los valores de las élites sociales (La Rupture (1970), Les Innocents aux Mains Sales (1975), aunque también castigaba con su látigo implacable las incongruencias de muchos revolucionarios.
Claude Chabrol supo como nadie manejar sus elementos para que el espectador no permaneciera indiferente. Con su cine no es posible: nos sentimos arrastrados por la pasión que corroe sus personajes, nos sentimos violentados en nuestra intimidad, nos vemos empujados a participar de la acción, a comernos las uñas, vamos, a suspirar de alivio cuando nos premia con la última vuelta de tuerca.
Es indudable que la filmografía de Chabrol está poblada de una completa galería de extraordinarios personajes, propios o ajenos, que habitan en la complejidad temática y visual de su universo.
Toda una aventura.

Niños del hombre: el futuro de Alfonso Cuarón.

El 2006 fue el año más memorable de los últimos tiempos para los cineastas mexicanos. Al menos, Los tres mosqueteros del cine azteca lograron el reconocimiento de los públicos de todo el mundo: Alejandro González Iñárritu (Babel), Guillermo del Toro (El laberinto del fauno) y Alfonso Cuarón (Niños del hombre).
Alfonso Cuarón es el Tim Burton de México. Para que se entienda: es un magnífico creador de atmósferas, importantísimas cuando se trata de poner en escena una novela futurista como The Children of man (1992) de la escritora P.D. James.
Nueva vez, se nos presenta el futuro (no tan lejano: año 2027 para ser precisos) y la supervivencia de la especie humana está en peligro. En ese mundo patas arriba, las migraciones son reprimidas con violencia descomunal (bueno, no estamos muy lejos de eso en estos momentos) y las mujeres del mundo han quedado estériles sin que se sepa la causa del fenómeno.
Siempre que vemos al futuro, vemos un mundo que ha perdido toda esperanza. Bueno, la verdad es que cuando revisamos los diarios de nuestros días…
Lo importante de la película de Cuarón son los logros alcanzados en la puesta en escena. Una película como Hijos del hombre implica que los personajes están, dramáticamente hablando, supeditados al ambiente. Crear esa atmósfera de futuro decadente con tanta precisión implica algo más que llenar un set de escombros. También se necesita una percepción muy clara del oscuro mundo que se quiere describir.
Cuarón puede ufanarse de varias impactantes escenas de acción con un nivel de realización que habla de su excelente dominio de los postulados cinematográficos.
Cuarón logra un adecuado desempeño de su elenco: Clive Owen, Julianne Moore y Michael Caine.
El futuro de Cuarón es un puesto definitivo en el mercado internacional de las grandes producciones.
Con Hijos del hombre, para nuestra satisfacción, también deja sentir su pulso de director de cine, su talento como autor.

Babel: inventario de ausencias, pérdidas e intolerancia.

Desde el primer momento, el tándem Alejandro González-Iñárritu (director) y Guillermo Arriaga (guionista) me deslumbró por su extraordinaria capacidad para crear películas corales, es decir, varias historias que se nos cuentan paralelamente y que, en algún momento, se mezclan.
En 10 años de fructífera colaboración nos regalaron la llamada Trilogía del dolor: Amores perros (2001), 21 gramos (2003) y Babel (2006). Su pública ruptura, creánme, es material para otra crónica.
De estas películas podemos extraer varias constantes del ejercicio fílmico de González Iñárritu. Hay que destacar su excelente manejo de los actores profesionales: Gael García Bernal, Emilio Echevarría, Goya Toledo y Vanessa Bauche (Amores perros), Naomi Watts, Benicio del Toro y Sean Penn (21 gramos) y Rinko Kikuchi, Adriana Barraza, Cate Blanchet y Brad Pitt (Babel), así como de los que no tienen formación actoral.
Sus películas hablan de temas universales. Babel, por ejemplo, me parece que pone el acento en la intolerancia y la incomprensión del mundo de hoy.
Las familias de Babel, vistas como unidad básica de la sociedad y centro de la tensión dramática, están afectadas por una ausencia y/o una pérdida.
El matrimonio (americano) de Richard y Susan (Brat Pitt y Cate Blanchet) no ha enfrentado con valentía la pérdida de Sam, una ausencia por muerte súbita que causa total desequilibrio en su vida de pareja.
La familia (japonesa) de Chieko y Jasujiro (Rinko Kikuchi y Koji Yakusho) no mantiene buena comunicación desde el suicidio de la madre, lo que provoca una brecha generacional casi insalvable. La perspectiva de adolescente incomprendida de Chieko se agrava por su condición de sorda. Lanzada en frenética búsqueda de un macho que le disipe su problema de soledad encontrará el rechazo como única respuesta.
La relación de los hermanitos Yussef y Ahmed se verá afectada para siempre, a raíz de la adquisición de un arma de fuego en la familia Marroquí.
También están Amelia y Santiago (Adriana Barraza y Gael García Bernal), los mexicanos de la película, a quienes las patrullas fronterizas de Estados Unidos… Bueno, ya sabemos de lo que son capaces.
Pero se respira intolerancia en todas partes, nadie escucha estos personajes y tal parecen condenados a purgar sus errores con dolor, con sangre, con lágrimas.
A falta de una mejor descripción, quiero destacar el momento Almodóvar de Babel, cuando su director nos re-descubre Tú me acostumbraste, inmortal bolero de Frank Domínguez, como contrapunto a la acción del momento.
En definitiva, una formidable película coral que nos demuestra que el mundo es un pañuelo y que la auténtica maldición divina en la torre de Babel no fue la invención de los idiomas, sino de la política.