Tom Wilkinson (1948-2023)

El conocido actor británico Tom Wilkinson, ganador del Globo de Oro, nominado en dos ocasiones al Oscar y que actuó en películas como Full Monty, In the Bedroom, Michael Clayton o Shakespeare in Love, ha muerto a los 75 años, según informó su familia.

Wilkinson se convirtió en las últimas décadas en un rostro familiar como secundario de lujo en multitud de grandes producciones de Hollywood y británicas, aunque alternó esos trabajos con su presencia en series de televisión y obras teatrales.
“La familia de Tom Wilkinson anuncia con gran tristeza que murió repentinamente en su casa el 30 de diciembre. Su mujer y su familia estaban con él”, señaló un comunicado difundido por su agente a medios británicos, en el que también piden que se respete su privacidad en estos momentos.
A lo largo de seis décadas de actuación, Wilkinson fue nominado como mejor actor por In the Bedroom en 2001, y como mejor actor secundario por Michael Clayton, en 2007.

Sin embargo, fue su personaje como el reticente bailarín de strip-tease Gerald Cooper, en la comedia británica The Full Monty (1997), el que le hizo más conocido a ojos del gran público y el que le dio la gloria con el BAFTA a mejor actor secundario.
Directores como Christopher Nolan, John Madden, Oliver Stone, Roman Polanski o Wes Anderson recurrieron a él para dar peso al reparto de Batman Begins, Shakespeare in Love, Snowden, The Ghost Writer y The Grand Budapest Hotel.
Se calcula que participó en más de 130 producciones de cine y televisión, desde dramas históricos como Sentido y sensibilidad a roles al frente de una banda criminal, como RocknRolla de Guy Ritchie.
Nacido en Leeds, se mudó a Canadá y a Cornwall durante su niñez, antes de estudiar Inglés y Literatura en la universidad y formarse cono intérprete en la Academia Real de Arte Dramático.
Casado con la también actriz Diana Hardcastle, tuvo dos hijas, Alice y Molly.

El Cine Dominicano en 2023, según DGCine.

La República Dominicana se consolida como un destacado país coproductor en el ámbito cinematográfico internacional durante el 2023, evidenciando un crecimiento sostenido en otros países de la región y el resto del mundo. La Dirección General de Cine (DGCine) se enorgullece de los logros alcanzados, que han impactado significativamente en la economía nacional, el talento criollo y la proyección internacional del cine dominicano como propicio para la coproducción.

Durante el 2023, la industria cinematográfica dominicana generó un importante impacto económico, contribuyendo con RD$10,197 millones a través de 120 producciones, de las cuales 75 fueron nacionales y 45 extranjeras. Sorprendentemente, solo 12 de estas producciones se beneficiaron del incentivo del crédito fiscal, lo que denota lo atractivo que es el país aún sin contar con los beneficios fiscales. Este impacto se tradujo en un impulso positivo para sectores como alimentos y bebidas, hostelería, transporte, construcción y pequeñas y medianas empresas.

Resaltamos también que, en este año fueron estrenadas 35 películas dominicanas manteniendo el crecimiento sostenido de nuestra industria local.

En las reuniones del Consejo Intersectorial para la Promoción de la Actividad Cinematográfica (CIPAC), se validaron para fines de incentivos un total de RD$15,905,909,280.23, incluyendo proyectos filmados en años anteriores. Las producciones internacionales, además de inyectar divisas importantes, han destacado las riquezas naturales y culturales del país, impactando positivamente comunidades como Monción, Salcedo, Jamao al Norte, Bahía de las Águilas y otras.

La Cinemateca Dominicana ha desempeñado un papel fundamental en la promoción y preservación del cine dominicano. Destacamos los logros del programa Cinemateca Sobre Ruedas que realizó más de 315 proyecciones en 9 provincias. Asimismo, junto a otros programas de difusión, la iniciativa Cinemateca en TV en colaboración con la Corporación Estatal de Radio y Televisión Dominicana (RTVD) ha alcanzado a más de 1,472,000 ciudadanos. A nivel internacional, en coordinación con embajadas y organismos internacionales, en su rol de difusor, la Cinemateca Dominicana llegó a 26 países alrededor del mundo con 34 ciclos y muestras cinematográficas.

Además, se realizaron importantes adecuaciones de espacios, como la recién inaugurada Mediateca Arturo Rodríguez y el reacondicionamiento de la bóveda para salvaguardar el patrimonio fílmico. La adquisición de una pantalla para la Sala de Cine Agilberto Meléndez, que se inaugurará en el primer semestre del 2024, donada por el Jazz At Lincoln Center y el National Freight Service (NFS), así como la obtención de más de 43,000 dólares del Programa Caribe Creativo de la UNESCO para el sistema de almacenamiento digital, han fortalecido significativamente la infraestructura de la Cinemateca Dominicana.

La República Dominicana ha sido reconocida en los Global Production Awards por el proyecto Film Friendly Samaná, siendo galardonada como locación emergente del 2023. La DGCINE fue nominada como mejor Film Commission Team Award en Cannes, Francia, compitiendo con destacados países. La DGCine logró gran presencia institucional en 13 festivales y mercados internacionales, promocionando al país como destino fílmico y destacando el talento con que cuenta el país.

45 cineastas dominicanos fueron respaldados para su proyección internacional, mientras que 57 películas dominicanas fueron promocionadas en mercados y festivales internacionales. Además, la DGCine fue elegida para representar Dominicana en el Consejo Consultivo de la CAACI en Portugal y participó por primera vez en MEDICI en Madrid, España.

El Concurso Público FONPROCINE 2023 otorgó más de 16 millones de pesos en premios y evidenció la confianza hacia el Concurso y la madurez de las iniciativas cinematográficas por los 39 proyectos preseleccionados de 46 postulaciones. Los programas de asesorías en “Reescritura de Guion”, “Laboratorio ABC de Proyectos” y de “Desarrollo de Proyectos”, han beneficiado a siete proyectos cada uno, contribuyendo al desarrollo y fortalecimiento de la industria cinematográfica nacional.

La DGCie ha priorizado la formación orientada a las necesidades de la industria. Iniciativas como “Mi Primer Empleo en Cine” han permitido que, desde septiembre del 2022, 53 estudiantes de cine y egresados de nuestras capacitaciones se integren al mundo laboral en más de 22 producciones cinematográficas.  Además, más de 3,345 personas se han beneficiado de 73 actividades formativas incluyendo charlas, talleres y cursos. Necesidades identificadas en los resultados arrojados por el Levantamiento Sectorial de Capital Humano (LSCH) que realiza la DGCine anualmente.

En resumen, el 2023 ha sido un año de logros significativos para la Dirección General de Cine, consolidando a la República Dominicana como un referente en la industria cinematográfica a nivel regional e internacional.

“Gol gana”, desde el 28 de diciembre en cines.

La historia del equipo de fútbol de Samoa Americana, protagonista en 2001 de la peor derrota en un campo de juego que jamás se haya conocido en la historia del fútbol internacional, llega a la pantalla grande, presentado su camino de inspiración, redención y alegría en la cinta Gol gana, la nueva película del director neozelandés Taika Waititi, que llega a los cines el 28 de diciembre.

La película basada en hechos reales sigue a Thomas Rongen, un entrenador que es contratado para ayudar al equipo samoano de cara a la Copa del Mundo 2014. Al frente de un plantel tan vivaz como ineficaz, Rongen se embarca en un camino de frustraciones, aprendizajes y esperanza que las audiencias están a punto de conocer.

Los acontecimientos de Gol gana tienen como punto de partida una derrota récord que tuvo lugar el 11 de abril de 2001 en el Estado Internacional de Coffs Harbour en Australia, cuando la selección local venció a la selección de Samoa Americana por 31 goles a 0, registrando la victoria más aplastante en un partido de fútbol internacional.

El incidente dio la vuelta al mundo, llevando a la selección al fondo de los rankings de la FIFA durante una década. En 2011, sin embargo, su suerte cambió de la mano de Rongen, cuando la pequeña isla logró la primera victoria internacional en su historia, derrotando 2 a 1 a Tonga durante los juegos clasificatorios para la Copa del Mundo de la Confederación de Fútbol de Oceanía (OFC, por sus siglas en inglés).

El camino hacia la redención de Samoa Americana quedó registrado en 2014 ante la cámara de Mike Brett y Steve Jamison, los directores detrás del documental Next Goal Wins. La nueva película es una adaptación de ese documental, y cuenta con Brett y Jamison como productores ejecutivos.

Cuando la historia del equipo samoano llegó a los ojos y los oídos de Waititi, este director supo de inmediato que este hecho real tenía todos los condimentos que hacen a una gran película: un fracaso épico, un equipo que une fuerzas detrás de un objetivo y un sueño que finalmente se hace realidad.  

“Uno siempre está buscando inspiración, pero en este caso estaba todo ahí. Sentí que era un proyecto especial. Es la historia definitiva de un grupo de perdedores que se redime”, señala Waititi.

Comprometido con el proyecto en 2015, Waititi se dispuso a reimaginar la historia y no simplemente hacer un remake del documental. “Cuando uno filma una película que es una adaptación de un documental, debe permitirse la libertad de cambiar algunas cosas. Es una oportunidad de profundizar en los personajes y entenderlos desde su humanidad para que el público los conozca mejor y pueda identificarse con ellos”, dijo.

El rodaje de Gol gana tuvo lugar cuatro años más tarde en Oahu, Hawai, donde el equipo creativo trabajó para imprimirle autenticidad a la historia. Cuenta el productor Garrett Basch: “Durante el proceso, la prioridad de Taika fue ser auténtico, particularmente al recrear la cultura polinesia. Fuimos muy cuidadosos y pusimos atención en todos los aspectos de la producción, incluidos el casting, el vestuario y el diseño de producción, para garantizar un retrato genuino del pueblo de Samoa Americana y su entorno”.

Según los colaboradores del director, el filme respira la “impronta Waititi” por todos sus poros. Verdad, humor, humanidad, comprensión, conexión… Palabras como estas aparecen una y otra vez cuando el equipo creativo y el elenco de Gol gana se refieren a Waititi. La actriz Elisabeth Moss, quien interpreta a la exesposa de Rongen en la película, señala que la historia realza una habilidad especial que tiene el director.

“Taika es experto en combinar los tiempos de la comedia con algo que te rompe el corazón, que es algo muy difícil de hacer y no mucha gente lo logra”, observa Moss.

En el mismo sentido, Fassbender concluye: “Taika tiene un talento muy especial. Cuando uno cuenta historias humanas y realmente quiere llevar al público en un viaje emotivo, la risa siempre es la mejor herramienta. Él entiende esto, entiende a la gente y le encanta lo que hace”.

Gol gana se estrena este 28 de diciembre, solo en cines.

“Maestro”: los demonios de Leonard Bernstein.

Maestro, la nueva película de Bradley Cooper, inicia con una frase brillante de Leonard Bernstein: “Una obra de arte no contesta preguntas, las provoca, y su significado esencial está en la tensión entre las respuestas contradictorias”.

Leonard Bernstein (1918-1990) fue el primer director de orquesta americano de fama mundial, y compositor de bandas sonoras extraordinarias como West Side Story y On the Waterfront. Hacer una película sobre un talentoso músico, quien también era una auténtica celebrity del mundo de la música de los grandes maestros, era un reto para cualquier director de cine: muchos eran los demonios que atormentaban a Bernstein: el alcohol, las drogas y su bisexualidad. Pues hay que decirlo de entrada: Bradley Cooper pasa con nota sobresaliente la prueba definitiva de que es un director (además de actor, guionista y productor) para tener en cuenta.

Todo comenzó hace unos seis años, cuando Steven Spielberg recibió un primer guion de Josh Singer y se lo hizo llegar a Cooper para que considerara la idea de protagonizar el filme. Posteriormente, Spielberg, por entonces involucrado en la nueva versión de West Side Story, se dio cuenta de que no podía dirigir otro proyecto vinculado a Bernstein. Fue cuando Cooper hizo su jugada maestra: lo invitó a una proyección privada de Nace una estrella, su ópera prima. Cuenta el propio Spielberg que a los 20 minutos de proyección estaba tan impresionado que, de inmediato, le propuso a Cooper que también dirigiera Maestro.

Abordar un personaje tan complicado es un reto para cualquier actor y hay que decirlo de entrada: Cooper logra encarnar con inusitada pasión al célebre pianista y compositor y despierta, a pesar de los pesares, la empatía del público hacia un artista atormentado por sus demonios. De alguna manera, a Bernstein estaba estigmatizado por ser judío y por su bisexualidad, que debía ocultar públicamente para evitar males peores. Su extraordinario talento hizo que los que toman las decisiones se rindieran a sus pies, encomendándole la dirección de la Filarmónica de New York. Ese puesto lo consagró como uno de los grandes músicos del siglo XX.

Cooper logra los matices adecuados en cada etapa de la vida de Bernstein y transmite una seguridad que no es frecuente cuando se recrea la vida de personas tan conocidas y de las que abunda material fílmico de sus presentaciones. Indudablemente, Cooper quedó satisfecho con su interpretación y lo corrobora el hecho de que despide su película con imágenes del auténtico Bernstein, icónica figura que era un nuevo universo de gesticulaciones mientras dirigía una orquesta. 

Pero muchas de esas presentaciones las conoce y recuerda todo aquel que se interese mínimamente por la vida de Bernstein. Lo interesante de Maestro es que explora otros aspectos de su vida. Por ejemplo, su tormentosa relación con la chileno-costarricence Felicia Montealegre, con quien se casó luego de varias rupturas y separaciones. El filme se beneficia de una colaboradora de lujo: Carey Mulligan, una de las mejores actrices de su generación en Hollywood. Felicia es un personaje tan complejo como Leonard y Mulligan logra una construcción absolutamente maravillosa. Para usar lenguaje de moda, a ambos los sentimos “orgánicamente” correctos en sus papeles. A tal punto, que ambos han logrado su nominación a los Globos de Oro, entre las cuatro nominaciones del filme, incluyendo Mejor Película.

La relación de Bernstein con sus hijos y su temor de que se enteraran de su orientación sexual o de algunas de sus escapadas, es manejada con notable pulso por Cooper para poner esa solidaria y misteriosa fórmula familiar para enfrentar las situaciones de crisis (los rumores, por ejemplo) en el centro de la atención, renunciando al morbo, innecesario para fines dramáticos. De lo que se trata es de la visión integral del personaje, no solo de sus aristas más oscuras.

Maestro gana nuestra simpatía poco a poco: desde la presentación de un personaje arrolladoramente atractivo, hasta envolvernos con la tóxica atmósfera en que vivió gran parte de su vida Bernstein, con una franqueza que se agradece en estos tiempos de Cultura de la Cancelación.

 

Maestro (2023). Dirección: Bradley Cooper; Guion: Bradley Cooper y Josh Singer; Fotografía: Matthew Libatique; Edición: Michelle Tesoro; Música: Leonard Bernstein; Elenco: Carey Mulligan, Bradley Cooper, Matt Bomer.  

“Zona de interés”, excelente filme de Jonathan Glazer.

Hay películas que resultan perturbadoras por lo que presentan en cámara. Otras, resultan mucho más perturbadoras por lo que ocultan. En esa última lista ocupa un lugar de privilegio Zona de interés, de Jonathan Glazer, uno de los dramas más perturbadores que hemos en los últimos años.

La premisa es bastante precisa: Rudolf Höss y su esposa Hedwig se esfuerzan en construir una vida de ensueño para su bella familia en una casa que posee un jardín precioso. Sin ningún tipo de duda, Höss es un padre amoroso y buen proveedor que busca lo mejor para sus vástagos. A grandes rasgos, un tipo a quien uno le gustaría tener de vecino, excepto por un pequeño detalle: es el comandante del campo de concentración de Auschwitz y su eficiencia se mide en la cantidad de judíos que puede convertir en cenizas en el menor tiempo posible.

Glazer se basa libremente en la novela de Martin Amis y construye un poderoso filme que nos siembra el miedo en los huesos. Su guion comienza con un apacible día de campo y un placentero amanecer en el hogar, dulce hogar, con regalo de cumpleaños incluido. Cuando Höss se marcha a su trabajar es que nos damos cuenta de la pared del patio que nos oculta el espanto.

Detrás de esa pared se oyen gritos de terror, ladridos de perros enfurecidos, disparos aislados y podemos ver humo, mucho humo como prueba irrefutable de la soberbia al servicio de la sinrazón, del maquiavélico propósito de extinguir una raza.

Con Glazer, la banda sonora adquiere un nuevo significante, por cuanto al margen de lo que vemos, crea un universo alterno en nuestras mentes, a partir de las conexiones que podemos hilvanar en nuestro íntimo imaginario. Mención aparte para la música maravillosa (y angustiante) de Mica Levi.     

Zona de interés nos presenta el mal encarnizado en unas personas que se creen elegidos por Dios y que, con la absurda justificación de la superioridad de la raza aria, se comportan como parte de una estructura que no concede escapatoria: cuando una de las domésticas la hace enojar, Hedwig la recrimina: “Podría hacer que mi marido esparza tus cenizas por el campo”. No es una amenaza seria, solo normaliza una actitud formada al calor de la construcción social creada con su extraordinaria maquinaria propagandística por el Tercer Reich, una nación hipnotizada por el discurso incendiario de un demente.

En el día a día, parecería que la locura se ha apoderado del mundo: el comandante Höss dicta un comunicado para prohibir a sus subalternos que se recojan las lilas de manera indiscriminada y luego, ordena la construcción de nuevos crematorios en serie para optimizar su eficiencia.

Cuando una ideología cualquiera nos hace perder la perspectiva de las cosas en el mundo, una buena tarde de nado y pesca en el río puede verse interrumpida por unas cenizas desagradables que pueden traer alguna infección de piel si no se lavan a tiempo. Ironía de locos: pueden limpiar el exterior de sus cuerpos, el problema son las manchas delatoras que se quedan en el interior de sus almas.

La alienación llega a un extremo tal que se formulan nuevas relecturas hasta de los cuentos infantiles: Gretel logra engañar a la bruja (mala, por supuesto) y encerrarla en su propio horno. Hansel observa desde su jaula y, obviamente, se regocija y aprueba la valiente acción de su hermana para convertir a la bruja en muñeca de jengibre. Es decir, un horno emerge desde la infancia como solución a cualquier problema con quienes representan peligro.

La vida laboral de Höss se sacude ante la posibilidad de que sea trasladado a otra comandancia y, mientras comparte con la superioridad militar, imagina la posibilidad de gasearlos a todos.

Glazer formula su drama desde una distancia prudente, no sea que la locura sea contagiosa, y logra impactarnos con la sobriedad que expone su propuesta. Si funde a blanco en la primera parte del filme será solo para no agotar nuestra capacidad de asombro ante tanta sinrazón, tanta mezquindad y tanta complicidad de un mundo que, hasta nuestros días, ejerce la indiferencia selectiva de manera vergonzosa.

Zona de interés debutó en el Festival de Cannes, donde obtuvo el Gran Premio del Jurado y el Premio Fipresci. Desde entonces se ha convertido en una favorita de la crítica especializada y no es para menos: define perfectamente la definición de “clásico instantáneo” que se otorga a aquellos filmes que nos provocan una honda impresión. Absolutamente recomendada.

 

Zona de interés (2023). Dirección: Jonathan Glazer; Guion: Jonathan Glazer, basado en la novela de Martin Amis; Fotografía: Lukasz Zal; Edición: Paul Watts; Música: Mica Levi; Elenco: Sandra Huller, Christian Friedel.   

“Zona de interés” por Inglaterra y otras 14 candidatas el Oscar a la Mejor Película Internacional.

Ya se conocen las 15 películas que conforman la “lista corta” de la categoría Mejor Película Internacional para el Oscar 2024.

Zona de interés, de Jonathan Glazer, representando a Inglaterra (rara postulada porque está hablada en alemán y polaco) luce como la película a vencer. El filme ya consiguió el Gran Premio del Jurado y el Premio Fipresci en Cannes y figura en muchas listas como uno de los mejores del 2023, además de sus 3 nominaciones a los Globos de Oro.

Se enfrenta a dos de las grandes favoritas del año: Hojas de otoño, la joya del finlandés Aki Kaurismäki, ganadora del Premio del Jurado en Cannes y el Premio Fipresci en San Sebastián, así como Io Capitano, de italiano Matteo Garrone, León de Plata al Mejor Director en Venecia.    

Dos cintas habladas en español siguen en competencia: La sociedad de la nieve (J. A. Bayona, España) y Tótem (Lila Avilés, México).

Hay otras excelentes presencias en la lista: The Promised Land (por Dinamarca), The Teachers’ Lounge (por Alemania) y 20 Days in Mariupol (por Ucrania).

La lista la completan: The Taste of Things (por Francia), Godland (por Islandia), Perfect Days (por Japón), The Monk and the Gun (por Bután), The Mother of All Lies (por Marruecos), Four Daughters (por Túnez) y Amerikatsi (por Armenia)

Las 5 nominadas al Oscar a la Mejor Película Internacional las conoceremos el 23 de enero de 2024.

Berlín 2024: Oso de Oro honorífico para Martin Scorsese.

El 74º Festival Internacional de Cine de Berlín otorgará al director, productor y guionista estadounidense Martin Scorsese el Oso de Oro honorífico por su trayectoria en una ceremonia de premiación en el Berlinale Palast el 20 de febrero de 2024.

Desde los años 70, el director ganador del Oscar es uno de los cineastas más influyentes del mundo del cine. Sólo las obras de dirección del italoamericano de raíces sicilianas abarcan más de 70 películas. Muchas de sus obras han escrito la historia del cine y la versatilidad de su obra es única. Sus películas más conocidas incluyen: Taxi Driver (1975, Palma de Oro en Cannes 1976), Toro salvaje, After Hours (1985, Mejor Director en Cannes 1986), El color del dinero (1986), Goodfellas (1990), El cabo del miedo, La edad de la inocencia (1993), Casino (1995), Gangs of New York (2002), El Aviator (2004), The Departed (2006), Shine a Light (Película inaugural de la Berlinale 2008), Shutter Island (2010), Hugo (2011), El lobo de Wall Street (2013), Silence ( 2016) y El irlandés (2019). Otra presentación en la Berlinale fue el documental en proceso Untitled New York Review of Books (2014), que luego fue lanzado por HBO como The 50 Year Argument.

Su nueva película, Los asesinos de la luna, fue votada recientemente como la mejor película de 2023 por la reconocida asociación cinematográfica estadounidense National Board of Review y ha sido nombrada una de las 10 mejores películas del año por el American Film Institute. , así como el puesto número 1 como Mejor Película de 2023 por The New York Times, The New Yorker y The New York Film Critics Circle. Además, tiene 7 nominaciones a los Globos de Oro.

Scorsese también está muy comprometido con el patrimonio cinematográfico histórico. Con The Film Foundation, apoya la restauración y distribución de películas clásicas.

La Berlinale asocia a Scorsese con la presentación de muchas de sus películas, incluida la espectacular película de concierto Shine a Light acerca de los Rolling Stones, que inauguró la Berlinale 2008. Además, algunos clásicos de la Berlinale contaron con el apoyo de The Film Foundation y la primera exposición mundial sobre el director fue exhibida por la Deutsche Kinemathek de enero a mayo de 2013.

Con el Oso de Oro Honorífico, la Berlinale rinde homenaje a figuras importantes del mundo del cine. El premio se otorga por una carrera artística excepcional.

“AIRE” tendrá su estreno mundial en Rotterdam

La película dominicana de ciencia ficción AIRE, dirigida por Leticia Tonos, forma parte de la selección oficial en Big Screen Competition del prestigioso Festival Internacional de Cine de Rotterdam (IFFR) y tendrá su premier mundial el 28 de enero de 2024.

La noticia la dio a conocer la directora del Festival de Rotterdam, Vanja Kaludjercic, quien resaltó que el filme ofrece una experiencia cinematográfica que invita a la reflexión, destacando que “la película trata temas como la soledad, la tecnología y la precaria relación entre la sociedad industrializada y el mundo natural”.  

Por su parte, Tonos indica lo especial que ha sido recibir esta noticia, ya que desde sus inicios en la industria cinematográfica dominicana ha admirado este festival y formar parte de este es un sueño hecho realidad. “De que AIRE sea selección oficial, con un género como ciencia ficción, me da mucha satisfacción como profesional, pero también me anima a seguir contando historias que, a pesar de que tradicionalmente no son las esperadas en el Caribe, sí hay una apertura para recibirlas. Otro logro más para nuestra industria.”

AIRE es coproducida por Producciones Línea Espiral, Menos es Más Producciones, Lantica Media y la casa productora española Contrasentido. La película es protagonizada por la reconocida actriz franco-mexicana Sophie Gaëlle Gómez, por el multipremiado actor dominicano Jalsen Santana y cuenta con la participación especial de la destacada actriz española Paz Vega.  

Este largometraje de ciencia ficción está representado por la distribuidora española Latido Films, uno de los principales agentes de venta de cine de habla hispana. 

Su sinopsis es como sigue: en el año 2147 la contaminación ambiental, producto de la Gran Guerra Química, redujo la población mundial a nivel de extinción. Tania, una bióloga conservacionista, busca auto inseminarse con la ayuda de Vida, un sistema de Inteligencia Artificial, pero después de la llegada de Azarías, un ingenioso viajero con un pasado oculto, la tensión en este ménage a trois será tan tóxica como el mundo en el que viven.

“¡Patos!”, desde el 28 de diciembre en cines.

Como parte de las tradiciones navideñas, Illumination, los creadores de The Super Mario Bros. Movie y Minions, invitan a emprender el vuelo hacia una nueva aventura de vacaciones familiares con la nueva comedia original ¡Patos!

La historia dirigida por Benjamin Renner y con voces de Kumail Nanjiani, Elizabeth Banks, Keegan-Michael Key, Awkwafina y Danny Devito, cuenta con una historia de Mike White y Renner, la cual habla de la familia Mallard, la cual está un poco estancada.

Mientras que el padre, Mack, se conforma con mantener a su familia a salvo nadando alrededor de su estanque situado en Nueva Inglaterra para siempre, la madre, Pam, está ansiosa por cambiar las cosas y enseñarles a sus hijos (el adolescente Dax y la patita Gwen) el mundo entero. Después de que una familia de patos migratorios desciende en su estanque y cuenta emocionantes historias de lugares lejanos, Pam convence a Mack para embarcarse en un viaje familiar, pasando por Nueva York, hacia la tropical Jamaica. 

Cuando la familia Mallard se dirige al sur para pasar el invierno, sus bien trazados planes fallan con rapidez. La experiencia los inspirará para ampliar sus horizontes, abrirse a nuevos amigos y lograr más de lo que jamás hubieran creído posible, mientras aprenden más sobre los demás, y sobre sí mismos, de lo que jamás hubieran imaginado. 

De un guion escrito por Mike White, ganador del Emmy, ¡Patos! es una película acerca de superar tus miedos y abrirte al mundo y a sus oportunidades; es un espectáculo visual en la aclamada historia de Illumination, presentando una maestría artística expresionista elevada, el humor subversivo y el corazón auténtico característicos de Illumination, con personajes inolvidables y una banda sonora alegre.

¡Patos! Se estrena en las salas de Caribbean Cinemas desde este jueves 28 de diciembre.

National Film Registry: la selección de 2023.

El Registro Nacional de Películas de la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos, ha dado a conocer las seleccionadas de 2023.

Estos 25 filmes son escogidos por su importancia cultural, histórica y estética, así que filmes como The Nightmare Before Christmas (1993, Tim Burton) y Mi pobre angelito (1990, Chris Columbus) se encuentran entre las películas seleccionadas para su preservación. También están Terminator 2 (1991), filme que relanzó la carrera de James Cameron, y la ganadora del Oscar 12 años de esclavitud (2014).

La biblioteca nacional dijo que las selecciones de este año datan de hace casi 100 años. El título más antiguo es A Movie Trip to Filmland, de 1921. Con las elegidas este año, el registro tendrá un total de 875 títulos.

Esta es la lista de la Clase 2023 del NFR, en orden cronológico:

A Movie Trip Through Filmland (1921)
Dinner at Eight (1933)
Bohulano Family Film Collection (1950s-1970s)
Helen Keller: In Her Story (1954)
Lady and the Tramp (1955)
Edge of the City (1957)
We're Alive (1974)
Cruisin' J-Town (1975)
¡Alambrista! (1977)
Passing Through (1977)
Fama (1980)
Desperately Seeking Susan (1985)
The Lighted Field (1987)
Matewan (1987)
Mi pobre angelito (1990)
Queen of Diamonds (1991)
Terminator 2: Judgment Day (1991)
The Nightmare Before Christmas (1993)
The Wedding Banquet (1993)
Maya Lin: A Strong Clear Vision (1994)
Apollo 13 (1995)
Bamboozled (2000)
Love & Basketball (2000)
12 años de esclavitud (2013)
20 Feet from Stardom (2013)

“Hojas de otoño”, otra joya de Aki Kaurismäki.

Nadie, absolutamente nadie en el cine contemporáneo hace un cine más humanista que el maestro finlandés Aki Kaurismäki, el creador de los personajes más mustios de las últimas décadas.

Hojas de otoño, desde su título, nos confronta con dos personajes crepusculares, con una tristeza que le habita los huesos, abatidos por una realidad tan desesperanzadora, donde todo y nada pasa y muy pocas cosas tienen sentido. En la radio, un locutor de noticias siempre actualiza sobre la invasión rusa a Ucrania, la soberbia de la estupidez en su máxima expresión.

Ansa, trabajadora en un supermercado, y Holappa, un obrero que se ahoga en alcohol, se conocen en un karaoke y, a pesar de los pesares, se apuestan a sí mismos para construir una relación y vencer la soledad que les corroe el alma. El primer aprendizaje es que la soledad entre dos no se reparte a menos.

Helsinki, retratada por Kaurismäki, es una ciudad fría y triste en la que, para que tengan una idea, Gardel canta todo el día desde una vellonera tangos como Arrabal amargo. Unos personajes que tienen como alternativa de salida de sábado por la noche un lastimoso karaoke, lugar de cita de solteros para conocer su próxima ex, o una sala de cine donde se proyecta The Dead don’t Die (2019, Jim Jarmush), una película de zombies que acerca dos corazones.

Kaurismäki es un maestro que logra hacer buen cine con lo básico, un cine que reivindica el axioma de que “menos es más”. Sus personajes no solo se expresan con las muy pocas palabras que precisan, sino que no hacen alarde de histrionismos innecesarios, se conducen con una mesura que espanta. Ahí radica la clave de su encanto y por eso crean conexión inmediata con el espectador y siembran simpatías.

Kaurismäki, al igual que Godard o Bresson, coloca su cámara justo donde debe estar para retratar el alma de sus personajes con la misma economía de recursos que los maestros mencionados. Una cámara inmóvil que nos convierte en testigos íntimos de lo que pasa en la vida de nuestros solitarios personajes. En varias escenas de Hojas de otoño, inventariamos las vidas de Ansa y Holappa, a solas con ellos. Eso nos devuelve a nuestro original rol de perfectos voyeurs que conocen todo de la vida de los demás, sin arriesgar nada a cambio, protegidos por la oscuridad de la sala de cine.

Con la mano de maestro que le caracteriza en filmes como El hombre sin pasado (2002) o El otro lado de la esperanza (2017), Kaurismäki nos conduce sin prisa por los tortuosos caminos de las negociaciones del amor: ella no lo aceptará si no deja el alcohol, él no acepta órdenes de nadie. Mientras, el resto del mundo permanece indiferente ante su insignificante drama. La vuelta de tuerca es reconocernos en nuestras posibilidades de encontrarnos con una persona que nos impulsa a ser mejores. Y ayudar un poco a Cupido, desmoralizado ante tanto egocentrismo.

Pero que nadie se llame a engaño: detrás de las canciones que convocan tristezas de amores, Kaurismäki siempre encuentra espacio para un rayito de alegría. A ese respecto, el maestro ha señalado “La vida es intolerable sin humor. Es intolerable con humor, también”. Lo interesante es que recrea la poesía de lo cotidiano, de la gente más común y corriente, porque al final del día, todos habitamos este planeta y es el único conocido que permite las condiciones para que, por el momento, podamos respirar. Esa poesía de lo cotidiano se nos revela como la esencia del cine un auténtico maestro del arte de contar historias sin explosiones, ni sobresaltos, que de eso se encarga el destino.

Hojas de otoño es un filme lleno de esperanza, inteligente, llamado a convertirse en un filme de culto para las próximas generaciones de buenos cinéfilos. El Gran Premio del Jurado en Cannes y el Premio Fipresci en San Sebastián son la garantía de que es uno de los mejores estrenos del 2023. Punto.

 

Hojas de otoño (2023). Dirección y guion: Aki Kaurismäki; Fotografía: Timo Salminen; Edición: Samu Heikkilä; Elenco: Alma Pöysti, Jussi Vatanen.

“Secretos de un escándalo”, lo nuevo de Todd Haynes.

Todd Haynes es el nuevo Douglas Sirk de Hollywood. Sirk, genio absoluto del melodrama, ha servido de inspiración total para otro cineasta maravilloso: el español Pedro Almodóvar, quien lo reconoce como una de sus grandes influencias.

Todd Haynes ha heredado de Sirk esa vocación por un género que es tan peligroso como un arma de doble filo: puedes salir ileso del intento, pero también puedes ser diseccionado en dos por las tangentes del melodrama: una lágrima de más y te tildarán de “cursi”, una lágrima de menos y serás el peor misógino que haya existido sobre la faz de la tierra.

El género no es ajeno a Haynes: Poison (1991), su ópera prima, llamó la atención por la forma en que trataba la temática homosexual (se basada parcialmente en escritos de Jean Genet) y se llevó el Premio Especial del Jurado en Sundance y el Teddy Bear en Berlín. Con Far From Heaven (2002, protagonizada por Julianne Moore), planteaba el desafiante mundo la sociedad conservadora de los años 50, cuando una señora descubre que su esposo es homosexual y se refugia, para escándalo de sus comunitarios, en una amistad con su jardinero negro. El filme le valió la Copa Volpi de Venecia a Moore y varios Premios del Cine Independiente, incluidos mejor película y mejor director. En Carol (2015), basada en la novela de Patricia Highsmith, contaba la historia de la protagonista, una sofisticada dama atrapada en un matrimonio sin amor, que seduce a una joven empleada de una tienda por departamentos.

Secretos de un escándalo es un formidable trabajo de estilo que trata el espinoso tema de una relación de pareja que tiene su origen en un escándalo: Gracie, casada en un matrimonio común y corriente, seduce a Joe, compañero de escuela de su hijo. 20 años después, una productora de cine independiente se interesa en la historia y envían a Elizabeth, la actriz que debe encontrar la esencia que define su personaje, a hurgar en los secretos del escándalo.

Lo primero es señalar que su título en inglés May December sirve para describir aquellas relaciones donde uno de los involucrados en significativamente mayor que el otro. Un poco más que el “40 y 20” que alude la canción, con el ingrediente extra de que el varón en un imberbe de 12 años. Esta situación, a todas luces escandalosa, divide las valoraciones que de Gracie tienen sus vecinos: a veces les llegan paquetes conteniendo excrementos, a veces les ordenan sus bizcochos de piña como muestra de solidaridad. Pero nadie olvida el escándalo. Recordemos que la película se basa en un hecho real ocurrido en los años 90

Aquí queda evidenciada otra de las constantes de Haynes: el peso opresivo de la comunidad y la búsqueda de la necesaria validación de parte de sus personajes. En Far From Heaven era inaceptable para la comunidad la amistad de la protagonista con su jardinero negro. En Carol, queda claro que nadie en New York acepta la relación entre dos mujeres. En Secretos de un escándalo, la pareja de Gracie y Joe siempre estará marcada de por vida porque fueron portada de todos los tabloides sensacionalistas. 20 años después, todos esperan que esa relación fracase para señalar con el dedo acusador.

La fuerza de Secretos de un escándalo descansa en el sólido guion de Samy Burch y la notable mano de maestro con la que Haynes saca lo mejor de dos actrices de lujo: Natalie Portman y Julianne Moore, ambas nominadas por sus papeles a los Globos de Oro. Portman es una de las pocas actrices que ha ganado los cuatro grandes premios (Globo de Oro, Bafta, SAG y Oscar) como actriz por un mismo papel: El cisne negro (2010). Su primer Globo de Oro, como actriz de reparto, lo obtuvo por Closer (2004). Moore, también ganadora de los cuatro grandes premios por Still Alice (2014), ha sido además ganadora en Berlín, Cannes y Venecia.

Es decir, era previsible que disfrutaríamos de un téte a téte, un maravilloso duelo de virtuosismo entre dos actrices cuyos personajes las convocan a un enfrentamiento tierno pero firme: Gracie no es precisamente un libro abierto para Elizabeth, más allá de la cordialidad con que le permite preguntar por los secretos de su matrimonio, está su frágil equilibrio emocional frente al peligro de destapar esa Caja de Pandora que intenta dejar en el pasado para siempre.

Los resultados están a la vista de todos: dos formidables actuaciones, sin dejar de lado a Charles Melton, quien también está nominado al Globo de Oro como actor de reparto.

El guion de Burch, ya premiado por el Círculo de Críticos de New York, sirve de manera magistral los elementos dramáticos que posee y nos va desvelando, poco a poco, todas las capas de emociones que están presentes en semejante historia, además de colocar uno que otro punto de giro en el momento preciso para mantener nuestras expectativas e incluye algunas sutilezas. Por ejemplo, Joe cultiva orugas de mariposas y, como cualquier relación de pareja, ese universo necesita de un cuidado especial, de unas atenciones precisas para concluir en la majestuosidad de una Monarca. Una nota curiosa señala que las especies nacidas a principio del otoño pueden vivir hasta nueve meses, mientras el promedio de la mayoría es de cuatro semanas. Lo dejo de tarea.    

Mientras redacto esta nota, me entero de que Secretos de un escándalo ha sido elegida la mejor película de 2023 por la revista Film Comment. Lo propio hizo el NYFCC hace unos días. Si no guardas temor de llorar y reír con la misma escena este filme solo pide una condición: entregarse, pañuelo en mano, a los embates del melodrama.

 

Secretos de un escándalo (2023). Dirección: Todd Haynes; Guion: Samy Burch; Fotografía: Christopher Blauvelt; Edición: Alfonso Goncalves; Música: Marcelo Zarvos; Elenco: Natalie Portman, Julianne Moore, Charles Melton.  

Lo mejor de 2023, según Film Comment.

La revista Film Comment está catalogada como una de las mejores publicaciones especializadas del mundo del Cine. Fundada en 1962, se especializa en profundos análisis sobre los filmes con las propuestas más arriesgadas. 

Por eso, su lista de lo mejor de cada año cada vez gana más adeptos y se tiene como una de las mejores para medir la calidad del cine de cada período.

Esta es la lista de lo mejor de 2023, según Film Comment:

1. May December, de Todd Haynes.

2. Showing Up, de Kelly Reichardt.

3. Los asesinos de la luna, de Martin Scorsese.

4. Hojas de otoño, de Aki Kaurismaki.

5. Pacifiction, de Albert Serra.

6. Anatomía de una caída, de Justine Triet.

7. Afire, de Christian Petzold.

8. La zona de interés, de Jonathan Glazer.

9. Unrest, de Cyril Schaublin.

10. Our Body, de Claire Simon. 

“Pobres criaturas”: alucinante filme de Yorgos Lanthimos.

El griego Yorgos Lanthimos es uno de los más originales cineastas contemporáneos por la forma dramática en que plantea sus historias. La afirmación no es gratuita cuando se revisan los títulos de su filmografía: Canino (2009) cuestiona todo aquello referente a realidad y percepción, desde la óptica de una familia que no reconoce ningún convencionalismo; Langosta (2015) es una (casi) imposible historia de amor en un futuro distópico donde la alternativa es elegir el animal en que nos convertirán; El sacrificio del ciervo sagrado (2017) es un drama en el que una familia sufre una espantosa venganza: debe elegir uno de los propios para morir.

Esa originalidad de Lanthimos también está presente en Pobres criaturas, alucinante filme estrenado en Venecia, donde consiguió el León de Oro a la mejor película, que aparece en todas las listas publicadas de los mejores estrenos de 2023 y que ha conseguido 7 nominaciones a los Globos de Oro: mejor película (comedia), mejor director, mejor actriz (Emma Stone), entre otras.

Pobres criaturas es la adaptación que ha hecho Tony McNamara de la novela homónima de Alasdair Gray publicada en 1992 y es un ejemplo perfecto para ilustrar el hecho de que el cine es un arte colectivo en el que cada quien aporta lo mejor de su talento para hacer que un buen filme sea una realidad.

Como arte de creación colectiva, Pobres criaturas logra una atmósfera maravillosa y envolvente. En eso tienen que ver los responsables del diseño de producción, vestuario, arte, maquillaje y hasta los efectos visuales que cumplen el rol de acercarnos más al drama de Bella.

Lanthimos siempre presenta personajes que desafían el statu quo de las cosas, personajes que se levantan por encima de sus limitantes sociales (y/o morales) y que buscan su propia redención, aún sea por el camino que dictan las circunstancias, casi siempre el más difícil. En Pobres criaturas, Bella es una mujer resucitada por el doctor Godwin y, por las facciones del médico, de inmediato creamos un vínculo con Frankenstein. Hasta aquí las similitudes: Pobres criaturas nos presenta los viajes físico y mental de Bella, un doloroso camino de autodescubrimiento en que emprende el típico viaje del héroe con pocas probabilidades de lograr sus objetivos. Al ser mujer, Bella viene impregnada con nuevos aires de resiliencia femenina, con un criterio más apropiado de igualdad y libertad para todas y, por supuesto, crea nuevas simpatías.

Bella, como nueva versión mejorada del mito prometeico, es arrebatadoramente bella y sexualmente insaciable, por lo que todos pretenden someterla a sus dominios, aprovechándose de la natural inocencia de una criatura que ha nacido a una nueva vida, con el cerebro de una bebé que debe aprenderlo todo de nuevo. Como cualquier bebé en aprendizaje (los padres saben de lo que hablo), Bella todo lo cuestiona y no filtra sus verdades: si alguien luce un atuendo horrible, lo natural sería decírselo en la mesa.

Lo natural para Bella, renunciando a nuestras horribles normas sociales, es buscar la felicidad sin importar si otros se sienten ofendidos o intimidados, para ella no existe “eso no se dice” o “eso no se toca”: todo es perfectamente válido en su universo infantil y ella sabe que tiene las armas para lograr lo que se le antoje. La vergüenza ajena es algo que Bella no tolera, ni comparte y que, al final del día, es una norma que no tiene ningún sentido. Lo importante para Bella es esa búsqueda frenética de su equilibrio interior, frente a una sociedad que pretende amaestrarla.

Lanthimos también desafía los convencionalismos de Hollywood cuando todo lo ve a través de un lente gran angular que se permite deformar la realidad a su antojo (brillante ejercicio de Robbie Ryan) y cuando recibe la notable entrega, sin limitaciones de ningún tipo, de Emma Stone, una de las más talentosas actrices de su generación. Su Bella es el regalo que merece toda actriz que se precie de serlo.

Emma Stone ya ha ganado la Copa Volpi en Venecia, el Globo de Oro y el Oscar (por La La Land) y ha participado en varios filmes importantes: Birdman (2014), Magic in the Moonlight (2014) e Irrational Man (2015), ambas dirigidas por Woody Allen, y La batalla de los sexos (2017).

A Yorgos Lanthimos lo conoció en La favorita (2018) y la conexión entre ambos fue inmediata. Juntos ya presentaron el cortometraje Bleat (2022) y ya se sabe que tienen otro filme en postproducción Kind of kindness. Mientras, disfruten esta maravillosa fantasía que es Pobres criaturas.

 

Pobres criaturas (2023). Dirección: Yorgos Lanthimos; Guion: Tony McNamara; Fotografía: Robbie Ryan; Edición: Yorgos Mavropsaridis; Música: Jerskin Fendrix; Elenco: Emma Stone, Willem Dafoe, Mark Ruffalo, Hanna Schygulla.

Premios SAG 2024: Barbra Streisand, Premio a la Trayectoria.

Barbra Streisand será honrada con el Premio SAG Life Achievement Award por logros profesionales y logros humanitarios en 2024.

Otorgado anualmente a un actor que fomenta los “mejores ideales de la profesión de actor”, el Premio SAG Life Achievement Award se unirá a los numerosos elogios de Streisand, incluido el de ser uno de los 18 ganadores del EGOT.

Los homenajeados recientes incluyen a Sally Field, Helen Mirren, Carol Burnett, Morgan Freeman, Lily Tomlin y más.

Los Premios SAG se llevarán a cabo el sábado 24 de febrero de 2024. La ceremonia de dos horas se transmitirá en vivo por Netflix a las 8 p.m. (ET) desde el Shrine Auditorium & Expo Hall. Las nominaciones se anunciarán el miércoles 10 de enero de 2024.

Streisand dice: “Desde que era una niña sentada en el Loew's Kings Theatre de Brooklyn, soñaba con ser una de esas actrices que veía en la pantalla. Las películas fueron un portal a un mundo que sólo podía imaginar. Aunque era un candidato improbable, de alguna manera mi sueño se hizo realidad. Este premio es especialmente significativo para mí porque proviene de mis compañeros actores, a quienes admiro mucho”.

El presidente de SAG-AFTRA, Fran Drescher, dijo: "Barbra Streisand es un ícono y un talento incomparable, una fuerza de la naturaleza que ha tejido a la perfección su brillantez en el tejido de nuestra industria. Desde sus primeros días cautivando al público en Broadway hasta sus inolvidables papeles en clásicos del cine. como Funny Girl, The Way We Were y A Star Is Born, la capacidad de Barbra para habitar sus personajes con autenticidad es nada menos que extraordinaria”.

“Su duradera carrera es un testimonio de sus actuaciones genuinas, que conectan con el público a un nivel profundo. Ella es un ícono colosal con una ética de trabajo incansable, que evoluciona con cada etapa de su extraordinario viaje. Celebramos a Barbra Streisand no sólo por sus logros sino por el legado duradero que ha labrado”.

Nominado y votado por miembros del Comité Nacional de Honores y Tributos de SAG-AFTRA, el Premio a la Trayectoria se otorga por logros sobresalientes en el fomento de los mejores ideales de la profesión de actor. El destinatario de este premio es un artista consolidado que ha contribuido a mejorar la imagen de la profesión de actor y tiene un historial de participación activa en iniciativas humanitarias y de servicio público.

El premio llega después de un año trascendental para Streisand. Ella publicó sus memorias, My Name Is Barbra, en noviembre con excelentes críticas. A las memorias se unió el lanzamiento de dos álbumes: la edición de lujo de la banda sonora de Yentl y Evergreens: Celebrating Six Decades on Columbia Records, un álbum lleno de clásicos y temas de bóveda.

Cannes 2024: Greta Gerwig, Presidenta del Jurado.

El festival de cine de Cannes anunció que Greta Gerwig, directora de Barbie, comedia feminista y gran éxito de taquilla, presidirá en mayo el jurado de su edición número 77.

La realizadora de 40 años, también actriz y guionista, asumirá el puesto, del 14 al 25 de mayo, tomando el relevo del sueco Ruben Ostlund, cuyo jurado otorgó la Palma de Oro en 2023 al drama legal Anatomía de una caída.

Gerwig será la primera cineasta estadounidense en asumir el cargo, subrayó el festival en un comunicado.

La presencia de Gerwig dará un aire rejuvenecido al gran festival francés de cine, que no ha tenido un presidente tan joven desde 1966, cuando fue encabezado por la actriz italiana Sophia Loren, entonces de 31 años.

Gerwig será también la primera mujer desde la actriz y directora australiana Cate Blanchet, quien en 2018 encabezó el jurado del prestigioso festival, tradicionalmente con una sobrerrepresentación masculina y contadas excepciones como la directora neozelandesa Jane Campion o la actriz francesa Isabelle Huppert.

“Me encantan las películas: me encanta hacerlas, me encanta ir a verlas, me encanta hablar de ellas”, aseguró Gerwig en un comunicado. “Como cinéfila, Cannes siempre ha representado para mí la cumbre de lo que puede ser el lenguaje universal del cine”, agregó.

Además de Barbie, una delirante sátira sobre la afamada marca de muñecas de plástico, Gerwig dirigió Lady Bird (2017) y Mujercitas (2020).

Actualmente trabaja en una adaptación de Las crónicas de Narnia para Netflix.

Los organizadores del festival de Cannes describieron a esta cineasta, que también ha actuado en más de dos docenas de películas, como una heroína de los tiempos modernos que sacudió el statu quo.

“Se trata de una elección obvia, ya que Greta Gerwig encarna con audacia la renovación del cine mundial”, declararon la directora de Cannes, Iris Knobloch, y el delegado del festival, Thierry Fremaux.

“Más allá del séptimo arte, es también la representante de una era que está rompiendo barreras y mezclando géneros, y elevando así los valores de la inteligencia y el humanismo”, añadieron.

Con el anuncio de esta directora como presidenta de su jurado, el mayor festival de cine del mundo su sumó a la Berlinale, que anunció hace unos días a la actriz mexicano-keniana Lupita Nyong'o, como la Presidenta de su próxima edición.

Cannes pone así a Gerwig bajo los focos, incluso antes del inicio de la carrera por los Oscar, aplazada hasta el 10 de marzo, a raíz de una histórica huelga de seis meses que paralizó la industria de Hollywood.

Barbie, protagonizada por Margot Robbie y Ryan Gosling, se sitúa ya en primera posición en la carrera por los Globos de Oro, con nominaciones en nueve categorías.

Con esta película, Gerwig ha pasado a la historia de Hollywood este año como la directora más rentable, la primera en superar la barrera de los mil millones de dólares de taquilla. Estrenada en el verano boral, la cinta recaudó más de $1,440 millones de dólares en todo el mundo.

Con su elección, Cannes también pone de relieve sus continuos lazos con la industria cinematográfica estadounidense.

Critics Choice Awards 2024: los nominados.

Los Critics Choice Awards han afianzado su lugar dentro de la temporada de premios anual. Se trata de los premios otorgados por la Broadcast Film Critics Association para reconocer a lo más destacado de las producciones del cine y televisión.

La edición 2024 de los premios de la Crítica Cinematográfica ya ha revelado a sus nominados. Todo esta listo para los galardones que, de nueva cuenta, reunirán a las estrellas que año tras año cautivan a las audiencias con sus proyectos televisivos y cinematográficos.

Barbie domina con 18 nominaciones, un nuevo record de estos premios (Todo al mismo tiempo en todas partes y La forma del agua consiguieron 14 en sus respectivos años), mientras que Oppenheimer y Pobre criaturas empataron con 13 candidaturas cada una.

Los ganadores serán anunciados el próximo 14 de enero en una ceremonia conducida por Chelsea Handler.

Esta es la lista de los nominados en cine:

Best Picture 

“American Fiction” (MGM)

“Barbie” (Warner Bros.)

“The Color Purple” (Warner Bros.)

“The Holdovers” (Focus Features)

“Killers of the Flower Moon” (Apple Original Films/Paramount Pictures)

“Maestro” (Netflix)

“Oppenheimer” (Universal Pictures)

“Past Lives” (A24)

“Poor Things” (Searchlight Pictures)

“Saltburn” (Amazon MGM Studios)

Best Actor 

Bradley Cooper — “Maestro”

Leonardo DiCaprio — “Killers of the Flower Moon”

Colman Domingo — “Rustin”

Paul Giamatti — “The Holdovers”

Cillian Murphy — “Oppenheimer”

Jeffrey Wright — “American Fiction”

Best Actress 

Lily Gladstone — “Killers of the Flower Moon”

Sandra Hüller — “Anatomy of a Fall”

Greta Lee — “Past Lives”

Carey Mulligan — “Maestro”

Margot Robbie — “Barbie”

Emma Stone — “Poor Things”

Best Supporting Actor 

Sterling K. Brown — “American Fiction”

Robert DeNiro — “Killers of the Flower Moon”

Robert Downey Jr. — “Oppenheimer”

Ryan Gosling — “Barbie”

Charles Melton — “May December”

Mark Ruffalo — “Poor Things”

Best Supporting Actress 

Emily Blunt — “Oppenheimer”

Danielle Brooks — “The Color Purple”

America Ferrera — “Barbie”

Jodie Foster — “Nyad”

Julianne Moore — “May December”

Da’Vine Joy Randolph — “The Holdovers”

Best Young Actor/Actress 

Abby Ryder Forston — “Are You There God? It’s Me, Margaret”

Ariana Greenblatt — “Barbie”

Calah Lane — “Wonka”

Milo Machado Graner — “Anatomy of a Fall”

Dominic Sessa — “The Holdovers”

Madeleine Yuna Voyles — “The Creator”

Best Acting Ensemble 

“Air”

“Barbie”

“The Color Purple”

“The Holdovers”

“Killers of the Flower Moon”

“Oppenheimer”

Best Director 

Bradley Cooper — “Maestro”

Greta Gerwig — “Barbie”

Yorgos Lanthimos — “Poor Things”

Christopher Nolan — “Oppenheimer”

Alexander Payne — “The Holdovers”

Martin Scorsese — “Killers of the Flower Moon”

Best Original Screenplay

“Air” — Alex Convery

“Barbie” — Greta Gerwig, Noah Baumbach

“The Holdovers” – David Hemingson

“Maestro” — Bradley Cooper, Josh Singer

“May December” — Samy Burch

“Past Lives” — Celine Song

Best Adapted Screenplay

“Are You There God? It’s Me, Margaret” — Kelly Fremon Craig

“All of Us Strangers” — Andrew Haigh

“American Fiction” — Cord Jefferson

“Killers of the Flower Moon” — Martin Scorsese, Eric Roth

“Poor Things” — Tony McNamara

“Oppenheimer” — Christopher Nolan

Best Cinematography 

 

Matthew Libatique – Maestro

Rodrigo Prieto – Barbie

Rodrigo Prieto – Killers of the Flower Moon

Robbie Ryan – Poor Things

Linus Sandgren – Saltburn

Hoyte van Hoytema – Oppenheimer

Best Production Design  

Suzie Davies, Charlotte Dirickx – Saltburn

Ruth De Jong, Claire Kaufman – Oppenheimer

Jack Fisk, Adam Willis – Killers of the Flower Moon

Sarah Greenwood, Katie Spencer – Barbie

James Price, Shona Heath, Szusza Mihalek – Poor Things

Adam Stockhausen, Kris Moran – Asteroid City

Best Editing 

William Goldenberg – Air

Nick Houy – Barbie

Jennifer Lame – Oppenheimer

Yorgos Mavropsaridis – Poor Things

Thelma Schoonmaker – Killers of the Flower Moon

Michelle Tesoro – Maestro

Best Costume Design 

Jacqueline Durran – Barbie

Lindy Hemming – Wonka

Francine Jamison-Tanchuck – The Color Purple

Holly Waddington – Poor Things

Jacqueline West – Killers of the Flower Moon

Janty Yates, David Crossman – Napoleon

Best Hair and Makeup 

Barbie

The Color Purple

Maestro

Oppenheimer

Poor Things

Priscilla

Best Visual Effects 

The Creator

Guardians of the Galaxy Vol. 3

Mission: Impossible – Dead Reckoning Part One

Oppenheimer

Poor Things

Spider-Man: Across the Spider-Verse

Best Comedy 

American Fiction

Barbie

Bottoms

The Holdovers

No Hard Feelings

Poor Things

Best Animated Feature 

The Boy and the Heron

Elemental

Nimona

Spider-Man: Across the Spider-Verse

Teenage Mutant Ninja Turtles: Mutant Mayhem

Wish

Best Foreign Language Film 

Anatomy of a Fall

Godzilla Minus One

Perfect Days

Society of the Snow

The Taste of Things

The Zone of Interest

Best Song

“Dance the Night” – Barbie

“I’m Just Ken” – Barbie

“Peaches” – The Super Mario Bros. Movie

“Road to Freedom” – Rustin

“This Wish” – Wish

“What Was I Made For” – Barbie

Best Score 

Jerskin Fendrix – Poor Things

Michael Giacchino – Society of the Snow

Ludwig Göransson – Oppenheimer

Daniel Pemberton – Spider-Man: Across the Spider-Verse

Robbie Robertson – Killers of the Flower Moon

Mark Ronson, Andrew Wyatt – Barbie