CRUELLA: el intenso encanto del antagonista.

En dramaturgia básica, el conflicto de un filme debe darse entre: el Protagonista (un personaje que es la sumatoria de virtudes, a quien el público llama “el bueno”) y el Antagonista (un personaje que es la sumatoria de defectos, a quien el público llama “el malo”).

Aunque parezca un extraño modo de aproximación al conflicto dramático de un filme, el antagonista tiene el 50 por ciento de la responsabilidad de que cumpla con su cometido de atrapar la atención del espectador. Es decir, ante un protagonista muy poderoso, debemos anteponer un antagonista tanto o más poderoso. De lo contrario, muy pocos le prestarán interés a lo que pasa en pantalla.

Por mencionar un caso, les recuerdo Joker (2019, Todd Phillips) que, a fuerza del indudable carisma del personaje y la extraordinaria actuación de Joaquin Phoenix, ocupa el puesto 1 como la única película R que ha recaudado $1,074 millones de dólares. Y un alud de premios entre los que destacan el León de Oro en Venencia y el Oscar para Phoenix.

Desde luego, son muchas las excepciones. Y el público contemporáneo nunca está conforme.

En este aspecto, creo que Disney se lleva la medalla como la compañía más atrevida en sus propuestas de los últimos años: ha desarrollado las estrategias más sorprendentes para mantener y aumentar su vigencia.

Disney se ha mantenido al frente de las nuevas propuestas de animación en su exitosa colaboración con Pixar, de la cual hemos cosechado frutos tan extraordinarios como: Soul (2020), Coco (2017), Intensa Mente (2015) y Wall-E (2008), por solo mencionar algunos.

Pero, más allá de ese éxito, Disney apostó a lo increíble: nuevas versiones de acción real de sus clásicos de animación y aquí viene lo realmente asombroso: versiones desde la perspectiva del antagonista.

La versión en acción real de El Rey León (2019, Jon Favreau), basada en el clásico de animación de ¡1994! logró recaudaciones globales de $1,657 millones de dólares, para ocupar el puesto 1 dentro de su categoría. En realidad, la técnica usada es la de fotorrealismo, pero la Screen Generation quedó encantada con los resultados.

La versión en acción real de La Bella y la Bestia (2017, Bill Condon), basada en el clásico animado de ¡1991! (año en que fue nominada al Oscar a la Mejor Película, concitando la protesta de muchos cineastas y provocando la creación de la categoría de animación desde entonces), logró recaudaciones globales de $1, 264 millones de dólares. Hasta un personaje abiertamente homosexual incluye, para sorpresa de los seguidores de los filmes de Disney.

La versión en acción real de Aladino (2019, Guy Ritchie), basada en el clásico de animación de ¡1992!, logró recaudaciones globales de $1,050 millones de dólares. Lo interesante es que su atractivo no es el personaje del título, sino su “coprotagonista”, el Genio de la lámpara, encarnado por la única estrella de la película, Will Smith.  

Maléfica (2014, Robert Stromberg) es la versión de acción real del clásico animado La Bella Durmiente (1959) y ya evidencia un total cambio de perspectiva: la atención se centra en la antagonista de la Princesa Aurora del cuento, una bruja envidiosa que encarna Angelina Jolie. Como era de esperarse con una bruja tan atractiva, el éxito fue fulminante: $758 millones de dólares recaudados.

El clásico de animación Los 101 dálmatas se estrenó en 1961. En 1996, se hizo una versión en acción real dirigida por Stephen Herek y protagonizada por Glenn Close como Cruella De Vil, de forma tan impactante que su personaje fue incluído como uno de los 50 peores villanos de la historia del cine por el Instituto Americano del Cine.

En realidad, el filme adolece de una perspectiva más cercana al lenguaje del cómic. Esa genialidad la introdujo Tim Burton con Alicia en el país de las maravillas (2010), basada en el clásico animado de 1951, en la que también la atención se centra el Sombrero Loco (encarnado por el genial Johnny Depp), el auténtico atractivo para el público que la coronó con $1,078 millones de dólares en recaudación.  

Ahora nos llega Cruella (2021, Craig Gillespie), encarnada por Emma Stone, ganadora del Oscar por La La Land (2016). Una formidable puesta en escena, con una estética cercana al cómic que reimagina con notable magnetismo a la villana del animado y convirtiendo a los dálmatas apenas son una referencia más. Incluso el filme acaba cuando inicia la historia que conocemos del animado y su primera nueva versión. Es decir, está garantizado que tendremos Cruella 2.

Al igual que Maléfica, esta Cruella indaga con curiosidad freudiana en el pasado del personaje desde su infancia hasta convertirse en la que todos creíamos conocer. Al igual que Mulán (2020, Niki Caro) basada en el clásico de 1998, este Cruella se estrena de manera simultánea en las salas de cines y en la plataforma streaming Disney + con un pago adicional al costo de la membresía. Un auténtico milagro de los tiempos de la covidianidad.

“15 horas”, filme dominicano en Festival de Málaga.

El filme dominicano 15 horas tendrá su estreno mundial en el 24 Festival de Málaga, donde se presentará el próximo 8 de junio, como parte de la Sección Oficial.

Dicho Festival celebrará su muestra cinematográfica del 4 al 13 de junio, en la ciudad de Málaga, España y ya anunció los estrenos españoles e internacionales que se estarán proyectando durante una semana, entre los cuales aparece 15 horas.

El filme es una historia de transformación y coraje que une un elenco nacional e internacional, conformado por la actriz y productora dominicana Sterlyn Ramírez, el actor español Marc Clotet, Stephany Liriano, Félix German, Lidia Ariza y Chabela Estrella de Bisonó, entre otros.

La película escrita, dirigida y producida por mujeres, destaca una pandemia silenciosa que vive casi un tercio de las mujeres en todo el mundo. Escrita por Cira Valiño y dirigida por la española Judith Colell, quien es la cofundadora de la Asociación de mujeres cineastas y de medios audiovisuales; está producida por Ivette Bautista y por la actriz y protagonista Sterlyn Ramírez.

15 horas relata la historia de Aura, solista en la sección de primeros violines y Manuel, el director de orquesta de moda, quienes forman el matrimonio más envidiado del país. Artistas, famosos y ricos, su relación esconde un secreto inconfesable: él la maltrata, algo que ella ha ocultado durante demasiado tiempo. Un día, Aura decide dar el paso y pedir ayuda. Entonces sucede lo que siempre había sospechado, pero nunca se atrevió a confirmar.

El filme se exhibirá próximamente en nuestras salas de cine.

Amazon compra Metro Goldwin Mayer.

Confirmado. Amazon acaba de anunciar oficialmente la compra de Metro Goldwyn Mayer (MGM), uno de los mayores estudios de Hollywood y dueño de sagas como James Bond o La Pantera Rosa, por $8,450 millones de dólares. La operación supone la entrada definitiva de Amazon en el streaming y su mayor apuesta para intentar desbancar a Netflix.

Se trata de la segunda mayor adquisición de Amazon de su historia, solo detrás de la compra de la cadena de supermercados Whole Foods en 2017 por $13,700 millones de dólares. MGM llevaba en venta desde diciembre de 2020 y Amazon era uno de los mejor posicionados para hacerse con el estudio. Los rumores surgieron cuando se confirmó que AT&T fusionaría WarnerMedia con Discovery, en una operación valorada en $43.000 millones de dólares. Amazon no podía quedarse atrás en la partida de ajedrez para hacerse con contenido audiovisual que le permitiera competir con Netflix, HBO o Disney. Y eso es precisamente lo que acaba de hacer, mover pieza a lo grande.

MGM es un gigante con más de 4,000 películas y 17,000 horas de shows de televisión disponibles. Entre los nombres que atesora están James Bond, Rocky o Vikings. Cuenta con un catálogo histórico de películas que se remontan a muchas décadas, como El silencio de los corderos, una amplia variedad de compañías de producción y distribución y la red de contenido Epix. Esa es justo la munición que necesita Amazon para competir cara a cara con los grandes nombres establecidos del streaming.

“La adquisición puede aupar las capacidades de Amazon en streaming al añadir una montaña de contenido propietario y reforzar el valor de su servicio Prime”, explicó el analista Poonam Goyal. Es el plan de Jeff Bezos no solo para competir con Netflix, también para hacer más apetitosa la suscripción a Prime, una de sus líneas de ingresos clave fuera del e-commerce puro.

La compra de MGM por parte de Amazon se produce curiosamente justo cuando Netflix emprende el camino contrario: diversificar su negocio más allá del streaming. Una información asegura que Netflix ha comenzado a estudiar su entrada en el sector de videojuegos. La compañía estaría buscando contratar a un ejecutivo para supervisar esta expansión. La idea inicial de este servicio sería ofrecer un paquete de juegos por suscripción similar a lo que ya ofrece Apple con Arcade.

Málaga 2021: la competencia oficial

Un total de once largometrajes españoles y ocho iberoamericanos competirán este año por las Biznagas de Oro en el 24 Festival de Cine en Español de Málaga, que se celebrará del 3 al 13 de junio.

El director del Festival, Juan Antonio Vigar, ha afirmado en la presentación de la programación que la situación sanitaria “ha mejorado mucho, pero aún no permite volver al modelo tradicional”, por lo que se suprimen de nuevo actividades que fomentan las aglomeraciones, como la alfombra roja en el acceso a las galas en el Teatro Cervantes. 

Vigar ha recordado que “primará la exhibición cinematográfica sobre el evento social” unido a rigurosos protocolos de protección sanitaria. Un planteamiento que ya contribuyó al “gran éxito de la pasada edición” que se convirtió en el más seguido en prensa de la historia del festival y que “convertimos en un banco de buenas prácticas para otros festivales que nos sucedieron”. El objetivo de esta nueva edición es ser “un festival amable, como siempre y seguro”, ha añadido. La edición del año que viene, según las previsiones y si todo va “normal”, volverá a ser en marzo, fecha habitual del certamen cinematográfico malagueño, en concreto, en la segunda quincena, “ya de vuelta a la normalidad y de recuperación del modelo tradicional”. Además, será “celebrativa” de “que todo ha vuelto a la normalidad, de que la sociedad respira’, además de que se cumplirán las bodas de plata del certamen.

La sección oficial mantiene el modelo de “aunar lo comercial con lo autoral, las películas de producción más industrial con otras de producción más vocacional y alternativa, y los nombres con una trayectoria ya reconocida con directores más jóvenes, con una mirada distinta, más contemporánea”.

El festival arrancará así con El Cover, debut como director del actor Secun de la Rosa. Pero habrá más óperas primas en competición: Chavalas, de Carol Rodríguez Colás; Hombre muerto no sabe vivir, de Ezekiel Montes; Ama, de Julia de Paz; Con quién viajas, de Hugo Martín Cuervo; La casa del caracol, de Macarena Astorga; Destello bravío, de Ainhoa Rodríguez, y Las consecuencias, de Claudia Pinto.

Completarán la participación española en competición los nuevos trabajos de veteranos realizadores españoles como Agustí Villaronga, con El vientre del mar; Óscar Aibar, con El sustituto, y Dani de la Torre, con Live is life.

Como representantes iberoamericanas figuran Las mejores familias, de Javier Fuentes León (Perú); Amalgama, de Carlos Cuarón (México); 15 horas, un drama musical dirigido por la catalana Judith Colell (República Dominicana), Cómo mueren las reinas, de Lucas Turturro (Argentina); Karnawal, de Juan Pablo Félix (Argentina); Mulher océano, de Djin Sganzerla (Brasil); Años luz, de Joaquín Mauad (Uruguay), y La ciudad de las fieras, de Henry Rincón (Colombia).

Ya fuera de concurso se podrán ver las comedias españolas Historias lamentables, de Javier Fesser -quien recibirá una Biznaga de Honor-; Operación Camarón, de Carlos Therón; Sevillanas de Brooklyn, de Vicente Villanueva, y García y García, de Ana Murugarren, que clausurará el certamen.

Tal y como ya se había anunciado, en el apartado de homenajes el director, guionista y compositor Alejandro Amenábar recibirá el Premio Málaga Diario Sur justo cuando se cumplen 25 años del estreno de Tesis, su primer largometraje; Mariano Barroso, el Premio Retrospectiva; Oliver Laxe, el Premio Málaga Talent, y la montadora Julia Juaniz, el Premio Ricardo Franco, otorgado por el certamen malagueño junto a la Academia de Cine.

A ellos se suma la actriz Petra Martínez, que será reconocida con la Biznaga Ciudad del Paraíso, con la que Málaga reconoce cada año a los "imprescindibles" del cine español. La Película de Oro recae en Esa pareja feliz (1951), de Luis García Berlanga y Juan Antonio Bardem, en el año de conmemoración del centenario del cineasta valenciano.

El jurado de la Sección Oficial a concurso, por su parte, estará formado por Nora Navas, Carles Torras, Rafael Cobos, Valérie Delpierre, y Elena Sánchez.

Premios Platino 2021: de vuelta a Madrid.

 

Tras una última edición irremediablemente marcada por la crisis sanitaria, los Premios PLATINO del Cine y el Audiovisual Iberoamericano vuelven a Madrid este 2021 para poner en valor la promoción y el desarrollo de la industria audiovisual de habla hispana.

Así, la edición número 8 de los PLATINO se celebrará en IFEMA Palacio Municipal de Madrid el próximo 3 de octubre, en la ciudad que ya acogió la cuarta edición de los galardones y que será de nuevo capital del audiovisual iberoamericano.

De esta manera, los galardones, que premian lo mejor del audiovisual iberoamericano y que este año se realizarán preservando la salud de los asistentes con un estricto protocolo anti-covid, regresarán a territorio español después de haberse celebrado durante dos ediciones consecutivas en Riviera Maya.

Un regreso que también trae consigo otras novedades, con hasta tres nuevas categorías en los Premios PLATINO: Mejor Interpretación Femenina de Reparto en Cine, Mejor Interpretación Masculina de Reparto en Cine y Mejor Creador de Serie.

Tras el inicio de su andadura en Panamá en 2014, su celebración en España (Marbella) en 2015 y en Uruguay (Punta del Este) en 2016, los PLATINO se celebraron en Madrid en 2017, y para su octava edición, volverán a la capital española. 

Una apuesta con la que los PLATINO remarcan la importancia de la ciudad como punto de encuentro clave no solo para la industria audiovisual por la extensa presencia de empresas, sino también para el turismo, la educación y la cultura, más aún si cabe con la realización de IBERSERIES PLATINO INDUSTRIA, iniciativa que reitera el papel de Madrid en la convergencia de la industria audiovisual iberoamericana, así como su relevancia estratégica en otros sectores.

En la última edición celebrada en México de forma presencial en 2019, los Premios PLATINO del Cine Iberoamericano alcanzaron un valor publicitario superior a los 110 millones de dólares, con más de 113.000 noticias publicadas y más de 500 celebridades asistentes.

La gala presentada por Santiago Segura y Cecilia Suarez pudo ser seguida en más de 50 países gracias a la amplia cobertura televisiva con la que cuentan estos premios.

Por su parte, a su octava edición asistirán los representantes más importantes del audiovisual de la región, entre los que se encuentran directores, productores e intérpretes de talla internacional, así como los talentos más destacados del star-system iberoamericano, y los medios de comunicación más destacados, que convierten a los Premios PLATINO en el evento más importante del cine y la cultura iberoamericana.

La de 2020, correspondiente a la séptima edición de los PLATINO, iba a repetir sede en Riviera Maya, pero la organización de los premios decidió realizar una gala virtual debido a la situación sanitaria del momento como muestra del compromiso ante la crisis sanitaria mundial. Y, a pesar de las dificultades, contó con la conexión de todos los países participantes en un evento que terminó coronando a Dolor y gloria, de Pedro Almodóvar, como la gran vencedora de la noche. Su sucesora saldrá, precisamente, de la lista de películas preseleccionadas para la VIII Edición de los Premios PLATINO, ya en conocimiento público, que sirve como primer filtro de los galardones al que seguirá, primero, el anuncio de la shortlist, y, después, el de los finalistas.

El Cine y el conflicto palestino-israelí.

El conflicto entre Israel y Palestina cumple ya muchos años y se ha cobrado demasiados muertos. Una auténtica vergüenza para la humanidad y su capacidad de tolerarnos en nuestras diferencias, de comprendernos en nuestra diversidad.

Los hechos recientes han puesto nueva vez este conflicto en las primeras planas de los diarios y el cine tiene una larga tradición de abordar el problema. En la mayoría de los casos, es una aproximación a la situación de cineastas, es decir, gente sensible que casi siempre apuesta a soluciones inteligentes a una guerra cuya primera víctima fue la razón.

Esta es una brevísima guía de películas sobre el conflicto palestino-israelí:

1. El árbol de lima (2008, Eran Riklis): una viuda palestina, tiene un litigio con el ministro de Defensa israelí. La casa de éste, en la frontera palestino-israelí, linda con su campo de limoneros. Cuando las autoridades deciden que los árboles deben ser talados porque representan una amenaza para el ministro de Defensa y su familia, ella decide emprender una batalla legal para salvar sus limoneros. 

Entre otros premios, ha ganado el Premio del Público en Berlín y el Premio Europeo al mejor guion.

 

2. Intervención divina (2002, Elia Sulaiman): narra la historia de un palestino que vive en Jerusalén y

está enamorado de una palestina de Ramallah. El hombre se encuentra dividido entre su amor y la necesidad de ocuparse de su padre enfermo. A causa de la situación política, la mujer no puede pasar más allá del puesto de control situado entre las dos ciudades, así que los encuentros de la pareja tienen lugar en un aparcamiento desierto cerca de dicho puesto de control.

El filme recibió en Cannes el Premio del Jurado y el Premio Fipresci, luego el Premio Europeo a mejor filme extranjero y en Chicago, el Premio del Jurado.

 

3. Paradise Now (2005, Hany Abu-Assad): fue la primera película palestina nominada al Oscar y la primera en conseguir el Globo de Oro como película extranjera. La historia trata de dos amigos de la infancia que han vivido toda su vida en un campo de refugiados palestino en Cisjordania. Cansados de su vida y de la opresión que vive su pueblo, son reclutados para realizar un ataque suicida en Tel Aviv. Pero nada es tan fácil como se dice en los manuales y cuando la ideología y los sentimientos se enfrentan.

 

4. Miral (2010, Julian Schnabel): basada en el libro de Rula Jebreal, cuenta la increíble historia de Hind

Husseini, quien abrió un orfanato en Jerusalén tras la guerra árabe-israelí que acabó con la proclamación del Estado de Israel. La educación como pasaporte para salir adelante en medio de los destrozos de la guerra.

En el Festival de Venecia consiguió el Premio de la Unesco y el Premio de la Unicef.

 

5. Free Zone (2005, Amos Gitai): es la historia de una joven estadounidense que vive en Jerusalén desde hace unos meses, acaba de romper con su novio. Sube al taxi de una mujer israelí que debe ir a Jordania, a la Zona Libre, a recoger una importante cantidad de dinero. Cuando llegan a su destino, una mujer palestina les explica que “el americano” no está y que el dinero ha desaparecido. Una road-movie que es la historia de un encuentro inesperado, tres mujeres de culturas diferentes que intentarán, unir sus fuerzas para cambiar el curso de los acontecimientos.

En el Festival de Cannes, Hanna Laslo recibió el Premio a la mejor actriz.

 

6. Vals con Bashir (2008, Ari Folman): documental animado sobre la matanza de refugiados palestinos

en Sabra y Chatila (Líbano) en 1982. Una noche, en un bar, un viejo amigo le cuenta a Folman una pesadilla recurrente en la que le persiguen siempre 26 perros. Los dos hombres llegan a la conclusión de que la pesadilla tiene que ver con una misión que realizaron para el ejército israelí durante la primera guerra con el Líbano a principios de los años ochenta. A Folman le sorprende el hecho de no recordar nada de ese período de su vida. Intrigado, decide hablar con viejos amigos y antiguos compañeros dispersos por el mundo entero. 

El filme consiguió el Globo de Oro y el Premio César a la mejor película extranjera y 6 premios de la Academia Israelí de Cine.

Director de cine iraní asesinado por estar soltero.

Babak Khorramdin, de 47 años, fue víctima de un supuesto “asesinato por honor” después de una discusión con su padre sobre su estado civil.
Mohammad Shahriari, jefe del Tribunal Penal de Teherán, dijo que el padre de Khorramdin confesó haber drogado y asesinado a su hijo, antes de cortar su cuerpo y dejarlo en la basura.
Los restos humanos fueron descubiertos el domingo en bolsas de basura y una maleta en Ekbatan, en el oeste de Teherán, donde vivía la familia. La policía iraní dijo que se encontraron más pruebas del asesinato en la casa familiar. Ambos padres han sido arrestados.
Khorramdin se graduó de la Universidad de Teherán en 2009 con una maestría en cine y se mudó a Londres un año después. Allí hizo una serie de cortometrajes, incluidos Crevice y Oath to Yashar, que se centró en su experiencia al mudarse de país y estar lejos de su familia.
Jason Brodsky, analista de Oriente Medio y editor de Iran International TV, dijo al Daily Mail: “Creo que la horrible muerte de Babak Khorramdin es solo el último ejemplo de un largo patrón de violencia doméstica que hemos visto en Irán”.

"Sigue a la trágica muerte de Ali Fazeli Monfared, quien fue asesinado por miembros de su familia tras descubrir que era gay. Eso sin mencionar el caso del año pasado de Romina Ashfrafi, una niña de 14 años que fue decapitada por su padre en un asesinato por honor”, dijo.

A pesar de que se aprobó una ley de protección infantil en 2020 en Irán, continúan los asesinatos por honor y la violencia doméstica.

Dominicana gana concurso cortos Universidad de Nebrija.

El jueves 6 de mayo tuvo lugar la XIX Edición del Festival de Cortometrajes AdN, el certamen universitario de cortometrajes más prestigioso de España donde se premiaron los mejores cortos realizados por los estudiantes.

Los propios alumnos de la Facultad de Comunicación y Artes de la Universidad Nebrija organizaron y llevaron a cabo esta gala, celebrada en el Teatro Fernando de Rojas del Círculo de Bellas Artes de Madrid, donde brilló el talento de los futuros cineastas.

En la pasada edición, el Festival AdN creó la figura del país invitado y el Premio al Mejor Corto Iberoamericano. En 2021, la República Dominicana fue la referencia internacional de los galardones. “La recepción de la iniciativa por parte de las universidades dominicanas ha sido cálida y motivadora. Su cinematografía está despegando de manera notable y los docentes del área audiovisual consideran nuestro festival una oportunidad de crecimiento para sus alumnos”, señalan los organizadores del certamen. Entre los más de cuarenta cortometrajes presentados por la Universidad Iberoamericana, el Instituto Tecnológico de Santo Domingo, la Pontificia Universidad Católica Madre y Maestra, la Escuela de Diseño Altos de Chavón y la Universidad APEC, Pep La (La gente), de Guadalupe Dipré Escarramán, se llevó el Premio al Mejor Corto Iberoamericano.

Juan Antonio Escarabajal, director de Desarrollo Universitario de la Universidad Nebrija, entregó el premio y aseguró que esta estrecha relación con República Dominicana se debe a que “la dotación internacional de Nebrija está en su ADN. La cultura, y en concreto el cine, ayudan a reconocernos como pueblos y a entender otras culturas”.

Saloomeh Yousefian, directora del departamento de Desarrollo Internacional de la Universidad Nebrija, recogió el premio en nombre de Guadalupe Dipré y, en palabras de la premiada, agradeció “la posibilidad de participar en este certamen y haber reconocido su trabajo entre los cuarenta cortos presentados provenientes de República Dominicana”.

El jurado del Festival estuvo compuesto por la directora y productora Silvia Venegas, los actores José Luis Gil y Raúl Prieto, el productor Rodolfo Montero, la cineasta y fotógrafa dominicana Karina Narpier, y Luis Caballero, redactor jefe de la revista Platino Educa.

Premios del Público LUX 2021: los nominados.

Ya se conocen los nominados a los Premios del Público LUX que entrega Parlamento Europeo y la Academia Europea del Cine, en colaboración con la Comisión Europea y, una vez más, las tres películas nominadas muestran la diversidad del cine de ese continente. 

Entre las producciones finalistas hay un documental rumano-luxemburgués sobre el periodismo de investigación y la corrupción en el sector sanitario (Collective, de Alexander Nanau), un drama polaco-francés que trata la religión y las dinámicas de poder (Corpus Christi, dirigida por Jan Komasa) y una comedia dramática danesa-sueca-neerlandesa (Another Round, de Thomas Vinterberg) sobre un grupo de profesores que experimentan con el alcohol para intentar mejorar sus vidas.

Las tres películas finalistas han sido un éxito en sus países y también en el exterior, tanto entre el público como entre la crítica. Another Round se ha llevado el Oscar a la mejor película internacional, además de una nominación para su director. También ha ganado cuatro European Film Awards, y ha triunfado en otros certámenes como los BAFTA británicos, el festival de San Sebastián o los premios César franceses. 

Collective se ha llevado varios premios, como el Premio del Cine Europeo al mejor documental y ha conseguido dos nominaciones a los Oscar, a la mejor película extranjera y al mejor documental, siendo el primer filme rumano que lo consigue. 

Por su parte, Corpus Christi arrasó en los premios Águila del cine polaco y fue reconocido en festivales como la Bienal de Venecia.

Por primera vez, el premio LUX otorga conjuntamente entre la ciudadanía europea y los diputados al Parlamento Europeo, repartiéndose la puntuación al 50%. La ciudadanía puede valorar hasta el 23 de mayo, las tres películas en la página web del premio, luxaward.eu , con una puntuación de entre una hasta cinco estrellas.

La película ganadora será anunciada por el presidente del Parlamento Europeo, David Sassoli, en sesión plenaria el 9 de junio, en presencia de los directores de los tres filmes.

Además de ser promovido por el Parlamento Europeo, el largometraje vencedor será adaptado para personas con problemas visuales y auditivos.

Desde 2007, el Parlamento Europeo otorga anualmente el Premio LUX de Cine en películas que, a través de sus historias, contribuyen al debate público europeo, tratando asuntos como la solidaridad, la crisis económica, la inmigración, la justicia, las libertades públicas o los derechos fundamentales. La iniciativa es también una manera de dar visibilidad al cine europeo, ya que la mayoría de las películas europeas sólo se proyectan en el país en el que han sido producidas y no suelen distribuirse más allá de sus fronteras. Este hecho resulta aún más sorprendente si se tiene en cuenta que, aunque más del 60% de las películas que se estrenan en la UE son europeas, éstas suponen únicamente un tercio del total de espectadores.

Las películas que han ganado el Premio LUX son: 'Auf der anderen Seite', de Fatih Akin (2007); 'Le Silence de Lorna', de Pierre de Jean y Luc Dardenne (2008); 'Welcome', de Philippe Lioret (2009); 'Die Fremde', de Feo Aladag (2010); 'Las neiges du Kilimanjaro', de Robert Guédiguian (2011); 'Io sono Li', de Andrea Segre (2012), 'The Broken Circle Breakdown', de Felix van Groeningen (2013); 'Ida', de Pawel Pawlikowski (2014); 'Mustang', de Deniz Gamze Ergüven (2015); 'Toni Erdmann', de Maren Ade (2016); 'Sámi Blood' (2017), de Amanda Kernell, 'Woman at War' (2018), de Benedikt Erlingsson, y 'God existente, Her Name Is Petrunija' (2019), de Teona Strugar Mitevska.

Esta es la primera edición del nuevo formato del premio, que se ha rebautizado como Premio del Público LUX y está organizado conjuntamente por el Parlamento Europeo y la Academia Europea del Cine, en colaboración con la Comisión Europea y la red Europa Cinemas. La cinta ganadora es seleccionada conjuntamente por los eurodiputados y por el público, cada uno de los cuales representa el 50% de los votos.

En el marco del Premio LUX se promueve la distribución de las finalistas para que lleguen más allá de sus fronteras nacionales. Los títulos finalistas serán subtitulados en las 24 lenguas oficiales de la Unión Europea. 

Festival de Málaga: Alejandro Amenábar, premio Diario SUR.

“Hola, soy Ángela. Me van a matar”. La sentencia ha quedado grabada en la historia del cine en español y en la memoria visual de, al menos, dos generaciones. La pronunciaba la actriz Ana Torrent en una de las secuencias más populares de Tesis, primer largometraje de Alejandro Amenábar, autor esencial para comprender la evolución del cine español durante el último cuarto de siglo.

Ganador de un Oscar, un Globo de Oro y nueve premios Goya en sus facetas como realizador, compositor y guionista, Amenábar será el Premio Málaga Diario SUR de la vigésimo segunda edición del Festival de Málaga que se celebrará del 3 al 13 de junio.

No en vano, la historia de Amenábar y del Festival de Málaga corren casi en paralelo, ya que en estos meses cumple 25 años Tesis, el primer largometraje del cineasta que firmaba con Mar adentro la película con más premios Goya de la historia, con 14 galardones de 15 candidaturas. Justo ese reconocimiento de la crítica, la industria y el público han sido uno de los motivos esgrimidos este martes por el Festival de Málaga para presentar la distinción a Amenábar, presentado por el certamen malagueño como “uno de los cineastas españoles más internacionales, con una dilatada y premiada carrera”.

Nacido en Santiago de Chile en 1972 y emigrado a España junto a su familia cuando apenas tenía un año, Amenábar se considera un creador autodidacta, si bien pasó por la Facultad de Ciencias de la Información de la Universidad Complutense de Madrid, convertida en uno de los escenarios principales de Tesis (1996), que fue considerada “la mejor película del año en España por la Academia de Cine y tuvo un éxito extraordinario a escala internacional, consiguiendo numerosos premios en festivales por todo el mundo”, tal y como recuerda el Festival de Málaga.

El segundo largometraje de Amenábar llegaba apenas un año después con Abre los ojos (1997) y con él repetía el éxito de taquilla, que le abría las puertas de la escena internacional. No en vano, la historia encontraba una adaptación norteamericana con Vanilla Sky, protagonizada por Tom Cruise, Penélope Cruz y Cameron Díaz bajo la dirección de Cameron Crowe. Ese vuelo internacional quedaba refrendado con sus dos siguientes largometrajes: Los otros (2001) y Mar adentro (2004). Justo esta última cinta, protagonizada por Javier Bardem y basada en la lucha por la legalización de la eutanasia capitaneada por Ramón Sampedro, supuso la consagración definitiva de Amenábar, que veía cómo el filme recibía el Oscar a la mejor película de habla no inglesa y más de 60 premios internacionales.

Y si Nicole Kidman protagonizaba Los otros, seleccionada en el Festival de Venecia, hasta el Festival de Cannes llegaba Ágora (2009), liderada por Rachel Weisz y película más taquillera de aquel año en España, con una recaudación de más de 21 millones de euros y 3,5 millones de espectadores. Los repartos internacionales continuaban con Regresión (2015), protagonizada por Ethan Hawke y Emma Watson

Amenábar volvía a rodar en España con su último filme hasta la fecha, Mientras dure la guerra (2019), que relata el estallido de la Guerra Civil a través de la experiencia del escritor y entonces rector de la Universidad de Salamanca, Miguel de Unamuno. La cinta lograba nada menos que 17 nominaciones a los Premios Goya, de los que se llevaría finalmente cinco, entre ellos a Eduard Fernández como mejor actor de reparto por su interpretación del histriónico militar golpista José Millán-Astray.

Dos décadas y media detrás de la cámara como director, guionista y compositor musical que ahora le brindan al cineasta el Premio Málaga Diario SUR del Festival de Cine.

Madres y heroínas.

 El cine ha explorado (y explotado) la figura materna en sus múltiples variantes: desde las madres realmente terroríficas de Rosemary’s Baby (1968, Roman Polanski), hasta las madres obsesivas de La fuerza del cariño (1983, James L. Brooks), pero también las más cariñosas y dispuestas, incluso, a dar sus vidas por sus hijos.

Este Día de las Madres lo celebramos con estas 5 películas de madres capaces de convertirse en heroínas. Por supuesto, Psicosis (1960, Alfred Hitchcock) no cuenta y no puedo revelar nada con respecto al caso.

1. Terminator 2 (1991, James Cameron): Sarah Connor lo arriesga todo por su hijo John, o sea, por salvar al líder de “La Resistencia” de la humanidad del futuro. Para ello, enfrenta al más mortal Terminator que se haya conocido.

2. Volver (2006, Pedro Almodóvar): Raimunda lucha contra las adversidades de su propia vida y hasta asume un asesinato para que su hija salga adelante. En el camino, terminará reconciliándose con su propia madre. Uno de esos melodramas que solo Almodóvar sabe crear.

3. Bellísima (1952, Luchino Visconti): Maddalena está convencida de que su hija María puede convertirse en una estrellita de cine, alcance la fama y supere la pobreza. En su lucha, deberá enfrentar a Spartaco (su marido), a Alberto (un estafador) y al director de cine Alessandro.

4. No sin mi hija (1991, Brian Gilbert): Betty se deja convencer de su amoroso marido Sayyed para llevar a Mahtob, su hijita de cuatro años, a conocer su familia en Irán. Sayyed les dijo que estarían a salvo, que serían felices, que podían regresar cuando quisieran. Pero todo era mentira.

5. Leonera (2008, Pablo Trapero): Julia es la madre de Tomás. Su hijo le inspira el amor de la maternidad para sobrevivir las inhóspitas condiciones de la cárcel argentina en la que cumple condena.

Blancanieves y la Cultura de la Cancelación.

Primero fue Lo que el viento se llevó. Luego cancelaron a Pepe Le Pew. Disney + incluyó advertencias al inicio de sus clásicos El libro de la selva, Dumbo y Los Aristogatos. Ahora resulta que los animados de nuestra infancia contienen ideas machistas, tóxicas y distorsionadoras y deben ser cancelados. Le llegó el turno a: Blancanieves.

Era previsible: Blancanieves muerde una manzana envenenada que la Reina Malvada y solo puede ser despertada de su hechizo por un “beso de amor eterno”. Ahora ese beso está siendo cuestionado por no haber sido un beso “consensuado”.

“Blancanieves está dormida y, por lo tanto, el beso no fue consensuado”, fue la polémica divulgada de manera online por dos periodistas de SFGate que revisaron una de las atracciones más antiguas del parque que inauguró el propio Walt Disney en 1955.

“No puede ser un beso de amor verdadero si solo una persona, en este caso el príncipe, sabe lo que está pasando”, afirmaron los periodistas en una edición digital de San Francisco Chronicle.

“¿No estamos ya de acuerdo en que el tema del consenso en los primeros filmes de Disney es un aspecto problemático? ¿Y que enseñar a los niños que besar a una persona, si ambos no están de acuerdo, no está bien?”, cuestionaron.

La postura de los periodistas provocó acusaciones en contra de ellos “por haber sucumbido a una versión ‘talibán’ de lo políticamente correcto”.

La escritora Carola Martínez, especialista en literatura infantil, considera que “las continuas revisiones de los clásicos por parte del mundo adulto marcan muchas cosas interesantes. La primera es que no toman en consideración que son narraciones que datan del siglo XVII y que en ese contexto de producción no existe ninguna posibilidad que estén en concordancia con lo que piensa la sociedad cuatro siglos después”.

Completa su idea: “Segundo, que no pueden distinguir algo fundamental las narraciones forman parte de la ficción y más aún en este caso de cuentos maravillosos por lo que la necesidad de hacerlos corresponder con la realidad no tiene sentido. Las narraciones no son realidad. Nadie le robó un beso a Blancanieves, básicamente porque Blancanieves no existe”.

Y cierra: "Y por último esta necesidad de censura es tan aberrante y peligrosa como la censura que hacía la dictadura militar en Argentina o el régimen franquista en España. No podemos permitir estos avances porque primero vienen por la Blancanieves y luego van a comenzar a revisar qué 'contenido' tienen los libros para niñas y niños y decidir que escribimos quienes nos dedicamos a ellos. Por favor, dejen en paz a los cuentos de hadas".

Desde hace un tiempo que los cuentos para chicos –Blancanieves, Caperucita, Cenicienta– son releídos, criticados y reformulados con nuevas perspectivas de género y hasta de etnias.

El psicólogo austríaco Bruno Bettelheim, autor de Psicoanálisis de los cuentos de hadas, publicado en 1976, hizo un extensivo análisis de los componentes simbólicos de los cuentos infantiles y cómo influyen en ellos.

En el caso de Blancanieves, plantea varias cosas, entre ellas, que "los siete enanitos del cuento no son más que una excusa para evidenciar los grandes cambios y la evolución personal que experimenta la heroína, pues son personajes que se mantienen sin cambios en un nivel preedípico: no tienen padres, no se casan, no tienen hijos”.

En cuanto a la protagonista, afirma: “Blancanieves es blanca como la nieve (pureza, asexualidad) y roja como la sangre (sexualidad, erotismo). Cuando muerde la manzana por su parte roja envenenada significa el fin de la inocencia; la niña muere siendo encerrada en un ataúd transparente, donde permanece por gran tiempo que representa el período de maduración”.

Y agrega: “Despertar o renacer significa conseguir un estadio superior de conciencia y madurez superando las difíciles situaciones y experiencias de la transición. Aquellos que se resisten a la transición y niegan las crisis se mantendrán como los enanitos: en un estadio preedípico”. En ese estado casi vegetativo están los nuevos abanderados de la Cultura de la Cancelación.

Globos de Oro: cambios para la HFPA.

La Asociación de la Prensa Extranjera de Hollywood (HFPA, por sus siglas en inglés), que anualmente entrega los Globos de Oro, aprobó modificar de manera radical sus bases para corregir las polémicas que suscitaron sus malas prácticas y la falta de diversidad.

En una votación que solo fue rechazada por tres de sus 86 miembros, la organización se comprometió a incorporar a 20 nuevos integrantes en 2021, con “especial atención a personas de raza negra”, ya que actualmente no hay ninguna en sus filas.

Además, la HFPA dejará de ser una organización hermética que no admite a nuevos miembros desde hace años y tratará de aumentar el número de afiliados en un 50 % en los próximos 18 meses.

La asociación había recibido denuncias de prácticas monopolísticas para que sus miembros, entre los cuales hay personas que ni siquiera trabajan en medios de comunicación, se aprovecharan de viajes y otras oportunidades promocionales ofrecidas por los estudios de Hollywood.

“El voto abrumador para reformar la HFPA reafirma nuestro compromiso con el cambio. Ya hemos tomado algunas medidas que nos permitirán avanzar rápidamente. Entendemos la urgencia y la necesidad de transparencia, así que informaremos continuamente de los avances para que nuestra organización sea más inclusiva y diversa”, aseguró el presidente Ali Sar en un comunicado.

Un día antes de la gala de los Globos de Oro de este año, la agrupación Time's Up, que en otras ocasiones ha denunciado discriminación y abusos en el mundo del cine, denunció la falta de diversidad de la organización. La carta contó con el aval de pesos pesados de Hollywood como J.J. Abrams, Amy Schumer y Kerry Washington.

Además, el diario Los Ángeles Times publicó una investigación que desprestigiaba al grupo encargado de votar los premios desde 1943, cuya estructura y funcionamiento ha ido degradándose hasta convertirse en una de las instituciones más criticadas de la industria audiovisual.

Premios Platino 2021: los preseleccionados.

El Consejo de Dirección de los Premios PLATINO del Cine y el Audiovisual Iberoamericano ha anunciado las producciones preseleccionadas de los 23 países, en cada una de las categorías que participarán en su octava edición, que tendrá lugar el primer fin de semana de octubre de manera presencial en una sede que será anunciada próximamente.

Por Dominicana, los filmes más sobresalientes son: Malpaso (Héctor Manuel Valdez) y Cabarete (Iván Bordas Butler) con 12 y 9 preselecciones, respectivamente. Ambos filmes cuentan con prenominaciones a la Mejor Película y al Mejor Director.

Este año la industria audiovisual iberoamericana ha demostrado su fortaleza a pesar de la pandemia global, disminuyendo tan solo un 24% en el número de producciones participantes a los Premios Platino. Así, la cifra ha oscilado las setecientas obras presentadas, con las que la industria muestra el apogeo de las filmografías iberoamericanas.

Del total de 677 producciones estrenadas en 2020 en la primera lista de la VIII Edición de los Premios PLATINO, un total de 165 han sido preseleccionadas para estar entre las 20 candidatas a nominaciones por categoría, que se harán públicas a finales del mes de mayo. Será a finales de junio cuando se den a conocer las cuatro finalistas de cada apartado, que optarán a las estatuillas que se entregarán después de verano en una gala cuya sede se anunciará próximamente.

Así, los Premios PLATINO volverán a reconocer lo mejor de la industria audiovisual iberoamericana, que ha demostrado, un año más, la competitividad del sector de habla hispana. Y es que, de los 21 países que tienen precandidaturas para los galardones en el apartado cinematográfico, la diferencia en la cantidad de películas seleccionadas es mínima: México lidera la lista con un 8% de las preselecciones, seguida de cerca por Argentina, Brasil, Chile, España y Portugal, todas ellas con un 7%.

Los Premios PLATINO del Cine Iberoamericano, promovidos por EGEDA (Entidad de Gestión de Derechos de los Productores Audiovisuales), con FIPCA (Federación Iberoamericana de Productores Cinematográficos y Audiovisuales) y con el apoyo de las Academias e Institutos de Cine Iberoamericanos, aúnan los grandes talentos de las industrias de los 23 países iberoamericanos, ensalzando a las producciones y a los creadores más destacados de cada año con veintidós galardones y un Premio PLATINO de Honor.

Tribeca 2021: 35 nuevas películas.

El Festival de Cine de Tribeca anunció un nuevo portal de internet, “Tribeca At Home”, en el que incluirá 35 nuevas cintas, que se suman a la programación de 66 películas que ya anunció el pasado mes de abril.

De las 35 novedades de la muestra, que se celebrará desde el próximo 9 al 20 de junio, 24 de ellas son largometrajes y 11 son cortos, pero sólo estarán disponibles online para el público estadounidense.

“‘Tribeca At Home’ nos permite llevar el corazón de nuestro festival a todavía más comunidades de nuestro país”, dijo la cofundadora de la muestra Jane Rosenthal, que en 2001 se unió al actor Robert De Niro para organizar esta muestra con el objetivo de reactivar las actividades culturales de Manhattan tras los eventos del 11 de septiembre.

“Aunque estamos emocionados de poder reunirnos en persona este año con nuestras proyecciones en vivo por todo Nueva York, los asistentes del festival y el público que está en casa podrá tener acceso a una oferta más diversa que nunca”, agregó.

Entre las cintas destacan Mission Joy, un documental que muestra la amistad que une al Dalai Lama y al arzobispo sudafricano Desmond Tutu, o They’re Killing Us, producida por la joven cantante Billie Eilish, que explora el desproporcionado impacto de enfermedades crónicas en las comunidades afroamericanas de EE.UU.

Asimismo, el festival ha incluido el documental chileno Primera, que narra la historia ocurrida en Chile desde octubre de 2019, cuando diez millones de chilenos salieron a las calles exigiendo una nueva constitución, y se centra en dos padres de familia que destacaron en ese movimiento y paulatinamente se han convertido en importantes activistas.

“Realicé esta película para honrar el legado y la historia de los personajes principales. En la escuela secundaria no aprendí nada sobre la cultura latina. Nada. Nos hicieron invisibles en este país y quería asegurarme de que estemos en los libros de historia para las próximas generaciones”, explicó en un comunicado el director de la película, Vee Bravo.

Tribeca también ha contado en su nueva programación con El Perfecto David, una cinta de Argentina y Uruguay dirigida por Felipe Gómez Aparicio que celebra su estreno mundial online en el certamen y que analiza la tóxica dinámica entre un adolescente que está entrenando compulsivamente para convertirse en un culturista y su controladora madre, una conocida artista.

Olympia Dukakis (1931-2021)

La actriz estadounidense Olympia Dukakis murió a los 89 años en Nueva York. Su hermano anunció la noticia en un breve comunicado en Facebook. La artista, que brilló tanto en el cine como en la TV, protagonizó grandes éxitos como Flores de acero y Hechizo de luna, por la que se llevó un Oscar en 1988.
“Mi querida hermana ha muerto esta mañana. Después de pasar muchos meses con la salud debilitada, descansa en paz con su (esposo) Louis (Zorich)”, escribió Apollo Dukakis en las redes.
Dukakis fue una mujer de una amplia trayectoria. En los años sesenta, dio sus primeros pasos en el teatro y sus participaciones le valieron un premio Obie, un Drama Desk y un premio del Círculo de Críticos dramáticos de Los Ángeles.
A partir de 1964, incursionó en el cine y trabajó en películas como Secretaria ejecutiva, Flores de acero, Mira quién habla y Hechizo de luna, su último filme, en la que interpretaba a la madre de Cher. Con esa cinta ganó más popularidad y hasta un Oscar por su trabajo como actriz de reparto.
También tuvo recorrido en televisión, donde aparece en uno de los episodios de la serie Frasier y en la miniserie Cuentos de ciudad, interpretación que le valió una nominación a los Emmy. En España, participó en la miniserie televisiva Juana de Arco, interpretando al personaje de María Romero.
Desde la compañía de teatro American Conservatory Theater lamentaron la noticia y la despidieron con un emotivo tuit: “Lamentamos mucho escuchar sobre la muerte de Olympia Dukakis. Ella era una leyenda, actriz de actores. Tuvimos la suerte de tenerla en el escenario de Geary, así como en nuestras aulas. Nuestro amor está con su familia”. En esa institución, Dukakis había sido profesora y actriz de teatro.
Nacida en Lowell, Massachussetts, el 20 de junio de 1931, Olympia era hija de emigrantes del sur de Grecia y tras graduarse de la Universidad de Boston comenzó su carrera como actriz en Nueva York, donde debutó en la obra The Aspern Papers en 1962. Ese mismo año se casó con el actor Louis Zorich, conocido por su participación en el popular programa televisivo Mad About You, con quien tuvo tres hijos. Ambos fundaron el Teatro Charles Playhouse de Boston y el Whole Theater en Montclair (Nueva Jersey), en los años 70.