“Boca Chica”: paraíso e infierno terrenal.

Boca Chica es el nombre de una de las playas más populares de Dominicana. También es el nombre de la comunidad que se ha formado y crecido en el entorno de la paradisíaca playa. Una comunidad que se sostiene del turismo, local e internacional, y que se ha especializado en brindar todo aquello que proporciona placer a los visitantes. Para ellos, los mejores frutos del mar (pescados y camarones, afrodisíacos por excelencia) y los mejores frutos de la tierra: niñas y niños que se ofertan con descuento.

Boca Chica es la ópera prima de Gabriella Moses, con guion de Mariana Rondón y Marité Ugas, protagonizada por Lía Chapman, Jean Cruz, Xiomara Rodríguez, y una deslumbrante Scarlet Camilo, que tuvo su debut mundial en el prestigioso Festival Tribeca, donde consiguió el Premio Nora Ephron. En la edición más reciente del Festival Fine Arts “Hecho en RD”, consiguió los premios a Mejor película, Mejor guion y Mejor actriz de reparto (para Chapman).

El filme es una profunda radiografía al universo que se crea alrededor de la playa y todas las fuerzas sociales que convergen en este paraíso de sexo y alcohol las 24 horas de todos los días del año, ante la mirada cómplice e indiferente de las autoridades.

Aquí señalo uno de los primeros aciertos del filme: el punto de vista desde el que vemos todo es de Desi, una inteligente niña de 12 años, que ha crecido con la creencia de ser parte de una familia de músicos y que desea ser cantante de denbow. Al ser la mirada aún tierna de una niña, casi entrenada para ejercer el más viejo oficio del mundo, el filme evita todo tipo de excesos gráficos e incorpora subtextos que no están a la vista, pero sentimos presentes todo el tiempo.

Boca Chica, la comunidad en torno a la playa, emerge como epicentro del bien y del mal: es un paraíso para los excesos de unos y un infierno para quienes están condenadas a servir sus propias esperanzas con la ensalada. Todos nos obsesionamos por los dólares y en ese afán, se difuminan las fronteras morales, lo que está bien y lo que está mal: la única regla válida es la orden de quien todo lo compra con sus papeletas.

Boca Chica habla del rol sumiso que juegan las mujeres en esta cadena de explotación y su propia inconciencia cuando abonan con sus hijas este monstruo que las devora y las deja a la vera del camino, cuando las carnes pierden su firmeza y su encanto, convirtiéndolas en el triste telón de fondo de una tragedia caribeña que perdura por siglos.

Pero también Boca Chica es la mirada de porvenir con la que Desi mira al mundo, con su esperanza puesta en la música como pasaporte para romper con el mundo de pobreza que la asfixia, con la complicidad de su hermano Fran (Sinatra Vásquez), un talentoso acordeonista que sobrevive como delivery de pizzas en New York y que ha regresado con la excusa participar de una boda, pero en realidad busca su propia redención, su lugar en el futuro que puede construir.

Como motivo del filme tenemos una boda, entre uno de los hijos de la familia Vásquez y una americana mucho mayor, que parece hacer un casting para las amigas de Texas que comparten su condición. Precisamente, la reunión familiar por motivo de la boda se convierte en el detonante perfecto para que todo se defina y cada quien reclame el papel que ha interpretado en la farsa.

Boca Chica juega con las infinitas posibilidades de sus protagonistas. Desi sortea todo tipo de acosos, desde el bullying básico de los niños de la comunidad que se creen mejores raperos, hasta el de cualquier turista perverso que se cree con derecho de tocar. Desi viste de prostituta, pero no se rinde. En ella, late la certeza de que puede salir de ese círculo de miserias y escapar a la incertidumbre de un futuro que tiene que ser mejor. Detrás, deja a muchas niñas que perpetuarán la maldita tradición, detrás deja una dolorosa realidad de la que todos somos cómplices, por comisión u omisión, mientras empeñamos el futuro de un paraíso que merece mejor suerte.

 

Boca Chica (2024). Dirección: Gabriella Moses; Guion: Mariana Rondón y Marité Ugas; Fotografía: Micaela Cajahuaringa; Edición: Cecilia Delgado; Música: Cresencio García; Elenco: Scarlet Camilo, Lía Chapman, Jean Cruz, Xiomara Rodríguez, Sterlyn Ramírez.

Margot Benacerraf (1927-2024)

La cineasta venezolana Margot Benacerraf, de 97 años, falleció. Tras de sí deja una trayectoria que marcó un hito en el cine venezolano con su película Araya, que la encumbró al reconocimiento internacional por recibir un Premio del Festival de Cine de Cannes en 1959.

Tras graduarse en Filosofía en la Universidad Central de Venezuela, Benacerraf obtuvo una beca en 1949 en el Departamento de Drama de la Universidad de Columbia en Nueva York. En esa época descubrió e inicio su pasión por la cinematografía, en la que dejó huellas de diverso calibre.

De Estados Unidos saltó a París donde estudió en el Instituto de Altos Estudios Cinematográficos.

Su película Araya, sobre las salinas en la localidad del mismo nombre en el estado Sucre, le valió el Premio Cannes de la Comisión Superior Técnica. Se considera a esta cinta uno de sus más grandes logros por la narrativa sobre la vida de los salineros de esa localidad oriental. Es considerada uno de los filmes más importantes de Latinoamérica.

Otra de sus grandes cintas fue Reverón, que cuenta la vida del artista plástico venezolano. Fue un documental sobre el pintor que en 1952, antes que Araya, fue aclamada en diversos festivales de cine internacionales, entre ellos el de Berlín y el de Edimburgo.

Fue una de las fundadores de la Cinemateca Nacional en 1966. Creó en 1991 Fundavisual Latina para impulsar las producciones latinoamericanas.

Gobiernos del mundo, tanto en América Latina como Europa y Estados Unidos, reconocieron su trayectoria con diversas órdenes y distinciones.

Uno de los últimos se lo entregaron en 2019 cuando el Fondo Venezolano Americano para las Artes le entregó el Premio Páez por su larga carrera.

Adopresci anuncia 5ta. edición del “Premio de la Crítica”.

La Asociación Dominicana de Prensa y Crítica Cinematográfica (Adopresci) anunció su lista anual de las películas nominadas dentro de la celebración de sus 5 años de la edición del Premio de la Crítica Cinematográfica a celebrarse el 18 de julio de 2024 en el Centro Cultural Banreservas.

En esta quinta edición, bajo los auspicios del Banreservas, Dirección General de Cine, EGEDA Dominicana y la empresa Logomarca, el premio se consolida otorgando a la asociación un espacio importante dentro de la industria cinematográfica local por los aportes que está realizando tanto con la premiación a lo mejor del cine dominicano de cada año, como por las actividades de cinefórum que realiza en conjunto con la Dirección General de Cine, Cinemateca Dominicana y el Centro Cultural Banreservas.

Para la selección de nominados de esta edición los miembros de Adopresci tomaron en cuenta todas las producciones cinematográficas dominicanas estrenadas a lo largo del año 2023 tanto en ficción como documental.

De esas producciones fílmicas las producciones Cuarencena de David Maler, La hembrita de Laura Amelia Guzmán, Croma Kid de Pablo Chea, Convivencia de José Gómez de Vargas y El vendedor de arte de Marcel Fondeur, son las nominadas para la categoría de Mejor Película de Ficción.

Y entre las producciones fílmicas de documental las nominadas son: Tumba y Quema de José María Cabral, No me conoces de Nashla Bogaert, Ramona de Victoria Linares Villegas, Renacer de Tito Rodríguez y Yaque de Oliver Olivo.

En la categoría de Mejor Actor están nominados los intérpretes Luis José Germán (Cuarencena), Pepe Sierra (El Método), Gerardo Mercedes (Convivencia), Ramón Emilio Candelario (Danny 45) y Francis Cruz (El vendedor de arte).

En la categoría de Mejor Actriz se encuentran Cecilia García (La hembrita), Soraya Pina (Cuarencena), Georgina Duluc (El Método), Pachy Méndez (Convivencia) y Fidia Peralta (La balada de los cuervos).

Para Mejor Guion los nominados son los guionistas David Maler (Cuarencena), Laura Amelia Guzmán (La Hembrita), Victoria Linares Villegas, Diego Cepeda, Maia Otero, Julia Scrive-Loyer (Ramona), José Gómez de Vargas (Convivencia) y Marcel Fondeur (El vendedor de arte).

Para Mejor Dirección los nominados en esta categoría son: David Maler (Cuarencena y El método), Laura Amelia Guzmán (La hembrita”), Pablo Chea (Croma Kid) y José Gómez de Vargas (Convivencia).

También en esta edición están nominados por la categoría de Diseño de Producción las películas “Cuarencena” (Shaina Cohen), “La hembrita” (Mónica de Moya y Wilhem Pérez), “Croma Kid” (Mónica de Moya), “Convivencia” (Mónica de Moya) y “El método” (Shaina Cohen).

En cuanto a Mejor Edición se encuentran Israel Cárdenas y Pablo Chea (Cuarencena), Israel Cárdenas (La hembrita), Israel Cárdenas, Pablo Chea y Fernando Henríquez (Croma Kid), José Gómez De Vargas (Convivencia) y Nacho Ruiz Capillas (El método).

En Mejor Sonido están nominados Denis Godoy y Homer Mora (Cuarencena, La hembrita y Croma Kid), Edmanuel Leonor (Convivencia) y Denis Godoy (El Método).

Para Mejor Musicalización los seleccionados son: John Benítez Quartet (Cuanrencena), Grégorie Blanc (La hembrita y Croma Kid), José Torres y Luis Payan (Convivencia) y Sergio Jiménez Lacima (El Método).

También en esta edición se premiará aquella película con Mejor Elenco y las nominadas en esta categoría son: “Cuarencena”, “Danny 45”, “El vendedor de arte, “Convivencia” y “El método”.

Para esta quinta edición Adopresci otorgará su Reconocimiento Especial Personaje de la Industria Cinematográfica, de manera póstuma, para el maestro de la actuación y dirección Pericles Mejía, por su legado de conocimiento y experiencia para varias generaciones de actores y actrices.

Adopresci es una organización de gestión colectiva fundada el 9 de febrero del 2019 por iniciativa de Alfonso Quiñones, con el objetivo de congregar a periodistas y críticos de cine a fin de educar y orientar al público y respaldar la industria del cine desde la óptica de quienes analizan las películas.

Desde la celebración de su primera edición efectuada el 5 de febrero de 2020 en el Hodelpa Casa Real de la Ciudad Colonial, dentro del marco de la celebración de la Quincena de Cine, evento de promoción del arte y la cultura dominicana a través del séptimo arte, auspiciado por la Dirección General de Cine, la asociación ha mantenido un trabajo sistemático en el análisis que realiza cada año a todas las producciones fílmicas que son estrenadas, de manera comercial, en las salas de cine del país.

La selección de los nominados, según sus estatutos, se realiza tomando en cuenta las producciones fílmicas dominicanas tanto de ficción como documental que son exhibidas y distribuidas de manera comercial a través de una sala de cine establecida en el territorio nacional, y que haya tenido un contrato de distribución con alguna empresa local destinada para estos fines con un mínimo de una semana de exhibición pública.

Recientemente fue convocada una asamblea para la renovación de su directiva, siendo confirmado los cargos de Dahiana Acosta como su presidente, Félix Manuel Lora, vicepresidente; José Aquino como Tesorero; Ysidro Eduardo García secretario ejecutivo e Inés de los Santos, Vocal.

Albert S. Ruddy (1930-2024)

Albert S. Ruddy, un colorido productor y guionista nacido en Canadá que ganó el Oscar por El Padrino y Million Dollar Baby, murió a los 94 años. Ruddy murió en el Centro Médico de UCLA, según un portavoz, quien agregó que entre sus últimas palabras estaban: “El juego ha terminado, pero ganamos el juego”.

Alto y musculoso, con una voz ronca y la arrogancia de un chico de ciudad, Ruddy produjo más de 30 películas y estuvo presente en lo más alto y en lo más bajo, desde El Padrino y Million Dollar Baby hasta Cannonball Run II y Megaforce, nominadas a los premios Golden Raspberry a la peor película del año.

Nada se ve mejor en tu currículum que El Padrino, pero producirla puso en peligro el trabajo, la reputación y la vida misma de Ruddy. Frank Sinatra y otros italoamericanos se enfurecieron por el proyecto, que temían que endureciera los estereotipos de los italianos como criminales, y los mafiosos de la vida real le hicieron saber a Ruddy que estaba siendo observado. Una noche escuchó disparos afuera de su casa y el sonido de las ventanas de su auto siendo disparadas. En su tablero había una advertencia de que debía cerrar la producción, de inmediato.

Ruddy se salvó a sí mismo, y a la película, a través de la diplomacia; se reunió con el jefe del crimen Joseph Colombo y un par de secuaces para discutir el guion.

“Joe se sienta frente a mí, un tipo está en el sofá y otro está sentado en la ventana”, dijo Ruddy a Vanity Fair en 2009. “Se pone sus pequeñas gafas de Ben Franklin, lo mira (el guion) durante unos dos minutos. ¿Qué significa esto de ‘fundido de entrada?’, preguntó”.

Ruddy accedió a eliminar una sola mención gratuita de la palabra “mafia” y a hacer una donación a la Liga Italoamericana de Derechos Civiles. Colombo estaba tan complacido que instó a Ruddy a aparecer con él en una conferencia de prensa anunciando su aprobación de la película, una reunión que llevó a que Ruddy fuera fotografiado junto a miembros del crimen organizado.

La empresa matriz Gulf & Paramount despidió a Ruddy, solo para que el director Francis Coppola se opusiera y lo volviera a contratar. Al final, los mafiosos fueron elegidos como extras y consultados abiertamente con los miembros del elenco. El propio Ruddy hizo un cameo como guardia de un estudio de Hollywood.

“Era como una familia feliz”, dijo Ruddy a Vanity Fair. “A todos estos tipos les encantaban los personajes del hampa, y obviamente a los del hampa les encantaba Hollywood”.

Con un elenco que incluye a Marlon Brando, Al Pacino y Robert Duvall, El Padrino fue una sensación crítica y comercial y sigue siendo una de las películas más queridas y citadas de la historia.

Nacido en Montreal en 1930, Albert Stotland Ruddy se mudó a los Estados Unidos cuando era niño y se crio en Nueva York. Después de graduarse de la Universidad del Sur de California, trabajaba como arquitecto cuando conoció al actor de televisión Bernard Fein, a principios de la década de 1960. Ruddy se había cansado de su carrera, y él y Fein decidieron desarrollar una serie de televisión, a pesar de que ninguno de los dos había escrito nada.

Recomendaciones de un Nobel a los guionistas.

(Gabriel García Márquez conoció el oficio de narrar como pocos. Lo que sigue es un extracto del libro “Cómo se cuenta un cuento”, que registra las sesiones del taller de guiones impartido por el colombiano en la Escuela Internacional de Cine y TV.) 

La realidad me jugó una mala pasada cuando estaba escribiendo El otoño del patriarca. Había imaginado un atentado que no se parecía a los habituales: aquí le ponían al dictador una carga de dinamita en el baúl del carro. Pero resulta que la esposa del dictador toma el carro para ir de compras y en el camino el carro estalla y va a parar al techo del mercado. Me quedé tranquilo con esa imagen del carro volando por los aires porque francamente, me pareció muy original. Y a los tres o cuatro meses en Madrid le hacen a Carrero Blanco un atentado exactamente igual.

Me dio rabia. Todo el mundo sabía que yo estaba escribiendo la novela en Barcelona por esa misma época; nadie iba a creer que aquello se me había ocurrido a mí mucho antes. Así que tuve que inventar un atentado totalmente distinto: llevan al mercado unos perros carniceros, especialmente entrenados, y cuando llega la mujer del dictador los perros se abalanzan sobre ella y la despedazan. Después me alegró que se me jodiera el atentado del carro. Todavía me sigue alegrando. El de los perros es más original y está más dentro del espíritu de la novela.

Aunque uno no debería preocuparse demasiado por eso; si una escena no funciona o se cae, ¿qué le vamos a hacer?, hay que buscar otra. Lo curioso es que casi siempre se encuentra una mejor. Si uno se hubiera dado por satisfecho con la primera, habría salido perdiendo. El problema más serio se presenta cuando uno encuentra de entrada la mejor. Entonces sí que no hay nada qué hacer. Pero ¿cómo saberlo? Es como saber cuándo está lista la sopa. Nadie puede saberlo si no la prueba.

Pero volviendo a las semejanzas, no debemos dejar que nos asusten, siempre que no se relacionen con aspectos esenciales de la historia. Porque lo cierto es que hay historias muy distintas que, sin embargo, tienen muchas cosas en común. Hay que aprender a desechar. Un buen escritor no se conoce tanto por lo que publica como por lo que echa al cesto de la basura. Los demás no lo saben, pero uno sí sabe lo que echa a la basura, lo que va desechando y lo que va aprovechando. Si desecha es que va por buen camino. Para escribir uno tiene que estar convencido de que es mejor que Cervantes; si no, uno acaba siendo peor de lo que en realidad es. Hay que apuntar alto y tratar de llegar lejos. Y hay que tener criterio y, por supuesto, valor para tachar lo que haya que tachar y para oír opiniones y reflexionar seriamente sobre ellas. Un paso más y ya estamos en condiciones de poner en duda y someter a prueba incluso aquellas cosas que nos parecen buenas.

Es más, aunque a todo el mundo le parezcan buenas, uno debe ser capaz de ponerlo en duda. No es fácil. La primera reacción que uno tiene, cuando empieza a sospechar que debe romper algo, es defensiva: "¿Cómo voy a romper esto, si es lo que más me gusta?" Pero uno analiza y se da cuenta de que, efectivamente, no funciona dentro de la historia, está desajustando la estructura, contradice el carácter del personaje, va por otro camino... Hay que romperlo y nos duele en el alma... el primer día. Al día siguiente, duele menos; a los dos días, un poco menos; a los tres, menos aún; y a los cuatro ya uno ni se acuerda.

Pero mucho cuidado con andar guardando en lugar de romper, porque existe el peligro, si el material desechado está a mano, de que uno vuelva a sacado para ver si "cabe" en otro momento. Lo difícil es enfrentarse solo a esa disyuntiva, porque el guionista está solo y él solito tiene que escoger. El trabajo del guionista no sólo exige ese nivel de perspicacia. Exige también una gran humildad. Uno sabe, como guionista, que está en una posición subalterna con respecto al director. Uno es el amanuense del director o, por lo menos alguien que lo está ayudando a pensar. La historia es de uno sí, pero uno sabe que, al fin y al cabo, cuando pase a la pantalla, será del director.

Yo nunca he visto en pantalla un solo fotograma que pueda llamar mío. No sé cuántos guiones llevo hechos, unos buenos, otros malos, y al final lo que veo en pantalla nunca es lo que yo tenía en la cabeza. Siempre imaginaba los encuadres totalmente distintos. A veces me esmeraba indicándole al director, por medio de un dibujo, la forma en que yo veía el encuadre o la puesta en escena. “Mira —le decía— la cámara está aquí; este personaje está en primer plano y este otro de espaldas; si la cámara se mueve hacia aquí, este otro personaje aparece al fondo...” Iba a ver la película y, en efecto, los encuadres eran totalmente distintos; el director había hecho la escena a su manera. Si uno quiere ser guionista y seguir siendo guionista, tiene que aceptar eso.

Casi todos los guionistas sueñan con ser directores y a mí me parece bien, porque todo director debería ser capaz de escribir un guion. Lo ideal sería que la versión final de un guion la escribieran juntos el director y el guionista.

Y ya que estamos hablando del dúo, hablemos también del trío. Me refiero al productor. He insistido en que la Escuela trate de incluir en sus planes un curso de Producción Creativa. Suele creerse que el productor es el tipo que está ahí para evitar que el director se gaste la plata antes de tiempo. Craso error. Muchas veces uno se da cuenta de que determinada película es mala porque falló el trabajo de producción.

Hace poco supe de un productor que estaba feliz porque había obligado al director a someterse a un presupuesto rígido..., y cuando vi la película me di cuenta de lo que había logrado con eso. Empezando por los actores. En lugar de dos actores de primera, A y B, que hubieran sido los idóneos, el director había tenido que utilizar a C y D, dos actores más baratos..., en todos los sentidos. El resultado estaba a la vista. La falta de plata se notaba por dondequiera y, de hecho, acabó con la película. Lo barato salió caro, como siempre sucede.

El productor debe saber que él no es simplemente un empresario, un financista; su trabajo requiere imaginación e iniciativa, una dosis de creatividad sin la cual la película se resiente. Si uno se empeña en escribir un guion, no debe desanimarse por los obstáculos. Al destino del guionista hay que oponer el honor del guionista. Hay que tratar de escribir guiones óptimos, aunque después los directores hagan barbaridades con ellos. Y repito: para hacer un buen guion no queda más remedio que tachar y tirar muchos papeles al cesto de la basura. Eso es lo que se llama tener sentido autocrítico, el shit-detector de que habla Hemingway.

El director con quien mejor trabajo es Ruy Guerra, porque no se siente cohibido conmigo; me dice francamente lo que tiene que decirme, y listo. Y viceversa. Yo le tengo un gran respeto como director y creador, pero eso no me impide hablarle francamente. Lo que no sirve, no sirve, y hay que tirarlo, venga de donde venga. El asunto es evitar que llegue a la pantalla.

Hay historias que, aunque no parezcan muy originales, lo son: no recuerdo haber leído antes esa historia, ni haberla visto nunca. Uno se imagina lo que va a pasar, pero no importa porque está bien contada. Está contada en el tono que requiere la historia, otra cosa en la que uno se equivoca mucho: tenemos la historia y creemos que ya todo está resuelto, pero de pronto empezamos a escribir y equivocamos el tono, o el estilo. Puede darse el caso de que lleguemos a un callejón sin salida. Por suerte, todos llevamos dentro una especie de pequeño argentino que nos va diciendo lo que tenemos que hacer. 

Y digo por suerte porque hay muchos métodos para escribir guiones, pero la verdad es que ninguno sirve: cada historia trae consigo su propia técnica. Para el guionista lo importante es poder descubrirla.

Cannes 2024: los ganadores.

En los últimos doce meses, el Festival de Cannes 2023 ha sido el acontecimiento más comentado en las redes sociales, junto con el Oscar, tras una edición 2023 de gran éxito, con un público multitudinario, incluidos 200,000 espectadores y 14,000 profesionales acreditados en el mercado cinematográfico.

Además, sus películas premiadas, incluida la ganadora del Gran Premio (Zona de interés) y su Palma de Oro (Anatomía de una caída), fueron premiadas con el Oscar, además de ser grandes éxitos de taquilla.

La edición 2024 reviste especial significación para la República Dominicana por la escogencia de Zoé Saldaña en la categoría de Mejor Actriz, junto al elenco del filme Emilia Pérez.

El 25 de mayo de 2024, Cannes ha premiado a las mejores películas y sigue siendo el mejor festival del mundo. Esta es la lista de ganadoras:

-Palma de Oro: Anora de Sean Baker

-Gran Premio del Jurado: All We Imagine As Light de Payal Kapadia

-Premio al director: Miguel Gomes por Grand Tour

-Mejor actor: Jesse Plemons por Kinds of Kindness

-Mejor Actriz: Premio del elenco (Karla Sofía Gascón, Selena Gomez, Zoe Saldana y Ariadna Paz) para Emilia Pérez

-Mejor Guion: Coralie Fargeat por The Substance

-Premio Especial del Jurado: Las semillas de la higuera sagrada de Mohammad Rasoulof

-Premio del Jurado: Emilia Pérez de Jacques Audiard

-Cámara de Oro: Armand de Halfdan Ullmann Tøndel

-Mención especial de la Cámara de Oro: Mongrel de Wei Liang y You Qiao Yin

-Palma de Oro a cortometraje: The Man Who Could Not Remain Silent de Nebojša Slijepčević

-Mención especial a cortometraje: Bad For A Moment de Daniel Soares

-Palma de Oro de Honor: George Lucas

-Palma de Oro de Honor: Meryl Streep.

Morgan Spurlock (1970-2024).

El director de documentales Morgan Spurlock, nominado al Oscar por su popular documental Super Size Me, ha fallecido a los 53 años a causa de complicaciones derivadas de un cáncer.

Fue su hermana, Craig Spurlock, que trabajó con él en varios proyectos, la que ha confirmado el fallecimiento del cineasta en Nueva York.

“Morgan dio tanto a través de su arte, ideas y generosidad. El mundo ha perdido a un verdadero genio creativo y a un hombre especial. Estoy muy orgullosa de haber trabajado con él”, reza el comunicado.

Spurlock saltó a la fama en 2004 a partir de su documental Super Size Me, en el que él mismo realizó un experimento y comió sola en McDonald’s durante un mes para averiguar qué ocurría con su cuerpo y mente. Una de las reglas del reto era que no podía rechazar la opción de agrandar el menú (“súper size”) si se la ofrecían al adquirir la comida. Además, llevó un estilo de vida medianamente sedentario para imitar al promedio de ejercicio de los estadounidenses. Al terminar, Spurlock aumentó más de 11 kilos y sufrió depresión y disfunción hepática.

La película generó un debate en la opinión pública sobre la cultura de la comida rápida y sus efectos en el cuerpo a nivel nutricional, en un país donde la obesidad alcanza al 30% de los adultos, según el Instituto Nacional de Salud de Estados Unidos. El documental además facturó unos 22 millones de dólares y en la actualidad es exhibido en varias escuelas como material educativo.

En 2019 filmó Super Size Me 2: Holy Chicken!, donde retrató las granjas avícolas en Estados Unidos, una industria que procesa 9.000 millones de animales al año.

Mohammad Rasoulof escapa de Irán y llega a Cannes.

El cineasta iraní Mohammad Rasoulof, que huyó de su país tras ser condenado a cinco años de cárcel y a recibir latigazos, presentará en persona en Cannes su película The Seed of the Sacred Fig, informaron los organizadores.

La película concursa por la Palma de Oro y su proyección está prevista el viernes, en la víspera de la entrega de premios.

“El Festival de Cannes se complace en confirmar que Mohammad Rasoulof estará presente para presentar su última película”, explicó un comunicado del delegado general del certamen, Thierry Frémaux.

“Estamos especialmente conmovidos de darle la bienvenida aquí”, añadió el texto.

“Regresará por primera vez desde 2017, cuando ganó el premio Una Cierta Mirada por su película Un hombre íntegro”, recordó.

“Queremos así reafirmar el apoyo del Festival de Cannes a todos los artistas que, en el mundo, sufren violencia y represalias en la expresión de su arte. El Festival sigue y seguirá siendo siempre su refugio”, concluyó.

Rasoulof anunció la semana pasada que había salido del país de forma clandestina, a pie, un viaje que calificó de “agotador” y “peligroso”.

El cineasta es autor de una cinematografía independiente y rodada de forma artesanal, siempre a espaldas de la vigilancia del régimen de los ayatolás.

El director pudo salir pero en Irán se quedaron colaboradores que habían contribuido a hacer posible The Seed of the Sacred Fig.

Rasoulof tenía prohibido abandonar Irán desde 2017. Ese año se le fue retirado el pasaporte.

Entre julio de 2022 y febrero de 2023 estuvo encarcelado, y salió de prisión, solo gracias a una amnistía general acordada a miles de personas tras las grandes manifestaciones prodemocracia que sacudieron el país.

Poco después de su puesta en libertad se le comunicó que iba a ser juzgado de nuevo a causa de su película La vida de los demás, que ganó el Oso de Oro en Berlín.

Esa película es un alegato contra la pena de muerte, ampliamente aplicada por el régimen iraní.

Tomó la decisión de escapar hace un mes, reveló Rasoulof, que está en un lugar secreto de Europa.

“La libertad de expresión debe ser defendida con voz fuerte y clara”, había pedido Rasoulof en su comunicado hace una semana.

El rodaje de The Seed of the Sacred Fig se hizo en secreto, preservando en lo posible la identidad de los actores. Algunos pudieron salir del país una vez terminado el filme, otros están bajo presión de los servicios de inteligencia.

Rasoulof ha presentado tres películas en Cannes, Goodbye en 2011, Manuscripts Don't Burn en 2013 y Un hombre íntegro (2017).

The Seed of the Sacred Fig cuenta la historia de un juez iraní que cae en la paranoia y empieza a sospechar de su propia esposa e hijas durante las protestas prodemocracia, según el resumen de la película distribuido por el certamen.

“Furiosa: la saga Mad Max”, desde el 23 de mayo en cines.

Los actores Anya Taylor-Joy y Chris Hemsworth protagonizan llegan a las pantallas dominicanas con Furiosa: la saga Mad Max, la esperada vuelta al cine del icónico mundo creado por George Miller, hace más de 40 años con las revolucionarias películas Mad Max.

En esta nueva entrega, Miller vuelve a dar un giro a la historia con una aventura de acción original e independiente que revelará los orígenes del poderoso personaje de Mad Max: Fury Road, ganadora de múltiples premios Oscar. La nueva película de Warner Bros. Pictures está producida por Miller y Doug Mitchell, bajo su sello australiano Kennedy Miller Mitchell.

La historia de acción plantea que, cuando el mundo se derrumba, la joven Furiosa es arrebatada del Lugar Verde de Muchas Madres y cae en manos de una gran horda de motociclistas liderada por el señor de la guerra Dementus. Atravesando el Yermo, se encuentran con la Ciudadela presidida por Inmortan Joe. Mientras los dos tiranos luchan por el dominio, Furiosa debe sobrevivir a muchas pruebas para encontrar el camino a casa.

Taylor-Joy interpreta el papel principal y, junto con Hemsworth, la película también cuenta con Tom Burke y Alyla Browne. Miller escribió el guion junto a Nico Lathouris, coguionista de también de Mad Max: Fury Road (2015).

El equipo creativo de Miller incluye al primer asistente de dirección PJ Voeten, al diseñador de acción Guy Norris, al director de fotografía Simon Duggan, al compositor Tom Holkenborg, al editor de sonido supervisor Robert Mackenzie, al editor Eliot Knapman, al supervisor de efectos visuales Andrew Jackson y al supervisor de color Eric Whipp.

También cuenta con el diseñador de producción Colin Gibson, la editora Margaret Sixel, el diseñador de sonido de producción Ben Osmo, la diseñadora de vestuario Jenny Beavan y la diseñadora de peluquería y maquillaje Lesley Vanderwalt, cada uno de los cuales ganó un Oscar por su trabajo en Mad Max: Fury Road.

Furiosa: la saga Mad Max, distribuida mundialmente por Warner Bros, estará disponible en el país este jueves 23 de mayo en todas las salas de Caribbean Cinemas.

Meryl Streep recibe su Palma de Oro de Honor.

Una clamorosa ovación en pie ha recibido la actriz Meryl Streep al recoger la Palma de oro de Honor en el Festival de Cannes, en una emocionante ceremonia de apertura que ha arrancado por igual lágrimas y aplausos.

“Este premio es único en el mundo del cine y estoy muy honrada de recibirlo”, ha expresado la laureada actriz estadounidense, de 64 años, desde el escenario del Gran Teatro Lumière y junto a la intérprete francesa Juliette Binoche, que ha sido la encargada de hacerle entrega del galardón.

Streep, que ha ganado tres veces el Oscar y tiene una cifra récord de 21 nominaciones, ya había sido premiada por el prestigioso festival de la Costa Azul francesa 35 años atrás, cuando se coronó como mejor actriz por Un grito en la oscuridad (1988).

En aquel momento, ha recordado, tenía ya tres hijos y se acercaba a los 40 años, con lo que pensaba -admitió- que su carrera se acercaba a su final. “No era una expectativa poco realista en la época, era una previsión razonable”, ha dicho.

Pero con una carrera que incluye títulos emblemáticos de la historia del cine como Memorias de África, Los puentes de Madison y La decisión de Sophie, Streep ha desafiado todos los presagios.

“Estoy muy agradecida de que no se hayan hartado de mi cara”, ha bromeado la actriz, nacida en 1949 en Basking Ridge (New Jersey, Estados Unidos), arrancando carcajadas a todo un auditorio vestido de gala.

El humor de Meryl Streep y su capacidad para, pese a su gran talento, no tomarse demasiado en serio a sí misma han sido algunos de los rasgos que ha destacado Juliette Binoche al entregarle la Palma de de Honor.

Pero sobre todo, Binoche ha resaltado la importancia de Streep para todas las mujeres del séptimo arte. “Has cambiado nuestra forma de ver a las mujeres en el mundo del cine y nos has dado una nueva imagen de nosotras mismas”, ha expresado entre lágrimas y mientras muchas otras figuras presentes en la sala, como la realizadora y actriz Greta Gerwig, también lloraban.

La actriz de Kramer contra Kramer, vestida de elegante blanco satinado, ha acogido con elegancia las alabanzas y aplausos, bajando apenas la mirada, algo sonrojada por los elogios. Lo mismo había hecho con la larga ovación inicial mientras en el Gran Teatro Lumière sonaba el Mamma mia, el tema de Abba que ya la había acompañado al cruzar la alfombra roja de la Croisette.

Streep, por su parte, se ha acordado en la gala de su agente, de su estilista durante más de medio siglo y de unas palabras que siempre le decía su madre: “Cariño, ya verás, todo pasa tan rápido”. “Y lo ha hecho, excepto por mis discursos que son siempre un poco largos”, ha bromeado nuevamente.

Con esta gala, la edición 77 del Festival de Cannes ha quedado inicialmente inaugurada y ha dado paso a la primera proyección del certamen, la comedia francesa Le Deuxième Acte, dirigida por Quentin Dupieux y protagonizada por Léa Seydoux, Vincent Lindon, Louis Garrel y Raphaël Quenard.

El festival, que también entregará este año premios de honor al realizador George Lucas y al Estudio Ghibli, finalizará el 25 de mayo con la entrega de la codiciada Palma de Oro, por la que este año competirán nombres como: Francis Ford Coppola, Paolo Sorrentino o Yorgos Lanthimos.

100 años del Oscar y la Academia de Hollywood.

En honor a la ceremonia número 100 de los Oscar en 2028, la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas lanzó públicamente Academy 100, una campaña de divulgación y diversificación de ingresos globales de 500 millones de dólares, diseñada para ampliar el alcance mundial de la Academia y garantizar el éxito de sus próximos 100 años y conectar al público a través de su amor compartido por el cine. La Academia anunció la iniciativa durante una conferencia de prensa presencial, organizada por Cinecittà en Roma, Italia.

El apoyo a la campaña Academy100 dotará y financiará programas que reconozcan la excelencia en el arte y la innovación cinematográficos; preservar nuestra historia cinematográfica; permitir la creación de exhibiciones, proyecciones y publicaciones cinematográficas de primer nivel; capacitar y educar a la próxima generación de diversos artistas cinematográficos globales; y producir contenido digital potente. Visite Academy100.org para obtener más información.

“El futuro de la Academia es global y Academy100 profundizará nuestro alcance e impacto mundial”, señaló el director ejecutivo de la Academia, Bill Kramer. “La Academia pronto entrará en su segundo siglo y queremos asegurarnos de seguir siendo el líder preeminente de nuestra comunidad cinematográfica internacional. Como todas las organizaciones saludables, la Academia necesita una base de apoyo diversa y sostenible, y estamos profundamente agradecidos a Rolex y a todos nuestros socios por ayudarnos a lanzar esta iniciativa importante y con visión de futuro”.

Se han comprometido más de 100 millones de dólares para la campaña, incluido el apoyo continuo de Rolex, socio de la Academia desde hace mucho tiempo. Rolex y la Academia están profundamente comprometidos con perpetuar la excelencia cinematográfica y vincular a generaciones de cineastas, estudiantes y mecenas del arte. El apoyo transformador de Rolex ayudará a solidificar los roles compartidos de la Academia y Rolex como líderes globales en la celebración, preservación y avance del cine.

“Rolex es un orgulloso socio de la Academia y brinda todo su apoyo a sus importantes iniciativas, incluida Academy100”, afirmó Arnaud Boetsch, Director de Comunicación e Imagen de Rolex. “Como empresa global con una larga trayectoria, entendemos la importancia de comunicarse entre países, culturas y generaciones. Al construir redes en todo el mundo, la Academia podrá inspirar a los cineastas de todo el mundo a llegar siempre más lejos para alcanzar la excelencia”.

“Cinecittà da la bienvenida a la Academia por una celebración tan significativa de su historia. Ser coanfitrión de este evento Academy100 subraya la fortaleza de nuestra asociación, que también es evidente en nuestro apoyo al Museo de la Academia y su programación de cine italiano”, dijo Nicola Maccanico, director ejecutivo de Cinecittà. “Al igual que la Academia, Cinecittà está abrazando el futuro con entusiasmo y consolidándose como un actor industrial líder en la industria cinematográfica mundial. Apoyamos y defendemos la iniciativa Academy100 y compartimos los mismos valores y compromiso con las generaciones futuras”.

Además, a lo largo de la campaña Academy 100, la Academia organizará convocatorias, reuniones comunitarias, eventos especiales y programas educativos con miembros de la Academia y las comunidades cinematográficas y artísticas más amplias en lugares de todo el mundo. A medida que la Academia y la industria cinematográfica se vuelven cada vez más globales, este alcance internacional ampliado ayudará a desarrollar un grupo de nuevos cineastas y miembros de la Academia y apoyará a la comunidad cinematográfica mundial. Las ubicaciones incluyen Buenos Aires, Cannes, Johannesburgo, Kioto, Lagos, Londres, Los Ángeles, Marruecos, Melbourne, Ciudad de México, Mumbai, Nueva York, Roma, San Francisco, Seúl, Toronto, Torino, Venecia y más.

A partir de 2027, en honor a los 100 premios Oscar en 2028, el Museo de la Academia presentará una serie de exposiciones especiales, programas de películas y publicaciones relacionadas con la historia de la Academia y los Premios de la Academia. Posteriormente, se anunciarán más detalles.

Roger Corman (1926-2024).

El productor de cine estadounidense Roger Corman, artífice de cientos de películas de terror, ciencia ficción y crimen de bajo presupuesto, y apodado “El rey de la serie B”, ha fallecido a los 98 años, según anunció su familia.

En un comunicado en su página oficial de Instagram, su esposa Julia y sus hijas Catherine y Mary comunicaron que Corman falleció en su casa de Santa Mónica (California), rodeado por sus familiares, y le dedicaron unas palabras de homenaje.

“Sus películas fueron revolucionarias e iconoclastas, y capturaron el espíritu de una era. Cuando le preguntaban cómo le gustaría ser recordado, decía: yo hacía películas, solo eso”, expresaron sus allegadas, describiendo al también cineasta como un hombre generoso, amable y de gran corazón.

Corman, nacido en Detroit, produjo más de 300 películas y dirigió medio centenar de ellas, incluyendo clásicos como Un cubo de sangre (1959), La máscara de la muerte roja (1964), Los Ángeles del Infierno (1966), La carrera de la muerte del año 2000 (1975) o Grand Theft Auto (1977), ya tras fundar su compañía New World Pictures.

Menospreciado por la historia canónica del cine, Corman fue, sin embargo, un padrino más que generoso de incontables talentos, y se convirtió en una figura de culto entre los aficionados al Séptimo Arte, pese a no contar con los medios de las grandes productoras.

Martin Scorsese filmó para él Boxcar Bertha (1972), Jack Nicholson debutó en el cine de su mano con The Cry Baby Killer (1958), Robert De Niro le debe uno de sus primeros papeles con Bloody Mama (1970) y Francis Ford Coppola hizo con él su ópera prima con Battle Beyond the Sun (1962), entre otros.

IV Festival Fine Arts “Hecho en RD”: los ganadores.

Ya se conocen los ganadores del IV Festival Fine Arts “Hecho en RD”, luego de una semana llena de proyecciones de películas dominicanas que eran apreciadas por un público muy entusiasta que hizo de esta edición una auténtica fiesta cinematográfica.

El Jurado, presidido por el crítico Félix Manuel Lora, emitió su veredicto:

-Mejor Película: Boca Chica, de Gabriella Moses.

-Mejor Director: Héctor Valdés por Insular.

-Mejor Guion: Mariana Rondón y Maité Ugás por Boca Chica.

-Mejor Actor: Alexis Díaz de Villegas por Insular.

-Mejor Actriz: Andrea Doimeadiós por La cigüeña.

-Mejor Actor de reparto: Richarson Díaz por Safari.

-Mejor Actriz de reparto: Lía Chapman por Boca Chica.

-Mejor Cortometraje: Caballo blanco, de Ramón Peña.

-Mención especial: Cocolo, de Nathalie Álvarez. 

Venecia 2024: Peter Weir, León de Oro a la Trayectoria.

El León de Oro a la Trayectoria del  81º Festival Internacional de Cine de Venecia (del 28 de agosto al 7 de septiembre) ha sido otorgado al director y guionista australiano  Peter Weir, director de filmes como La sociedad de poetas muertos, The Truman Show y Master & Commander.

La decisión fue tomada por la junta directiva de La Biennale di Venezia, que aceptó la propuesta del director del festival, Alberto Barbera. 

“El Festival Internacional de Cine de Venecia y su León de Oro a la Trayectoria son parte del folklore de nuestro oficio. Ser galardonado con el trabajo de toda una vida como director es un honor considerable”, declaró Weir.

“Con un total de sólo trece películas dirigidas a lo largo de cuarenta años, Peter Weir se ha asegurado un lugar en el firmamento de los grandes directores del cine moderno. A finales de los años 1970, se hizo un nombre como el principal responsable del renacimiento del cine australiano gracias a dos películas: Los coches que comieron París y Picnic en Hang Rock, la última de las cuales adquirió estatus de película de culto con el paso de los años.

El éxito internacional de sus dos siguientes películas, Gallipoli y El año que vivimos peligrosamente, le abrió las puertas de Hollywood y pronto se convirtió en uno de sus grandes protagonistas.

En sus películas, Weir combina reflexiones sobre temas personales y la necesidad de llegar a un público lo más amplio posible. A pesar de la diversidad de los temas que aborda, no es difícil descubrir una constante en su obra cinematográfica atrevida, rigurosa y espectacular: una sensibilidad que le permite abordar temas tan actuales como la fascinación por la naturaleza. y sus misterios, la crisis de los adultos en las sociedades consumistas, las dificultades de educar a los jóvenes sobre la vida, la tentación del aislamiento físico y cultural, pero también la tentación de los impulsos aventureros y el instinto de rebelión. Celebrando su gusto por la narración y el romanticismo innato, Weir ha reforzado su propio papel en el establishment de Hollywood, manteniendo al mismo tiempo su distancia de la industria cinematográfica estadounidense.  

Testigo, The Mosquito Coast, La sociedad de los poetas muertos, Fearless, The Truman Show y Master & Commander son las principales etapas de una carrera artística que ha conservado su integridad subyacente, hasta el éxito comercial de las películas que ha realizado”.

“El planeta de los simios: nuevo reino”, desde 9 de mayo en cines.

La nueva película de acción y aventuras de 20th Century Studios, El planeta de los simios: nuevo reino, dirigida por Wes Ball, llega a la pantalla grande con el protagónico de Owen Teague, Freya Allan, Kevin Durand, Peter Macon y William H. Macy.

Con guion de Josh Friedman, esta nueva entrega le da nueva vida a la épica franquicia global situada varias generaciones en el futuro tras el reinado de César, en el que los simios son la especie dominante que vive en armonía y los humanos han quedado reducidos a vivir en las sombras. Mientras un nuevo y tiránico líder simio construye su imperio, un joven simio emprende un viaje desgarrador que le llevará a cuestionarse todo lo que sabe sobre el pasado y a tomar decisiones que definirán el futuro de simios y humanos por igual. 

La trilogía El planeta de los simios, que comienza con un virus creado por el hombre que se disemina por el mundo y muestra la destrucción de la humanidad y el ascenso de las especies de simios, todo a través de los ojos de César, utilizó tecnología de captura de movimiento de última generación para dar vida a los simios y las tres fueron nominadas al Oscar® a los mejores efectos visuales.

La película presenta nuevos personajes e historias, pero para los fans de la franquicia, hay referencias a César, a quien el director Ball considera “uno de los grandes protagonistas de la historia del cine”.

“César está presente en esta nueva película, espiritualmente, en todo. Sus ideas de moralidad y decencia, y su relación con los humanos, todo explorado a través de una lente casi mítica que creo es emocionante”, explicó.

El rodaje de El planeta de los simios: nuevo reino se realizó en locación en Nueva Gales del Sur (Australia). Previamente, el elenco hizo seis semanas de escuela de simios, dirigida por el preparador de movimiento Alain Gauthier, quien fue atleta, gimnasta y trampolinista, y compitió a nivel internacional antes de convertirse en uno de los miembros fundadores del mundialmente famoso Cirque du Soleil.

“Tuve la gran suerte, por la razón que sea, de encontrar jóvenes actores que se conectaron muy bien, creando una química que es evidente en la pantalla. Esto no solo facilita mucho el trabajo, porque todos están contentos entre sí, sino que además lo hace más divertido. Ellos se cuidan entre ellos, se apoyan y sacan lo mejor el uno del otro”, explicó el director.

Además, debido a la gran cantidad de secuencias de acción en la película, el coordinador de escenas de riesgo Glenn Suter reunió un equipo de más de 20 dobles para ayudar a interpretar a las especies de simios representadas en la película.

La cinta estará en todas las salas de cine desde el 9 de mayo, bajo la distribución local de Caribbean Cinemas.

San Sebastián 2024: Cate Blanchett, Premio Donostia.

Cate Blanchett, una de las intérpretes más relevantes de la cinematografía contemporánea, recibirá un Premio Donostia en la 72ª edición del Festival de San Sebastián, al tiempo que protagonizará el cartel oficial. La imagen del póster es obra del diseñador gráfico José Luis Lanzagorta, que ha partido de una fotografía de Gustavo Papaleo.

Blanchett acumula más de 200 reconocimientos y galardones, incluidos dos Oscar -y otras seis nominaciones-, dos Copas Volpi del Festival de Venecia, cuatro premios Bafta y cuatro Globos de Oro, el César honorífico y el Goya Internacional en una trayectoria de más de tres décadas que combina el cine de autor con películas dirigidas al gran público.

La intérprete y productora australiana ha trabajado con cineastas como Martin Scorsese, Terrence Malick, Steven Soderbergh, Steven Spielberg, David Fincher, Ridley Scott, Sally Potter, Wes Anderson, Alfonso Cuarón, Alejandro G. Iñárritu, Woody Allen, Gillian Armstrong, Taika Waititi, Peter Jackson, Todd Haynes, Richard Linklater, Jim Jarmusch, Guillermo del Toro, Adam McKay o Todd Field.

Esta será su primera visita a San Sebastián, aunque algunas de sus películas han sido proyectadas en el Festival como Babel (Alejandro G. Iñarritu, Perlak, 2007) o Veronica Guerin (Joel Schumacher, Sección Oficial, 2003), que compitió por la Concha de Oro.

Cate Blanchett es la segunda intérprete australiana en recibir el premio honorífico más importante del Festival tras Hugh Jackman (2013).

El Festival instauró en 2018 una nueva línea de carteles, presidida por una figura de la cinematografía contemporánea. Isabelle Huppert, Penélope Cruz, Willem Dafoe, Sigourney Weaver, Juliette Binoche y Javier Bardem han precedido a Blanchett como imagen oficial, que este año ha sido creada por el diseñador gráfico donostiarra José Luis Lanzagorta a partir del retrato del fotógrafo Gustavo Papaleo.

 

Los carteles del festival.

Lanzagorta también ha realizado los carteles del resto de secciones. Junto al fotógrafo José Luis López de Zubiria, han optado por confrontar la ilustración con la fotografía: así, el megáfono de un cineasta arroja ideas de papel en New Directors; un transatlántico expulsa humo en forma de cactus en Horizontes Latinos; un boxeador pelea contra el filamento incandescente de una bombilla en Zabaltegi-Tabakalera; una nadadora se sumerge en busca de tesoros nacarados en Perlak; una cámara retro proyecta pompas de jabón en Nest; una fresa se convierte en una isla dispuesta para la aventura en Culinary Zinema; y una raíz-rayo homenajea al artista vasco Vicente Ameztoy en Zinemira. Además, este año se incorpora el cartel de la sección Made in Spain, a la que se ha asignado el color azul añil, protagonizado por un astronauta que explora un planeta en forma de clavel, flor que remite al universo del cine español.

Venecia 2024: Isabelle Huppert, Presidenta del Jurado.

La actriz francesa Isabelle Huppert presidirá el jurado encargado de otorgar el prestigioso León de Oro a la mejor película en el 81 festival de cine de Venecia, que se celebrará del 28 de agosto al 7 de septiembre, anunciaron los organizadores de la Mostra.

"Una larga y maravillosa historia me vincula con la Mostra de Venecia, convertirme en una espectadora privilegiada es un honor", dijo en un comunicado del festival la actriz de 71 años, galardonada con dos premios de interpretación femenina en este evento.

“Convertirme en una espectadora privilegiada es un honor. Ahora más que nunca el cine es una promesa, la promesa de evadirnos, sorprendernos, de mirar al mundo, unidos en la diversidad de nuestros gustos y nuestras ideas”, sostuvo en un comunicado.

Para el director de la Mostra, Alberto Barbera, Huppert es “una actriz inmensa, exigente, curiosa y de gran generosidad”.

“Su enorme disponibilidad a ponerse en juego, síntoma de su inteligencia poco común, unida a su capacidad de ver el cine más allá de sus confines geográficos y mentales, hacen de ella una presidenta ideal de un festival abierto al mundo”, alegó.

Hupper, una de las mejores actrices del mundo, mantiene una larga relación con este certamen internacional, el más antiguo y uno de los más prestigiosos.

A lo largo de su exitosa carrera, ha conquistado dos Copas Volpi como mejor actriz con las películas Asunto de mujeres (1988) y La ceremonia (1995) de Claude Chabrol y en 2005 obtuvo un León de Oro especial por Gabrielle, de Patrice Chéreau.

La edición 81º de la Mostra tendrá lugar entre el próximo 28 de agosto y el 7 de septiembre, cuando se anunciarán los ganadores.

Además del León de Oro, el jurado que presidirá tendrá la tarea de otorgar el 7 de septiembre el Premio del Jurado, al mejor director, los premios a la mejor interpretación masculina y femenina y el premio al mejor guion.

Realizan premiere de película “El Trayecto”.

Con la presencia de sus talentos y parte del equipo técnico, amigos y relacionados se realizó la premiere de la película El Trayecto en Cinemacentro Cibao el pasado martes 7 de mayo, dentro del marco del Festival de Cine Fine Arts “Hecho en RD”.

El Trayecto es una comedia romántica, escrita y dirigida por Francisco Valdez, producida por José María Pimentel y protagonizada por Camila Santana, Yasser Michelén, Karina Valdez y Richarson Díaz, que tuvo su estreno mundial en el prestigioso Chicago Latino Film Festival.

El director Francisco Valdez expresó “Rodar esta película ha sido una experiencia verdaderamente especial. Aunque el proceso estuvo lleno de desafíos, el talento que tuve tanto delante como detrás de cámara nos permitió superar cada obstáculo. Como director, puedo afirmar que este ha sido el rodaje más memorable de mi carrera. Sentir el compromiso de cada miembro del equipo hacia nuestra misión no tiene precio. Cada día, al comenzar y al terminar, percibía que todos estábamos unidos por un propósito común, cuidar de esta película y hacer que cobrara vida. Desde el incansable trabajo de mi productor José María Pimentel y su equipo, hasta el esfuerzo sobresaliente de los actores, quienes entregaron lo mejor de sí para llevarnos al final de nuestro trayecto, me siento profundamente agradecido.”

Por su parte, Santana comentó que “Trabajar en El Trayecto ha sido una de las experiencias en cine más bonitas que he vivido. Esta película tiene la amistad como tema central y así se sintió el rodaje: una película entre amigos. Por siempre agradecida con Francisco por confiar tanto en mi trabajo y feliz de compartir escena con actores tan talentosos.”

El Trayecto es una encantadora comedia sobre el paso a la adultez, que sigue a cuatro amigos en un viaje lleno de risas, a través del hermoso pero desafiante terreno de Samaná. Revelaciones inesperadas, incluida la lucha privada de Karina y Richarson con la fertilidad, añaden profundidad a su viaje, convirtiéndola en una exploración sincera de la amistad y el autodescubrimiento.

El filme se estrenará muy pronto en las salas de Caribbean Cinemas para que todo el público pueda disfrutarlo.

Cannes 2024: Meryl Streep, Palma de Oro de Honor.

Meryl Streep será la invitada de honor en la ceremonia inaugural del 77º Festival de Cannes que tendrá lugar en el escenario del Grand Théâtre Lumière el martes 14 de mayo. Figura célebre del cine estadounidense, la actriz estadounidense inaugurará la próxima edición del festival, que finalizará el sábado 25 de mayo.

Después de Jeanne Moreau, Marco Bellocchio, Catherine Deneuve, Jean-Pierre Léaud, Jane Fonda, Agnès Varda, Forest Whitaker o Jodie Foster, Meryl Streep recibirá la Palma de Oro Honorífica del Festival. 35 años después de ganar el premio a la mejor actriz por Evil Angels, su única aparición en Cannes hasta la fecha, Meryl Streep realizará su esperado regreso a la Croisette.

“Me siento inmensamente honrado de recibir la noticia de este prestigioso premio. Ganar un premio en Cannes, para la comunidad internacional de artistas, siempre ha representado el mayor logro en el arte del cine. Estar a la sombra de aquellos que han sido honrados anteriormente es una lección de humildad y emoción a partes iguales. ¡Tengo muchas ganas de venir a Francia para agradecer a todos en persona este mes de mayo! afirmó Meryl Streep.

"¡Todos tenemos algo en nosotros de Meryl Streep!" dijeron Iris Knobloch y Thierry Frémaux. “Todos tenemos algo en nosotros de Kramer vs. Kramer, Sophie's Choice, Out of Africa, Los puentes de Madison County, El Diablo viste de Prada y Mamma Mia. Debido a que ha abarcado casi 50 años de cine y encarnado innumerables obras maestras, Meryl Streep es parte de nuestro imaginario colectivo, nuestro amor compartido por el cine”.

Después de sus estudios de teatro y su éxito inicial en los escenarios de la ciudad de Nueva York, la carrera de Meryl Streep despegó en la pantalla grande en 1978 con The Deer Hunter, protagonizada por Robert De Niro. En la película de Michael Cimino, Streep escribió todas sus líneas para darle matices y profundidad a su personaje. Esto marcó tanto su primera nominación al Oscar (que ahora alcanza un récord de 21) como su exigencia de interpretar a mujeres fuertes y ambivalentes. Por ejemplo, cuando protagonizó, junto a Dustin Hoffman, Kramer contra Kramer, se negó a permitir que la película girara en torno al protagonista masculino y reescribió un monólogo crucial. Luego ganó su primer Oscar y rápidamente obtuvo el reconocimiento tanto del público como de la industria.

Meryl Streep utiliza su intuición y su arduo trabajo para reinventarse en cada aparición. Incluso a escala cinematográfica: en La amante del teniente francés, de Karel Reisz, interpretó dos papeles. En Sophie's Choice de Alan J. Pakula, su actuación aborda el inconcebible dilema moral de una madre. Para este personaje, estudió alemán y polaco para adquirir el acento (impecable según Andrzej Wajda) y ganó el Premio de la Academia a la mejor actriz.

La inolvidable epopeya histórica y romántica de Sidney Pollack Out of Africa (1985) marcó un nuevo punto de inflexión, en el que ella y Robert Redford formaron una de las parejas más legendarias del cine. Lejos de limitarse al registro del amor apasionado, Streep también se aventuró en personajes más oscuros. En Un grito en la oscuridad, de Fred Schepisi de 1988, interpretó a una madre acusada de infanticidio. Su actuación le valió el Premio a la Mejor Actriz en el Festival de Cannes de 1989.

En la década de 1990, probó suerte en la comedia cruda: desafió los estereotipos femeninos en Postcards desde Hollywood de Mike Nichols y Death Becomes Her de Robert Zemeckis. En Los puentes de Madison County, acaparó la pantalla junto a Clint Eastwood en una historia de amor tan imposible como atemporal, que pasó a la historia del cine. 

A lo largo de su carrera, Streep nunca ha rehuido denunciar públicamente la precaria situación de las mujeres en la industria cinematográfica. Consciente de los problemas que rodean la representación de la mujer en las películas de Hollywood y deseosa de encarnar todas sus facetas en toda su complejidad y fragilidad, Streep interpreta una amplia variedad de papeles y géneros. Después de Las Horas, de Stephen Daldry,  y The Last Show, de Robert Altman, volvió a dejar su huella en dos papeles tan divertidos como inesperados: como la cascarrabias editora en jefe de una revista de moda en El Diablo viste de Prada y como Donna, una hippie que casa a su hija en el musical Mamma Mia!. Luego protagonizó películas biográficas (La dama de hierro, Florence Foster Jenkins, Julie y Julia), sátiras políticas (Leones por corderos, Papeles del Pentágono, No mires hacia arriba) y películas familiares como Mujercitas, dirigida por Greta Gerwig, quien se desempeña como Presidente del Jurado en el Festival de Cannes de este año.

Dos mujeres, dos generaciones, dos aspiraciones y una misma pasión por el Séptimo Arte, reunidos en el escenario del Grand Théâtre Lumière.