Las películas más taquilleras del cine.

Sólo 12 películas en la historia del cine han logrado recaudar más de $600 millones de dólares en taquillas en los Estados Unidos. El estreno de Top Gun: Maverick (Joseph Kosinski), ya en pleno verano cinematográfico 2022, y su entrada formal a este selecto grupo de recaudadoras nos sirve de excusa para repasar los títulos con más recaudación de la historia. 

No. 1: Star Wars: El despertar de la Fuerza (2015, J.J. Abrams) que es, oficialmente, la película de mayor recaudación en la historia del cine en Estados Unidos: $936.6 millones de dólares, y tiene la hazaña de pulverizar más de 50 récords en su camino a la cima.

No. 2: Avengers: Endgame (2019): estamos viviendo el tiempo de los superhéroes y con el Universo Cinematográfico Marvel como centro de todo. Anthony y Joe Russo cerraron la primera fase del UCM con este filme que obtuvo $858.3 mdd y dejó bien claro que habrá superhéroes para rato, con Thanos fuera de combate. 

No. 3: Spiderman: No Way Home (2021, Jon Watts): si alguna película tiene el mérito de regresar las multitudes a los cines postpandemia es esta. Sus $804.7 mdd son la mejor demostración de que cuando el público quiere ver un filme, no hay amenaza que valga.

No. 4: Avatar (2009), la justificación de James Cameron para el advenimiento de la nueva tecnología del 3D. Este filme engrosó US$760.5, sólo en taquillas y permaneció varios años como el filme no.1.

No. 5: Black Panther (2018), Ryan Cogler dirige la primera película con un superhéroe afroamericano como personaje central. Y los resultados no se hicieron esperar: $700 millones recaudados, en el nombre del Black Power.

No. 6: Avengers: Infinite War (2019, Joe y Anthony Russo): la cosa es muy clara: cuando tienes a Ironman, Thor y el Capitán América de protagonistas debes buscarte a un villano extraordinario, así como Thanos, quien destruyó el 50% del universo con un solo chasquido, para delicia de los adolescentes que aportaron $678.8 mdd de sus mesadas.  

No. 7: Titanic (1997), otra de Cameron, que en su estreno consiguió US$600 millones y luego, con su re-lanzamiento en 3D, apenas sumó unos míseros US$59 millones más.

No. 8: Mundo Jurásico (2015), la renovación del mundo de los dinosaurios creado por Steven Spielberg que dirigió Colin Trevorrow, se devoró unos US$653 millones.

No. 9: Top Gun: Maverick (2022, Joseph Kosinski): Tom Cruise valida su status de celebridad taquillera con este filme de espíritu ochentero que ingresa con sus $639 mdd (…y contando) al club de los filmes que han dejado su huella postpandemia.

No. 10: The Avengers (2012, Joss Whedon): la sexta producción del Universo Cinematográfico Marvel fue la primera en generar más de $1,000 milllones de dólares en entradas globales. En Estados Unidos, su taquilla fue de $623 mdd y ya comenzábamos a sospechar que tendríamos UCM para rato.

No. 11: Star Wars: The Last Jedi (2017, Rian Johnson): la fidelidad de los fanáticos originales de Star Wars, unida a la de los milenials, lograron para este filme US$620 millones de dólares.

No. 12: Los Increíbles 2 (2018, Brad Bird): Pixar y Disney lograron un mega éxito con la divertida segunda entrega de las aventuras de la familia Parr. $608.5 mdd en taquilla para esta joya de la animación que Leyla Sophia, mi nieta, tiene entre sus filmes favoritos. Y ahora es que Jack Jack apenas inicia su historia…

Venecia 2022: la Sección Oficial.

 El Festival Internacional de Cine de Venecia, el más antiguo del mundo, ha anunciado su Sección Oficial y en ella podemos encontrar a varios directores de renombre que se enfilan para mostrar al mundo sus más recientes trabajos. Programada del 30 de agosto al 10 de septiembre, la fiesta de Venecia se llenará de gala para recibir a algunos de los miembros más reconocidos del Séptimo Arte.

Entre los directores seleccionados sobresalen los nombres de Iñárritu, Aronofsky, Dominik, Guadagnino y McDonagh. En los últimos años, Venecia ha significado el inicio de la Temporada de Premios por filmes como: La forma del agua, ROMA, Nomadland, Joker y otros.

Esta es la Sección Oficial de Venecia 2022:

-WHITE NOISE de Noah Baumbach. Con Adam Driver y Greta Gerwig. Venecia inaugura esta edición con la adaptación de una una novela de Don DeLillo de esas que se dicen inadaptables. Crisis existencial y emergencia climática en un drama que se verá en Netflix.

-BARDO de Alejandro G. Iñárritu, con Daniel Gimenez Cacho. Vuelve con el relato de un periodista que regresa a su país natal y los cambios que afronta. Es la apuesta más fuerte de Netflix para el Oscar.

-THE SON de Florian Zeller. Con Hugh Jackman, Laura Dern, Vanessa Kirby y Anthony Hopkins. Después de ganar el Oscar con The Father, Zeller adapta otra obra suya en la que ahonda de nuevo en la relación entre padres e hijos, ahora desde el prisma adolescente.

-THE BANSHEES OF INESHERIN de Martin McDonagh. Con Colin Farrell, Brendan Glesson y Barry Keoghan, a las órdenes de uno de los mejores guionistas del mundo.

-THE WHALE de Darren Aronofsky. Con Brendan Fraser, Samantha Morton y Sadie Sink.

-BONES & ALL de Luca Guadanino. Con Timothée Chalamet y Taylor Rusell. Director y estrella de Call Me By Your Name se reúnen cinco años después en un drama iniciático que se torna caníbal cuando su protagonista siente la necesidad de comerse a las personas que ama.

-TÁR de Todd Field. Con Cate Blanchett, Mark Strong, Nina Hoss y Noémi Merlant.

-BLONDE de Andrew Dominik. Con Ana De Armas. Aproximación a la figura de Marylin Monroe más allá del mito, que promete polémica y lidia con una calificación NC17

-Il Signore Delle Formiche, de Gianni Amelio
-L’Imensita, de Emanuel Crialese
-Saint Omer, de Alice Diop

-Love Life, de Koji Fukada 

-Athena, de Romain Gavras
-The Eternal Daughter, de Joanna Hogg 
-Beyond The Wall, de Vahid Jalilvand
=Argentina 1985, de Santiago Mitre 
-Chiara, de Susanna Nicchiarelli 
-Monica, de Andrea Pallaoro
-No Bears, de Jafar Panahi 
-All The Beauty And The Bloodshed, de Laura Poitras 
-A Couple, de Frederick Wiseman 
-Our Ties, de Roschdy Zem  
-Other People’s Children, de Rebecca Zlotowski 

Bob Rafelson (1933-2022)

Bob Rafelson, cocreador de The Monkees, quien se convirtió en una figura influyente en la era del Nuevo Hollywood de la década de 1970, ha muerto a los 89 años.

Rafelson murió en su casa en Aspen el sábado por la noche rodeado de su familia, dijo su esposa Gabrielle.

Rafelson fue responsable de la creación conjunta del grupo ficticio de música pop y la serie de televisión The Monkees junto con el difunto Bert Schneider, que le valió un Emmy a la mejor serie de comedia en 1967.

Pero quizás fue mejor conocido por su trabajo durante la era del Nuevo Hollywood, en la que un sistema de estudio clásico dio paso a un lote de voces jóvenes rebeldes y estilos cinematográficos frescos, y ayudó a marcar el comienzo de talentos como Martin Scorsese, Brian De Palma, Francis Ford Coppola y Steven Spielberg.

Rafelson dirigió y coescribió Five Easy Pieces, sobre un pianista de clase alta que anhela una vida más obrera, y The King Of Marvin Gardens, sobre un presentador de un programa de radio nocturno deprimido.

Ambas películas protagonizadas por Jack Nicholson y exploraron temas del sueño americano descontrolado. Five Easy Pieces le valió a Rafelson dos nominaciones al Oscar en 1971, a la mejor película y guion. El público le recordará por El cartero siempre llama dos veces (1981). También produjo clásicos seminales del Nuevo Hollywood, como The Last Picture Show, de Peter Bogdanovich y Easy Rider, de Dennis Hopper.

Coppola lo llamó una vez “uno de los artistas cinematográficos más importantes de su época” y sus admiradores incluyen a Quentin Tarantino y Wes Anderson.

Rafelson estaba muy orgulloso de la película que dirigió en 1990, Mountains Of The Moon, una película biográfica que contaba la historia de dos exploradores, Sir Richard Burton y John Hanning Speke, mientras buscaban el nacimiento del Nilo, dijo su esposa.

“La trampa”, desde el 11 de agosto en cines.

La trampa, una comedia de acción llena de enredos, está lista para su estreno en las salas de cine el próximo 11 de agosto, bajo la dirección de Frank Perozo, protagonizada por Raymond Pozo y Miguel Céspedes, quienes se hacen acompañar de Pepe Sierra, Caroline Aquino y un gran elenco de estrellas del cine y del teatro. 

La trampa cuenta dos historias paralelas, pero con conflictos similares ya que ambas enfrentan una trampa que se debe resolver: por un lado, Aldo (Miguel Céspedes) debe resolver una deuda sospechosa provocada por un juego de azar y por otro lado Jaime (Raymond Pozo) reclama el hurto de unas tierras que son de su propiedad. Estas historias se cruzan desatando una serie de sucesos y enredos en medio de la celebración de la boda de Laura (Caroline Aquino), cargada de humor donde no se sabe que más puede pasar cuando se mezclan una deuda, un robo, y una boda.
En el encuentro con los medios se presentó de manera oficial el “Behind The Scenes”, así como la banda sonora compuesta por música muy variada entre las que podemos destacar temas de los cantantes Gabriel Pagan, Chris Lebrón, Manny Cruz, Ilegales, Musicólogo, Chimbala, entre otros. 
En esta producción, Caribbean Films Distribution coquetea con el género de acción en una novedosa historia rodada en locaciones de Jarabacoa, con un elenco muy diverso que incluye figuras del cine y los medios como Kenny Grullón, Yasser Michelén, Melymel, Jenny Blanco, Brea Frank, Claribel Adamez, Franklin Romero Jr, y Jessus Zambrano. También forman parte talentos muy activos en el teatro como: Gracielina Olivero, Mario Núñez, Fidias Peralta, Bárbara Plaza, Francis Cruz, Richarson Díaz y Smith Carvajal, acompañados del cantante urbano Musicólogo y la influencer Tibi Camacho.

Jafar Panahi es apresado en Irán.

Jafar Panahi, uno de los cineastas disidentes más conocidos fue detenido en Irán. Se trata del tercer director iraní detenido en menos de una semana, conforme el gobierno aumenta una campaña de represión contra la reconocida industria cinematográfica iraní.

Panahi había acudido a la fiscalía en Teherán para preguntar por los casos de dos colegas detenidos la semana pasada, cuando las fuerzas de seguridad le arrestaron también a él. Un colega de Panahi, que habló bajo condición de anonimato por temor a represalias, dijo a la prensa que las autoridades habían enviado a Panahi a la conocida prisión de Evin para cumplir una condena impuesta varios años antes.

Panahi fue sentenciado en 2011 a seis años de prisión por cargos de crear propaganda contra el gobierno, y se le prohibió dirigir películas durante 20 años. También se le prohibió salir del país.

Sin embargo, la sentencia nunca se ejecutó y Panahi siguió haciendo películas clandestinas, sin permisos ni guiones autorizados por el gobierno, que se estrenaron en el extranjero con gran éxito entre la crítica.

Panahi ha ganado varios premios en festivales, como el Oso de Oro de Berlín en 2015 por Taxi Teherán, una reflexión sobre la pobreza, el sexismo y la censura en Irán, y el León de Oro de Venecia en 2000 por El círculo, una profunda mirada a la vida de las mujeres en la sociedad patriarcal iraní.

El Festival Internacional de Berlín dijo estar “consternado e indignado” por el arresto de Panahi.

Su detención sigue a la de otros dos cineastas iraníes, Mohamad Rasoulof y Mostafa al-Ahmad.

Las autoridades acusaron a Rasoulof y al-Ahmad de socavar la seguridad del país al expresar en redes sociales su oposición a la violenta represión del gobierno contra las protestas en el suroeste del país, tras el catastrófico derrumbe en mayo del Edificio Metropol, en el que murieron al menos 41 personas.

Rasoulof ganó el primer premio de la Berlinale en 2020 por su película La maldad no existe, que narra cuatro historias relacionadas en cierto modo con los temas de la pena de muerte en Irán y la libertad personal bajo la tiranía. En 2011, su pelcula Goodbye ganó un premio en Cannes, pero no se le permitió viajar a Francia para recogerlo.

El Festival de Cine de Cannes condenó con dureza la detención de los tres directores, “así como la ola de represión que evidentemente hay en marcha en Irán contra sus artistas”.

La creciente presión sobre los cineastas sigue a una ola de detenciones en los últimos meses, conforme subían las tensiones entre el gobierno iraní y Occidente.

“Una película sobre parejas” en Locarno 2022

El filme dominicano Una película sobre parejas de los directores y productores Natalia Cabral y Oriol Estrada, será el título inaugural de la sección Open Doors del Festival de Cine de Locarno, una selección de estimulantes obras cinematográficas representativas de la región de Centroamérica y El Caribe.

“Una Película Sobre Parejas” es un largometraje de ficción en donde Cabral y Estrada, además de dirigir y producir, interpretan a sus alter egos, una pareja de cineastas, para contar una historia que reflexiona con humor sobre la vida en pareja y el mundo del cine profesional. Los espectadores del festival descubrirán la película en su proyección el jueves 4 de agosto de 2022, en lo que sería la versión número 75 del prestigioso certamen suizo.

La película ya ha sido proyectada en importantes festivales internacionales como el Festival Internacional de Cine de Roma, el Festival Internacional de Cine de Goa en La India, el Festival Internacional de Cine de Miami, El Festival Internacional de Cine de Cartagena de Indias, y ha ganado los premios de la Crítica Francesa a Mejor Película y Mención Especial a la Interpretación en el Festival de Biarritz en Francia, los premios a Mejor Película, Mejor Guión y Mejor Dirección en el Festival Internacional de Cine de Gijón, España y el Premio Especial del Jurado en el Festival FICIC en Argentina.

El Festival de Cine de Locarno es un festival internacional que se celebra anualmente en agosto en la ciudad de Locarno, Suiza, desde 1946. Después de Cannes y Venecia, y junto con Karlovy Vary, Locarno es el festival de cine con más trayectoria del mundo y uno de los 15 festivales de Categoría A.

Graduados de la Escuela Internacional de Cine y TV de San Antonio de los Baños en Cuba, Cabral y Estrada se dedican a un cine creativo que transita libremente entre la ficción y el documental. Fundadores de la casa productora dominicana Faula Films en 2012, han dirigido las películas Tú y Yo (2014), El sitio de los sitios (2016), Miriam miente (2018) y Una película sobre parejas (2021), todas ellas seleccionadas en importantes festivales y receptoras de premios nacionales e internacionales.

Elvis, lo nuevo de Baz Luhrmann.

Carismático deicida.

En el mundo de la música popular del siglo XX nadie, absolutamente nadie, posee el carisma de Elvis Presley. Un carisma animal que le hacía contorsionarse en un escenario como nadie y que hacía estallar confetis en el corazón de las chicas quienes, agradecidas, le lanzaban sus pantis como señal de entrega. A las damas mayorcitas, les despertaba un fuerte Complejo de Electra que disimulaban con poco éxito detrás de sus sonrisas.

Para que estemos claros, Elvis era la encarnación de todas las tentaciones pero, al mismo tiempo, una experiencia religiosa que convocaba emociones celestiales y exorcizaba demonios.

Un deicida que, paradójicamente, era la respuesta a las plegarias de miles de creyentes. La afirmación no es casual: la música que creó Elvis era una mezcla del country (ese sonido de los campos de blancos), del góspel (cánticos de las iglesias evangélicas de USA) y del rhythm and blues (ese sonido de los pueblos de negros del sur) que fue bautizada a mediados de los 50 como “Rock and Roll”.

A los fines prácticos, esa nueva música lograba lo mismo que una alabanza: todos eran poseídos por una energía superior que los hacía caer en trance y alcanzar el éxtasis, sin cobrar el diezmo, solo el ticket de entrada. Con razón los mojigatos de siempre se espantaron ante este fenómeno de la naturaleza que era Elvis Presley.

En ese sentido, puede afirmarse que nadie contribuyó musicalmente tanto como Elvis a la integración racial de los Estados Unidos: su música de blancos y de negros la bailaba como un negro en el escenario y gustaba a todos por igual, al margen de las razas. Sentó las bases para romper con los rígidos códigos morales de la radio y la televisión de la época.

Y, en el contexto de una sociedad que se permite asesinar algunos de sus líderes progresistas, desde Martin Luther King hasta Bobby Kennedy, Elvis emerge como la voz de la razón cuando canta If I Can Dream, una canción de profunda protesta social que cuestionó el establishment.

Pero la fama es un monstruo que devora a sus propios hijos, sobre todo a los que como Elvis dejan, literalmente, la vida en el escenario, el único sitio en que se encontraba en paz consigo mismo, con la ayuda de las pastillas de colores.

 

Taking Care of Business.

Baz Luhrmann es un director de cine australiano que, como Presley, posee un estilo narrativo trepidante que convoca al espectador a un estado de éxtasis, como consecuencia de una edición vertiginosa que desafía las convenciones de los géneros. Esa sola condición lo hace candidato ideal para la primera biopic del “Rey del Rock ‘n Roll”. Increíble: que Hollywood nunca haya hecho una película sobre Elvis, aunque haya aparecido como personaje incidental en todas las películas que se hacen en Las Vegas. Por supuesto, dejamos fuera a Elvis (1979), un filme hecho para la televisión y protagonizado por Kurt Russell.

Luhrmann debutó con Strictly Ballroom (1992, con la que ganó el AFI al mejor director y al mejor guion) y luego ha dirigido otras cuatro películas, a saber: Romeo + Julieta (1996, con la que ganó el Bafta al mejor director y mejor guion), Moulin Rouge! (2001, con la que ganó el Globo de Oro al mejor director y el Premio PGA), Australia (2008) y El Gran Gatsby (2013).

Si ha visto algunos de estos títulos, no tengo que explicarle el cuidado y la significación que Luhrmann pone en sus bandas sonoras, al igual a los elementos visuales como la composición fotográfica, decorado, iluminación, vestuario y maquillaje, con los que logra atmósferas surreales, pero que funcionan de mil maravillas a sus propósitos dramáticos.

Luhrmann y Craig Pearce, su coguionista habitual, han abordado la historia de Elvis desde la perspectiva del Capitán Tom Parker, un manipulador promotor que le prestó sus servicios como manager a cambio del módico 50% de todo el dinero que produjo “El Rey”, una muy tóxica relación de negocios que terminó en los tribunales.   

Elvis funciona como solo vehicle para Austin Butler en un papel que le cambiará la vida. Temporada de pronósticos: en Hollywood no se han guardado un solo elogio para Butler y desde ya se da como el nombre a vencer de cara al Oscar al mejor actor. Butler, para los que tienen dudas, puso su voz a las canciones más antiguas de Elvis, para poder remezclarlas en dolby. Los académicos admiran estos detalles y tienen ciertas debilidades por los músicos, como se puede comprobar en las recientes Ray (2004, Oscar para Jamie Foxx) y Bohemian Rhapsody (2018, Oscar para Rami Malek).

El ganador del Oscar Tom Hanks aporta un apoyo extraordinario, por lo que tampoco se descarta otra nominación para el más reciente ganador consecutivo del Premio de la Academia, por Philadelphia (93) y Forrest Gump (94).

Si observan detenidamente, todos los elementos promocionales de Elvis incluyen las iniciales TCB en el logotipo. “Taking Care of Business” (algo así como “cuidando el negocio”) era el mantra de la Mafia de Memphis que explotó por años a Presley, su gallina de los huevos de oro, un dotado de carisma que todavía hoy se mantiene como un ícono fundamental en la conformación de la identidad de los Estados Unidos.

El filme va camino a convertirse en un éxito de taquilla para Warner. Si cuidan su negocio, tienen en sus manos una de las mejores cartas para jugar en la Temporada de Premios.

 

Elvis (2022). Dirección: Baz Luhrmann; Guion: Baz Luhrmann y Carig Pierce; Fotografía: Mandy Walker; Edición: Jonathan Redmond y Matt Villa; Música: Elliott Wheeler; Elenco: Austin Butler, Tom Hanks, Olivia DeJonge, Kelvin Harrison Jr.   

San Sebastián 2022: todo el Cine Español.

La Academia Española de las Artes y las Ciencias Cinematográficas ha acogido el anuncio de 18 títulos de producción local (quince largometrajes, dos cortos y una serie de televisión) que podrán verse en la Sección Oficial y en las secciones New Directors, Zabaltegi-Tabakalera, Perlak y Velódromo de la 70ª edición del Festival de San Sebastián, que se desarrollará entre el 16 y el 24 de septiembre.

Fernando Franco (Sevilla, 1976) regresa a la competición oficial de San Sebastián con su tercer largometraje, La consagración de la primavera, tras ser reconocido con el Premio Especial del Jurado y la Concha de Plata para la actriz Marian Álvarez por La herida (2013) y ser seleccionado como proyección especial con Morir (2017). La consagración de la primavera narra el encuentro entre una chica de 18 años (Valèria Sorolla) y un joven con parálisis cerebral (Telmo Irureta).

Suro es el debut de Mikel Gurrea (San Sebastián, 1985) en el largometraje, después de que su corto Heltzear fuera estrenado el año pasado en el Festival de Venecia y programado en Zabaltegi-Tabakalera. Protagonizado por Vicky Luengo y Pol López, que encarnan a una pareja que se muda al campo, Suro es el primer proyecto de las residencias de Ikusmira Berriak que compite por la Concha de Oro.

La maternal es la segunda película de Pilar Palomero (Zaragoza, 1980) tras obtener el Goya a la mejor película, a la mejor dirección novel y al mejor guión original por su largometraje de debut, Las niñas (Made in Spain 2020, tras su paso por Berlín y Málaga). Palomero se centra en una adolescente de 14 años (Carla Quílez) y su proceso para aprender a ser madre.

Jaime Rosales (Barcelona, 1970) también regresa a la competición oficial de San Sebastián después de que Tiro en la cabeza (2008) fuera galardonada con el Premio Fipresci y de presentar varias de sus películas en Made in Spain y en Perlak (Petra, 2018). En Girasoles silvestres, Anna Castillo encarna a una madre en busca de una vida mejor.

Una producción española será una proyección especial de la Sección Oficial: El techo amarillo, una no ficción dirigida por Isabel Coixet (Barcelona, 1962) en torno a los abusos sexuales cometidos en el Aula de Teatro de Lleida entre 2001 y 2008. San Sebastián fue el escenario del debut de Coixet como directora, con Demasiado viejo para morir joven (New Directors 1988).

Fuera de concurso participará la serie Apagón, compuesta por cinco capítulos dirigidos por Rodrigo Sorogoyen, Raúl Arévalo, Isa Campo, Alberto Rodríguez e Isaki Lacuesta, que tiene como punto de partida una tormenta solar que provoca un corte general del suministro de energía.

Además, Alberto Rodríguez presentará también en San Sebastián la película de inauguración, la ya anunciada Modelo 77.

La sección New Directors, dedicada a primeras y segundas películas, acogerá A los libros y a las mujeres canto, de Maria Elorza. Elorza (Vitoria-Gasteiz, 1988), cuyos primeros cortometrajes como parte del colectivo Las chicas de Pasaik, Gure Hormek (Zabaltegi-Tabakalera, 2016) y La chica de la luz (Velódromo, 2016), se estrenaron en San Sebastián, y autora también de los multipremiados cortometrajes Ancora Lucciole (2018) y Quebrantos (2020), presentará su primer largometraje en el Festival, construido en torno a un ejército anónimo y desarmado de mujeres que cuida de los libros.

La sección Zabaltegi-Tabakalera acogerá la presentación de otro proyecto de las residencias de Ikusmira Berriak, El agua, de Elena López Riera, que fue seleccionado en la pasada Quincena de Realizadores de Cannes. Asimismo, se programará Cerdita, el debut de Carlota Pereda, que se estrenó en el Festival de Sundance. También forman parte de la sección dos cortometrajes del programa Kimuak: Hirugarren koadernoa, de Lur Olaizola, que participará fuera de concurso después de su estreno en Cinéma du Réel, y Cuerdas, de Estibaliz Urresola, que se proyectará tras su paso por la Semana de la Crítica de Cannes.

La sección Perlak acogerá Un año, una noche, de Isaki Lacuesta, que compitió en la Berlinale, y As Bestas, de Rodrigo Sorogoyen, tras su paso por el Festival de Cannes. Ambos aspiran al Premio del Público Ciudad de Donostia / San Sebastián. 

Además, clausurará la sección fuera de concurso Los renglones torcidos de Dios, la adaptación de la novela homónima de Torcuato Luca de Tena, firmada por Oriol Paulo y protagonizada por Bárbara Lennie y Eduard Fernández.

El Velódromo, una sala con una pantalla de 400 metros cuadrados acondicionada para casi 3.000 espectadores, acogerá los estrenos de Rainbow, la mirada de Paco León sobre el clásico El mago de Oz, con Dora Postigo, Carmen Maura y Carmen Machi; Sintiéndolo mucho, el documental de Fernando León de Aranoa sobre Joaquín Sabina, y la última película de animación de Fermin Muguruza, Black is Beltza II: Ainhoa, cuya primera parte clausuró Zinemira en 2018.

Venecia 2022: Julianne Moore, Presidenta del Jurado.

La actriz estadounidense Julianne Moore será la presidenta del Jurado Internacional de la Competencia en el 79° Festival Internacional de Cine de Venecia, que se celebrará del 31 de agosto al 10 de septiembre y otorgará el León de Oro a la Mejor Película, entre otros premios oficiales.

Moore, ganadora del Premio de la Academia (Still Alice, 2014) y del Emmy es conocida por su amplio trabajo con muchas actuaciones memorables desde la pantalla grande hasta la pequeña. Es una actriz ganadora de un Premio de la Academia, un BAFTA y un Emmy, y la primera mujer estadounidense en recibir los principales premios de actuación en los festivales de cine de Berlín (The Hours, 2002), Venecia (Far from Heaven, 2002) y Cannes (Maps to the Estrellas, 2014).

Además de Moore el Jurado estará conformado por el director y guionista argentino Mariano Cohn, por el director y guionista italiano Leonardo Di Costanzo, por la directora francesa Audrey Diwan, por la actriz iraní Leila Hatami, por el autor y guionista japonés Kazuo Ishiguro y por el director y guionista español Rodrigo Sorogoyen.

La decisión fue tomada por el directorio de La Biennale di Venezia, que acogió la propuesta del Director del Festival, Alberto Barbera.

El Jurado de Venecia 79 otorgará los siguientes premios oficiales a los largometrajes en Competición: León de Oro a la Mejor Película, León de Plata - Gran Premio del Jurado, León de Plata al Mejor Director, Coppa Volpi a la Mejor Actriz, Coppa Volpi al Mejor Actor, Especial Premio del Jurado, Premio al Mejor Guión, Premio “Marcello Mastroianni” al Mejor Actor o Actriz Revelación.

Junto a Cannes y Berlín, Venecia compone la trilogía de los principales festivales del mundo.

Claudio Chea (1950-2022).

Claudio Chea, un auténtico maestro de la fotografía cinematográfica de Dominicana, falleció en Santo Domingo.

Inició como camarógrafo en 1966 hasta 1968 en el “Noticiario Dominicano”, ya para el 1969 empieza a laborar con la productora “Fílmica dominicana”; y con apenas 19 años, completó sus estudios de cine en el New York Institute of Photography.

En los años setenta se centra en la realización de comerciales y documentales para la televisión.

En 1985, realizó el documental Camino al Pico Duarte y en 1987, El paseo de la Virgen.

El cinematógrafo fue un asiduo colaborador del cineasta León Ichaso en películas como Crossover Dreams (1985), Azúcar amarga (1996), Hendrix (2000), Piñero (2001) y El Cantante (2006).

En el país, Chea prestó su talento en filmes como: La cárcel de La Victoria (2004), Flor de azúcar (2016) e Isla de dos repúblicas (2022)

En el 2018, recibió el título de “Profesor Honorario” por el claustro de la Universidad Autónoma de Santo Domingo.

James Caan (1940-2022)

El actor estadounidense James Caan, quien estuvo nominado al Oscar por su papel como Sonny Corleone en El Padrino, murió a los 82 años de edad, según informó su familia en un comunicado publicado en Twitter este jueves.

La familia de Caan, que no precisó las causas de su fallecimiento, agradeció las muestras de cariño y pidió respeto para su privacidad.

“Es con profunda tristeza que informamos de la muerte de Jimmy en la noche del 6 de julio. La familia aprecia la gran cantidad de mensajes de amor y condolencias y pide que continúen respetando su privacidad en este difícil momento”, dice el comunicado.

Nacido en el Bronx en 1940, Caan irrumpió en la pantalla en los años 70 para interpretar roles protagónicos de personajes con imagen varonil. Eternamente ligado al Hollywood de los 70, muchos recordarán a Caan por la dramática muerte de su personaje, Sonny Corleone, acribillado a balazos por los hombres de Barzini en un peaje de Long Island, en una de las escenas más famosas de El Padrino.

En los años 90, volvió al estrellato como un actor maduro capaz de dar peso a una amplia gama de papeles.

Su carrera como actor se extendió por seis décadas y cubrió distintos géneros desde comedias como Elf, hasta thriller psicológicos como Misery.

Entre sus películas más recordadas también están El Dorado, que protagonizó junto a John Wayne y Robert Mitchum; y Funny Lady, junto a Barbra Streisand.

Aunque no logró el Oscar por su interpretación del temperamental hijo mayor de Vito Corleone, en 1974 retomó ese papel apareciendo en algunas escenas que recreaban sucesos pasados en El Padrino II.

Víctor Érice vuelve al cine.

El director Víctor Érice, uno de los realizadores más importantes del cine español, vuelve a rodar un largometraje de ficción después de 30 años, una información que confirman una de las productoras de esta película que acaba de recibir la ayuda de Canal Sur para su realización.

Cerrar los ojos será la cuarta película del director vasco, después de las laureadas El sur, El sol del membrillo y El espíritu de la colmena, consideradas de los mejores filmes de la historia del cine español.

Érice ganó el Premio del Jurado y de la Crítica en el Festival de Cannes en el año 1992 con El sol del membrillo y la Concha de Oro en el Festival de Cine de San Sebastián en el año 1973 con El espíritu de la colmena. Érice no ha dejado de rodar en todo este tiempo cortometrajes y distintas obras de arte visual, pero había dejado la dirección y creación de largometrajes a un lado, después de que la adaptación del Embrujo de Sanghai, no se pudo realizar.

La película cuenta con tres productoras, que rescatarán del olvido cinematográfico al icónico cineasta que a sus 82 años volverá a rodar. Por un lado, la andaluza Pecado Films, con Jose Alba, también Tándem Films, con Cristina Zumárraga a la cabeza, y Nautilus que es la productora del propio Erice. La televisión pública andaluza, que ha sido la que lo ha anunciado, afirma también que José Coronado y María León podrían ser los protagonistas.

“No he dejado de ser cineasta, que ha sido mi dedicación principal”, decía en la presentación de Piedra y cielo, en noviembre de 2021, un ensayo donde reflexiona sobre la figura del escultor Jorge Oteiza. “Se olvida todo lo que he hecho después de ese año, que han sido bastantes cosas que han circulado por lugares no propios de la industria cinematográfica. El problema no es producir películas, sino dónde se proyectan y yo en los últimos años he hecho obra, pero desconocida”, insistía el cineasta. Érice ha sido de los pocos directores de cine que ha traspasado la pantalla y ha entrado en las salas y galerías de los museos, como han hecho Scorsese, Bela Tarr, Apichatpong y, en España, Albert Serra, Guerín o Isaki Lacuesta.

“El cine sigue siendo el lugar ideal para contemplar películas. No desdeño la experiencia del cine en otros dispositivos, es el signo de nuestros tiempos, pero no es lo mismo ni las películas se hacen ya de la misma manera”.

Para Érice, hoy en día “cualquier joven con su cámara y una aplicación de montaje en su ordenador puede hacer una película y subirla a plataformas”.

“Elvis”, desde el 14 de julio en cines.

 

Cuando hablamos de iconos de la cultura pop, Elvis Presley ocupa un lugar destacado. Fue una figura que definió una era en la historia de la música moderna y cuyo legado se extiende hasta nuestros días. Su vida conjuga éxito musical sin precedentes, excesos y profundos tormentos personales.

A pesar de su desaparición física, Elvis es un músico que a través de los años no deja de despertar intereses y acumular fanáticos. Una muestra de ello es el gran entusiasmo que ha generado Elvis, película dirigida por Baz Luhrmann y protagonizada por Austin Butler y Tom Hanks.

Esta producción se adentra en la vida y carrera del Rey del Rock and Roll, así como en su relación con su manager, el controversial coronel Tom Parker, el cual acompañaría al músico durante sus inicios y la consolidación de su fama. Pero muchos consideran a Parker como uno de los responsables del impresionante éxito de Presley, pero también como alguien manipulador y explotador. Otro personaje de importancia en la película es Priscilla Presley, quien fuera la esposa de Elvis y con la cual tendría una hija, Lisa Marie Presley.

Elvis ha generado bastante expectativa, no solo por contar la historia de una de las más grandes leyendas del mundo de la música, sino también por la calidad del talento involucrado en el proyecto. Debutó en el primer puesto de las taquillas en Estados Unidos

Sobresale el nombre de su director Baz Luhrmann, quien ha sabido desarrollar una carrera cinematográfica exitosa. Es el responsable de Romeo + Juliet (1996), adaptación del clásico de Shakespeare protagonizada por Leonardo DiCaprio y Claire Danes; del musical Moulin Rouge! (2001) y de The Great Gatsby (2013). Ahora este director australiano ha asumido la responsabilidad de crear una cinta que relate los momentos más importantes de la trayectoria de Elvis Presley. El guion es obra de Luhrmann y Craig Pearce.

Por su parte, Austin Butler interpreta al Rey del Rock and Roll y ya muchos apuestan a su segura nominación al Oscar al Mejor Actor. Recientemente, Butler participó en Once Upon a Time in Hollywood de Quentin Tarantino, dando vida a Tex, uno de los miembros del culto de Manson. Para hacerse con el papel tuvo que competir con varios actores, como Ansel Elgort (West Side Story), Miles Teller (Whiplash) y Aaron Taylor-Johnson (Nocturnal Animals). En esta producción, Butler se permite reinterpretar varias de las canciones de Presley.

El ganador del Óscar, Tom Hanks, encarna al coronel Tom Parker. Priscilla Presley es interpretada por Olivia DeJonge, actriz cuyo trabajo ha podido verse en The Visit, película de M. Night Shyamalan, y en la serie The Society. 

En Elvis también se presentan otras grandes figuras del mundo de la música: Alton Mason será el encargado de dar vida a Little Richard, la cantante Yola se desempeñará como Rosetta Tharpe, Kelvin Harrison Jr. Como B.B. King, David Wenham como Hank Snow y Honka Dukureh será Willie Mae "Big Mama".

Para los millones de fans del Rey, Elvis es una propuesta bastante atractiva. Para los que no son fans, Lurhmann sabe cómo presentarles un espectáculo de primera.