“La encomienda”, desde el 6 de octubre en cines.

Lantica Media estrenará su nueva película La encomienda en los cines de la República Dominicana este jueves 6 de octubre.

La película ha sido muy bien recibida internacionalmente participando en diversos festivales internacionales como Mar de Plata, Santiago del Estero Film Fest y el Festival de Cine de Rio de Janeiro.

Co-producida con Ecah Films y la productora argentina Tarea Fina, La encomienda fue rodada en plena pandemia y casi en su totalidad en el tanque de agua de Pinewood Studios República Dominicana bajo la dirección del argentino Pablo Giorgelli.

Giorgelli comentó sobre el rodaje “El plan siempre fue rodar en República Dominicana, precisamente en el tanque de agua de los Estudios Pinewood y como el 100% del relato transcurre en el mar era indispensable rodarla ahí, un set diseñado especialmente para rodajes acuáticos: máquinas de olas y tormentas, distintos niveles de profundidad, la posibilidad de tener un horizonte real por estar construido junto al mar y un equipo de buzos altamente especializado para estas tareas”.

La encomienda cuenta la historia de Pietro, un marinero italiano que sobrevive el naufragio de su barca. Entre escombros encendidos y cadáveres flotantes, a bordo de un pedazo de madera, prueba su suerte en búsqueda de tierra firme. Pero pronto, a lo lejos, se encuentra con alguien de sumo valor: uno de los rehenes que la embarcación llevaba a bordo para el tráfico humano. A pesar de las causas que los unieron, estos hombres juntos deberán enfrentar el abandono y la intemperie del mar abierto.

La encomienda cuenta con las actuaciones estelares de Ettore D’Alessandro, Henry Shaq Montero, Marcelo Subiotto.

Premios Platino 2023 por tercer año consecutivo en Madrid.

Los Premios PLATINO volverán, de nuevo, a Madrid. Los galardones que celebran el audiovisual iberoamericano y reconocen a sus mejores producciones festejarán por todo lo alto su décimo aniversario en Palacio Municipal IFEMA Madrid, espacio que acoge por tercer año consecutivo a lo más granado del star-system de habla hispana y portuguesa.

Con la décima edición de estos premios, los PLATINO echan la vista atrás para mirar hacia delante. Y es que, tras nueve ediciones en las que se han reconocido a producciones de hasta 13 países iberoamericanos, la gran cita bordea la década como promotora orgullosa de las culturas de habla hispana y portuguesa manteniendo su espíritu de adaptación e innovación.

En estas nueve ediciones, los premios han celebrado la diversidad de estas culturas otorgando el galardón a la Mejor Película Iberoamericana a cintas argentinas, chilenas, colombianas, españolas y mexicanas, mientras que, desde su creación en su cuarta edición, el galardón para las series ha ido a parar a Argentina, Cuba y España. En animación, Argentina, Brasil, España y Perú han sido las reconocidas, en documental, Brasil, Chile y España, y en el apartado de óperas primas, han destacado junto a regiones con mayor producción países como Guatemala, Paraguay o Venezuela.

Los PLATINO han sido, además, elemento de cohesión y cooperación para el star-system iberoamericano, que ha encontrado nuevos trabajos a uno y otro lado del charco en coproducciones internacionales entre países de estas regiones. Estos negocios y conexiones, que los organizadores del evento ahora han estructurado en torno al mercado de Platino Industria y sus diversas actividades profesionales y de networking, son fundamentales para la promoción de las producciones de habla hispana y portuguesa, con cada vez más presencia a nivel internacional tanto en festivales internacionales como entre el público.

Durante el acto del anuncio fueron recordados los que, desde que los PLATINO iniciaran su andadura, han sido homenajeados con el Premio de Honor para reconocer su excelsa trayectoria como promotores y difusores del ámbito iberoamericano: Carmen Maura (2022), Diego Luna (2021), Raphael (2019), Adriana Barraza (2018), Edward James Olmos (2017), Ricardo Darín (2016), Antonio Banderas (2015) y Sonia Braga (2014). Este galardón también expresa la importancia de nuestras culturas como ámbitos de presente y futuro al destacar a algunas de nuestras grandes figuras, consolidadas marcas de Iberoamérica en todo el mundo que también se han volcado a la hora de dar a conocer sus regiones.

Como llevan haciéndolo desde su nacimiento, y siguiendo la estela de anteriores ediciones en las que los premios reafirmaron su compromiso con el auge de la ficción televisiva o los Objetivos de Desarrollo Sostenible, los PLATINO han renovado su imagen corporativa para adaptarse a nuevos formatos. Un rediseño que, respetando la idea original con la que el artista Javier Mariscal creó la imagen de estos premios, estiliza y redondea las formas del logotipo para que éste pueda ser utilizado en entornos digitales.

Con este nuevo logo, los Premios PLATINO dan el pistoletazo de salida a su décima edición, que se celebrará, un año más, en Palacio Municipal IFEMA de Madrid. Así, y tras haberse realizado previamente en Panamá, Marbella, Punta del Este (Uruguay), Riviera Maya (México) y Madrid, los galardones de la industria audiovisual de habla hispana y portuguesa recibirán a las grandes personalidades de Iberoamérica en busca de las mejores producciones de habla hispana y portuguesa.

El éxito de la última edición de los PLATINO se materializó en un valor publicitario que superó los 130 millones de dólares y más de 110.000 noticias publicadas, lo que confirma la consolidación del evento en el panorama internacional. Esta amplia repercusión mediática contribuyó la presencia de lo más granado de la cultura iberoamericana, que mantiene su pujanza a nivel internacional gracias al continuo éxito de su talento y sus producciones, en la gala de entrega de los premios que presentaron Lali Espósito y Miguel Ángel Muñoz, televisada por 24 cadenas en 21 países que recalcan la amplia difusión y alcance con los que cuenta el evento.

En la gala de esta nueva edición se conocerá a la sucesora de El buen patrón, que se alzó durante la ceremonia con cuatro galardones: Mejor Película Iberoamericana de Ficción, Mejor Dirección, Mejor Interpretación Masculina y Mejor Guion. Por su parte, las producciones televisivas intentarán emular el éxito de El reino, otra de las grandes destacadas en la IX Edición con tres galardones: Mejor Serie, Mejor Interpretación Masculina de Reparto en Miniserie o Teleserie y Mejor Creador de Serie. También se conocerá a la nueva figura homenajeada con el Premio PLATINO de Honor que recogerá el testigo de Carmen Maura.

La presentación de la X Edición de los Premios PLATINO se ha realizado en un acto celebrado en Matadero Madrid en el marco de la 2ª edición de Iberseries & Platino Industria. Presentada por Yolanda Flores, la cita ha contado con la presencia de destacadas personalidades como Isabel Díaz Ayuso, José Luis Martínez-Almeida, Eduardo Fernández Palomares, Enrique Cerezo o Adrián Solar, así como relevantes representantes del talento iberoamericano como Macarena Gómez, Marc Clotet o Paz Vega.

Cineastas iranِíes piden solidaridad de los cineastas del mundo.

Los cineastas y actores iraníes se han pronunciado en desafío contra el gobierno iraní en una carta abierta, pidiendo a “todos los cineastas del mundo” que apoyen las protestas contra el gobierno tras la muerte de la iraní Masha Amini mientras estaba bajo custodia policial.

Amini, una mujer iraní kurda de 22 años, fue arrestada en Teherán por llevar el hiyab demasiado suelto. Se ha informado que fue torturada por oficiales antes de morir bajo custodia policial el 16 de septiembre.

La carta abierta ha sido firmada por la directora de Land Of Dreams, Shirin Neshat; la estrella de Holy Spider y ganadora del premio a la mejor actriz en Cannes, Zar Amir Ebrahimi; el actor Pegah Ahangarani; el director de A Time For Drunken Horses, Bahman Ghobadi; el director de Holy Spider, Ali Abbasi; el productor y colaborador de Jafar Panahi, Kaveh Farnam; el coproductor de la ganadora del Oso de Oro de Berlín There Is No Evil, Farzad Pak, los cineastas Ali Ahmadzadeh y Abdolreza Kahani y los directores de fotografía Bahram Beyzai y Mozhdeh Shamsai.

Ghobadi también escribió una carta a los miembros de la Academia de Hollywood, pidiéndoles que “apoyen para difundir esta noticia y apoyen al pueblo iraní y sus legítimas protestas”.

La muerte de Amini luego de una orden del presidente de Irán, Ebrahim Raisi, de tomar medidas enérgicas contra los derechos de las mujeres y una aplicación más estricta del código de vestimenta obligatorio, ha desencadenado una ola de protestas en todo Irán, y se cree que 35 personas han muerto desde que estallaron las protestas.

“Los cineastas iraníes independientes están al lado de estas intrépidas mujeres y hombres iraníes y se esfuerzan por capturar y documentar la historia a medida que se desarrolla con recursos limitados. Están comprometidos a ser los narradores veraces, independientes y valientes de la historia. Ser la voz del pueblo”, dice la carta abierta.

“Durante años, el gobierno iraní ha utilizado la censura y la represión en casa con el pretexto de apoyar la libertad en otras partes del mundo. Ahora apelamos directamente a todos los cineastas del mundo: su solidaridad con el pueblo de Irán envía un mensaje claro a los belicistas de todo el mundo. Le pedimos que se hagan eco aún más de los gritos de guerra de los iraníes por la libertad. Conviértete en la voz de aquellas personas que están pagando con su vida por la libertad”.

El director ganador del Oscar Asghar Farhadi, cuyos créditos incluyen The Salesman y Una separación, se ha pronunciado en Instagram. “Ellos [los manifestantes iraníes] están buscando derechos simples pero fundamentales que el Estado les ha negado durante años. Esta sociedad, especialmente estas mujeres, ha recorrido un camino duro y doloroso hasta este punto, y ahora claramente han alcanzado un hito”.

Continuó: “Estoy orgulloso de las mujeres poderosas de mi país y espero sinceramente que a través de sus esfuerzos alcancen sus metas”.

“A través de este video, invito a todos los artistas, cineastas, intelectuales, activistas de derechos civiles de todo el mundo y todos los países, y a todos los que creen en la dignidad humana y la libertad a solidarizarse con las mujeres y los hombres poderosos y valientes de Irán por haciendo videos, por escrito o de cualquier otra manera”.

La Academia de Cine Europeo (EFA) ha sumado su apoyo. “La Academia de Cine Europeo apoya plenamente a los cineastas iraníes que protestan contra la actual ola de represión que se extiende por todo Irán”, dijo el presidente de la EFA, el productor irlandés-británico Mike Downey.

“Ha habido batallas entre la policía iraní y los manifestantes antigubernamentales en Teherán en los peores disturbios en años”, agregó. “La industria del cine y los documentalistas no tienen miedo en sus intentos de registrar las medidas enérgicas. Irán ahora está sujeto a las restricciones de Internet más severas vistas desde que estalló el antigubernamental masivo en noviembre de 2019. Aborrecemos la censura en todas sus formas y apoyamos plenamente a los cineastas iraníes que luchan por sobrevivir en un clima de terrible represión”.

Jon Landau: “Queremos que el público no vea las películas, sino que las experimente”.

El próximo 15 de diciembre llegará a los cines Avatar: El camino del agua, la segunda entrega de la ahora ya saga de ciencia ficción que retoma la historia del filme que en 2009 ganó tres premios Oscar y recaudó más de $2.845 millones de dólares. Trece años después, y tras no pocos retrasos, la primera de las cuatro secuelas en las que el director James Cameron y el productor Jon Landau llevan trabajando durante más de una década verá al fin la luz con el objetivo de repetir el taquillazo y resucitar el cine en tres dimensiones como una experiencia inmersiva “única”.    

“Mi objetivo es cambiar cómo la gente se refiere al hecho de ir al cine. El público dice ‘He visto una película’. Lo que yo quiero es que la gente diga ‘He experimentado una película’”, ha señalado Landau durante su visita a varios mercados donde ha presentado un avance con las primeras imágenes de una cinta que aspira a hacer de la visita al cine algo único por lo que “merezca la pena salir de casa, dejar los ordenadores y pagar por el parqueo o por una niñera”.

“No es únicamente ver una película con los demás o comentarla con los compañeros en el trabajo. Ir al cine supone también asumir el compromiso de no distraerte, de apagar tu celular cuando entras en una sala”, señala.    

En esta misma línea, Landau defendió el ritual cinematográfico en las salas frente al streaming y avisó que quien tenga pensado esperar para ver las nuevas películas de Avatar, cuatro entregas que llegarán a un ritmo de una cada dos años hasta 2028, en sus dispositivos, tendrá que aguardar más tiempo del que creen. “No van a poder hacerlo hasta que pase bastante tiempo. No vamos a estrenar a la vez en streaming ni tampoco 20 o 30 días después del estreno. Esta película está concebida para la pantalla grande. Es un compromiso con nuestro público en el que contamos con el apoyo y entendimiento de nuestros socios de Disney”, proclama.
Con el reestreno de la película original, que volvió a los cines el 22 de septiembre, Landau explica por qué la que hasta la llegada de Vengadores: Endgame, de Marvel Studios, Avatar era la película más taquillera de la historia del cine han tardado más de una década en contar con una secuela. Y la razón es doble: el guion y la tecnología. “El germen de cualquier película es el guión, así que tardamos tiempo en tener los libretos de las cuatro películas terminados y en lograr que tanto James como yo estuviéramos satisfechos con ellos para arrancar la producción”, recuerda.
Fue entonces, con el esqueleto argumental sobre el que se construirá una saga de al menos cinco películas, cuando comenzaron a trabajar en el otro gran desafío: “descubrir” la tecnología para contar esa historia tal y cómo querían contarla. Y el título de Avatar: El camino del agua ya adelanta cuál era el reto al que se iban a enfrentar en el rodaje de la secuela.    

“No quisimos comenzar a filmar hasta contar con la tecnología que nos permitiera capturar correctamente las interpretaciones de los actores bajo el agua, queríamos que fuera realista y ser fiel a sus interpretaciones”, destaca el productor que asegura que en la historia del cine ya se han rodado muchas películas con escenas acuáticas, él también fue productor de Titanic del propio Cameron, pero promete que "nadie ha hecho lo que hemos nosotros en estas películas”.
“Las interacciones entre nuestros personajes tienen mayor realismo y las secuencias son más luminosas”, adelanta Landau que también reveló que en este salto tecnológico que prometen las secuelas de Avatar han rodado secuencias de acción a 48 fotogramas por segundo, el doble de los 24 fotogramas por segundo habituales, para “evitar las distorsiones que se producen en el 3D con el movimiento”.
Avatar: El camino del agua retomará la historia de los dos protagonistas de la primera entraga, Neytiri (la dominicana Zoé Saldaña) y Jake Sully (Sam Worthington), que han formado una familia en Pandora que ahora ven amenazada. Ese sentimiento, el de la “importancia de la familia”, tanto “la de nacimiento como también la que escogemos”, conforma buena parte del corazón argumental de la saga.    

Así, mientras que en la primera película Sully buscaba este sentimiento de pertenencia ya que “no encajaba ningún sitio” y estaba “descubriendo su propósito en la vida”, la secuela se centrará en sus esfuerzos por conservar esa familia que ha construido junto a Neytiri, en sus “jóvenes niños” y en cómo intentan mantener su clan a salvo a toda costa, avanza el productor que asegura que “la ciencia ficción es siempre una metáfora del mundo en el que vivimos” y confirma que esta secuela también tendrá un marcado mensaje ecologista contra el calentamiento global.    

“Nuestros océanos suponen el 80 por ciento del mundo. Nuestros cuerpos están formados de un 80 por ciento de agua y esta es una película sobre el agua y sobre toda su belleza. Todo lo que tenemos que hacer es crear una mayor conciencia de la belleza que tenemos”, expone Landau que cree que las películas deben remover conciencias y “ser provocativas, pero sin sermonear al público”.

“Confío en que esta película lo consiga y vuelva a abrir los ojos para que veamos las cosas de forma algo diferente”, concluye.

HAL-2046 anuncia retrospectiva de James Bond.

La empresa de distribución y venta de obras cinematográficas, HAL-2046 Films anunció la presentación de un ciclo de películas de James Bond para conmemorar el 60 aniversario del agente 007 en la gran pantalla.

Desde el próximo 5 de octubre en Palacio del Cine de BlueMall el público podrá disfrutar de 11 películas de la saga del icónico agente secreto.

El calendario de películas:

·         Dr. No (1962) / 5 de octubre.

·         From Russia With Love (1963) / 6 de octubre.

·         Goldfinger (1964) / 7 de octubre.

·         On Her Majesty 's Secret Service (1969) / 8 de octubre.

·         The Man With the Golden Gun (1974) / 9 de octubre.

·         Octopussy (1983) / 10 de octubre

·         The Living Daylights (1987) / 11 de octubre.

·         Goldeneye (1995) / 12 de octubre.

·         Casino Royale (2006) / 13 de octubre.

·         Skyfall (2012) / 14 de octubre.

·         No Time To Die (2021) / 15 de octubre

República Dominicana podrá contar con la magnífica oportunidad de estar entre los países que presentarán la retrospectiva de James Bond que se incluye entre una diversidad de actos a nivel internacional que se realizan para conmemorar el 60 Aniversario de este personaje en el cine.

HAL-2046 Films es una empresa con sedes en República Dominicana y Canadá, establecida para brindar a los productores una alternativa atractiva para agregar valor a sus proyectos cinematográficos, a través de la gestión de distribución y ventas; de manera que los productores enfoquen sus esfuerzos en lo que mejor saben hacer: Crear.

Durante el presente año 2022, HAL-2046 ha manejado exitosamente la distribución de 7 títulos, expandiendo su presencia a territorios de Centroamérica, con la colocación de títulos en Belice, y las negociaciones para distribución en Guatemala.

San Sebastián 2022: Concha de Oro para “Los reyes del mundo”

La película de Laura Mora Los reyes del mundo, una coproducción de Colombia con Luxemburgo, Francia, México y Noruega, ha conquistado la Concha de Oro de la 70ª edición del Festival de San Sebastián. Además, el jurado oficial ha decidido distinguir a Genki Kawamura con la Concha de Plata a la Mejor dirección por A Hundred Flowers (Japón), mientras que el Premio al mejor guion ha sido para Dong Yun Zhou y Wang Chao por su trabajo en el filme de este último, A Woman (China).

La actriz Carla Quílez y Paul Kircher han obtenido la Concha de Plata ex aequo a la mejor interpretación protagonista por La Maternal (España), de Pilar Palomero, y Winter Boy (Francia), de Christophe Honoré, respectivamente, mientras que Renata Lerman se ha impuesto en el apartado de mejor interpretación de reparto por El suplente (Argentina-España-Italia-México-Francia), de Diego Lerman.

Manuel Abramovich, director de Pornomelancolía (Argentina-Francia-Brasil-México), se ha llevado el Premio a la mejor fotografía por su labor en ese filme, y el Premio Especial del Jurado ha recaído en Runner, de la debutante Marian Mathias (EEUU-Alemania-Francia), “por la ambición de su compromiso narrativo, por su originalidad y por la intensidad que se percibe en esta primera obra”.

Es el tercer año consecutivo que un filme dirigido por una mujer consigue el máximo galardón de la Sección Oficial después de Beginning (Dea Kulumbegashvili, 2020) y Blue Moon (Alina Grigore, 2021), y por primera vez en siete décadas de historia del Festival, la Concha de Oro ha ido a parar a una producción colombiana. Se trata del segundo largometraje de su directora, Laura Mora (Medellín, 1981), que con su debut, Matar a Jesús (2017), recibió una mención especial del Premio Kutxabank-New Directors.

Tanto el Premio Especial del Jurado como la Concha de Plata a la mejor dirección han reconocido a dos óperas primas, Runner y A Hundred Flowers, respectivamente. Esta última es obra de Genki Kawamura, productor de títulos fundamentales de la animación contemporánea japonesa.

El jurado oficial que ha entregado estos premios ha estado presidido por el productor Matías Mosteirín y completado por Antoinette Boulat, Tea Lindeburg, Rosa Montero, Lemohang Jeremiah Mosese y Hlynur Pálmason.

En otros premios oficiales, Spare Keys (Francia), codirigida por Jeanne Aslan y Paul Saintillan, ha conseguido el Premio Kutxabank-New Directors, donde otro debut, On Either Sides of The Pond (India), de Parth Saurabh, ha recibido una mención especial. Tengo sueños eléctricos (Bélgica-Francia-Costa Rica), ópera prima de Valentina Maurel, ha logrado el Premio Horizontes tras recoger en el Festival de Locarno los galardones a la mejor dirección, a la mejor actriz y al mejor actor. Por su parte, el Premio Zabaltegi-Tabakalera ha ido a parar a Godland (Dinamarca-Islandia-Francia-Suecia), de Hlynur Pálmason, que participó en la sección Un Certain Regard de Cannes.

El Premio Nest ha recaído en el cortometraje Montaña azul (Colombia), de Sofía Salinas y Juan David Bohórquez, de la Universidad Central de Colombia, y la mención especial de esta sección ha sido para Anabase (Suiza), del alumno de HEAD-Genève Benjamin Goubet.

Además, el Premio Irizar al Cine Vasco lo ha ganado Suro (España), el debut en el largometraje de Mikel Gurrea incluido en la Sección Oficial, y la mención especial ha sido para A los libros y a las mujeres canto (España), película de María Elorza seleccionada en New Directors. El largometraje Suro también ha sido merecedor del Premio Fipresci.

Por otro lado, el Premio del Público Ciudad de Donostia / San Sebastián que elige el público de la sección Perlak ha sido para Argentina, 1985, filme de Santiago Mitre que obtuvo el Premio Fipresci en la Mostra de Venecia, y el Premio del Público a la Mejor película europea se lo ha llevado As bestas (España), con la que Rodrigo Sorogoyen participó en la sección Cannes Première.

Tras la gala ha tenido lugar el estreno mundial de Marlowe, la nueva película de Neil Jordan, que ha acudido a San Sebastián en compañía de dos de los intérpretes del filme, Liam Neeson y Diane Kruger.

Jorge Fons (1939-2022)

El director de cine mexicano Jorge Fons, ganador de premios como el Goya de España, el Oso de Plata de Berlín y el Ariel de México, falleció a sus 83 años de edad.

Fons, nacido en Tuxpan, Veracruz, el 23 de abril de 1939, destacó por El callejón de los milagros (1995), una película basada en el libro homónimo de Naguib Mahfuz (1947) y protagonizada por Salma Hayek, que obtuvo el premio Goya a “Mejor película extranjera de habla hispana” en 1996.

En México era conocido por su película Rojo amanecer (1989), sobre la matanza del Estado contra estudiantes el 2 de octubre de 1968 en la plaza de Tlatelolco, con la que obtuvo 11 premios Ariel, que reconoce lo mejor del cine mexicano.

Además, su filme Los Albañiles (1976) obtuvo el Oso de Plata en el festival internacional de cine de Berlín, Berlinale.

Mientras que su cortometraje Caridad (1973) se considera uno de los mejores en la historia de México.

La Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas (AMACC), que el fallecido director presidió de 1998 a 2002, lamentó la muerte del cineasta: “Se nos fue Fons. La AMACC abraza a su familia y a la comunidad por esta pérdida. Director de cintas emblemáticas como 'Rojo amanecer' y 'El callejón de los milagros', Fons encabezó la renovación de la AMACC. Miembro emérito de la misma y Ariel de Oro 2011. Te vamos a extrañar, Jorge”, publicó en sus redes sociales.

La Secretaría de Cultura de México se sumó también a las condolencias: “Se va un gran cineasta, de los que se atrevieron a mostrar un mundo que parecía invisible y poner en pantalla las realidades que permanecían silenciadas. Gracias por tu obra, descansa en paz, maestro Jorge Fons”, escribió en Twitter la Secretaria de Cultura, Alejandra Frausto. 

¡Vuelven los Globos de Oro!

La Asociación de la Prensa Extranjera de Hollywood (HFPA, por sus siglas en inglés) y la cadena NBC volverán a trabajar juntas para la transmisión de la octogésima entrega de los Premios Globos de Oro que se celebrará el martes 10 de enero del 2023.

El cambio de domingo a martes se debe a que el primer domingo del 2023 es Año Nuevo, el segundo (8/ene) es el último domingo de la temporada regular de la NFL, siendo un conflicto con la programación del NBC Sunday Night Football; y el tercer domingo (15/ene) ya está reservado para los Critics Choice Awards.

Cabe señalar que el regreso de la ceremonia televisada forma parte de un acuerdo de solo un año, para permitirle a la HFPA explorar nuevas oportunidades de distribución nacional y global a través de una variedad de plataformas en el futuro. De hecho, esto último se relaciona a las exigencias del público que pide las transmisiones de ceremonia de premios no solo se puedan ver por la señal tradicional de television.

Esta noticia llega tras poco más de un año de haberse desatado la polémica en torno a las malas prácticas que tenía la Asociación de la Prensa Extranjera de Hollywood, desde la poca apertura para nuevos miembros y falta de diversidad, así como la aceptación de regalos de parte de diferentes producciones a favor de una nominación o premio. Hasta principios de septiembre, la HFPA ya contaba con 200 miembros, poco más del doble de los que había.

Por último, se informó que el último día para recibir la presentación de candidatas en cine y televisión será el lunes 7 de noviembre. El 12 de diciembre se darán a conocer a los nominados y el martes 10 de enero será la ceremonia.

TIFF 2022: “The Fabelmans”, Premio del Público.

Los Fabelman, la nueva película de Steven Spielberg recogió el People’s Choice máximo honor en el Festival de Cine de Toronto, que concluyó su 47ª edición.

La película de Spielberg obtuvo el máximo premio de audiencia de TIFF, que a menudo es un barómetro de futuras nominaciones a los Premios de la Academia. “Esta es la película más personal que he hecho y la cálida acogida de todos en Toronto hizo que mi primera visita al TIFF fuera tan íntima y personal para mí y toda mi Fabelman familia”, dijo el director en un comunicado luego del anuncio de su victoria.

Los Fabelman, coescrita con Tony Kushner, marca la primera vez que el ganador del Oscar estrena una película en el Festival de Cine de Toronto. Las memorias de la infancia se lanzarán el 11 de noviembre a través de Universal. Otra película familiar autobiográfica sobre la infancia de un director, la de Kenneth Branagh, Belfast, fue nombrado el ganador del premio de la audiencia en Toronto en 2021.

El primer finalista del Premio del Público fue el filme de Sarah Polley Women Talking, mientras que el segundo finalista fue para Glass Onion, de Rian Johnson.

El premio People’s Choice al mejor documental fue para Black Ice, de Hubert Davis, una película sobre el racismo sistémico en el hockey sobre hielo canadiense, mientras que el premio principal de la audiencia al mejor título de la barra lateral de Midnight Madness fue para Weird: The Al Yankovic Story, de Eric Appel.

Ganadores anteriores del Premio del Público TIFF, incluidos The Room, La La Land, 12 años de esclavitud y Nomadland recibió un aventón del festival canadiense en su camino a ganar el Premio de la Academia.

Los premios People’s Choice Awards son votados por los asistentes al TIFF. Los participantes no podían votar más de una vez en línea usando su dirección de correo electrónico, ya que TIFF midió el origen de cada voto y los comparó con la información y la base de datos del comprador de boletos del festival.

En la entrega de premios del jurado, el director Anthony Shim ganó el premio Platform por Riceboy Sleeps, un drama familiar sobre la dislocación, la reconciliación y el amor. “Estoy encantado de tener Riceboy Sleeps reconocido por los programadores, el jurado de la Plataforma y el público del TIFF de este año. Fue asombroso ver la reacción a la película en la que nuestro equipo trabajó tan duro y que es un proyecto tan profundamente personal”, dijo Shim, quien dirigió, escribió, editó, produjo y protagonizó la película.

El premio FIPRESCI recayó en A Gaza Weekend, el primer largometraje de Basil Khalil, mientras que el premio NETPAC lo recogió Jub Clerc por su propia ópera prima, Sweet As, una historia sobre la mayoría de edad de una niña indígena de 15 años.

El premio Short Cuts fue para Snow in September, de la directora Dulmaa Purev-Ochir, y el premio al mejor corto canadiense fue para Simo, de Aziz Zoromba. El premio Share Her Journey fue para la directora Carol Nguyen por Nanitic, un cortometraje realizado durante la pandemia; el director fue diagnosticado con COVID-19 mientras participaba en la 47ª edición de Toronto.

En otra entrega de premios, el Premio Voz Amplifica fue para Leonor Will Never Die, de Martika Ramírez Escobar, después de que la película también obtuviera un Premio Especial del Jurado en Sundance; To Kill a Tiger, de Nisha Pahuja, sobre la búsqueda de justicia de una familia india después de que una adolescente es brutalmente agredida, ganó el premio Amplify Voices a la mejor película canadiense, mientras que la mejor película de un cineasta BIPOC fue para While We Watched, de Vinay Shukla.

Los jurados del TIFF también otorgaron el Premio Changemaker a Luis De Filippis por su nueva película, Something You Said Last Night.

Hay que recordar que, durante los últimos años, cada una de las ganadoras del TIFF en las categorías principales han sido nominadas a Mejor Película para el premio Oscar y han obtenido otras nominaciones. En 2020, Nomadland ganó en Toronto y meses después ganó el Oscar a la mejor película. Lo mismo sucedió con:  Green Book (en 2018), 12 años de esclavitud (en 2013) y El discurso del Rey (en 2010).

“Lo que se hereda”: la epifanía de Victoria Linares Villegas.

No es nada fácil ser la oveja cineasta de la familia. Y eso apenas es la punta del iceberg. El maldito bullying criollo hará lo suyo, como a la arepa: candela por arriba, candela por abajo, si no te conviertes en lo que tu familia y la sociedad despersonalizadora quieren: en nada, en un bagazo que se ahoga en su tristeza y sonríe para las fotos de Instagram.

Como en una película de Godard, la vida de Victoria Linares Villegas dio un giro de 180 grados, cuando una conversación cualquiera le regaló un punto de giro inmejorable: entre sus ancestros alguien había abrazado la libertad de ser y, por si fuera poco, ejerció el oficio de cineasta: Oscar Torres.

La mención de Jean-Luc Godard no es gratuita: Linares Villegas es una rara avis de la fauna local que conoce la esencia del Maestro francés y lo aprecia en todo su valor. Lo menciono porque quien conoce el cine de Godard, puede percibir sus evidentes influencias en Lo que se hereda.

 

Hacer Cine desde las entrañas.

Una cosa es hacer películas y otra muy distinta hacer Cine, de ese que se escribe con mayúsculas. Linares Villegas se entrega en cuerpo y alma a un proyecto que, para colmo, desafió las tremendas limitantes de la pandemia del covid 19. Una aventura hacia lo desconocido para la que contó con cómplices envidiables: su familia.

En efecto, reconstruir a partir de la evidencia encontrada la vida de Oscar Torres, primer director dominicano de cine que se destacó en el extranjero (bastaría recordar Realengo 18, rodada en Cuba conjuntamente con Eduardo Manet), un referente de sensibilidad social que no ha sido conocido como se merece por los dominicanos. Torres se vio obligado a renunciar a muchas cosas a lo largo de su vida: a la comprensión de sus lectores a las crónicas que publicaba en El Caribe, a la aceptación de sus cercanos a su preferencia sexual, a la tolerancia de la Revolución Cubana en plena campaña de lanzamiento de las Umap, y un larguísimo etcétera.

Ese proceso de reconstrucción, es una catarsis que Linares Villegas aprovecha para reflexionar sobre el camino que ella misma ha transitado, a contracorriente de proyecciones ajenas desvinculadas de los deseos propios. Un estadio que le permite reflexionar sobre su condición de mujer y cineasta, de ser y estar inmersa en el mundo de las falsedades a 24 por segundo.

Vuelvo a Godard y su influencia: dos fotos, una de Oscar y otra de Victoria (sí ombe, vamos a llamarlos por sus nombres y renunciar a toda formalidad, que ya son de confianza). Es posible, más allá de las pruebas de ADN, fundir sus pedazos para lograr un nuevo modelo, que prescinde de estereotipos y clasificaciones (y calificaciones) discriminatorias. Todo con un montaje godardiano que hace trizas las argumentaciones estériles y los secretos mejor guardados.

Ese montaje disruptivo tiene sus pausas, no todo es huracán. También está el mar Caribe como espejo de soledades, como líquida zona de confort frente a tanta incertidumbre, cámara en mano puede ser un lienzo disponible para soñar utopías.

Lo que se hereda, como documento cinematográfico, es un valioso ejercicio de plenitud en la satisfacción del deber cumplido, una epifanía de la Victoria, alejada (por suerte) de todo sustrato religioso: la vaina es personal contra el “no se puede”, contra el “deja eso así”, contra el “no toques esa tecla”. El más duro mentís contra aquellos que nunca creyeron en la tarea de conquistar el cielo o en la maravillosa posibilidad de esculpir en el tiempo (como diría Tarkovski) y librar una lucha cuerpo a cuerpo contra el olvido. Para los más escépticos, como a las vírgenes de yeso, un bate puede hacerles entrar en razón.

Lo que se hereda (2022). Dirección y guion: Victoria Linares Villegas; Fotografía: Francisca Sáez Agurto; Edición: Melisa Miranda Ulloa; Elenco: Victoria Linares Villegas, Oscar Torres, Milvio Linares, Amarilis Villegas, Stephany Liriano.

Irene Papas (1929-2022)

Irene Papas, la actriz y cantante griega conocida por sus actuaciones dramáticas y su austera belleza que le granjearon papeles protagónicos tanto en Hollywood como en el cine francés e italiano a lo largo de seis décadas, ha muerto. Tenía 93 años.

El ministerio de Cultura griego confirmó el deceso.

“Magnífica, majestuosa, dinámica, Irene Papas era la personificación de la belleza griega en la pantalla cinematográfica y el escenario teatral, una estrella internacional que irradiaba la esencia griega”, dijo la ministra de Cultura, Lina Mendoni, en un comunicado.

Su actuación protagónica en Los cañones de Navarone (1961), junto a Gregory Peck, y en Zorba el griego (1964), junto a Anthony Quinn, la llevaron al estrellato internacional. En total actuó en medio centenar de filmes.

Irene Lelekou nació en una aldea de montaña cerca de Corinto, en el sur de Grecia. Sus padres eran maestros de escuela y su padre también era maestro de drama.

A los 18 años se casó con el cineasta griego Alkis Papas a pesar de la desaprobación de su familia. Se divorciaron cuatro años después. Después de la muerte del actor estadounidense Marlon Brando en 2004, Papas reveló en una entrevista con un diario italiano que había tenido una relación con él.

Partidaria del Partido Comunista griego, fue una opositora acérrima de la dictadura militar que gobernó de 1967 a 1974 y pasó muchos años fuera de Grecia, en Roma, Nueva York y otras ciudades.

Papas se destacó como actriz de la tragedia griega antigua. Muchos de sus papeles en el cine internacional eran de personajes griegos, pero también protagonizó el filme de mafia The Brotherhood (1968), junto a Kirk Douglas, y el western Tribute to a Bad Man (1956), junto a James Cagney.

El Centro Cinematográfico Griego con sede en Atenas dijo que Papas fue “la más grande estrella cinematográfica internacional griega” y que “su imagen es una impresión intemporal de la belleza femenina griega”.

New York 2022: el afiche.

Film at Lincoln Center presentó el afiche del 60º Festival de Cine de Nueva York de la fotógrafa Nan Goldin, quien protagoniza el documental de la selección Centerpiece de este año All the Beauty and the Bloodshed, que se estrena el 7 de octubre en Alice Tully Hall y acaba de recibir el León de Oro en Venecia.

Para celebrar el 60 aniversario del festival, Goldin ha diseñado dos carteles de edición limitada para conmemorar el hito. Se une a una lista de artistas de renombre que han contribuido con su trabajo al festival, incluidos Andy Warhol, Roy Lichtenstein, David Hockney, Julian Schnabel, Cindy Sherman, John Waters y Laurie Simmons.

Con estas firmas de artistas para NYFF, estos carteles han adquirido un significado cultural general a lo largo de los años, reflejando los temas de este año de celebrar el rango y el eclecticismo en el cine. El NYFF60 se llevará a cabo del 30 de septiembre al 16 de octubre en el Lincoln Center y en lugares de toda la ciudad.

Una de las artistas más importantes e influyentes de su generación, Goldin ha revolucionado el arte de la fotografía a través de su retrato franco y profundamente personal. Durante los últimos 45 años, Goldin ha creado algunas de las imágenes más imborrables de los siglos XX y XXI. Desde la década de 1970, su trabajo ha explorado nociones de género y definiciones de normalidad. Al documentar su vida y la de los amigos que la rodean, Goldin da voz y visibilidad a sus comunidades. En la década de 1980, estas imágenes de su “familia extendida” se convirtieron en el tema de su presentación de diapositivas y su primer libro, The Ballad of Sexual Dependency.

En 1985 su obra fue incluida en la bienal del Whitney Museum of American Art. Una década más tarde, en 1996, se inauguró una gran retrospectiva de su trabajo en el Whitney y realizó una gira por museos de toda Europa. En 2001, se llevó a cabo una segunda retrospectiva de la obra de Goldin, Le Feu Follet, en el Centro Pompidou de París, y realizó una gira internacional como The Devil's Playground. Una tercera retrospectiva This Will Not End Well, se inaugurará en el Moderna Museet, Estocolmo este otoño y viajará internacionalmente.

Entre las otras presentaciones de diapositivas del artista se encuentran Memory Lost, Sirens, Heartbeat, Fire Leap, All By Myself y The Other Side. En 2004, como parte del Festival d'Automne, su obra Sisters, Saints and Sibyls se exhibió en la Chapelle Saint-Louis de la Salpêtrière, París. Unos años más tarde, el Louvre encargó especialmente una presentación de diapositivas, exhibiendo la escopofilia resultante en 2010.

Goldin ha recibido numerosos premios, incluido el Commandeur des Arts et Des Lettres del gobierno francés en 2006, el premio Hasselblad en 2007, la medalla Edward MacDowell en 2012 y el premio Lucie por logros en retratos en 2014. Su trabajo ha sido publicado extensamente. Las publicaciones seleccionadas incluyen The Other Side (1993), A Double Life (con David Armstrong, 1994), Tokyo Love (con Nobuyoshi Araki, 1995), I'll Be Your Mirror (1997), Ten Years After (1997), The Devil's Playground (2003), The Beautiful Smile (2008), Eden and After (2014) y Diving for Pearls (2016).

En 2017, el artista fundó el grupo PAIN (Prescription Addiction Intervention Now), que aborda la crisis de la guerra contra las drogas apuntando a las compañías farmacéuticas que se han beneficiado de las adicciones y muertes de más de medio millón de estadounidenses. PAIN aboga por la reducción de daños, la despenalización de las drogas y los tratamientos que salvan vidas para los usuarios de drogas.

Oscar 2023: “Alcarràs” postulada por España.

La Academia de Cine ha elegido Alcarràs, dirigida por Carla Simón, como representante española en la 95 edición de los Premios Oscar. La actriz Carmen Maura, acompañada por el presidente de la Academia, Fernando Méndez-Leite, y la notaria Eva Fernández Medina, ha anunciado la decisión de los académicos en un acto que tuvo lugar en la Academia de Cine.

Ganadora del Oso de Oro en el Festival de Berlín, Alcarràs es el segundo largometraje de Carla Simón, que con su debut Verano 1993 se hizo con el Goya a Mejor Dirección Novel. Es la segunda vez que una película de Simón representa a España en Hollywood, ya que Verano 1993 fue la representante española en los Oscar de 2018.

En Alcarràs, la realizadora vuelve a fijarse en su universo personal para narrar la historia de la familia Solé, que después de ochenta años cultivando la misma tierra se reúne para realizar juntos su última cosecha. Interpretada por actores no profesionales de la zona de Lleida y trabajadores de la tierra, la cinta también está preseleccionada para los European Film Awards, los premios de la Academia del Cine Europeo.

Tras conocer la noticia, los productores de la cinta, María Zamora, Stefan Schmitz y Tono Folguera, se acercaron a la Academia para manifestar su alegría por la selección, mientras que la directora intervino de forma telemática desde Barcelona. “Estamos muy agradecidos a los académicos y las académicas por confiar en nuestra película y estamos muy ilusionados por poder hacer esta carrera a la que vamos a dedicar todo el cariño y el tiempo del mundo”, agradeció Carla Simón, que detalló los próximos pasos en la promoción de Alcarràs, que pasan por el Festival de Nueva York y que cuentan con la alianza de la distribuidora Mubi en Estados Unidos y Reino Unido.

Sobre las fortalezas de la película y cómo está siendo su acogida internacional desde su presentación en Berlín también se pronunció la cineasta. “Más allá de la agricultura, el tema principal es la familia y todos tenemos una”, explicó sobre la universalidad del relato.

Habrá que esperar hasta el próximo 21 de diciembre de 2022, fecha en la que se desvelará la lista de finalistas de los Oscar, para conocer si la película continúa su carrera por lograr la estatuilla a la Mejor Película Internacional en la ceremonia de los Oscar, que tendrá lugar el 12 de marzo de 2023.

Dicen que ha muerto Godard.

Dicen que ha muerto Jean-Luc Godard, algo que es imposible para un cineasta con una obra cinematográfica tan trascendente, pieza clave de la evolución y refinamiento del lenguaje cinematográfico, motor impulsor de la Nouvelle Vague y uno de los nombres más influyentes ya no sólo a nivel europeo, sino a nivel mundial,

Nacido en París un 3 de diciembre de 1930, Godard creció y cursó sus primeros estudios en Suiza, únicamente para regresar a la capital francesa y cursar estudios de etnología en la prestigiosa universidad de la Sorbona. Fue durante esos años cuando comenzó a aflorar su pasión por el medio cinematográfico, convirtiéndose en un rostro reconocido en los cineclubs de la ciudad.

Su toma de contacto laboral con el medio cinematográfico fue en el campo de la crítica, en el que colaboró en la prestigiosa publicación Cahiers du Cinéma junto a su fundador André Bazin y otros críticos reconvertidos en cineastas de la talla de Éric Rohmer, Jacques Rivette, Claude Chabrol y François Truffaut.

Fue, precisamente, junto a estos dos últimos (Truffaut escribió el tratamiento y Chabrol de colaborador) con quienes dio forma a su primer largometraje, que se estrenó en 1960 bajo el título de Sin aliento (À bout de suffle) . Gracias a él, Godard se alzó con el Oso de Plata en el Festival de Berlín, dando el pistoletazo de salida a una carrera tan prestigiosa como laureada.

Ese mismo año, el autor franco-suizo rodó su segundo largometraje, titulado El soldadito, en el que trabajó con Anna Karina, quien se convertiría en su segunda esposa; otra de las muchas colaboraciones con miembros de la Nouvelle Vague que dieron como resultado títulos de la talla de Banda aparte, El desprecio, Vivir su vida, Alphaville o Pierrot el loco.

La carrera de Godard, que pasó por un periodo de fuerte reivindicación política a finales de los 60 y la primera mitad de los 70, se tradujo en infinidad de galardones y reconocimientos, incluyendo el Óscar honorífico de 2011, numerosas estatuillas en certámenes como Berlín o Venecia y, por supuesto, los premios del Jurado y la Palma de Oro especial en Cannes 2014 y 2018 por Adiós al lenguaje y El libro de las imágenes; sus dos últimos largometrajes.

Godard siempre va a representar una figura que cambió radicalmente el modo de ver, hacer y analizar cine, y es un cineasta cuya obra seguirá siendo de enorme influencia para los nuevos realizadores de todo el mundo. 

Cine Dominicano en New York Latino Film Festival.

El principal festival de cine latinoamericano de Estados Unidos, “New York Latino Film Festival (NYLFF)”, regresa con proyecciones en Regal Union Square (850 Broadway, NYC) del 12 al 18 de septiembre de 2022, con una lista de 105 películas de casi 10 países.

En esta edición, el festival presentará ocho (8) películas dominicanas. Además, el festival cierra con un evento gratuito al aire libre, presentado por Jim Beam y El Tesoro, en la Plaza Quisqueya de Washington Heights, con música en vivo, comida y una proyección de Winter Ball.

“La ciudad de New York alberga una de las comunidades dominicanas más grandes de los Estados Unidos. Estamos emocionados de traer algunas de las mejores películas de la República Dominicana a Manhattan. Invitamos a la diáspora dominicana a apoyar nuestras historias, cineastas y talento”, comentó el fundador del NYLFF, Calixto Chinchilla.

“Es un privilegio para nuestro país contar con 8 producciones cinematográficas dominicanas, dentro de la cartelera de NYLFF. Gracias al festival por resaltar nuestras producciones. Varias de estas han obtenido premios internacionales y estamos seguros que continuarán cosechando frutos. Si estas en New York no pierdas la oportunidad de disfrutar del cine dominicano”, destacó Marianna Vargas Gurilieva, directora general de la Dirección General de Cine de la República Dominicana (DGCine).

Películas dominicanas en cartelera:

-Winter Ball, dirigida por Gardner Grady Hall.

-Candela, dirigida por Andrés Farías

-Carajita, dirigida por Silvina Schnicer, Ulises Porra

-Jupía, dirigida por José Gómez de Vargas, Julietta Rodríguez

-Perejil, dirigida por José María Cabral

-Morena(s), dirigida por Victoria Apolinario, Iván de Lara

-Dossier de ausencias, dirigido por Rolando Diaz

-Al final de la calle, dirigido por Víctor Grullón

NYLFF es presentado por Warner Bros. Discovery. Los principales patrocinadores incluyen HBO Max, Comcast NBCUniversal Telemundo, American Airlines, con el apoyo adicional de Motion Picture Association. Otro patrocinadores, Regal Cinemas, Sony Pictures Entertainment, Disney Documentary Films, Jim Beam, El Tesoro, Nielsen, The Quintessential Gentleman, Talento Unlimited y Third World Newsreel. Este evento también es posible gracias al apoyo del Mayor’s Office of Media and Entertainment.

NYLFF es el principal evento de cine latino urbano de Estados Unidos. Fundado por Calixto Chinchilla en 1999, tiene como objetivo crear audiencias para el cine latino, apoyar a la comunidad cinematográfica y fomentar las relaciones con el talento latino.