Cars 2, el nuevo éxito de Pixar.

Ya tenemos entre nosotros a Cars 2, la propuesta Pixar para el verano del 2011, y no me aprovecho la ocasión para destacar el éxito arrollador de la Factoría Pixar, un proyecto de John Lasseter que ha llegado al infinito (rigor creativo) y más allá: 6 premios Oscar con 11 filmes.
Esta impresionante historia de éxitos comenzó en 1995 con el lanzamiento de Toy Story, dirigida por John Lasseter. Este fue el primer filme completamente generado por computadoras (CGI, por sus iniciales en inglés) y significó el descubrimiento de un nuevo mundo de posibilidades en el campo de la animación. Fue galardonado con un Oscar especial.
Le siguió Bichos (1998, John Lasseter) que recaudó unos US$163 millones en las taquillas. Toy Story 2 fue lanzada en el 1999 y sus US$246 millones en las taquillas no dejaban lugar para las dudas: estaban en presencia de un filón de oro.
Monsters, Inc (2001) no sólo significó el debut como realizador de Pete Docter, sino también el establecimiento de Pixar como indiscutible sello de garantía taquillera: su recaudación fue de US$256 millones.
Vino entonces Buscando a Nemo (2003). Otro de los animadores de Pixar, Andrew Stanton, debutó como realizador del filme que recaudó unos US$340 millones y se llevó el Oscar como Mejor Filme de Animación.
Los increíbles fue el lanzamiento Pixar para el 2004. Esta vez dirigió Brad Bird, la taquilla fue excelente (US$261 millones) y se llevó el Oscar como Mejor Filme de Animación.
Cars en el 2006 sirvió para la vuelta de Lasseter como director y engrosó a las arcas de sus productores la nada despreciable suma de US$244 millones.
Ratatouille (2007), segundo trabajo de Brad Bird, se disfrutó como un plato gourmet por los cinéfilos y consiguió US$206 millones en las taquillas.
En el 2009, Wall-E (Andrew Stanton) sobrepasó todas las expectativas: US$223 recaudados y su flamante Oscar como Mejor Filme de Animación. Ojo: la Asociación de Críticos de Los Angeles la eligió Mejor Filme del Año.
El 7 de marzo de 2010, UP: una aventura de altura, de Pete Docter, fue premiada con el Oscar a la Mejor Película de Animación, abrió el Festival de Cannes y sumó US$293 millones a los bolsillos de sus felices productores.
Como se esperaba, el pasado 27 de febrero Toy Story 3 consiguió el premio Oscar para el mejor filme animado. No olviden que, además, fue el filme más taquillero del 2010, con una recaudación de $415 millones de dólares solamente en Estados Unidos.
La cosecha continuará para Pixar: The Bear and the Bow es su otra propuesta para este año, mientras se ultiman detalles para el lanzamiento de Brave el 22 de junio de 2012.
Espera su turno al bate Sulley (el oso de Monsters) que reaparecerá en el 2013. Ya lo esperamos con una sonrisa a flor de piel.

Las mejores películas del cine

En 1952, la revista Sight & Sound hizo una encuesta entre los principales críticos de cine del mundo para determinar las mejores películas del cine.
Esa es la lista que se tiene como marco de referencia cuando se habla del tema y, cada década, se hace la encuesta de nuevo. Es decir, dentro de unos meses se darán a conocer los resultados de la nueva encuesta con el añadido de un listado adicional de las favoritas de unos 100 directores.
Desde 1962, Ciudadano Kane (1941, Orson Welles) encabeza el listado. Como cosa curiosa hay que decir que también encabeza el listado del American Film Institute como la mejor película americana de todos los tiempos. Sin duda, el formidable filme de Welles es una joya de realización, producto de sus geniales obsesiones y reinventó la forma de contar para el cine.
La segunda posición es para Vértigo (1958, Alfred Hitchcock), el filme que le permitió al maestro del suspenso mostrar su ingenio para convertir este género del cine en un vehículo para expiar sus delirios personales.
El tercer puesto lo ocupa La regla del juego (1939, Jean Renoir). El cine de Renoir es clave en el proceso de desarrollo del cine francés y europeo, sirviendo de inspiración para sus alumnos de La nueva ola. Cualquier filme de cuestionamiento de la sociedad le debe a la obra maestra de Renoir.
La cuarta posición es para El Padrino I y II (Francis Ford Coppola). Nunca he podido describir las huellas que me han dejado estos filmes de Coppola, mis favoritos de favoritos. Más allá de la Mafia, de la vida de inmigrantes, de rebelarse contra Hollywood, Coppola expone sobre la naturaleza del alma del hombre.
El quinto puesto lo ocupa Cuentos de Tokio (1953, Yasujiro Ozu), pocos filmes tratan con tanta precisión la brecha generacional entre padres e hijos y pocos filmes producen tanto impacto emocional más allá de lo que se muestra en pantalla.
En 1968 todavía el hombre no había pisado la luna. Sin embargo, Stanley Kubrick dirigió 2001: Odisea del espacio, que todavía hoy se considera la mejor película de ciencia-ficción y ocupa la sexta posición. Olvídese de los efecticos especiales que se producen hoy día, Kubrick era un verdadero visionario.
El puesto 7 es para El acorazado Potemkin (1925, Sergei Eisenstein), una verdadera demostración de las posibilidades expresivas y narrativas del cine, a partir de su edición. Eisenstein teorizó mucho al respecto, pero también convirtió en axiomas sus teorías.
La octava posición es para Amanecer (1927, Friedrich Murnau), primer trabajo en Estados Unidos del alemán que introdujo el punto de vista subjetivo en el cine. Murnau, como muchos, no necesitaba del sonido para comunicar efectivamente sus historias.
El puesto nueve es para 8 ½ (1963, Federico Fellini), un filme amado hasta morir por los directores porque presenta magistralmente la agonía y el éxtasis del proceso de creación cinematográfica, de la mano del Maestro italiano.
La décima posición es para Cantando bajo la lluvia (1952, Stanley Donen y Gene Kelly), un filme que define perfectamente lo que es un musical, imposible de ver sin que se le dibuje una sonrisa en el rostro del espectador.
Por supuesto, ya saben el problema de los listados: no están todas las que son, ni son todas las que están. Es por eso que un grupo de estudiosos han comenzado a cabildear a favor de algunos títulos.
Nick James hace campaña por Tres colores: Azul (1993, Krzysztof Kieslowski), Iain Sinclair por El Rey de New York (1990, Abel Ferrara), Peter Matthews por La tarea (1990, Abbas Kiarostami), Andy Medhurst por La boda de Muriel (1994, PJ Hogan), Amy Taubin por Haz lo correcto (1989, Spike Lee) y José D’Laura por Annie Hall (1977, Woddy Allen).

Ganadores del 64to. Festival de Cannes

The Tree of Life, del cineasta Terrence Malick, consiguió la Palma de Oro en la 64ta. edición del Festival de Cannes pero, alimentando su aura de anacoreta, no acudió a la gala de premiación.
La pelea de titanes por la Palma de Oro se saldó con la victoria de este realizador de escasas incursiones cinematográficas -seis películas en cincuenta años- pero con gran capacidad para crear expectación y misterio.
Pero las colas ante The Tree of Life -interpretada por Brad Pitt, Sean Penn y Jessica Chastain- habían sido las mayores de todo el certamen y su cinta, cuyo estreno había ido posponiendo durante años a causa del montaje, era todo un evento cinematográfico de gran potencia sensorial y con la ambición de, ni más ni menos, retratar la historia del universo.
Ganador del premio al mejor director en este mismo certamen por Días de cielo y poseedor también del Oso de Oro en Berlín por La delgada línea roja, The Tree of Life sedujo, pese a los abucheos del público y la división en la crítica, al jurado de Robert De Niro, quien dio la decimonovena Palma de Oro a la cinematografía estadounidense, recogida finalmente por el productor de la cinta.
Otra compatriota de Robert De Niro, la joven Kirsten Dunst, fue elegida la mejor actriz por Melancholía, donde retrata con sabiduría inusitada para una actriz de su edad la fragilidad mental de una persona depresiva.
En la categoría masculina, el premiado fue el francés Jean Dujardin, protagonista de la cinta con más calurosa acogida popular, The Artist, en la que se mimetiza de manera deslumbrante con el homenaje al cine mudo estadounidense.
Una de las sorpresas del palmarés fue el premio al mejor director para otro peculiar danés, Nicolas Winding Refn, por su honesto, atmosférico y brutal homenaje al cine de acción de los setenta en Drive, protagonizado por Ryan Gosling.
Y compartiendo el gran premio del jurado, dos vacas sagradas de Cannes: los hermanos Dardenne, que se quedaron a las puertas de su tercera Palma de Oro por la emocionante Le gamin au vélo, y el turco Nuri Bilge Ceylan, por Once Upon a Time in Anatolia.
La comedia israelí Footnote recibió al premio al mejor guión del propio director de la cinta, el israelí Joseph Cedar.
Y, para cerrar la lista de galardones, el premio del jurado recayó en la cinta francesa Polisse, de la realizadora y actriz Maïwenn.
El cine en castellano entró de refilón en el palmarés, puesto que Las acacias, del argentino Pablo Giorgelli, consiguió la Cámara de Oro al mejor debut visto en el certamen.

Luis Buñuel: genialidad a flor de piel

(Decir Vacaciones de Pascua es decir tiempo de Buen Cine. Esta vez le tocó a Buñuel y es como si todo se hubiera cumplido.
Debo agradecer a Jennifer Ross, Teddy Ureña, Pedro Estrella y Eriberto Cruz por su cinéfila solidaridad. –José)

Y dijo el Maestro Buñuel: “Soy ateo, gracias a Dios.”, y cambió por completo la historia del Cine presentando Un perro andaluz (1929), escrita a cuatro manos junto a Salvador Dalí, obra fundamental del movimiento surrealista. Este filme inquietó como ningún otro a las audiencias del mundo y estableció una nueva forma de provocar a través de las imágenes en movimiento.
Y dijo el Maestro Buñuel: “Los surrealistas luchábamos contra una sociedad a la que detestábamos, utilizando como arma principal el escándalo.” Y cumplió con creces cuando estrenó La edad de oro (1930), rodada gracias a la generosidad de unos aristócratas admiradores. La historia registra que fue incendiado el cine en la que se proyectaba y aquello era música para los oídos de los surrealistas.
Y dijo el Maestro Buñuel: “La casualidad es la gran maestra de todas las cosas. La necesidad viene luego. No tiene la misma pureza.” y, gracias al patrocinio de un amigo que se sacó la lotería, rodó Las Hurdes, tierra sin pan (1933) un trabajo en el que mostraba su extraordinaria sensibilidad social, puesta de manifiesto en filmes posteriores como Los olvidados (1950), Premio al Mejor Director en el Festival de Cannes.
Y dijo el Maestro Buñuel: “Si me dijeran: te quedan veinte años de vida, ¿qué te gustaría hacer durante las veinticuatro horas de cada uno de los días que vas a vivir?, yo respondería: dadme dos horas de vida activa y veinte horas de sueños, con la condición de que luego pueda recordarlos; porque el sueño sólo existe por el recuerdo que lo acaricia.” Y llenó su cine (y nuestras vidas) de sueños, de manera deliberada, con clarividencia genial, en filmes como Los olvidados y Bella de día (1966) (León de Oro en el Festival de Venecia) y El discreto encanto de la burguesía (1972).
Y dijo el Maestro Buñuel, cuando El discreto encanto estuvo entre las nominadas al Oscar: “Estoy convencido de que obtendrá el Óscar. Ya he pagado los veinticinco mil dólares que me han pedido. Los norteamericanos tienen sus defectos, pero son hombres de palabra.” Y la Academia de Hollywood protestó por las declaraciones ofensivas… pero convirtió a Buñuel en el primer director español que ganaba el premio.
Y dijo el Maestro Buñuel: “Creo que el cine ejerce cierto poder hipnótico en el espectador. No hay más que mirar a la gente cuando sale a la calle, después de ver una película: callados, cabizbajos, ausentes.”, y realizó obras como Nazarín (1958, Palma de oro en Cannes), Viridiana (1961, Palma de oro en Cannes), El ángel exterminador (1962) y Simón de desierto (1965, León de plata en el Festival de Venecia) que todavía hoy ejercen una fascinante influencia en las audiencias y nos dejan una interminable serie de preguntas.
Y dijo el Maestro Buñuel: “Me gustan las culebras y, sobre todo, las ratas. Toda mi vida he vivido con ratas, salvo en los últimos años. La rata es un animal apasionante y muy simpático.” Y, para sobresalto de sus seguidores, están presentes en filmes como Viridiana y Ese oscuro objeto del deseo (1977).
Y dijo el Maestro Buñuel: “Yo he pasado en los bares horas deliciosas. El bar es para mí un lugar de meditación y recogimiento, sin el cual la vida es inconcebible.”, y gracias a varios dry-martinis salvó alguna de sus películas como cuando decidió que Ese oscuro objeto del deseo fuera protagonizada por dos actrices (Carole Bouquet y Angela Molina) en el mismo personaje, algo inédito en la historia del cine. El filme ganó el Premio Especial en el Festival de San Sebastán.
Y dijo el Maestro Buñuel: “En sueños, y creo que mi caso no es insólito ni mucho menos, nunca he podido hacer el amor de una manera realmente completa y satisfactoria. El obstáculo más frecuente consiste en las miradas. Cuando por fin creía que había llegado el momento de la penetración, encontraba el sexo cosido, obturado.”, y esa imposiblidad está presente como detonante dramático en Viridiana, El ángel exterminador, Tristana (1970), Bella de día y Ese oscuro objeto del deseo, entre otras.
Y dijo el Maestro Buñuel: “No me gustan la psicología, el análisis y el psicoanálisis. Desde luego, tengo excelentes amigos entre los psicoanalistas, y algunos han escrito para interpretar mis películas desde su punto de vista.”, y nos hemos cansado, ay, de buscar los símbolos contenidos en filmes como Viridiana, La vía láctea (1968), El discreto encanto de la burguesía y El fantasma de la libertad (1974).
Y dijo el Maestro Buñuel: “Una de las encuestas surrealistas más célebres comenzaba con esta pregunta:«¿Qué esperanza, pone usted en el amor?» Yo respondí: «Si amo, toda la esperanza, si no amo, ninguna.» Amar nos parecía indispensable para la vida, para toda acción, para todo pensamiento, para toda búsqueda.”, y todavía no hemos aprendido la lección.

64to. Festival de Cannes: la selección oficial

Sorprendente confrontación generacional y estilística entre las películas que competirán en el 64to. Festival de Cannes, del 11 al 22 de mayo de 2011, cuya selección oficial ha anunciado el delegado general del certamen, Thierry Frémaux.
Así pues, figuran en competición 19 títulos, ocho de los cuales están dirigidos por primerizos en la Croisette: una proporción enorme que demuestra la intención de dar un nuevo impulso al festival.
Los grandes nombres del cine mundial se mantienen, con todo, fieles a la cita: cuatro antiguos ganadores de la Palma de oro (Lars von Trier, Nanni Moretti y los hermanos Jean-Pierre y Luc Dardenne) y siete directores laureados con otros premios en Cannes (Almodóvar, Kaurismäki, Sorrentino, Cavalier, Bilge Ceylan, Kawase y Malick) competirán por el máximo galardón.
Sin embargo, la 64ta. edición también abre sus puertas a una nueva pléyade de autores integrada, además de por Bonello, que participará por segunda vez en el certamen, por nada menos que ocho neófitos que lucharán por llevarse la palma: Maïwenn, Ramsay, Winding Refn, Mihaileanu, Miike, Cedar, Schleinzer y Leigh (los dos últimos con sus primeros largometrajes bajo el brazo).
Destaca también la presencia de cuatro directoras en la selección oficial de este año, una cifra récord.
Europa domina con claridad la competición oficial: 12 películas firmadas por tres franceses (Bertrand Bonello, Alain Cavalier y Maïwenn), dos italianos (Nanni Moretti y Paolo Sorrentino, quien dirige su primera película en lengua inglesa) y por el español Pedro Almodóvar, que finalmente ha aceptado la invitación de Cannes después de haberse planteado retrasar la entrada de su último trabajo en el circuito festivalero.
A ellos hay que añadir un danés (Lars von Trier), una pareja belga (los hermanos Dardenne), una británica (Lynne Ramsay), un finlandés (Aki Kaurismäki), un rumano (Radu Mihaileanu) y un austriaco (Markus Schleinzer).
El turco Nuri Bilge Ceylan hace de enlace entre el Viejo Continente y Asia, que contará con dos japoneses (Naomi Kawase y Takashi Miike con una película de samurais) y con el israelí Joseph Cedar.
Latinoamérica es la gran ausente en la carrera por la Palma de oro, mientras que Australia estará representada por Julia Leigh y Estados Unidos, por Terrence Malick (que vuelve a la competición que lo descubrió en 1979) y Drive, dirigida por el danés Nicolas Winding Refn.

Fuera de concurso se proyectará una apetitosa serie de películas, comenzando por Midnight in Paris, de Woody Allen, que abrirá el festival. La seguirán Piratas del Caribe: En mareas misteriosas, de Rob Marshall; The Beaver, de Jodie Foster, y La conquête, de Xavier Durringer (que analiza la campaña de Nicolas Sarkozy durante las últimas elecciones presidenciales).
Selección oficial

Competición
La piel que habito - Pedro Almodóvar (España)
L’Apollonide - Bertrand Bonello (Francia)
Footnote - Joseph Cedar (Israel)
Pater - Alain Cavalier (Francia)
Once Upon a Time in Anatolia - Nuri Bilge Ceylan (Turquía)
Hanezu no Tsuki - Naomi Kawase (Japón)
Le Gamin au Vélo - Luc y Jean-Pierre Dardenne (Bélgica)
Le Havre - Aki Kaurismäki (Finlandia)
Sleeping Beauty - Julie Leigh (Australia)
Tree of Life - Terrence Malick (Estados Unidos)
Polisse - Maïwen (Francia)
La Source des femmes - Radu Mihaileanu (Francia)
Habemus Papam - Nanni Moretti (Italia)
Ishimei (Hari-Kiri: Death of a Samurai - Takashi Miike (Japón)
Michael - Markus Schleinzer (Austria)
We Need to Talk About Kevein - Lynn Ramsey (Reino Unido)
Melancholia - Lars von Trier (Dinamarca)
This Must Be The Place - Paolo Sorrentino (Italia)
Drive - Nicolas Winding Refn (Estados Unidos).

Verano cinematográfico USA 2011

Hollywood es una maquinaria de hacer dinero en las taquillas y cada verano es la ocasión para demostrarlo.
Como cada año, el verano (cinematográfico) comienza cada vez más temprano y para la ocasión arranca el 29 de abril con la quinta parte de Rápido y furioso, o sea, más de Vin Diesel, ahora en Brasil. ¿Necesitan alguna referencia?.
Este es el resto de los títulos, con su fecha de estreno en Estados Unidos:
6 de mayo: Thor con Chris Hemsworth, botado como un perro del Olimpo, y Natalie Portman, recién premiada ella.
13 de mayo: Bridesmaids, comedia de enredos con Kristen Wiig y Maya Rudolph.
20 de mayo: Piratas del Caribe, la saga que protagoniza Johnny Deep. ¿Necesitan alguna referencia?
27 de mayo: ¿Qué pasó ayer? 2, era de esperarse después del éxito de la comedia que protagoniza Bradley Cooper que hicieran la secuela. Lo único que cambia: en vez de Las Vegas, ahora en Tailandia.
3 de junio: X-man: First Class, protagonizada por James McAvoy y Jennifer Lawrence.
10 de junio: Super 8 es el nuevo trabajo de J.J. Abrams, producido por Steven Spielberg.
17 de junio: Linterna verde, otro superhéroe, esta vez encarnado por Ryan Reynolds.
24 de junio: Cars 2 ¡y terminará la espera! de quienes disfrutamos con la primera entrega de estas divertidas historias de John Lasseter y Brad Lewis.
1 de julio: Transformers 3: para ser sincero, yo no entendí la segunda parte, pero como hizo tanto dinero, Michael Bay nos pondrá más robots a luchar.
8 de julio: One Day, la comedia romántica del verano con Anne Hathaway y Jim Sturges.
15 de julio: Harry Potter y las reliquias de la muerte (Parte 2). Con este filme acaba una de las sagas más exitosas del cine.
22 de julio: Capitán América, otro superhéroe, protagoniza Chris Evans y dirige Joe Johnston.
29 de julio: Los pitufos, para quienes disfrutamos de la serie de los enanitos azules, podremos verlos en pantalla grande y 3D.
5 de agosto: Rise of the Planet of the Apes. ¿Otra vez? No se cansan de intentarlo con las versiones de la serie de televisión. Su mejor carta de triunfo: protagoniza James Franco.
12 de agosto: 30 minutes or less. Jesse Eisenberg, nominado gracias a La red social, protagoniza este thriller de un repartidor de pizzas puesto a prueba por unos bandidos.
19 de agosto: Conan el bárbaro. ¿Otra vez?
26 de agosto: Final Destination 5. ¿Necesito decir algo?
2 de septiembre: Colombiana, protagonizada por Zoe Saldaña en una especie de Kill Bill latinoamericana.
9 de septiembre: Warrior con la dupla de Tom Hardy y Nick Nolte.
23 de septiembre: Abduction protagonizada por la parejita de los titulares: Taylor Lautner y Lilly Collins.

Natalie Portman es el cisne negro de Darren Aronofsky

Para comenzar, una pertinente aclaración que ha hecho Darren Aronofsky, director de El cisne negro, ante el reclamo que hizo público la doble de Natalie Portman: “Hay 139 tomas de ballet en el filme. 111 de ellas son de Natalie Portman sin ningún tipo de retoque.”. Punto y aparte.
Hace unos años, trece para ser exactos, Darren Aronofsky sorprendió al mundo del cine con Pi, una joya sobre un matemático paranoico en la búsqueda de un número clave que descodificar los misterios de la naturaleza.
Lo que encontramos fue mucha paranoia, que luego descubrimos es una de las constantes en los personajes de Aronofsky, presente, en dosis letales, en El cisne negro.
Hace unos años, diecisiete para ser exactos, Natalie Portman se convertía en el objeto de las fantasías sexuales con su participación en El profesional. Esas fantasías seguían vigentes cuando hizo Closer, en la que compartió protagonismo con Julia Roberts, a quien está llamada a suceder como “la novia de América”.
Portman exuda una sensualidad a flor de piel que renueva nuestras fantasías (explotada en la reciente Amigos con beneficios) y ejercita una sonrisa que desarma al más salvaje varón. Pero, ojo, también sabe actuar y lo ha demostrado con creces en El cisne negro, por la que no sólo ha ganado el Oscar, sino también el Bafta, el Globo de oro, el Premio SAG y de más de una docena de las asociaciones de críticos de Estados Unidos.
Aronofsky explora los oscuros abismos de la paranoia en filmes como Réquiem por un sueño (2000) y El luchador (2008). Con la última, El cisne negro comparte el tema de la angustiosa búsqueda de la perfección profesional que nos lleva a la auto-destrucción personal.
Aunque no fue la idea original, el competitivo mundo del ballet se le hizo ideal para plasmar en escena todo el sacrificio personal que conlleva bailar El lago de los cisnes. Pero también la pérdida de la cordura cuando vemos en cada persona un rival o en cada evento un obstáculo para que alcancemos la perfección. Portman actúa de manera impresionante este estado paranoico y, aunque no suma a su calidad como actriz, gana puntos cuando nos enteramos de que pagó de su bolsillo el entrenamiento por un año que le permitió danzar en las escenas que era necesaria su presencia.
Aronofsky vuelve con sus piruetas técnicas habituales en que deforma la realidad para presentarnos la perspectiva de sus personajes, y ya no basta el “ver para creer” en este juego de espejos que cuestionan todo lo que vemos, porque antes debemos preguntarnos desde cuál óptica estamos siendo testigos de la vida y de la muerte.
Aronofsky seduce a la audiencia, nos seduce, como la Odile-cisne negro al Príncipe del cuento, y nos atrapa sin remedio en su laberinto hipnótico, peligroso, inexpugnable.

Temple de acero, el oeste de Joel y Ethan Coen

Acabo de ver Temple de acero y me pregunto: ¿Hay algún tipo de película que Joel y Ethan Coen no puedan dirigir?
Los Coen, sin duda, son un caso digno de estudio. Cuando revisamos su filmografía encontramos muchos géneros cinematográficos y las constantes que les son propias, a saber: mucho humor negro, algunos detalles macabros y la redención del loser. Y que ellos mismos editan sus filmes bajo el seudónimo de Roderick Jaynes.
Recordemos títulos como: Barton Fink (1991), el primer filme en la historia que conquistó los tres grandes premios en el Festival de Cannes: Palma de Oro, Mejor Guión y Mejor Actor (John Turturro); Fargo (1996), con el que consiguieron dos Oscars: Mejor Guión y Mejor Actriz (Frances McDormand) y, más recientemente, Sin lugar para los débiles (2007) con la que consiguieron 4 Oscars: Mejor Película, Mejor Director, Mejor Guión y Mejor Actor de Reparto (Javier Bardem).
Con Temple de acero consiguieron 10 nominaciones al Oscar y, aunque no ganaron en ninguna categoría, poca falta que les hace para convencernos.
Temple de acero es un western con todas las de la ley y lo primero que hay que anotar es que no se trata de un remake de clásico de 1969 que protagonizó el legendario John Wayne, sino de una nueva adaptación de la novela de Charles Portis.
Para la ocasión, como es habitual en ellos, han reunido un reparto de lujo: Jeff Bridges (en un desempeño mucho mejor que el premiado Crazy Heart); Matt Damon (impecable acento sureño, casi al borde de lo ininteligible); Josh Brolin (breve y efectivo) y la debutante Hailee Steinfeld (14 añitos y se roba el show).
Para la ocasión, como es habitual en ellos, han contado con la colaboración de Roger Deakins como Director de Fotografía. Es uno de los mejores del negocio y, si no me creen, cierren los ojos y recuerden los maravillosos fotogramas de: Sueño de fuga (1994), Fargo, Kundun (1997), El hombre que nunca estuvo allí (2001) o The Reader (2008), por sólo mencionar los filmes con los cuales ha estado nominado al Oscar.
Para la ocasión, también han contado la música de Carter Burwell, otro de sus habituales colaboradores y compositor en proyectos tan estimulantes como: Adaptation (2002), Fur (2006), In Bruges (2008) y Los chicos están bien (2010); y de cosas como Crepúsculo (2008).
Tantas excelencias combinadas han arrojado un filme que se disfruta en su aparente simplicidad: una jovencita busca vengar la muerte de su padre y contrata a un sheriff en decadencia para capturar al asesino. Contrasta la natural inocencia de la jovencita con el paisaje agreste y lleno de testosterona de viejo oeste, territorio para el que desenfunda su arma primero o cuenta con la gracia de los francotiradores.
Temple de acero es un filme bien realizado que me hace preguntarme: ¿Hay algún tipo de película que Joel y Ethan Coen no puedan dirigir?.

Temple de acero (2010). Dirección y guión: Joel y Ethan Coen, basada en la novela de Charles Portis; Fotografía: Roger Deakins; Música: Carter Burwell; Reparto: Jeff Bridges, Matt Damon, Josh Brolin, Hailee Steinfeld.

Verdad o reto, el nuevo trabajo de Joan Espino

Primer axioma de la temporada: Santiago y el Cibao albergan el movimiento cinematográfico más vigoroso del país (*). Como prueba de lo que digo, pongo de ejemplo a Joan Espino, joven cineasta que por estos días presenta su mediometraje Verdad o reto.
Verdad o reto es un brillante paso en la definición estilística de Espino, cercano en su estética a filmes latinoamericanos como Ciudad de Dios o clásicos como Los olvidados.
Espino, quien dedicó un poco más de dos años a la realización de este proyecto, está en el importante proceso de definir su personalidad fílmica y creo que este trabajo es un magnífico referente de lo que se puede hacer en el cine dominicano.
Se advierte en Verdad o reto un excelente manejo de los recursos dramáticos del guión, partiendo de la premisa de un grupo de niños que se desafían en un juego que va más allá de sus posibilidades y que enfrentan una situación que pone a prueba su entereza. El práctico encierro en un cementerio de autobuses al que se ven sometidos, más que una traba, se convierte en una herramienta para el adecuado desarrollo de los personajes.
Una cuidada puesta en escena revela el celo, casi obsesivo, por los detalles que acentúan la historia de estos carajitos. Pero rinde sus frutos: el filme inquieta, cuestiona, denuncia.
Se sienten las colaboraciones, el aporte de cada uno (especial mención para el músico Jaime Estepan) dentro de un equipo de trabajo que ha conjugado muchas voluntades, muchas energías para sacar adelante este proyecto, que merece ser exhibido en diferentes auditorios para que el público pueda aquilatarlo.
Joan Espino pone su verdad en celuloide con una indiscutible calidad. Su reto es consolidar una carrera que nos promete un cineasta de mucha proyección.


(*) Aunque a muchos le duela reconocerlo, el Cibao ha parido algunos de los movimientos artísticos más importantes: desde el Jueves 68 hasta el Ateneo Insular, pasando por los escritores más destacados del siglo XX: Bosch y Balaguer.

Rango: el oeste de Gore Verbinski

Hace unos años, un joven Gore Verbinski tomó una decisión que le cambió la vida: vendió su guitarra de rockero para comprarse su primera camarita de 8 mm.
Humildes inicios para quien hoy día, no sólo es reconocido como uno de los más talentosos directores de Hollywood, sino que también tiene en su record la película más taquillera en su primer fin de semana: Piratas del Caribe 2, con $135 de dólares.
Ahora Verbinski nos presenta Rango, su primer largometraje de animación, también primero para Industrial Light & Magic (ILM), la famosa compañía de George Lucas.
Rango es un camaleón con sueños de ser actor que, de repente, se queda abandonado en medio del desierto y debe salvar muchos obstáculos para poder contar su historia.
La premisa no es más que una excusa para que Verbinski, John Logan y James Ward Byrkit, sus co-guionistas, rindan homenaje al mundo del oeste repasando algunos de sus mejores clásicos: desde el parecido de nombres con DJango, el poderoso personaje que encarnó Franco Nero en 1966, hasta la referencia al “Hombre sin nombre” que encarnara Clint Eastwood en Por un puñado de dólares (1964).
Y sin olvidarse de otros guiños cinematográficos como la música de Apocalipsis ya (1979, Francis Coppola), como Rango vestido de mujer y bailando en ralenti la música de 2001: Odisea del espacio (1968, Stanley Kubrick), la batalla aérea de Star Wars (1977, George Lucas) y hasta el camión cargado de gasolina que casi aplasta a Vin Diesel y Michelle Rodríguez en Rápido y furioso (2009).
Todo con un mariachi de lechuzas de fondo que hará las delicias de muchos.
Otro logro de Verbinski: ha reclutado un elenco envidiable para las voces: Johnny Depp, Abigail Breslin, Alfred Molina, Hill Night y el santiaguero Hemky Madera.
Posiblemente la estética del filme (desierto polvoriento, pueblo en ruinas, bar en decadencia) no permite que Rango sea disfrutada por algunos niños pero, sin duda, estamos frente a un estupendo filme que rinde homenaje al western desde sus clichés más conocidos, incluido el de pistoleros frente a frente, en duelo a muerte.

Rango (2011). Dirección: Gore Verbinski. Guión: John Logan, James Ward Byrkit y Gore Verbinski; Animación: ILM; Música: Hans Zimmer; Voces: Johnny Depp, Abigail Breslin, Bill Nighy, Alfred Molina, Ned Beatty, Hemky Madera.

Oscar 2011: mis pronósticos.

Como cada año para estas fechas, saco mi bola de cristal del baúl donde la mantengo olvidada. La lustro, la acaricio con malicia adolescente y hasta le canto alguna canción de amor.
Como saben, mi bola de cristal está equipada con el más sofisticado sistema operativo, debidamente actualizado, y tiene conexión wifi.
Pudiera aprovecharla para conocer de antemano los números de la loto, pero prefiero usarla en algo realmente útil, como saber los ganadores de la próxima entrega del Academy Award.
Debo ingresarle una fecha y un evento de 5 letras: 27 de febrero, Oscar, digito con parsimonia y ¡zas!.
Estos son los resultados que arroja (los comentarios entre paréntesis son de mi absoluta responsabilidad. Aclaración pertinente: no son las candidaturas que quiero que ganen, sino las que creo van a ganar):
Mejor Película: El discurso del Rey
Mejor Director: David O. Russell por El discurso del Rey.
Mejor Actor: Colin Firth por El discurso del Rey (El año pasado merecía ganar por A Single Man, pero decidieron consolar a Jeff Bridges. Este año toca consolar a Firth.)
Mejor Actriz: Natalie Portman por El cisne negro (En la cúspide de su carrera, Natalie está en estado de gracia y eso le da una ventaja impresionante sobre las que no están embarazadas.)
Mejor Actor de reparto: Christian Bale por El peleador (Debe darle vergüenza que esta sea su primera nominación.)
Mejor Actriz de reparto: Melissa Leo por El peleador (Vergüenza que sea su segunda nominación.)
Mejor Guión Original: Christopher Nolan por El origen (De las pocas películas inteligentes del año, ¿ofendí a alguien?)
Mejor Guión Adaptado: Aaron Sorkin por La red social (De los pocos guiones inteligentes del año.)
Mejor Película de Animación: Toy Story 3 (Aunque no fuera el filme de mayor recaudación del año, US$415 millones, merecería ganar, ¿ofendí a alguien?)
Mejor Película Extranjera: In a Better World (Aunque si la mexicana Biutiful gana, hago una fiesta T al cuadrado: tacos y tequila)

Bitácora de la Muestra de Cine 2011

Para quienes practicamos el fundamentalismo cibaeño, visitar Santo Domingo es una vaina.
Pero la Muestra de Cine es una labor de amor por el Séptimo Arte a la que asistimos, irremediablemente, con el entusiasmo de los adolescentes enamorados.

Arturo Rodríguez Fernández, fundador y director de la Muestra de Cine, ha partido a otras dimensiones, a crear otras muestras, a orientar otros cinéfilos, a sentarse en las piernas de la Montiel a contarle historias, sus historias…

Pero Arturo está presente en la excelencia del trabajo de Lidia Bastos, en la (casi) invisible tarea de Luis Jiménez, en la pragmática complicidad de Félix Manuel Lora, en el coleccionismo militante de Luis Rafael González, en el incansable afán de Héctor Moreta, en la solidaridad de otros que han estado y de otros que llegarán para que la Muestra de Cine siga siendo La Muestra.

Es esta nueva entrega, Arturo Rodríguez Fernández estará en el recuerdo y los corazones de todos, porque cada fotograma destila su presencia, su pasión cinéfila, su saber contar, encantar, encantarnos por el arte de las imágenes en movimiento.

Día 1: La noche inaugural ha sido para Chicogrande, filme mexicano de Felipe Cazals que llenó la sala de cactus, tequila y enchiladas, de mariachis y forajidos, de pinches gringos invasores, de la figura legendaria de Pancho Villa y también de Chicogrande, uno de sus hombres más leales. Antes del filme, un homenaje visual a Arturo Rodríguez Fernández que abrió las puertas de la emoción, del aprecio, de la amistad como valor cultivado por mucha gente a su alrededor. Después del filme, Ricardo Ramón Jarne ha aprovechado la plataforma del evento para lanzar su candidatura a Presidente del Gobierno Español. Bueno, también pudo ser que la tequila y el villismo hicieran lo suyo.

Día 2: Paco López se ha encargado de analizar el problema vasco desde sus orígenes y de proponer una teoría de la conspiración contra las indefensas palomas. Y apenas estamos en el desayuno. Yanara Guayasamín ha expuesto algunas ideas generales en torno a un hermoso proyecto que involucra al cine, pero que también valora la vida en su estado más natural.
En la sala, Las buenas hierbas, de la mexicana María Novaro, resultó ser una desgarradora historia de familia con una madre que sufre de Alzhaimer, drama que entreteje con mucha sutileza con un estudio de las hierbas de la flora azteca. A segunda hora, el público ha reído de lo lindo con La vida empieza hoy, de Laura Mañá, agradable reflexión en clave de humor sobre la sexualidad en la tercera edad.
Después de más de una década sin vernos de frente, Franklin Hernández y Teddy Ureña han revalidado nuestra cinéfila amistad.

Día 3: De ronda con los visitantes extranjeros de la Muestra hemos asaltado la Cinemateca Dominicana, ahora bajo la tutela de Lidia Bastos, así como también el Mercado Modelo de la Mella, donde una mulata con mucha pechonalidad ha clavado su mirada de guayacán en Paco López, quien ha pronosticado con precisión de brujo la caída de Mubarak en Egipto.
En la sala, La mirada invisible, del argentino Diego Lerman, nos ha sorprendido con la manifiesta capacidad de sumergirnos en el opresivo ambiente en los días previos a la Guerra de la Malvinas. Impecable labor actoral de Julieta Zylberberg. A segunda hora, Air Doll, del japonés Hirokazu Koreeda, con la interesante fantasía de una muñeca inflable que cobra vida. Lamentablemente, la premisa se nos desinfla conforme avanza el filme y nos deja con la amarga sensación de lo que pudo haber sido y no fue.



Día 4: los buenos filmes han inundado esta fecha. El publico se ha sumergido en las deprimentes profundidades de los personajes del danés Thomas Vinterberg en Submarino, se ha balanceado en las olas del suspense sicológico de A propósito de Elly, muy bien manejado por el iraní Asghar Farhadi, y ya no tengo más palabras para Biutiful, de Alejandro Gonzalez-Inarritu.

La Muestra de Cine no sólo me sirve para pescar algunos filmes y zafarme momentáneamente de las limitantes locales de exhibición, también es una oportunidad única para re-encontrarme con cinéfilas amistades: la foto lo dice todo: con Ana de Lora, Jorge Cámara y Félix Manuel Lora.

















Día 5: Más personalidades cinéfilas se han integrado a la Muestra. Por un lado, el realizador cubano Juan Carlos Cremata y su madre Iraida, también el mexicano actor Damián Alcázar y, por el otro, el realizador español Manuel Martín Cuenca.

A primera hora, la ablación, esa terrible práctica mutilante, fue el tema de conversación luego de la presentación de Flor del desierto, de Sherry Hormann.
A segunda hora, le tocó a Damián Alcázar presentar Chicogrande.
La cinefilia se expresa de muchas formas: en el lobby del cine seguíamos la entrega del Goya. Como La vida de los peces se llevó la categoría de filme latino, generará mucho más expectativa cuando se presente dentro de la Sección Oficial.

Día 6: Como los invitados internacionales querían playa, le dimos Bocachica. Como querían Cine, le presentamos la española Elisa K, de Judith Colell y Jordi Cadena, sobre el terrible trauma de una violación que se manifiesta años después de consumado el hecho.
A segunda hora, el cubano Juan Carlos Cremata e Iraida Malberti han presentado El premio flaco, uno de los títulos más esperados por el público.
Finalmente, como para coronar el día de San Valentín se presentó la mexicana Año bisiesto, una atrevida propuesta de Michael Rowe con reminiscencias de Bergman, Oshima y Bertolucci. Por supuesto, sólo hablo de referencias.



Día 7: Con la llegada del mexicano Edgar San Juan, el jurado está completo y fue una intensa mañana de actualizaciones, reflexiones, indicaciones: el lobby del Dominican Fiesta era un hervidero.
Antes de entrar a la sala, el Jurado de la sección Oficial ha celebrado una primera ronda de deliberaciones y como nadie sangró, asumo que ha sido muy fructífera.
Ya en sala, ha sido también una extensa jornada que abarcó la alemana Corre si puedes de Dietrich Brüggemann, la española La mitad de Oscar, presentada por su director Manuel Martín Cuenca y la china Ciudad de vida o muerte de Lu Chuan.

Día 8: El actor mexicano Damián Alcázar protagonizó propia versión de El hombre invisible y no se dejó ver durante todo el día. En la noche nos enteramos de que no estaba muerto, que estaba de parranda… lo irritante es que no nos invitó.
En el cine, la velada ha estado matizada por la pesca de viejas canciones del baúl de los recuerdos. Comenzando por la italiana La primera cosa bella de Paolo Virzi; pasando por García del colombiano José Luis Rugeles y culminando con la española La isla interior de Dunia Ayaso y Félix Sabroso.
Día 9: Cumplidos sus compromisos contractuales, algunos miembros internacionales se han conocer algunos de los aspectos más alucinantes de Santo Domingo: desde Los tres ojos hasta almorzar en Villa Consuelo. Por mi parte, me he escapado para almorzar junto a Teddy Ureña con Franklin Hernández y Daniela López Monteiro y, de paso, conocer a mi sobrina Lucía.
En la sala, nos hemos estremecido por el formidable drama La extraña, de Feo Aladag, un filme intenso y sobrecogedor sobre las estrictas reglas familiares de la sociedad turca. Nueva vez, Biutiful, de Alejandro González-Iñárritu, ha concitado una gran cantidad de público. ¿Quién lo diría? Una película de autor, convertida en éxito popular, hasta donde cabe la expresión.
Día 10: El Jurado ha arrancado la mañana con una extensa deliberación que ha parido un veredicto. Puedo divulgarlo, pero moriría en el intento, así que mejor me callo. Luego Damián Alcázar ha tenido un encuentro en la Cinemateca para el que ha contado hasta con su Embajador como parte del auditorio.
En la tarde le ha tocado el turno a Yanara Guayasamín, quien luego ha presentado CUBA: el valor de una utopía, multi-premiado documental en que aborda el proceso de la revolución cubana desde una óptica muy íntima, a partir de las reflexiones personales de la gente común, de antiguos combatientes y hasta del mismísimo Fidel.



Día 11: Este es el listado de los ganadores de la XIII Muestra de Cine de Santo Domingo:

Ciguapa de Oro a Mejor Película: A propósito de Elly (Asghar Farhadi, Irán)

Mejor Director: Felipe Cazals por Chicogrande.

Mejor Guión: Asghar Farhadi por A propósito de Elly.

Mejor Actor: Damián Alcázar por Chicogrande.

Mejor Actriz: Golshifteh Farahani por A propósito de Elly.

Mejor Música: Santiago Chávez y Judith de León por Las buenas hierbas.

Mención Especial del Jurado: Las buenas hierbas (México).

El turista: un todos estrellas para un fiasco

Imagino que cuando los productores decidieron hacer una nueva versión del filme francés El secreto de Anthony Zimmer (Jérôme Salle, 2005) quisieron asegurarse que fuera un éxito mundial y reclutaron un equipo todos estrellas que resultara invencible.
Reclutaron al director alemán Florian Henckel von Donnersmarck, ganador del Oscar a la mejor película extranjera con su formidable debut como realizador, La vida de los otros (2006).

La pareja protagonista era la respuesta a las oraciones de los fanáticos: Angelina Jolie y Johnny Depp. Ella es la mujer más sexy del planeta y él es el sueño erótico de millones de mujeres (además lo considero el mejor actor de su generación).

Juntar a Jolie y Depp era sólo una cuestión de tiempo. Ella se burla de sí misma y actúa como la mujer más buena del mundo y él está limitadísimo en su personaje de despistado profesor de matemáticas.

Angelina Jolie ganó el Oscar por su actuación en Girl, interrupted (1999) y Johnny Depp ha ganado en 5 ocasiones el People’s Choice Award.

Los guionistas del filme también han ganado el Oscar: el director, Christopher McQuarrie (Sospechosos de siempre, 1995) y Julian Fellowes (Gosford Park, 2001). Las mejores referencias del libreto (a Juno, a la novela Berlín Vendetta) pasan desapercibidas para el gran público. Y la vuelta de tuerca del final, mejor no sigo.

El director de fotografía John Seale ganó su Oscar por el trabajo realizado en El paciente inglés (1996).

El compositor James Newton Howard ganó el Grammy por la música para El caballero de la noche (2008).

Para completar, la ciudad de Venecia. Adorada por los artistas, inmortalizada para el cine por Luchino Visconti en la magnífica Muerte en Venecia (1971).

Contra todo pronóstico, el filme resultante del trabajo del equipo todos estrellas apenas puede calificarse como promedio. Todos los elementos de la excelencia están presentes, pero no funcionan.

Con un costo de $100 millones de dólares y recaudaciones en USA de $65 millones de dólares, El turista será recordada como el filme-titanic del 2010: no podía fallar, pero se hundió.

Oscar 2011: lista de nominados

Mejor Película

- El cisne negro (Darren Aronofsky)

- The Fighter (David O. Russell)

- El origen (Christopher Nolan)

- Los chicos están bien (Lisa Cholodenko)

- El discurso del Rey (Tom Hopper)

- 127 Horas (Danny Boyle)

- La red social (David Fincher)

- Toy Story 3

- Valor de ley (Joel y Ethan Coen)

- Winter's Bone (Debra Granik)



Mejor Director

- Darren Aronofsky por El cisne negro

- David O. Russell por The Fighter

- Tom Hooper por El discurso del rey

- David Fincher por La red social

- Joel y Ethan Coen por Valor de ley



Mejor Actriz Principal

- Annette Bening por Los chicos están bien

- Nicole Kidman por Rabbit Hole

- Jennifer Lawrence por Winter's Bone

- Natalie Portman por El cisne negro

- Michelle Williams por Blue Valentine



Mejor Actor Principal

- Javier Bardem por Biutiful

- Jeff Bridges por Valor de ley

- Jesse Eisenberg por La red social

- Colin Firth por El discurso del rey

- James Franco por 127 horas



Mejor Actriz de reparto

- Amy Adams por The Fighter

- Helena Bonham-Carter por El discurso del rey

- Melissa Leo por The Fighter

- Hailee Stanfield por Valor de ley

- Jackie Weaver por Animal Kingdom



Mejor Actor de reparto

- Christian Bale por The Fighter

- John Hawkes por Winter's Bone

- Jeremy Renner por Atracción peligrosa

- Mark Ruffalo por Los chicos están bien

- Geoffrey Rush por El discurso del rey



Mejor Guión Original

-Mike Leigh (Another year)

-Scott Silver y Paul Tamasy & Eric Johnson, historia de Keith Dorrington y Paul Tamasy y Eric Johnson (The Fighter)

-Christopher Nolan (El origen)

-Lisa Cholodenko y Stuart Blumberg (Los chicos están bien)

-David Seidler (El discurso del rey)



Mejor Guión Adaptado

- Danny Boyle y Simon Beaufoy (127 horas)

- Aaron Sorkin (La red social)

- Michael Arndt, historia: John Lasseter, Andrew Stanton y Lee Unkrich (Toy Story 3)

- Joel Coen y Ethan Coen (Valor de ley)

- Debra Granik y Anne Rosellini (Winter's Bone)



Mejor Película Extranjera

- Biutiful (Alejandro González-Iñárritu, México)

- Canino (Grecia)

- In A Better World (Dinamarca)

- Incendies (Canadá)

- Outside the Law (Argelia)



Mejor Película de Animación

- Cómo entrenar a tu dragón

- The Illusionist

- Toy Story 3



Mejor Fotografía

- Matthew Libatique por El cisne negro

- Wally Pfister por El origen

- Danny Cohen por El discurso del rey

- Jeff Cronenweth por La red social

- Roger Deakins por Valor de ley



Mejor Edición

- Andrew Weisblum por El cisne negro

- Pamela Martin por The Fighter

- Tariq Anwar por El discurso del rey

- Jon Harris por 127 horas

- Angus Wall y Kirk Baxter por La red social



Mejor Música

- John Powell por Cómo entrenar a tu dragón

- Hans Zimmer por El origen

- Alexandre Desplat por El discurso del rey

- A.R. Rahman por 127 horas

- Trent Reznor y Atticus Ross por La red social



Mejor Canción

- “Coming Home” de Country Strong.

- “I See the Light” de Enredados.

- “If I Rise” de 127 horas.

- “We Belong Together” de Toy Story 3.



Mejor Dirección Artística

- Diseño: Robert Stromberg, Decoración: Karen O’Hara (Alicia en el País de la Maravillas)

-Diseño: Stuart Craig, Decoración: Stephenie McMillan (Harry Potter y las reliquias de la muerte)

-Diseño: Guy Hendrix Dyas, Decoración: Larry Dias y Doug Mowat (El origen)

- Diseño: Eve Stewart, Decoración: Judy Farr (El discurso del rey)

- Diseño: Jess Gonchor, Decoración: Nancy Haigh (Valor de ley)



Mejor Vestuario

- Colleen Atwood por Alicia en el País de la Maravillas

- Antonella Cannarozzi por Yo soy el amor

- Jenny Beavan por El discurso del rey

- Sandy Powell por The Tempest

- Mary Zophres por Valor de ley



Mejor Maquillaje

- Adrien Morot por El mundo según Barney

- Edouard F. Henriques, Gregory Funk y Yolanda Toussieng por Camino a la libertad

- Rick Baker y Dave Elsey por El hombre lobo



Mejores Efectos de Sonido

- Lora Hirschberg, Gary A. Rizzo y Ed Novick por El origen

- Paul Hamblin, Martin Jensen y John Midgley por El discurso del rey

- Jeffrey J. Haboush, Greg P. Russell, Scott Millan y William Sarokin por Salt

- Ren Klyce, David Parker, Michael Semanick y Mark Weingarten por La red social

- Skip Lievsay, Craig Berkey, Greg Orloff y Peter F. Kurland por Valor de ley



Mejor Edición de Sonido

- Richard King por El origen

- Tom Myers y Michael Silvers por Toy Story 3

- Gwendolyn Yates Whittle y Addison Teague por Tron: El legado

- Skip Lievsay y Craig Berkey por Valor de ley

- Mark P. Stoeckinger por Imparable



Mejores Efectos Visuales

- Ken Ralston, David Schaub, Carey Villegas y Sean Phillips por Alicia en el País de la Maravillas

- Tim Burke, John Richardson, Christian Manz y Nicolas Aithadi por Harry Potter y las reliquias de la muerte

- Michael Owens, Bryan Grill, Stephan Trojanski y Joe Farell por Más allá de la vida

- Paul Franklin, Chris Corbould, Andrew Lockley y Peter Bebb por El origen

- Janek Sirrs, Ben Snow, Ged Wright y Daniel Sudick por Iron Man 2



Mejor Cortometraje

- The Confession de Tanel Toom

- The Crush de Michael Creagh

- God of Love de Luke Matheny

- Na Wewe de Ivan Goldschmidt

- Wish 143 de Ian Barnes y Samantha Waite



Mejor Cortometraje de Animación

- Noche y día de Teddy Newton

- The Gruffalo de Jakob Schuh y Max Lang

- Let's Pollute de Geefwee Boedoe

- The Lost Thing de Shaun Tan y Andrew Ruhemann

- Madagascar, carnet de voyage de Bastien Dubois



Mejor Documental

- Exit through the Gift Shop de Banksy and Jaimie D'Cruz

- Gasland de Josh Fox and Trish Adlesic

- Inside Job de Charles Ferguson and Audrey Marrs

- Restrepo de Tim Hetherington and Sebastian Junger

- Waste Land de Lucy Walker and Angus Aynsley



Mejor Cortometraje Documental

- Killing in the Name

- Poster Girl

- Strangers No More de Karen Goodman y Kirk Simon

- Sun Come Up de Jennifer Redfearn y Tim Metzger

- The Warriors of Qiugang de Ruby Yang y Thomas Lennon

Oscar 2011: México y España en la recta final Filme Extranjero

Aunque será el próximo 25 de enero cuando se anuncien las candidaturas al Oscar, hace unas semanas que se inició el proceso de pre-selección.

En el caso de la Mejor Película Extranjera, un codiciado Oscar al que fueron postuladas 66 películas en representación de igual número de países, ya se hizo una primera ronda de selección y sólo quedan 9 candidatas.

¿La buena nueva? México y España están todavía entre las favoritas que serán observadas por sendos comités en New York y Los Angeles la próxima semana, antes de que se de a conocer los nominados.

En efecto, Biutiful, de Alejandro González-Iñárritu (México) y También la lluvia, de Icíar Bollaín (España) están en la recta final por el Mejor Filme Extranjero.

La batalla no será fácil: enfrentan las multipremiadas Dogtooth (Yorgos Lanthimos, Grecia) y Life, above all (Oliver Schmitz, Sudáfrica).

La lista la completan: Outside the Law (Rachid Bouchareb, Argelia), Incendies (Denis Villeneuve, Canadá), In a Better World (Susanne Bier, Dinamarca), Confessions (Tetsuya Nakashima, Japón) y Simple Simon (Andreas Ohman, Suecia).

Revisen sus agendas: vuelve la Muestra de Cine

Biutiful: la poesía de la miseria humana

Alejandro González-Iñárritu es un poeta. Escribe con imágenes, pero nadie puede negar su extraordinario talento para retratar la poesía que subyace en la miseria moral, ética, humana de sus personajes. Esa constante también está presente en Biutiful, su nuevo filme protagonizado por Javier Bardem.

Bardem es Bardem.

Por si quedaba algún escéptico acerca del extraordinario talento de Javier Bardem tomen de su actuación en Biutiful el rango que abarca sus miradas: desde la mirada felina a su hijo para que deje de patear la mesa mientras cenan, hasta su mirada-sonrisa de niño feliz cuando su padre imita los sonidos del viento y el mar.

Bardem no tiene nada que demostrar: ha ganado todos los galardones de prestigio en su ramo: Premio Europeo de Cine y Copa Volpi (Mar adentro), Goya (Lunes al sol), Nacional Board of review (Antes que anochezca), Concha de oro (Días contados), Globo de oro, Oscar y Bafta (Sin lugar para los débiles) y Palma de oro (Biutiful).

Pero Bardem se entrega a las emociones de Uxbel, un carismático loser con lado oscuro y lo hace con la sobriedad de quien domina plenamente el oficio de actor.

Barcelona en Bancarrota.

En Biutiful, Barcelona es otro personaje más. Pero, al asumir la abrumadora presencia de la ciudad en el drama, se presenta la cara sucia de Barcelona, la cara de las chimeneas, industriales y contaminantes, la de los graffittis en callejones laberínticos.

No es la Barcelona romántica de Woddy Allen (tampoco están ni Vicky, ni Cristina), no es la Barcelona de los versos de Serrat, no es la Barcelona señorial que presentó Almodóvar en Todo sobre mi madre.

Es la Barcelona-ratonera de los negros senegaleses, esclavos del nuevo siglo que renunciaron a su descanso dominical. Es la Barcelona-madriguera de los pálidos chinos que huyen de la asfixia que supone el régimen comunista.

Es la Barcelona en la que se trafica con los indocumentados exiliados de la pobreza (no tienen voz ni quien les defienda) a los que explotamos por solidaridad, con vileza, al igual que a los mexicanos en California, a los árabes en París, a los bolivianos en Buenos Aires, a los dominicanos en Puerto Rico, a los haitianos en Dominicana.
Es la Barcelona que nos deja oír sus lamentos en las tristes melodías de Gustavo Santaolalla.

Bancarrota en Barcelona.

Pero estos personajes comparten una misma actitud auto-destructiva y el sálvese-quien-pueda se impone como ley de vida cuando nos persigue la corrupta policía o cuando las familias se encaminan, indefectiblemente, hacia la separación.

Bancarrota moral y familias rotas: para Uxbal, el futuro de sus hijos es puro azar. Eso, si logran sobrevivir a su propia ausencia y la desdicha de una madre adicta que ejerce el más viejo oficio del mundo.

Para Igé, a quien le deportan su negro de vuelta a Senegal, toda será cuestión de pura supervivencia. Como la madre tierra, aún en medio de la desesperanza total, ahogada en su propio mar de lágrimas, será capaz de brindar ternura y consuelo.
Pero no todo está perdido donde queda un corazón con capacidad de soñar con los Pirineos y conocer la nieve, o quizás sea conocer el mar, o quizás acariciar el rostro del padre amado a la distancia del recuerdo.

Mis pronósticos para los Globos de oro

Lo mejor del 2010 en Santiago

Yo tengo un sueño.
Tengo un sueño cinéfilo, fraternal.

Nosotros, nuestros hijos, los hijos de nuestros hijos, abrazados como una única comunidad, sin importar razas, ni credos, en armoniosa peregrinación por salas de cine con carteleras exquisitas.

No estaremos nunca más limitados por los títulos de las majors estadounidenses y habrá películas para los fanáticos del cine independiente, del cine europeo, del cine latinoamericano.

No nos avergonzaremos de sacar, aunque se haya portado mal, a nuestro niño interior de paseo a los filmes para toda la familia que se exhibirán durante todo el año.

Contaremos con salas especiales para quienes llegan tarde y para quienes se pasan toda la película hablando y enviando textos desde su bb. Los mueluses tendrán sus salas especialmente diseñadas y se producirán infartos masivos entre las adolescentes que asistan a ver la serie Crepúsculo en tandas corridas sin interrupciones.

En lo que mi sueño se hace realidad, estos son los 10 mejores estrenos presentados en Santiago durante el 2010, en estricto orden de exhibición:



1. 500 días juntos (Marc Webb)



2. Amor sin escalas (Jason Reitman)



3. Alicia en el país de las maravillas (Tim Burton)



4. La isla siniestra (Martin Scorsese)



5. El secreto de tus ojos (Juan José Campanella)



6. Toy Story 3 (Lee Unkrich)



7. El origen (Christopher Nolan)



8. Atracción peligrosa (Ben Affleck)



9. Celda 211 (Daniel Monzón)



10. La red social (David Fincher)

Lo mejor del 2010, según Sight & Sound

Sight & Sound es, sin duda, la revista más respetada del mundo del cine. Un plantel de especialistas y académicos conforman su staff y sus opiniones se tienen como referencia de crítica seria.
La publica el British Film Institute y ya publicó el listado con las mejores películas del 2010.

Lo comparto con ustedes:



1. La red social (David Fincher, USA).

2. Uncle Boonmee Who Can Recall His Past Lives (Apichatpong Weerasethakul, Tailandia).

3. Another Year (Mike Leigh, Inglaterra).

4. Carlos (Olivier Assayas, Francia).

5. The Arbor (Clio Barnard, Inglaterra).

6. Winter’s Bone (Debra Granik, USA).

7. I Am Love (Luca Guadagnino, Italia).

8. The Autobiography of Nicolae Ceausescu (Andrei Ujica, Rumania).

9. Film socialisme (Jean-Luc Godard, Francia).

10. Nostalgia de la luz (Patricio Guzmán, Chile).

11. Poesía (Lee Changdong, Corea del sur).

12. Un profeta (Jacques Audiard, Francia).

Lo mejor del 2010, según el Instituto de Cine Americano

El Instituto Americano del Cine (AFI, por sus siglas en inglés) acaba de publicar su selección de lo mejor de 2010 de los títulos producidos en Estados Unidos.
Este listado es un excelente parámetro para medir la calidad fílmica de lo estrenado en USA. ¿Por qué? Simple: la votaciones se llevan a cabo tomando en cuenta criterios como los aportes al desarrollo de las imágenes en movimiento (abarca también la televisión), el enriquecimiento del acervo artístico y cultural americano, así como la inspiración provocada en los artistas y el público.

Para esta ocasión el Jurado estuvo presidido por el renombrado productor Tom Pollock e integrado además por los críticos Leonard Maltin (Entertainment Tonight), Claudia Puig (USA Today), Lisa Schwarzbaum (Entertainment Weekly) y Elvis Mitchell (The Treatment); la guionista Diablo Cody, el director Lee Daniels; el editor Donn Cambern; Bob Gazzale (miembro del AFI) y los académicos Jeanine Basinger (Universidad de Wesleyan), Akira Mazuta Lippit (Universidad del Sur de California), Jane Gaines (Universidad de Columbia) y Michael Wood (Universidad de Princeton)

Esta es la lista de lo más sobresaliente del 2010, según el Instituto de Cine Americano, en orden alfabético (por su título en inglés):



1. Black Swan, la nueva de Darren Aronofsky, protagonizada por Natalie Portman.

2. The Fighter, con Mark Wahlberg y Christian Bale.

3. El origen.

4. The Kids are all right, Lisa Cholodenko ha dado un jonrón con su filme.

5. 127 horas, lo nuevo de Danny Boyle.

6. La red social, seleccionada como la Mejor Película por varias asociaciones de críticos.

7. Atracción peligrosa, qué buen director es Ben Affleck.

8. Toy Story 3, otro éxito para Pixar.

9. True Grit, lo nuevo de los hermanos Coen.

10. Winter’s Bone, ¿la sorpresa del año?

Lo mejor del 2010, según la National Board of Review

Arrancó la temporada de premios con el anuncio de la National Board of Review de los Estados Unidos. Creada en 1909 como mecanismo de autocensura por las majors de Hollywood, la NBR es una organización compuesta por 125 miembros que marca una tendencia de las que podrían ser las películas más premiadas de cada año.
La red social ha sido escogida como la mejor película de 2010, así como los premios al Mejor Director (David Fincher), Mejor Actor (Jesse Eisenberg) y Mejor Guión Adaptado (Aaron Sorkin).

Por su parte, una producción española, Enterrado, se ha hecho con el premio al mejor guión original (Chris Sparling). El filme de Rodrigo Cortés aparece también en la selección de las mejores películas independientes del año.

El premio a la mejor actriz fue para Lesley Manville (Another Man), y los premios como secundarios para Christian Bale, por The Fighter y Jackie Weaver, por Animal Kingdom.

La cinta francesa De dioses y hombres (Xavier Beauvois) se ha llevado el galardón a la Mejor Película Extranjera, mientras Toy Story 3 recibió el Mejor Película Animada.

El resto de lo mejor de 2010, según la National Board of Review, en estricto orden alfabético:

1. Another Year (Mike Leigh)

2. The Fighter (David O. Russell)

3. Más allá de la vida (Clint Eastwood)

4. El origen (Christopher Nolan)

5. El discurso del Rey (Tom Hooper)

6. La isla siniestra (Martin Scorsese)

7. Atracción peligrosa (Ben Affleck)

8. Toy Story 3 (Lee Unkrich)

9. True Grit (Joel y Ethan Coen)

10. Winter’s Bone (Debra Granik)

Anuncian los nominados a los Spirit Awards

El drama Winter's bone y la comedia The kids are allrigth son los favoritos a los Independent Spirit Awards al conseguir nominaciones en varias categorías, incluyendo mejor película.
Winter's bone es un oscuro drama sobre una chica que busca a su padre en una comunidad infestada de drogas en la zona rural de Arkansas. Ha conseguido siete nominaciones, incluidas las del director y de su protagonista, Debra Granik y Jennifer Lawrence, quien ha sido nominada a mejor actriz.

La película también ha conseguido nominaciones por mejor guión, fotografía, actriz de reparto para Dale Dickey y actor de reparto para John Hawkes.

Su principal competidor es The kids are allright, una comedia que ha triunfado en la taquilla y en varios festivales. Trata de una pareja de lesbianas que han adoptado niños e intentan localizar al donante de esperma de los mismos.

En total ha recibido cinco nominaciones, incluyendo las de mejor director para Lisa Cholodenko, mejor actriz para Annette Bening, actor de reparto para Mark Ruffalo y el guión.

En la lista de nominados a mejor película también figura la nueva de Danny Boyle, 127 Horas, sobre un hombre atrapado en un cañón, el drama de Darren Aronofsky, Black Swan, el retrato de una bailarina que compite por un papel protagonista en el "Lago de los Cisnes" y Greenberg de Noah Baumbach en la que un hombre busca el sentido de la vida.

Boyle y Aronofsky también están nominados a mejor director. Una categoría que completa John Cameron Mitchell con su drama, Rabbit Hole, protagonizado por Nicole Kidman y Aaron Eckhart que interpretan a dos padres afectados por la muerte de su hijo.



Los Independent Spirit Awards es un evento clave para las películas hechas fuera de los grandes estudios de Hollywood que buscan el reconocimiento en la carrera por los Oscar. El año pasado, por ejemplo, Jeff Bridges recogió un premio Independent Spirit al mejor actor por su papel de un cantante de música country en Corazón rebelde antes de ganar el Oscar.

En la carrera de mejor actor principal, James Franco (127 horas) y Aaron Eckhart (Rabbit Hole) competirán con Ben Stiller (Greenberg), John C. Reilly (Cyrus) y Ronald Bronstein (Daddy Longlegs), que interpreta a un padre divorciado con dos niños a los que no ve más que un par de semanas al año.

Junto a Bening y Debra Granik Jennifer Lawrence en la carrera por mejor actriz principal figura Nicole Kidman (Rabbit Hole), Natalie Portman (Black Swan), Michelle Williams (Blue Valentine) y Greta Gerwig (Greenberg).

Exit throught the gift shop, Restrepo, Sweetgrass, Marwencol y Thunder soul compiten en la categoría de mejor documental.

En la categoría de mejor película extranjera figuran The King's speech, (Reino Unido), Kisses (Irlanda), Mademoiselle Chambon (Francia), Of goods an men (Marruecos) y Tío Boonmee.. (Tailandia).

Los Independent Spirit Awards se entregarán el 26 de febrero de 2011.

Jean Gentil: el rostro de una tragedia

Jean Remy Genty es un Gentil que huye de la desesperanza que habita su natal Haití y busca sobrevivir en Dominicana. Tan simple como eso.

Jean Remy Genty es un profesor de idiomas y busca ganar el pan de cada día con el sudor de su lengua. También busca lograr, con su ilimitado carisma, que todos le comprendan y muestren alguna solidaridad. Tan complicado como eso.

Jean Gentil es el poderoso drama que han construído Laura Amelia Guzmán (dominicana) e Israel Cárdenas (mexicano) con un admirable toque documental, demostrativo de su talento cinematográfico.

Sin complicaciones argumentales innecesarias, Jean Gentil muestra las penurias, las humillaciones, las miserias cotidianas que deben enfrentar no sólo los emigrantes haitianos en Dominicana, sino los exiliados de la pobreza en todo el mundo.

Jean Gentil le pone rostro a una tragedia de proporciones bíblicas: Haití se cae a pedazos mientras la comunidad internacional le castiga con su indiferencia, con sus promesas incumplidas, con sus discursos plagados de retórica y nada más.

Jean es un gentil que, en la jungla de asfalto, se siente discriminado: a pesar de su preparación como profesor de idiomas, sólo puede aspirar a conseguir trabajo en el sector de la construcción, labor de la que (sospechamos) no tiene la menor idea.

Jean es un gentil que, ante la indiferencia del mundo, escucha y se refugia en el llamado de la madre tierra a la que roba algunos frutos, ante la mirada celosa de otro gentil que también ha huido de la miseria. Nunca un mango supo tan sabroso.

Jean es un gentil que, como todos, ahoga sus penas en un mar de cervezas y bachatas. Como todos, se refugia en lo espeso de la noche para perder su inocencia a cambio de algún placer carnal, bombillitas de colores incluídas.

Jean es un gentil cuyo norte es el oeste, un Haití devastado por la fuerza de un terremoto implacable, por la incapacidad de sus tiranos, por la explotación despiadada desde épocas coloniales, por la ignorancia acumulada en el tiempo de la oscuridad.

Jean Gentil es una realidad expuesta sin adornos, ni complicidades. Una realidad que debe motivarnos a reflexionar, a plantear búsqueda de soluciones.

Jean Gentil es la mejor demostración de que, en Dominicana, podemos hacer cine de calidad internacional.

Zona Sur: la Bolivia de Juan Carlos Valdivia

Zona Sur es la más fina disección de una sociedad que hemos visto en el cine latinoamericano. Efectivamente, a través de la incisiva mirada a una familia atrapada en la burbuja de confort que supone vivir en Zona Sur, Valdivia se permite construir un drama sin fisuras, que nos expone con precisión de relojero suizo y virtuosidad técnica de primera.

Zona Sur, premiada ya en el Festival del Sundance en las categorías de Mejor Director y Mejor Guión, es otra evidencia más de la madurez expresiva de nuestro cine, de las inmensas posibilidades narrativas de nuestras historias.

En una sociedad en donde nada es lo que parece, las élites sociales sucumben ante la triste realidad de su desmoronamiento y lo hacen elegantemente. Mientras, desde la ventana de cristal, todos observamos el mundo perder todo su valor.

“Esta película está llena de dulce dolor, de exquisita decadencia y de un tono que critica todo aquello que homenajea”-nos explica Valdivia de su filme. Y, en sus ácidos cuestionamientos, no tiene contemplación para nada, ni para nadie.

Debajo de la postalita de familia feliz, se esconde un mundo de insatisfacciones con el padre está ausente, en la que la madre no representa una autoridad moral para nadie (no tiene control sobre sus hijos), en la que el hijo mayor no tiene idea de su futuro y no sirve ni para comprar sus propios condones, en la que la hija enfrenta los problemas de su identidad lésbica, en la que el más pequeño sueña, como Peter Pan, escapar volando de todo aquello.

Nada es lo que parece: rodeados de todo el confort y vestidos de las mejores marcas, pero le adeudan seis meses de salario a sus sirvientes, indígenas aymaras.

Nada es lo que parece: rodeados de blanco, estamos podridos por dentro y no hay conjuro que valga: al final todos pagamos un angustioso precio por nuestros pecados.

Nada es lo que parece y no basta vernos reflejados en los espejos, buscando esos otros que hemos dejado abandonados en el camino y, sin embargo, siguen siendo nosotros.

No hay piedad tampoco para la servidumbre: él usa las cremas humectantes de la señora y se escapa sin permiso al funeral de un familiar, impresionante escena con el Tititaca de fondo y música excepcional. Ella, ilimitadamente servil, cuida del jardín que los niños destrozan en sus juegos.

Para el final dejo el elogio para el permanente movimiento circular de la cámara, acaso como metáfora del tiempo narrativo, que merece destacarse como brillante ejercicio de virtuosidad técnica, dejando espacio suficiente para que el espectador deguste a su ritmo esta joya del cine boliviano.

IV Festival de Cine Global en Santiago

La propuesta es simple: revise su agenda y borre todo compromiso desde el 16 al 24 de noviembre para que pueda disfrutar de la exquisita cartelera que el Festival de Cine Global Dominicano trae a Santiago.
Las proyecciones serán en Palacio del Cine, en Bella Terra Mall, en tandas de 7:00 p.m. y 9:00 de la noche.

La cuarta edición del festival que cada año organiza la Fundación Global Democracia y Desarrollo inaugura con Zona Sur, el nuevo filme de Juan Carlos Valdivia que ganó los premios al Mejor Director Dramático Mundial y Mejor Guión en el pasado Festival de Sundance, una de las muestras que más proyección le ha dado al buen cine latinoamericano.



MIÉRCOLES 17 DE NOVIEMBRE.

7:00 p.m.: El hombre de al lado, filme debut para sus directores Gastón Duprat y Mariano Cohn que ha ganado diversos premios, entre ellos Mejor Fotografía en el Sundance, categoría Drama Mundial, y Mejor Película Argentina en el Festival Mar de Plata.

9:00 p.m.: Serafina es el filme basado en la historia real de Serafina Louis, un ama de casa y ferviente devota que a sus 41 años comenzó a pintar lienzos, supuestamente inspirada por un ángel. Por este filme, Martin Provost recibió el César en las categorías de Mejor Director y Mejor Guionista, el último compartido con Marc Abdelnour.



JUEVES 18 DE NOVIEMBRE.

7:00 p.m.: Rompecabezas, filme debut para la argentina Natalia Smirnoff que trata de una esposa y madre ejemplar que descubre su gran habilidad para armar rompecabezas y se propone participar en el Campeonato Mundial de Rompecabezas en Alemania. Un relato encantador que mereció el Premio Fipresci a la ópera prima en el Festival de Guadalajara.

9:00 p.m.: Retratos de un mar de mentiras, filme debut para el colombiano Carlos Gaviria, muestra el viaje desde Bogotá hasta la costa del Caribe de dos personajes que buscan recuperar las tierras que pertenecieron a su familia. Ganadora del Premio a la Mejor Película Iberoamericana en el Festival de Guadalajara.



VIERNES 19 DE NOVIEMBRE.

7:00 p.m.: Jean Gentil es la propuesta de la dominicana Laura Amelia Guzmán y el mexicano Israel Cárdenas que tuvo una excelente acogida cuando se presentó, dentro de la sección Orizzonti, en la pasada Muestra de Venecia. Pareja en la vida real, Laura e Israel comparten los créditos como directores, productores, guionistas y fotógrafos de sus filmes.

9:00 p.m.: El cuarto de Leo, filme debut para el uruguayo Enrique Buchichio, que aborda el siempre difícil tema del despertar homosexual para su ventajero protagonista. Esta cinta está llena de pequeños toques maravillosos y cambios en los personajes.



SÁBADO 20 DE NOVIEMBRE.

7:00 p.m.: Zona Sur, en otra oportunidad de disfrutar de este filme de Juan Carlos Valdivia.

9:00 p.m.: La Yuma, el primer largometraje de ficción hecho en Nicaragua en más de 20 años es la historia de Yuma, una chica con temperamento fuerte que sueña con llegar a ser boxeadora, única opción de escapar de su círculo de pobreza y violencia. Entre otros, ha ganado los premios a la Mejor Opera Prima (Florence Jaugey) y Mejor Actriz (Alma Blanco) en el Festival Cinematográfico de Guadalajara



DOMINGO 21 DE NOVIEMBRE.

7:00 p.m.: José Martí: el ojo del canario. Fernando Pérez es considerado el más importante cineasta cubano contemporáneo y nos presenta este filme inspirado en la infancia y adolescencia de José Martí.

9:00 p.m.: Océanos. De los celebrados directores Jacques Perrin y Jacques Cluzaud llega este documental milagroso que lleva al espectador a las profundidades de los océanos más bellos del planeta y los muestra como mundos propios en sí mismos, llenos de misterios y características únicas.



LUNES 22 DE NOVIEMBRE.

7:00 p.m.: Amy, esta película de la directora Nadia Tass llega como muestra del cine de Australia y trae como referencia su Premio Especial del Jurado en Cannes 2009.

9:00 p.m.: El ocaso de un asesino. Es una producción americana dirigida por el holandés Anton Corbijn y protagonizada por el conocido George Clooney.



MARTES 23 DE NOVIEMBRE.

7:00 p.m.: Jugadora. Como parte de la muestra de cine de Francia, nos llega este filme dirigido por Carolina Bottaro y protagonizado por los conocidos Sandrine Bonnaire y Kevin Kline (en su primer papel en francés) en esta comedia romántica y excéntrica.

9:00 p.m.: Jindabyne. Otros de los filmes australianos es el que dirige Ray Lawrence, el más respetado de los directores australianos. Sobresale el guión de Beatrix Christian (Premiada por el Círculo de Críticos Australianos), basado en un cuento de Raymond Carver.



MIÉRCOLES 24 DE NOVIEMBRE.

7:00 p.m.: La luna en directo. Basada en una historia real, el filme de Rob Sitch sigue las emociones, drama y risas detrás de los cuatro días de la misión del Apolo XI en julio de 1969 y el extraordinario papel desempeñado por Australia.

9:00 p.m.: Yolngu Boy, elogiado drama de Stephen Jonson sobre tres adolescentes atrapados en un choque cultural entre el nuevo mundo del rap, el fútbol y la credibilidad callejera versus la más antigua cultura de la tierra.