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El evento
contó con la presencia de Iván Reynoso, de la Asociación
Dominicana de Profesionales del Cine (Adocine); Ernesto Báez, de
la Asociación Dominicana de Actores de Cine (Adac); Henriette Wiese, de
la Asociación de Escritores y Guionistas (Aegrd); Nelson Jimenez, de Egeda
Dominicana y otros invitados.
La
Soga 2 es la ópera prima de Manny Pérez como director de cine, en la
que también es actor principal.
Al referirse al anuncio hecho por los directivos del TIFF, Pérez manifestó:
“Estoy muy contento, honrado y orgulloso de que mi primera película como
director haya sido escogida para el Toronto International Film Festival;
es uno de los festivales más importantes de cine y es muy valioso para todos
nosotros el que escogieran La Soga 2. Quiero darle las gracias
a todos los actores que trabajaron en este increíble proyecto, especialmente a
Juan Fernández, Sarah Jorge León, Hada Vanessa, Chris McGarry, Félix Germán, y
a todo el equipo técnico que trabajó en esta producción cinematográfica”.
El TIFF
había anunciado previamente que su filme de apertura será Dear
Evan Hansen, de Stephen
Chbosky, mientras la responsabilidad de cerrar uno de los principales festivales
del mundo será para One Second, de Zhang Yimou.
Guayabo se filmó el año
pasado en Barranquilla, Colombia, bajo la coproducción de Rodríguez y Reynoso,
junto a Euder Arce Films.
En ella,
los actores dominicanos comparten estelaridad con destacados actores,
entre ellos Lenard Vanderaa y Braian V. Aburaad.
El guion
de Guayabo es de Andrés Lopera,
mientras que la dirección está a cargo de los hermanos Miguel y José Luis
Jiménez.
La
sinopsis corta del filme es: "Descubre el por qué las amistades y los
negocios, no siempre son buen cóctel".
Danilo y
Evelyna mantienen una relación de amistad de muchos años y producen y conducen
el programa de televisión Una Vía a la Semana.
El
anuncio ha creado muchas expectativas en torno a este próximo estreno en cines.
En 2020, Chloé
Zhao ganó el León de Oro por Nomadland, la película que meses después también triunfó en los Oscar.
Este año la cineasta china regresará a Venecia como integrante del Jurado
encargado de decidir los galardones de la competición oficial, con Bong
Jon-hoo como presidente y Virginie
Efira, Cynthia Erivo, Sarah Gadon, Saverio Costanzo y Alexander Nanau,
como miembros.
Estas son las películas que competirán por el León de
Oro en Venecia 2021:
-Madres paralelas, de
Pedro Almodóvar (película de apertura)
-Mona
Lisa and the Blood Moon, de Ana Lily Amirpour
-Un autre monde, de
Stéphane Brizé
-The Power of the Dog, de Jane Campion
-America Latina, de Damiano D'Innocenzo y Fabio
D'Innocenzo
-L'événement, de Audrey Diwan
-Competencia Oficial, de Gastón Duprat y Mariano Cohn
-Il buco, de Michelangelo Frammartino
-Sundown, de Michel Franco
-Illusions
perdues, de
Xavier Giannoli
-The Lost Daughter, de
Maggie Gyllenhaal
-Spencer, de Pablo Larraín
-Freaks Out, de Gabriele Mainetti
-Qui rido io, de Mario Martone
-On the Job; the
Missing 8, de Erik Matti
-Leave No Traces, de Jan P. Matuszynski
-Captain Volkonogov
Escaped, de Natasha Merkulova y Aleksey Chupov
-The Card
Counter, de Paul Schrader
-È stata la mano di Dio, de Paolo Sorrentino
-Reflection, de Valentyn Vasyanovych
-La caja, de Lorenzo Vigas
Fuera de
competición:
-Il bambino nascosto, de Roberto Ando (película de
clausura)
-Les choses humaines, de Yvan Attal
-Ariaferma, de Leonardo di Costanzo
-Halloween Kills, de David Gordon Green
-La Scoula Cattolica, de Stefano Mordini
-Old Henry, de Potsy Ponciroli
-The Last Duel, de
Ridley Scott
-Dune, de
Denis Villeneuve
-Last Night in
Soho, de Edgar Wright
-Scenes From a Marriage (Episodios 1-5) de Hagai Levi
Fuera de
competición (Documentales)
-Life of Crime 1984-2020, de Jon Alpert
-Tranchees, de Loup Bureau
-Viaggio nel crepuscolo, de Augusto Contento
-Republic of Silence, de Diana el Jeiroudi
-Hallelujah: Leonard
Cohen, a Journey, a Song, de Daniel Geller y Dayna
Goldfine
-Deandre#Deandre Storia di un impiegato, de Roberta Lena
-Django and Django, de Luca Rea
-Ezio Bosso. Le cose che restano, de Giorgio Verdelli
Fuera de
competición (cortometrajes)
-Plastic Semiotic, de Radu Jude
-The Night, de Tsai Ming-liang
-Sad Film, de Vasili (pseudónimo)
Orizzonti
-Les promesses, de Thomas Kruithof
-Atlantide, de Yuri Ancarani
-Miracle, de Bogdan George Apetri
-Pilgrims, de Laurynas Bareisa
-Il paradiso del pavone, de Laura Bispuri
-The Falls, de
Chung Mong-hong
-El hoyo en la cerca, de Joaquin Del Paso
-Amira, de Mohamed Diab
-A plein temps, de Eric Gravel
-107 Mothers, de Peter Kerekes
-Vera Dreams of the
Sea, de Kaltrina Krasniqi
-White Building, de
Kavich Neang
-Anatomy of Time, de
Jakrawal Nilthamrong
-El otro Tom, de Rodrigo Pla & Laura Santullo
-El
gran movimiento, de Kiro Russo
-Once Upon a Time in
Calcutta, de Aditya Vikram Sengupta
-Rhino, de
Oleg Sentsov
-True Things, de
Harry Wootliff
-Inu-Oh, de Yuasa Masaaki
Orizzonti Extra
-Land of Dreams, de
Sherin Neshat and Shoja Azari
-Costa Brava, de Mounia Akl
-Mama, I’m Home, de Vladimir Bitokov
-Ma nuit, de Antoinette Boulat
-La ragazza ha volato, de Wilma Labate
-7 prisoners, de Alexandre Moratto
-La macchina delle immagini di Alfredo
C., de Roland
Sejko
Los cineastas Denis Villeneuve y Alanis
Obomsawin se encuentran entre las personalidades que
recibirán un homenaje en el Festival
Internacional de Cine de Toronto (TIFF)
en septiembre.
Los codirectores
de TIFF, Joana Vicente y Cameron
Bailey, dieron a conocer que Villeneuve recibirá
el premio TIFF Ebert Director Award y
que Obomsawin será honrada con el premio Jeff
Skoll en Impact Media en
los premios TIFF Tribute Awards 2021. Ambos
son canadienses.
Villeneuve es conocido por dirigir películas como Sicario, Incendies y Blade Runner 2049, fue nominado a
los premios Oscar por la película Arrival (2016). Su nueva cinta,
una adaptación de Dune, se proyectará en
el certamen fílmico después de su estreno
mundial en Venecia.
“No hay duda de que Denis es
un cineasta consumado y sobresaliente.
Tiene un trabajo maravilloso y opera a un
nivel increíble de excelencia en el escenario mundial”,
sentenció Bailey a través de un comunicado. “A lo largo de los años, Denis ha
llevado muchas de sus películas a TIFF, por lo que
sentimos una cercanía especial con él. Es maravilloso celebrar
su carrera en este momento”, añadió.
Obomsawin, por su parte, ha
realizado películas durante más
de 50 años, explorando las vidas de
los pueblos de las Primeras
Naciones. Es miembro de la Nación
Abenaki.
Los ganadores anteriores del
premio TIFF han incluido a Chloé Zhao, Kate
Winslet y Sir Anthony Hopkins.
El TIFF está programado
para realizarse como un evento presencial del 9
al 18 de septiembre. El gobierno canadiense ha dicho
que abrirá su frontera a ciudadanos estadounidenses y residentes
permanentes completamente vacunados el 9 de
agosto y que se expandirá al resto
del mundo antes del 7
de septiembre.
Según
Variety, la actriz encarnará a la superheroína en el filme dirigido por Adil El
Arbi y Bilall Fallah, que contará con un guion de Christina Hodson, y que
comenzará a filmarse el próximo noviembre.
Es
el segundo papel protagonista que Grace hará en su carrera, ya que su debut como actriz
principal fue en la recientemente estrenada In The Heights, donde da
vida a Nina Rosario, una boricua que sueña con triunfar.
Aún no
se ha confirmado cómo encajará en la continuidad del Universo Extendido DC el filme
que, en principio, no llegará a las salas, sino que se estrenará en exclusiva
en la plataforma de Warner Bros. Si la trama de la cinta sigue el canon de los
cómics, Batgirl será la hija del Comisario Gordon, quien en su única aparición
dentro de este Universo estuvo interpretado por J. K. Simmons en La
Liga de la Justicia. Tampoco se ha confirmado que el actor, que también
da vida a J. Jonah Jameson en el Universo Cinematográfico Marvel, vaya a
aparecer en la película.
Otra posibilidad es que el filme esté ambientado en el
Universo de The Batman, el filme de Matt Reeves protagonizado por Robert
Pattinson, donde el Comisario Gordon está interpretado por Jeffrey Wright. Esta
versión del incorruptible agente de policía tendrá además su propia serie en
solitario sobre el departamento de policía de Gotham.
La película de Batgirl ha sufrido numerosos
contratiempos en su desarrollo. En marzo de 2017, Joss Whedon se unió al
proyecto con total control creativo bajo el encargo de desarrollar el guion y
dirigir la película. Sin embargo, un año después, decidió abandonar la cinta ya
que, según él, no encontraba el enfoque adecuado para aproximarse al personaje.
Aún no
hay fecha de estreno para Batgirl, aunque el personaje llegará
a la pantalla en otra versión durante la tercera temporada de Titans, donde estará
interpretada por Savannah Welch, y que se estrenará el próximo 12 de agosto.
Para
cualquiera de nosotros es todo un proceso comprender la vocación de sufrimiento
del alma polaca: Pawlikowski pasó su infancia en Varsovia, donde su madre era
docente de la facultad de filología inglesa. Su padre era judío, lo que obligó
a la familia a exiliarse en Austria durante la oleada antisemita de 1969. Ahí
comenzó su entrenamiento emocional: ver a su padre languidecer por el recuerdo
de su Polonia amada. Ya viviendo en Inglaterra, se casó con una emigrante rusa
que murió de cáncer en 2006.
Doy esta
pincelada del director para aproximarnos a su perspectiva, que es la expresión
del dolor de su alma. Porque un director también nos habla cuando se decide por
sus opciones estéticas: la elección del formato 4:3 y del blanco y negro, que
le acerca peligrosamente a los Maestros habituales, particularmente Bergman y
Godard.
Esa
maravillosa atmósfera de alto contraste formula una propuesta que es imposible
de obviar, que “asfixia” nuestros personajes, que les impide ser felices en el
exilio, porque “algo falta”.
Ese “algo”
no es más que la nostalgia por la tierra que se ama, la tierra que se huele en
los pequeños detalles, que nos arrulla con su música folklórica, con la que
alcanzamos el sueño de los hombres.
Ella es
cantante, él es músico. Es obvio entonces que la música del filme marca los
tiempos de su historia de amor: desde las canciones del campo (lo autótono y la
inocencia), los temas de propaganda (lo impuesto y la desasosiego), las
adaptaciones francesas de las canciones folklóricas (la tarea de ser
resilientes) y el jazz, el más libre de los géneros, cuando ellos están en
París, “libres” de la cortina de humo.
Aquí se
plantea el conflicto central: esa nostalgia por volver se convertirá en un
obstáculo insalvable para la relación, en una rutinaria agonía sin remedio.
Menudo ménage à trois:
nosotros y la patria.
En su filme
anterior, Ida, Pawlikowski también planteaba ese existencialista
inventario de los amores imposibles que se concretizan con el pago de una cuota
de dolor: entregar los votos a Dios y renunciar al mundo. Esa renuncia (o
aceptación) implica tanto un dolor físico (del cuerpo) como emocional (del alma
lacerada por la duda y la curiosidad). Con ese filme ganó 5 Premios del Cine
Europeo: Mejor Película y Mejor Director y se convirtió en el primer filme
polaco que gana en la categoría de Mejor Película Extranjera.
Con Cold
War ganó el premio al Mejor Director en Cannes y 6 Premios del Cine
Europeo, incluyendo Mejor Película y Mejor Director. Eso lo siembra de lleno en
el Olimpo de los grandes del cine contemporáneo, en el de los que tienen alguna
historia que contar y la enmarcan con su talento extraordinario para
convertirlas en auténticas obras de arte.
Cold War (2018). Dirección: Pawel Pawlikowski; Guion: Pawel
Pawlikowski, Janusz Glowacki y Piotr Borkowski; Fotografía: Lukasz Zal;
Edición: Jaroslaw Kaminski; Música: Marcin Masecki; Elenco: Joanna Kulig,
Tomasz Kot.
La imagen
elegida para el cartel de este año muestra “dos personas filmándose en una
especie de baile, un duelo lúdico -explica Mattotti- en una relación mediada
por la cámara. Es un baile bajo los focos de un decorado, un movimiento de
energías compartidas, un ritual de miradas. La imagen podría llamarse Sguardi a
confronto (Un concurso de miradas), en un momento en que la mirada se vuelve
más poderosa, como una nueva relación entre las personas. Las dos figuras
simbolizan dos visiones distintas que se encuentran y se comprometen, se
examinan y se estudian, pero no se oponen: gracias al Cine y su papel central,
creativo, proactivo”.
Los
organizadores dijeron que la película sobre dos mujeres solteras y embarazadas,
protagonizada por Penélope Cruz, Milena Smit e Israel Elejalde, se estrenará en
competencia el 1 de septiembre.
Almodóvar,
quien tiene una amplia trayectoria en el festival de cine más antiguo del
mundo, dijo en un comunicado: “Nací como director de cine en 1983 en Venecia en
la sección Mezzogiorno Mezzanotte. Treinta y ocho años después me llaman
para inaugurar el festival”.
“No puedo explicar la alegría y el honor y cuánto
significa esto para mí sin caer en la complacencia”, continuó Almodóvar, quien
en 2019 recibió el León de Oro a la Trayectoria en el evento. “Estoy muy
agradecido con el festival por este reconocimiento y espero estar a la altura”.
El director del festival, Alberto Barbera, dijo que la
película es “un retrato intenso y sensible de dos mujeres que enfrentan un
embarazo de consecuencias impredecibles, solidaridad femenina, y sexualidad que
se vive en plena libertad y sin hipocresía, todo en el contexto de una
reflexión sobre la ineludible necesidad de una verdad que debe perseguirse sin
vacilar”.
El
Festival Internacional de Cine de Venecia está programado del 1 hasta el 11 de
septiembre.
También
albergará el estreno de la anticipada adaptación de Denis Villeneuve de Dune,
protagonizada por Timothée Chalamet y Zendaya, así como de Halloween Kills, de David
Gordon Green, junto a un premio a la trayectoria para la actriz Jamie Lee
Curtis.
Al acto
que ha tenido lugar en el Palacio de Cibeles han acudido el recién nombrado
ministro de Cultura y Deporte, Miguel Iceta y el Alcalde de
Madrid, José Luis Martínez-Almeida, además de Enrique Cerezo, presidente
de EGEDA y Rebeca Grynspan, secretaria general de la Secretaría General
Iberoamericana.
La
colombiana El olvido que seremos,
de Fernando Trueba, y la guatemalteca La Llorona, de Jayro Bustamante, aglutinan el mayor número de nominaciones
con once cada una. Entre otros galardones, ambas producciones competirán por
hacerse por el Platino a mejor película y mejor dirección. Optarán también al
premio a mejor película la española Las
niñas de Pilar Palomero y la mexicana Nuevo orden de Michel Franco.
La VIII Edición de los Premios Platino del Cine y el Audiovisual
Iberoamericano, promovidos por EGEDA, tendrá lugar el próximo 3 de octubre en
Madrid en IFEMA Palacio Municipal.
Esta es la lista completa de nominaciones:
-Mejor Película Iberoamericana de Ficción
El olvido que seremos
La llorona
Las niñas
Nuevo orden
-Mejor dirección
Fernando Trueba
Icíar Bollaín
Jayro Bustamante
Michel Franco
-Mejor Guion
Crímenes de familia
El olvido que seremos
La llorona
Las niñas
-Mejor Música Original
Akelarre
Canción sin nombre
El olvido que seremos
La llorona
-Mejor Interpretación Masculina
Miguel Ángel Solá
Javier Cámara
Diego Peretti
Alfredo Castro
-Mejor Interpretación Femenina
Candela Peña
María Mercedes Coroy
Valeria Lois
Regina Casé
-Mejor Interpretación Masculina de Reparto
Alfredo Castro
Julio Díaz
Jorge Román
Diego Boneta
-Mejor Interpretación Femenina de Reparto
Yanina Ávila
Kami Zea
Nathalie Poza
Sabrina de la Hoz
-Mejor Película de Animación
El camino de Xico
La gallina Turuleca
O pergamino vermelho
Un disfraz para Nicolás
-Mejor Película Documental
Babenco
Cartas Mojadas
El agente Topo
El año del descubrimiento
-Mejor Ópera Prima de Ficción Iberoamericana
Canción sin nombre
Las niñas
Matar a Pinochet
Matar a un muerto
-Mejor Dirección de Montaje
El olvido que seremos
La llorona
Las niñas
Ya no estoy aquí
-Mejor Dirección de Arte
Akelarre
El olvido que seremos
La llorona
Las niñas
-Mejor Dirección de Fotografía
Akelarre
El olvido que seremos
La llorona
Las niñas
-Mejor Dirección de Sonido
Akelarre
El olvido que seremos
La llorona
Ya no estoy aquí
-Premio PLATINO al Cine y Educación en Valores
Adú
El Agente Topo
El olvido que seremos
Nuestras madres
Titane, que próximamente
será estrenada por MUBI, es una película audaz y radical con la presencia
andrógina de Agathe Rousselle que de alguna manera recuerda a los universos de
J.G. Ballard, David Cronenberg o Claire Denis en cuestiones como las mutaciones
y la fusión entre cuerpo (orgánico) y máquina.
El Gran Premio del Jurado (segundo en importancia) fue
compartido por A Hero, lo nuevo del
realizador iraní Asghar Farhadi, y Compartment Nº 6,
del finlandés Juho Kuosmanen.
En una
excelente edición para el cine francés Leos Carax ganó la estatuilla a Mejor
Dirección por Annette, musical con Adam Driver y Marion Cotillard. Dos
referentes de la cinefilia más extrema como el tailandés Apichatpong
Weerasethakul (con Memoria, rodada en Colombia
con Tilda Swinton); y el israelí Nadav Lapid (con Ahed’s Knee)
compartieron el Premio del Jurado, mientras que los galardones de actuación
fueron para Renate Reinsve, por The Worst Person in The World,
del noruego Joachim Trier; y para Caleb Landry Jones, por Nitram,
de Justin Kurzel.
El palmarés se completó con la estatuilla a Mejor Guion
para los japoneses Ryusuke Hamaguchi y Oe Takamasa por Drive
My Car, elogiada
transposición de un cuento de Haruki Murakami. Este filme también consiguió el
Premio Fipresci.
Uno de los momentos más emotivos de la ceremonia de
clausura fue cuando el director italiano Paolo Sorrentino le entregó la Palma
de Oro a la carrera a su compatriota Marco Bellocchio, quien este año también
presentó en Cannes Marx può aspettare, un
documental sobre su historia familiar y, más precisamente, sobre el suicidio de
su hermano gemelo en 1968.
En la sección
“Una cierta mirada” se eligió a Unclenching The Fists de la rusa
Kira Kovalenko como la Mejor Película. Mención especial para Noche
de Fuego de Tatiana Huezo y Premio del Jurado para Great Freedom de
Sebastian Meise.
La
Cámara de Oro fue para Murina, de Antoneta Alamat
Kusijanovic, presentado en la sección paralela Quincena de Realizadores.
La edición 2021 de Cannes tuvo en todas sus secciones más
títulos de lo habitual para no perderse nada de lo nuevo y poder sumar algunas
películas que estaban listas para la edición 2020 y esperaron más de un año
tras la cancelación por el Coronavirus. Tanto material había este año que
Thierry Frémaux pudo darse el lujo de programar a unos cuantos autores
consagrados (Ari Folman, Todd Haynes, Hong Sangsoo, Andrea Arnold, Arnaud
Desplechin, Gaspar Noé, Kornél Mundruczo, Oliver Stone, Mamoru Hosoda y Tom
McCarthy) por fuera de la lucha por la Palma de Oro y muchos de ellos
terminaron incluso en una nueva sección llamada Cannes Premiere.
La actriz española Pilar Bardem ha muerto a los 82
años.
La intérprete
ha fallecido en la clínica Ruber de Madrid tras una semana ingresada debido a
una afección pulmonar. “Queremos compartir la noticia de que Pilar Bardem,
nuestra madre, nuestro ejemplo, ha fallecido. Se ha ido en paz, sin
sufrir y rodeada del amor de los suyos. Sabemos del cariño y admiración que por
ella sentían muchísimas personas, dentro y fuera de España, por la actriz y la
persona luchadora y siempre solidaria que fue. Agradecemos de todo corazón ese amor hacia
nuestra madre”, reza el comunicado que firman sus tres hijos, Carlos, Mónica y
Javier Bardem.
El
presidente del Gobierno, Pedro Sánchez, mostraba sus condolencias a través de
un tuit en el que recogía: “Nos deja su enorme legado en cine, teatro y
televisión. Pero la gran Pilar Bardem era, por encima de todo, una
defensora de la igualdad, la libertad y los derechos de todas y todos. Su recuerdo estará siempre con
nosotros”.
Asimismo,
el ministro de Cultura y Deporte, Miquel Iceta, ha sido de los primeros en
lamentar la pérdida de Bardem a través de los numerosos mensajes que ya circulan
por las redes sociales. “Con profunda tristeza recibo la noticia del
fallecimiento de la actriz y activista Pilar Bardem. Traslado mis
condolencias a sus hijos, familia, amistades y compañeros y compañeras de
profesión. Su memoria la
mantendrá siempre vida entre nosotros”, escribía Iceta a través de su cuenta
personal de Twitter.
Pilar Bardem (Sevilla, 1939) era la matriarca del clan de
actores y cineastas que llevan su apellido: hermana de Juan Antonio Bardem y
madre de Carlos, Mónica y el oscarizado Javier Bardem. La carrera de Pilar Bardem está marcada por su
trabajo con los mejores directores del cine español y por su compromiso
político fuera de la pantalla. “Políticamente podría decirse que a mi izquierda
solo existe el abismo”, decía hace algunos años.
Ambas facetas se fundieron a lo largo de su vida con
interpretaciones militantes. Empezó a trabajar en los años 60 en películas
con Fernando Fernán Gómez y Pedro Masó, participó en numerosas cintas del cine
de la Transición como La
regenta o Yo soy
Fulana de Tal, y también en series de televisión. Pero fue en los 90
cuando su figura alcanzó el estatus de estrella. Bigas Luna, Enrique Urbizu y
Agustín Díaz Yanes contaron con ella.
Por Nadie
hablará de nosotras cuando hayamos muerto ganó su único Goya como
actriz secundaria. Y le llegó la llamada de Almodóvar, en Carne trémula o Bajo
Ulloa, en Airbag. En los 2000, con una biopic de María Zambrano
triunfó en la Seminci y poco a poco se fue apartando de la actuación para
defender los derechos laborales de los artistas. Fue presidenta de la
Asociación de Intérpretes, Sociedad de Gestión (AISGE) de 2002 a 2018.
Por
plasmar en su obra una “poesía fulgurante” y “una estética fuera de lo común”,
el Festival Lumière eligió a Campion como ganadora de la decimotercera edición
del premio, quien se suma a una lista de galardonados en la que figuran Francis
Ford Coppola, Jane Fonda, Martin Scorsese, Pedro Almodóvar o Quentin Tarantino.
Campion
fue también la primera realizadora en ganar la Palma de Oro del Festival de
Cannes, en 1993 con The Piano, por la que también obtuvo una nominación al Oscar a
mejor directora en 1994.
También fue la primera directora en presidir el jurado de
Cannes, en 2014. Su
filmografía cuenta con una veintena de obras entre cortometrajes y
largometrajes, en la que destacan: An Angel at my Table (1990), The
Portrait of a Lady (1996) o Holy Smoke (1999).
“Jane
Campion ha explorado las esferas del deseo y de las relaciones humanas”, señala
el comunicado del Festival Lumière sobre la ganadora del premio e indica como
rasgos más representativos de su obra el uso de “la voz en off, la composición
fotográfica de los planos y la ruptura de la normalidad hasta la incomodidad”.
En 2014,
Campion dirigió su primera serie, “Top of the Lake”, y su próxima cita con la
pequeña pantalla será el filme “The Power of the Dog”, la adaptación
cinematográfica de la novela policíaca sobre drogas de Don Winslow que se estrenará
en Netflix, protagonizada por Benedict Cumberbatch y Kirsten Dunst.
El
festival ha celebrado que el premio lo gane una realizadora por primera vez y
ha recordado que esa fue una de las voluntades del cineasta francés Bertrand
Tavernier, quien era presidente del Instituto Lumière cuando falleció el pasado
mes de marzo.
Campion recibirá el premio el próximo 15 de octubre en
una gala del Festival Lumière de cine francés que organiza el Instituto Lumière
en Lyon.
El Dogma 95 es el último movimiento estético de cierta trascendencia en el mundo del cine. Al frente de toda la teoría estaba el danés Lars von Trier, hoy firmemente posicionado como uno de los mejores directores del mundo y persona no grata en Cannes.
Otro danés
cofundador junto a Von Trier es Thomas Vinterberg, quien también aportó el
primero (y uno de los mejores) de los títulos “certificados” por el Dogma 95: La
celebración (1998), filme que recibió numerosos reconocimientos, en los
que destacan el Premio del Jurado en Cannes, así como el Premio Discovery del
Cine Europeo. Como se suele decir en estos casos: ha nacido una estrella.
It’s All About Love (2003) fue el fruto de dos años y
medio en la escritura del guion, que protagonizaron Joaquin Phoenix, Claire
Danes y Sean Penn, y fue escogida para el Festival de Berlín, prestigioso
certamen que también acogió Submarino (2010), ganadora de 5
Premios Robert, equivalentes al Oscar en Dinamarca.
Su
consagración internacional le llegó con La caza (2012), filme presentado en
el Festival de Cannes, donde consiguió varios premios: el de Mejor Actor para
Mads Mikkelsen y de Mejor Fotografía para Charlotte Bruus Christensen, así como
el Premio del Jurado Ecuménico. También consiguió una nominación para el Oscar
a la Mejor Película Extranjera. Ese Oscar lo conseguiría 9 años después con Another
Round, consiguiendo también su primera nominación como Mejor Director.
Another Round parte de una premisa muchas veces vistas en el cine: la crisis de los
40 años. Para estos profesores daneses, la crisis se sortea con una suerte de
desafío adolescente: siguiendo las indicaciones de un filósofo y siquiatra
noruego, quien postula como principio para ser eficientes en nuestra
cotidianidad, mantener el contenido de alcohol en la sangre (BAC, por sus
siglas en inglés) por encima de 0.05, algo que se consigue, por ejemplo, con
dos copas de vino. En teoría, estos inmaduros señores darán lo mejor de sí como
profesores, serán más demandantes, más enérgicos, más creativos frente a una
clase habitada por adolescentes fusionados a su celular, indiferentes a todo lo
que sea ajeno a su whatsapp.
Vinterberg,
nueva vez con Mads Mikkelsen como su actor principal, se sirve de esta premisa
para diseccionar a la sociedad danesa de nuestro tiempo, una sociedad en la que
todo aparenta estar en perfectas condiciones (como en las redes sociales) pero
que realmente palidece cuando sus jóvenes no definen objetivos de vida, ni les
interesa en lo más mínimo.
Es esa
misma sociedad de padres permisivos, la que pone todo el peso de su fracaso en
lo que se aprende en las aulas cuando, en realidad, los hogares son permanentes
campamentos para el despropósito, para abandonar los sueños rotos, para
rendirnos ante el fracaso colectivo de construir un mundo mejor.
Mikkelsen,
premiado muy justamente como Mejor Actor del 2020 por la Academia del Cine
Europeo, da una cátedra de cómo expresar mucho con poco. Tomemos como ejemplo
la escena de la cena para celebrar los 40 años de su amigo, momento en que
conocemos de la teoría del 0.05% en la sangre y con este personaje como ejemplo
de responsabilidad al ser el conductor de la noche. Es apenas un sorbo de vino
lo que sirve de chispa para encender el interior del personaje, otro sorbo para
colocarnos frente al abismo y ya para el trago de vodka, sabemos que el
monstruo se ha instalado en su alma desolada. Todo con gestos y apenas una
lágrima que asoma como el fantasma de la rutina diaria.
En más de
un sentido, Another Round se percibe como comedia de humor negro. Estamos claros
de que es un drama desconcertante, pero todos los excesos nos llevan muy cerca
del humor y este filme lo logra con una facilidad casi tierna y no solo hablo
de las escolares travesuras de los jóvenes. También los adultos, liberados por
el alcohol, hacen de las suyas.
Claro que
son fantasmas del pasado oxidados por sus propias renuncias, por sus propios
extravíos, por su propia dejadez ante un futuro que alguna vez lucía promisorio.
Se oxidaron en sus matrimonios rutinarios, se oxidaron con la llegada de los hijos,
se oxidaron en sus pretensiones de llegar más lejos, se oxidaron en vivir en su
burbuja de confort que, tarde o temprano, les pasa factura.
El único
problema con asumir el alcohol como salida es que las penas saben nadar y están
al nivel de medallistas olímpicas. Por eso, mejor asumir el fracaso como opción
y bailar al compás de los nuevos ritmos, creados para encandilar nuevas
generaciones, creados para engullir nuevos futuros.
Another Round consiguió el Premio a la Mejor
Película de la Academia del Cine Europeo. Merecido. Es uno de los mejores
filmes de 2020.
Another Round (2020). Dirección: Thomas Vinterberg; Guion: Thomas
Vinterberg y Tobias Lindholm; Fotografía: Sturla Brandth Grovlen; Edición:
Janus Billeskov Jansen y Anne Osterud; Elenco: Mads Mikkelsen, Thomas Bo
Larsen, Magnus Millang, Maria Bonnevie.