La isla rota, lo nuevo de Félix Germán.

La frontera domínico-haitiana es territorio propicio para cultivar prejuicios, odios e intolerancias. El peor capítulo de esa historia es, por supuesto, la “Masacre del Perejil” en octubre de 1937, en que Trujillo exterminó a los nacionales haitianos de toda la zona.

Ese marco histórico es el escenario en que se desarrolla La isla rota, segundo largometraje para el cine del también actor y guionista Félix Germán. Germán debutó en la dirección con La maldición del padre Cardona (2005) y ha dirigido otros trabajos vinculados a la historia dominicana: El nacimiento de una nación (2006), El grito de Capotillo (2007) y Todo un hombre (2009).

El protagonista de La isla rota es Guy, un niño haitiano que presencia el asesinato de sus padres al tratar de cruzar hacia Dominicana y que, años después, planifica su venganza. En su versión adulta es encarnado por Algenis Pérez Soto, un casi pelotero que ha evolucionado en magnífico actor y que conocimos gracias a Sugar (2008, Anna Boden y Ryan Fleck). Junto a Pérez Soto, sobresalen por su histrionismo Manny Pérez y Frank Perozo, dos de nuestros mejores sospechosos habituales.

Dos de los elementos más sobresalientes de La isla rota son: la impecable fotografía de Peyi Guzmán, un maestro que, muy apropiadamente, renuncia al preciosismo simple para regalarnos un ambiente árido, seco, hostil en el que, sin embargo, florece la esperanza; y la música de Sergio Jiménez Lacima, premiada en varios festivales de cine.  

El peso dramático de un filme que se basa en hechos reales se mide por su veracidad, por la fuerza con la que nos hace creer la historia. Esa veracidad se ve afectada y se evidencia un desbalance dramático cuando aparece el personaje de Meuda (adulta) y el filme se transforma de historia de venganza en historia de amor: pierde mucha de la fuerza de su comentario social y se decanta por fórmulas que atentan contra uno de sus principales valores: ser realista.

De cualquier manera, el filme es un aporte muy válido para quienes están interesados en conocer acerca de la compleja relación de Haití y Dominicana, una relación que es indisoluble por ser dos naciones en una misma isla.

La isla rota (2019). Dirección y guion: Félix Germán; Fotografía: Peyi Guzmán; Edición: Gina Giudicelli; Música: Sergio Jiménez Lacima; Foto fija: Rubén Darío Abud; Elenco: Algenis Pérez Soto, Manny Pérez, Frank Perozo, Dalisa Alegría, Félix Germán.

Academia de Hollywood: la Clase 2019.

La Academia de Hollywood, en búsqueda de la diversidad entre sus miembros, ha invitado a una cifra récord de 929 personas, procedentes de un total de 59 países, a formar parte de la institución, informó la organización en un comunicado.

El 49 % de esas invitaciones se ha enviado a mujeres, con lo que el total de féminas en la Academia se eleva al 31 %, precisa la nota.

Por otro lado, el 38 % de los invitados son personas de color, y su representación total en la Academia asciende del 13 % en 2017 al 16 %.

En la lista de este año aparecen nombres de actores como el argentino Ricardo Darín; los mexicanos Eugenio Derbez, Damián Alcázar y Jaime Camil; y los españoles Carmen Maura, Ángela Molina, Jordi Mollà, Eduardo Noriega, Javier Cámara, Carlos Bardem, Natalia De Molina, Rossy De Palma, Verónica Echegui, Marta Etura, Javier Gutiérrez, Bárbara Lennie, Rubén Ochandiano y Emma Suárez.

Entre los invitados también se encuentran los intérpretes chilenos Pedro Pascal, Daniela Vega y Paulina García; la brasileña Alice Braga; la argentina Mia Maestro; estadounidenses de origen latino como Melonie Diaz, George Lopez o Gina Rodríguez; y el director argentino Andy Muschietti.

La Academia ha querido hacer partícipes este año también a artistas como Daniel Kaluuya, Mindy Kaling, Tiffany Haddish, Kumail Nanjiani, Blake Lively, Amy Schumer, Dave Chappelle, Daisy Ridley, Timothee Chalamet, Emilia Clarke, Lena Headey, Lily James, Lily Collins, Chloe Grace Moretz, Olivia Munn o Evan Rachel Wood, entre otros.

En enero de 2016, la Academia de Hollywood anunció una serie de cambios con el objetivo de duplicar entre sus miembros el número de mujeres y personas de diversas razas para el año 2020, una medida con la que pretendía aplacar las críticas por la falta de diversidad en los Óscar.

La cifra de invitados de este año es muy superior a la del año pasado, cuando ingresaron 774 personas.

El proyeccionista: una carta de amor al Cine.

José María Cabral no es solamente uno de nuestros más talentosos cineastas: es también un cinéfilo de tiempo completo, alguien que ama el Cine que se escribe con mayúsculas y que alimenta sus sueños con la estética de los Maestros del Séptimo Arte.

En virtud de eso, la primera definición obvia para El proyeccionista es que es una carta de amor al Cine, aunque también es obvio que mucho tiene de desahogo, de exorcismo de los fantasmas que habitan a Cabral y que fueron sacados de su zona de confort cuando este salió a presentar Detective Willy (2015) por los sitios más recónditos de Dominicana.

La premisa es simple: Eliseo se pasea en su camión del cine por los pueblos y presenta las novedades cinematográficas que sus clientes devoran con verdadera hambre cinéfila. Pero Eliseo siente una poderosa conexión con una mujer que protagoniza unos rollos de película que proyecta solo para él, mayormente cuando ha terminado la función pública y la soledad se hace presente.

Con ella, Cabral construye una road-movie y nos siembra en el asiento delantero de un camión que va a inventariar nuestros pueblos y sus miserias, nuestra gente y sus sueños truncados, nuestros futuros y sus limitadas posibilidades.

Para que ese viaje no sea traumático, Cabral se apoya en el talento de Félix Germán, un actor en pleno dominio de su oficio (es también guionista y director) y en el carisma salvaje de Cindy Galán, el auténtico descubrimiento de El proyeccionista. Entre las personalidades contrastantes de sus personajes se nos cuela el paisaje de cada pueblo, los problemas que acarrea cada función de cine, la supervivencia pura y simple entre los sinsentidos que brinda la vida.

Porque poco importa si el negocio es rentable o no, nuestros personajes solo cumplen con su destino: deben emprender ese viaje y experimentar el cansancio de tantos kilómetros de carretera y también de tantas horas de soledad. En realidad, son dos viajes: uno físico y otro mental.

A crear la atmosfera necesaria aportan mucho tanto la fotografía de Hernán Herrera, como la música de Lucas Suárez, sustentadas por un magnífico trabajo de edición de Nacho Ruiz Capillas.

El proyeccionista presenta algunos puntos de coincidencias con algunos clásicos contemporáneos como: The Star Maker (1995, Giuseppe Tornatore) y No te mueras sin decirme adónde vas (1995, Eliseo Subiela) y la afirmación no es gratuita: todos esos filmes fueron hechos con el amor por el Cine como común denominador, el Cine como fenómeno de expresión artística (para el cineasta) y como juego lúdico para los sentidos (para el espectador).  

Para los buenos cinéfilos, El proyeccionista es una cita obligada que confirma a José María Cabral como uno de nuestros mejores soñadores y que además tiene la fortuna de plasmar en imágenes sus sueños.

El proyeccionista (2019). Dirección y guion: José María Cabral; Fotografía: Hernán Herrera; Edición: Nacho Ruiz Capillas; Música: Lucas Suárez; Elenco: Félix Germán, Cindy Galán, Lía Briones.

Venecia 2019: Lucrecia Martel, Presidente del Jurado.

La directora argentina Lucrecia Martel será la presidenta del jurado de la 76ª edición del Festival Internacional de Cine de Venecia, que se celebrará entre el 28 de agosto y el 7 de septiembre. Precisamente en Venecia, la cineasta presentó su más reciente largometraje, Zama, en 2017.    

El director del Festival, Alberto Barbera, ha destacado la labor de la directora de La niña santa y La mujer sin cabeza. “Es la mujer cineasta más importante de Iberoamérica y una de las realizadoras más reconocidas a nivel mundial”, comentó Barbera en un comunicado, en el que destaca que Martel ha conseguido ese reconocimiento gracias “cuatro largometrajes y un buen número de cortos” que ha dirigido en sus dos décadas de carrera.   
“Es un honor, una responsabilidad y placer ser parte de esta celebración del cine y del inmenso deseo de la Humanidad de entenderse a sí misma”, escribió Martel en un comunicado. Con su película, Zama, la directora tuvo el aplauso de la crítica, logrando diez Premios Sur, entre ellos del mejor largometraje, así como también una Mención Especial en el 14º Festival de Cine Europeo de Sevilla y una candidatura a los 32º Premios Goya al mejor filme iberoamericano.
Martel encabezará el jurado encargado de otorgar el León de Oro y los Leones de Plata de la Selección Oficial del festival. De momento, se desconocen los nombres del resto de miembros que elegirán a los premiados de la Biennale.

Entre los presidentes más recientes de Venecia, el festival de cine más antiguo del mundo, han estado nombres como los de: Sam Mendes, Annette Bening y Guillermo del Toro.
Lucrecia Martel nació el 14 de diciembre de 1966 en Salta, Argentina. En 2001 dirigió su ópera prima, La ciénaga, premio Alfred Bauer en el 51º Festival de Berlín y ganadora del galardón al mejor guion en el Festival de Sundance. En 2004 optó por la Palma de Oro de Cannes por La niña santa.

Caribbean Cinemas: 50 años de mucho cine.

Este miércoles 19 de junio de 2019, Caribbean Cinemas cumplirá 50 años de fundada y lo celebrará con sus clientes, otorgando un precio especial en la taquilla y descuento en uno de sus combos.

El precio de taquilla ese día para películas en formato regular será de RD$ 90.00, en varios de sus cines, incluyendo: Cinema Centro Cibao, Colinas Mall y Hollywood 7.

Los amantes del popcorn también disfrutarán del Cine Combo (popcorn 85oz y refresco 21oz) con un 50% de descuento del precio regular.  Este combo es el más vendido en toda la cadena.

La empresa fue inaugurada en San Juan, Puerto Rico el 19 de junio de 1969 por el señor Víctor Carrady y continúa siendo una compañía familiar liderada por su hijo, Robert Carrady. En República Dominicana, la operación está a cargo de Gregory Quinn, Managing Partner, mientras que Michael Carrady funge como Film Buyer.

Actualmente, tiene presencia en Puerto Rico y en 13 territorios adicionales, otras islas del Caribe, América del Sur y Panamá.

Robert Carrady expresó: “Este día es uno muy especial y queremos que nuestros clientes sean parte de la celebración, ya que gracias a su patrocinio es que hemos llegado a estos 50 años”.

La cadena de cines ha llevado a cabo durante los primeros seis meses del año, una serie de eventos, sorteos y promociones a fin de premiar la fidelidad de sus clientes.

Dentro de las activaciones de esta cerebración, el Aniversary Tour sigue sorprendiendo a los clientes que asisten a nuestros cines con una divertida dinámica de juego de ruleta, que les permiten llevarse premios al instante. Así mismo, se realizó un exclusivo concurso en el que el ganador tuvo la oportunidad de asistir a la ciudad de Nueva York con todos los gastos pagos, para disfrutar de la proyección exclusiva de la película John Wick 3.

La misión de Caribbean Cinemas a través de estos 50 años se ha enfocado en la innovación, en ofrecer lo último en tecnología en la industria del cine y brindar entretenimiento para toda la familia a un precio accesible con estrenos simultáneos con Estados Unidos.

Premio Lumiére 2019: Francis Ford Coppola.

El director Francis Ford Coppola recibirá el Premio Lumière 2019 en el próximo Festival Lumière de Lyon, que celebra su décimo aniversario entre los próximos 12 y 20 de octubre. Coppola se suma así a una prestigiosa lista de galardonados que incluye a nombres como: Jane Fonda, Wong Kar-Wai, Martin Scorsese, Pedro Almodóvar, Clint Eastwood y Quentin Tarantino.

El Festival Lumière, dirigido por el director artístico del Festival de Cannes Thierry Fremaux y por el cineasta Bertrand Tavernier, también director del Instituto Lumière, anunció ayer las primeras líneas de programación de su décima edición. Para empezar, con motivo del homenaje a Coppola se proyectará la trilogía entera de El Padrino.

En apenas diez años, el Festival Lumière se ha posicionado como una de las citas más importantes en el mercado del cine clásico y restaurado. Y para este 2019, se han programado diferentes programas retrospectivos que dan cuenta del trabajo realizado en el último año.

Para empezar, una retrospectiva sobre la figura André Cayatte, quien pasó de trabajar como abogado a convertirse en cineasta y novelista ya en la década de 1950, realizando obras policíacas en la línea de Clouzot. Entre sus obras, la película colectiva Retour à la vie (1949), Justicia cumplida (1950), Nous sommes tous des assassings (1952) o El dossier negro (1955), entre otras.  

Una segunda retrospectiva titulada Forbidden Hollywood, the Warner Years se centrará en las producciones del estudio realizadas entre 1930 y 1940, antes de que el infame Código Hays impusiera una estricta normativa moral en las ficciones cinematográficas.  

Asimismo, se ha programado un cine-concierto con motivo de la restauración del clásico de Abel Gance, La rueda (1923), monumental película del cine silente y melodrama trágico sobre un triángulo amoroso y la dolorosa rueda del destino.  

Franco Zeffirelli (1923-2019).

El director de cine y de ópera Franco Zeffirelli quien falleció en Roma a los 96 años fue un caso raro de divorcio entre la alta cultura y la de masas. La primera -teatro y ópera- lo reconoció como uno de los más grandes directores escénicos de la segunda mitad del siglo XX. En el cine las cosas fueron más complicadas y Zeffirelli arrastró mala fama de blando y superficial esteticista. No es del todo justo. Sobre todo, no es fiel a como fue percibido cuando debutó en cine, siendo ya uno de los directores escénicos más prestigiosos del mundo, con los éxitos de La fierecilla domada (1967) y sobre todo de Romeo y Julieta (1968).

En la primera trabajó con dos grandes estrellas -Taylor y Burton- y en la segunda, con dos jovencísimos desconocidos -los adolescentes de 17 y 16 años Leonard Whiting y Olivia Hussey- para respetar la edad que en la obra tienen los protagonistas. Las dos películas fueron aclamadas por combinar el respeto radical a los textos y la naturalidad en su recitación y puesta en imagen. Hasta entonces los grandes referentes shakespearianos en cine eran Dieterle y Reinhardt (El sueño de una noche de verano, 1935), Cukor (Romeo y Julieta, 1936), Mankiewicz (Julio César, 1953) y, sobre todo, Olivier con Enrique V (1944), Hamlet (1948) y Ricardo III (1955), y Welles con Macbeth (1948), Otelo (1952) y Campanadas a medianoche (1967). Siendo las de Olivier muy teatrales y las de Welles puro cine en un endiablado juego entre escenografía teatral, iluminación cinematográfica y un sentido del plano que sólo puede definirse como wellsiano.

Hay que recordarlo para ser justos con Zeffirrelli y valorar qué representó su irrupción en el cine con La fierecilla domada y el inmenso éxito de Romeo y Julieta, una operación de riesgo porque Leonard Whiting y Olivia Hussey eran dos desconocidos. Pero Zeffirelli acertó al elegirlos. En el éxito de su Romeo y Julieta se sumaba ver a dos adolescentes de una belleza renacentista -cuando Shearer y Howard interpretaron la versión de Cukor tenían 34 y 43 años- recitando con naturalidad los versos de Shakespeare, filmados con un estilo a la vez esteticista y natural, y con el conmovedor fondo de una extraordinaria banda sonora de Nino Rota (sobre todo su tema de amor que se convirtió en un número uno de ventas en la versión orquestal de Henry Mancini o en las vocales de Johnny Mathis y Andy Williams).

El resto de su larga filmografía no tuvo el mismo interés. No acertó al aplicar la fórmula juvenil a una versión medidamente hippy de San Francisco de Asís (Hermano sol, hermana luna, 1972) con música de Donovan. Si acertó con la miniserie televisiva de seis horas y media Jesús de Nazareth (1977), gran producción con lujoso reparto y guionistas de excepción: Anthony Burgess y Suso Ceccchi d’Amico, que también se estrenó en cines en dos partes. Tras ella sorprendió al rehacer con éxito el clásico de King Vidor Campeón (1979).

Pero el fracaso del flojo melodrama Endless Love (1981) le aconsejó dedicarse a filmar óperas. Entre 1979 y 2000 dirigió, entre otras, Carmen con Elena Obratsova, La Traviata y Pagliacci con Teresa Stratas, Otello con Katia Ricciarelli o Turandot con Eva Marton, todas ellas con Plácido Domingo.

Volvió al cine de ficción en 1988 con la discreta El joven Toscanini y con mejor resultado en 1990 para reencontrarse con Shakespeare -sus direcciones teatrales y cinematográficas de sus obras le valieron ser el único director italiano distinguido con el título de Sir- en el Hamlet que interpretó Mel Gibson, a la que siguieron la adaptación de la novela de Giovanni Verga Storia di una capinera (1993), una correcta versión de Jane Eyre (1996) interpretada por Charlotte Gainsbourg, la autobiográfica Té con Mussolini (1999) y, cerrando su carrera cinematográfica, la también un punto autobiográfica Callas Forever (2002), con Fanny Ardant y Jeremy Irons.

Pedro Almodóvar: León de Oro en Venecia.

El cineasta español Pedro Almodóvar recibirá el León de Oro a su carrera en la 76ª edición del Festival de Cine de Venecia, según anunciaron los organizadores del certamen, que se celebrará entre el 28 de agosto y el 7 de septiembre.

La decisión ha sido tomada por el Consejo de Administración de la Bienal de Venecia, en la que se enmarca la Mostra de Cine, al considerar al director manchego como “el más grande e influyente” cineasta español desde Luis Buñuel.

“Estoy muy emocionado y honrado de recibir este León de Oro. Tengo muy buenos recuerdos del Festival de Cine de Venecia, ya que mi debut internacional tuvo lugar allí en 1983 con Malos hábitos. Fue la primera vez que una de mis películas viajó fuera de España, se convirtió en mi bautismo internacional y una experiencia maravillosa”, ha declarado Almodóvar al recibir la noticia de un León que, según señala, se convertirá en otra mascota más “junto a los dos gatos” con los que vive.

El director manchego verá reconocida una larga trayectoria que comenzó en 1980 con Pepi, Luci, Bom y llega a nuestros días con Dolor y gloria, probablemente la película más íntima de un autor que todavía termina cosechando premios. Así lo demuestran las buenas críticas de su última producción y el galardón a mejor actor recibido por Antonio Banderas, protagonista del filme, en el pasado Festival de Cannes.