sábado, octubre 31, 2020

Sean Connery (1930-2020)

Sean Connery, el mejor James Bond de la historia, ha muerto a los 90 años. Ganador de un Oscar al mejor actor de reparto por su papel en Los intocables, el escocés fue el primer intérprete en dar vida al célebre agente, apareciendo en un total de siete películas entre 1962 y 1983. También ganó dos Bafta y tres Globos de Oro.

Connery destacó, asimismo, por participar en cintas como La caza del Octubre RojoIndiana Jones y la última cruzadaLa liga de los hombres extraordinarios o La Roca. Fue Robin Hood y se puso a las órdenes de gigantes como Alfred HitchcockJohn Huston, pero si por algo será recordado es por ser el primer hombre que encarnó a James Bond, y probablemente por ser el que mejor lo hizo. Había cumplido 90 años el pasado mes de agosto.

Nacido en la ciudad escocesa de Edimburgo en 1930, hijo de un camionero y una limpiadora, tuvo una infancia complicada, creciendo en un ambiente marcado por las penurias económicas. Dejó de ir al colegio a los 13 años para trabajar como repartidor de leche. Tras enrolarse durante un tiempo en la Marina británica, trabajó durante un tiempo en funerarias o el mundo de la construcción hasta que en la década de 1950 comenzó a hacerse un hueco como actor de películas y programas de televisión.

Sin embargo, su salto a la fama llegaría en 1962, cuando se adaptó a la gran pantalla la novela Dr. No, del escritor Ian Fleming. Agente 007 contra el Doctor No fue la primera vez de Sean Connery como James Bond, y tuvo tanto éxito que en los años posteriores siguieron seis entregas más de una saga que se ocupa un lugar privilegiado en la historia del cineDesde Rusia con amor (1963), Goldfinger (1964), Operación Trueno (1965), Solo se vive dos veces (1967), Diamantes para la eternidad (1971) y Nunca digas nunca jamás (1983).

El Bond de Connery fue un agente de modales elegantes y humor irónico para boicotear las artimañas de villanos extravagantes. También una figura carismática que camelaba a mujeres hermosas y así ocultaba su cara más oscura y violenta. Todas estas características contribuyeron a crear un personaje con unos estándares reconocibles que han tratado de replicar todos los actores que han recogido su testigo, como Roger MoorePierce Brosnan o Daniel Craig.

Si bien todo el mundo le relaciona con 007, el escocés terminó renegando del personaje sin el que su carrera no hubiera sido la misma. “Odiaba al maldito James Bond”, llegó a reconocer en una ocasión.

Connery también fue un ardiente defensor de la independencia de Escocia y llegó a tatuarse en un brazo, cuando servía en la Royal Navy, las palabras “Scotland Forever”. Fue nombrado caballero de la Orden del Imperio británico por la reina Isabel II en el año 2000, en una ceremonia celebrada en el Palacio de Holyrood, en Edimburgo, a la que acudió vistiendo la típica falda de su tierra.

La carrera de Connery podía haber declinado cuando dejó paso a Roger Moore como el agente 007. Pero el actor trabajó a las órdenes de directores como Alfred Hitchcock en Marnie (1964); Jean Jacques Annaud en El nombre de la rosa (1986) y Steven Spielberg en Indiana Jones y la última cruzada (1989); y a pesar de ir sumando años, siguió siendo un habitual del cine de acción: rodó con John McTiernan en La caza del Octubre Rojo (1990) y Los últimos días del Edén (1992), y con Michael Bay en La Roca (1996).

En sus últimos años en Hollywood decidió bajar el ritmo y no embarcarse en más de un proyecto cada dos años, hasta que en 2003 las malas críticas de La liga de los hombres extraordinarios lo empujaron a tomar un descanso, cuatro años después de que 'People' lo hubiese coronado como "el hombre más sexy del siglo" a sus 69 años.

Rechazó el papel de Gandalf en El Señor de los Anillos, y también se negó a volver como el padre de Indiana Jones en El reino de la calavera de cristal.

En una entrevista afirmó que estaba “harto de Hollywood”: “Cada vez hay más distancia entre los que saben hacer películas y los que dan luz verde a las películas. No digo que todos sean idiotas. Solo digo que hay muchos de ellos que son muy buenos siendo idiotas. Necesitaría una oferta imposible de rechazar, al estilo de la mafia, para no negarme a hacer otra película más”. Y cumplió su promesa. 

jueves, octubre 29, 2020

Covid 19: sin contagios en las salas de cine

En España, los cines son espacios seguros y las cifras lo avalan. Según los datos presentados por el Ministerio de Sanidad, de los que se hace eco la Federación de Cines de ese país y que desglosan la incidencia del Covid-19 por sectores, en las actividades culturales solo se ha producido un brote de los 8.488 detectados y no se tiene constancia que ese brote se haya producido en una sala cine, por tanto, en los cines no se habría producido ningún brote tras más de cuatro meses abiertos al público.

Según el informe del Ministerio, la incidencia del Covid-19 en la cultura es marginal, habiéndose producido tan solo un 0,01% de los brotes en espacios culturales, lo que supone que se han dado menos casos y brotes que en todos los demás ámbitos sociales, como la hostelería, actividades deportivas, ocio nocturno, etc.

La Federación de Cines de España achaca esta incidencia al estricto protocolo sanitario aprobado e implementado por el sector. Los buenos datos demuestran, para FECE, la seguridad de las salas y la efectividad del esfuerzo que han hecho los exhibidores para adecuarse a la situación sanitaria. La actividad de ir a un cine supone, por su propia naturaleza, una baja interacción social, ya que se realiza mayoritariamente con personas convivientes, sin entablar necesariamente relación con otros individuos; y en silencio, limitando la emisión de aerosoles.

Asimismo, la implantación de un riguroso protocolo de seguridad, con la obligatoriedad del uso de la mascarilla, salvo en los momentos puntuales de ingesta de alimentos, la separación de los espectadores, dispensadores de gel antibacterial a disposición del público y los empleados, la desinfección de las butacas después de la sesión, los óptimos sistemas de ventilación y la renovación de aire de las salas de cine han jugado un papel fundamental a la hora de minimizar el riesgo. La suma de todas estas actuaciones hace que la probabilidad de contagio en una sala de cine sea mínima.

A la luz de estos datos, desde la Federación de Cines de España demandan medidas equilibradas y una igualdad de criterio en todos los territorios para el sector de la exhibición.

Y es que, pese a la nula incidencia del Covid-19 en las salas de cine y que los ministerios de Sanidad y de Cultura dejaron fuera a las actividades culturales en las medidas restrictivas adoptadas en el acuerdo del Consejo Interterritorial de Salud, diferentes comunidades autónomas, como Cataluña, Navarra, Castilla y León o Aragón, sí han establecido medidas que desde la federación califican de “desproporcionadas” y “discriminatorias respecto a otros sectores con una incidencia muy superior”. En algunos casos, estas han llegado al cierre cautelar de cines o la prohibición de comer y beber en las salas, decisiones que “comprometen seriamente las posibilidades de recuperación de la exhibición”.

Frente a estas medidas de “penalización”, la FECE reclama que se ponga en valor el esfuerzo y la inversión realizados por el sector para que el nivel de incidencia del Covid-19 en salas de cine se mantengan en cero tras más de cuatro meses de actividad.

martes, octubre 27, 2020

Premios Sur 2020: los nominados.

Ya se conocen los nominados al Premio SUR. Votados por más de 250 socios de la Academia de Cine, los galardones de esta edición celebrarán a las películas estrenadas desde el 1° de enero de 2019 al 31 de diciembre de 2019.

Los sonámbulos de Paula Hernández, es la máxima candidata con 14 nominaciones mientras que El cuento de las comadrejas de Juan José Campanella, acumuló 11 postulaciones. Ambos filmes competirán en la categoría Mejor Película de Ficción junto a los filmes Las Buenas Intenciones de Ana García Blaya y La odisea de los Giles, dirigida por Sebastián Borensztein. Estos dos últimos filmes, al igual que Sueño Florianópolis de Ana Katz consiguieron 8 nominaciones.

Lista completa de nominados

Mejor Película de Ficción

  • El Cuento de las Comadrejas dirigida por Juan José Campanella
  • Las Buenas Intenciones dirigida por Ana García Blaya
  • La Odisea de los Giles dirigida por Sebastián Borensztein
  • Los Sonámbulos dirigida por Paula Hernández

Mejor Película Documental

  • Flora no es un canto a la vida dirigida por Iair Said
  • Los Knacks: Déjame en el Pasado dirigida por Gabriel Nesci y Mariano Nesci
  • Método Livingston dirigida por Sofía Mora
  • Que Sea Ley dirigida por Juan Solanas

Mejor Ópera Prima

  • Ciegos dirigida por Fernando Zuber
  • Flora No es un Canto a la Vida dirigida por Iair Said
  • Las Buenas Intenciones dirigida por Ana García Blaya
  • La Botera dirigida por Sabrina Blanco

Mejor Dirección

  • Juan José Campanella por El Cuento de las Comadrejas
  • Sebastián Borensztein por La Odisea de los Giles
  • Paula Hernández por Los Sonámbulos
  • Ana García Blaya por Las Buenas Intenciones

Mejor Actriz Protagónica

  • Graciela Borges por El Cuento de las Comadrejas
  • Amanda Minujín por Las Buenas Intenciones
  • Erica Rivas por Los Sonámbulos
  • Mercedes Morán por Sueño Florianópolis

Mejor Actor Protagónico

  • Peter Lanzani por 4×4
  • Joaquín Furriel por El Hijo
  • Ricardo Darín por La Odisea de los Giles
  • Gustavo Garzón por Sueño Florianópolis

Mejor Actor de Reparto

  • Luis Brandoni por 4×4
  • Diego Cremonesi por La Afinadora de Arboles
  • Sebastián Arzeno por Las Buenas Intenciones
  • Carlos Belloso por La Odisea de los Giles

Mejor Actriz de Reparto

  • Jazmín Stuart por Las Buenas Intenciones
  • Verónica Llinás por La Odisea de los Giles
  • Valeria Lois por Los Sonámbulos
  • Marilú Marini por Los Sonámbulos
  •  

Mejor Guion Original

  • Mariano Cohn y Gastón Duprat por 4×4
  • Ana García Blaya por Las Buenas Intenciones
  • Paula Hernández por Los Sonámbulos
  • Ana Katz y Daniel Katz por Sueño Florianópolis

Mejor Guion Adaptado

  • Arauco Hernández, Martín Mauregui y Federico Veiroj por “Así habló el cambista” basada en la novela “Así habló el cambista” de Juan E. Gruber
  • Juan José Campanella y Darren Kloomok por “El Cuento de las Comadrejas” basado en “Los muchachos de antes no usaban arsénico” escrita por José Martínez Suárez y Augusto Giustozzi
  • Leonel Mauro D’Agostino por “El Hijo” basado en un cuento de Guillermo Martínez “Una Madre Protectora”, del libro del mismo autor titulado “Una felicidad repulsiva”.
  • Sebastian Borensztein y Eduardo Sacheri por “La Odisea de los Giles” basada en la novela de Eduardo Sacheri “La Noche de la Usina”

Mejor Dirección Arte

  • Nelson Luty por El Cuento de las Comadrejas
  • Ailí Chen por Los Sonámbulos
  • Laura Caligiuri por Muere, Monstruo, Muere
  • Gonzalo Delgado por Sueño Florianópolis

Mejor Diseño de Vestuario

  • Cecilia Monti por El Cuento de las Comadrejas
  • Julio Suárez por La Odisea de los Giles
  • Mónica Toschi por Los Sonámbulos
  • Diogo Costa y Sandra Fink por Sueño Florianópolis

Mejor Maquillaje y Caracterización

  • Carolina Oclander por 4×4
  • Constanza Pugliese por Astrogauchos
  • Osvaldo Esperón, Sylvie Imbert y Beatushka Wojtowicz por El Cuento de las Comadrejas
  • Ángela Garacija por Los Sonámbulos

Revelación Femenina

  • Nicole Rivadero por La Botera
  • Amanda Minujín por Las Buenas Intenciones
  • Ornella D’elía por Los Sonámbulos
  • Manuela Martinez por Sueño Florianópolis

Mejor Fotografía

  • Félix Chango Monti por El Cuento de las Comadrejas
  • Jasper Wolf por Monos
  • Julián Apezteguía y Manuel Rebella por Muere, Monstruo, Muere
  • Gustavo Biazzi por Sueño Florianópolis

Mejor Sonido

  • Gustavo Pomeranec y Adrián Rodríguez por Crímenes Imposibles
  • José Luis Diaz (†) por El Cuento de las Comadrejas
  • Santiago Fumagalli por Muere, Monstruo, Muere
  • Martín Grignaschi por Los Sonámbulos

Mejor Montaje

  • Juan José Campanella por El Cuento de las Comadrejas
  • Javier Diment por La feliz (continuidades de la violencia)
  • Andrés Estrada por Muere, Monstruo, Muere
  • Rosario Suárez por Los Sonámbulos

Revelación Masculina

  • Sebastián Arzeno por Las Buenas Intenciones
  • Alejandro Gigena por La Odisea de los Giles
  • Rafael Federman por Los Sonámbulos
  • Joaquín Garzón por Sueño Florianópolis

Mejor Música Original

  • Emilio Kauderer por El Cuento de las Comadrejas
  • Iván Wyszogrod por El Hijo
  • Pedro Onetto por Los Sonámbulos
  • Gustavo Pomeranec por Los Últimos Románticos

sábado, octubre 24, 2020

Federico García Hurtado (1937-2020)

 

Falleció el cineasta Federico García Hurtado, uno de los directores fundamentales de la cinematografía peruana y latinoamericana.

El cineasta falleció tras varios días de estar delicado de salud, a los 83 años, dejando una rica filmografía de temática histórica y social, en la que destaca nítidamente Túpac Amaru (1984), sobra la vida y la lucha del rebelde inca contra la dominación colonial española.

La película, según el cineasta y profesor de cine Francisco Adrianzén, fue un factor de consolidación de la imagen del héroe, rescatada del olvido, por el gobierno nacionalista de Juan Velasco Alvarado (1968-75), como símbolo de la reforma agraria.
Túpac Amaru fue una contribución a la unidad nacional de quien consideró un creador “muy importante y significativo”, según dijo Adrianzén.
Destacó también la trascendencia de Kuntur Wuachana, primera película de García Hurtado, hablada en quechua, como Túpac Amaru, y financiada por una comunidad campesina y las luchas agrarias por la tierra.
“Federico García puso al campesinado en el centro de la temática de la cinematografía peruana”, añadió.
En la filmografía de García Hurtado destaca también El caso Huayanay, dramatización del linchamiento de un terrateniente por una comunidad andina harta de sus abusos, decidida en una asamblea en la que, además, acuerdan compartir todos la culpa ante la justicia y que a la postre fueron absueltos.
El cineasta peruano también dirigió Melgar, sobre Mariano Melgar, joven poeta enrolado en la lucha por la independencia y fusilado por los colonizadores españoles en 1815.
“Ha muerto Federico García Hurtado uno de los más importantes cineastas peruanos. Sus célebres Túpac Amaru, Kuntir Wachana y Melgar, poeta insurgente, son parte de la historia del cine y la cultura”, comentó por su parte el politólogo Juan de la Puente.
“El cine peruano de duelo. Se fue Federico García, autor del clásico Tupac Amaru, Melgar, El socio de Dios y mucho de nuestro cine entre los 1970 y 2000”, expresó el dramaturgo Eduardo Adrianzén.
La Asociación Cultural Amigos de José Carlos Mariátegui lamentó la muerte de quien considera el más grande cineasta de Perú. “Partió abrazando al pueblo, a su gente, a los pueblos que luchan por un mundo mejor”, agregó.

“Nunca dejé de ser un revolucionario. Siempre con el propósito de apoyar algo para que esa gran transformación se materializara. Ese es el propósito esencial de nuestro trabajo”, dijo García Hurtado en una de sus últimas entrevistas.

jueves, octubre 22, 2020

Paul Leduc (1942-2020)

El cineasta mexicano Paul Leduc, que unió la alta calidad con una incisiva mirada en los conflictos sociales, murió a los 78 años de edad.

En 2013, al obtener el Premio Nacional de Ciencias y Artes en el área de Bellas Artes citó a Bertolt Brecht: Hay tiempos en que resulta criminal hablar de la belleza de los árboles.

Por ello, a propósito de su galardón, rechazaba hacer comentarios acerca de su trayectoria y se centraba entonces en los tiempos difíciles del país.

Desde su primera película de ficción, Reed, México Insurgente (1973) impactó al público y a la crítica por sus valores estéticos y su mirada social, en este caso a la historia nacional. Ahí recreó el libro homónimo del periodista estadunidense John Reed, elaborado durante su cobertura de la revolución mexicana.

En 1984 recreó la vida de la pintora Frida Kahlo en Frida, naturaleza viva, protagonizada por Ofelia Medina.

Desde sus obras pioneras, Paul Leduc perfiló esa combinación de evocaciones históricas, registro social y destreza fílmica. De esa línea surgieron cintas como El Mezquital (1976), sobre esa zona del estado de Hidalgo e Historias prohibidas de Pulgarcito (1980), sobre la guerra civil en El Salvador.

“La Filmoteca UNAM lamenta profundamente el fallecimiento del director, escritor, editor y productor, Paul Leduc. Enviamos nuestras condolencias a sus familiares, colaboradores y amigos. Descanse en paz”, escribió la Filmoteca de la Universidad Nacional Autónoma de México vía Twitter.

También la secretaria de cultura del gobierno de México, Alejandra Frausto expresó su pesar por el fallecimiento de Leduc, a quien llamó “cineasta de vanguardia”.

“Su obra, con dimensión social, ha dado clásicos como Reed, México Insurgente o Cobrador. Su mirada denunció los abusos a las comunidades otomíes en el valle del mezquital. Abrazo fuerte a Juan, Valentina, Bertha y Luisa”, apuntó en la misma red social.

miércoles, octubre 21, 2020

Goya 2021: las postuladas a Mejor Película Iberoamericana.


 

Un total de 16 historias iberoamericanas, una más que el año pasado, han sido presentadas por las academias y los comités de selección de sus respectivos países para competir por ser nominadas al Goya a la Mejor Película Iberoamericana en la 35ª edición de los premios de la Academia de cine español.

Argentina ha escogido Crímenes de familia, de Sebastián Schindel; y Bolivia trae Santa Clara, dirigida por Pedro Antonio Gutiérrez. De factura colombiana es El olvido que seremos, dirigida por el español Fernando Trueba, mientras que la apuesta costarricense es Ceniza negra, firmada por Sofía Quirós Ubeda. También aspiran al Goya el título cubano de Jorge Luis Sánchez, Buscando a Casal; el ecuatoriano Muerte en Berruecos. Crónicas de un magnicidio, de Caupolicán Ovalle y el guatemalteco La llorona, de Jayro Bustamante.

México ha seleccionado Ya no estoy aquí, de Fernando Frías de la Parra; Paraguay: Matar a un muerto, de Hugo Giménez; Portugal: Mosquito, de João Nuno Pinto; República Dominicana: Malpaso, de Héctor Manuel Valdez; Uruguay presenta Alelí, de Leticia Jorge Romero; y Venezuela Blindado, de Carlos Daniel Malavé.

Las opciones al Goya iberoamericano se completan con tres películas documentales dirigidas por mujeres: la representante de Chile El agente topo, de Maite Alberdi, triunfadora en el pasado Festival de San Sebastián; la panameña Panquiaco, de Ana Elena Tejera; y la representante de Perú Volver a ver, de Judith Vélez.

Estas 16 películas se proyectarán en la Academia del 13 de noviembre al 4 de diciembre, en el marco de las actividades de la Fundación, en sesiones abiertas a académicos y público general.

El actor Antonio Banderas y la presidenta de la Academia de Televisión María Casado dirigirán y conducirán los Goya 2021, galardones que se entregarán el 27 de febrero en el Teatro del Soho CaixaBank de Málaga.

martes, octubre 20, 2020

Latinos en Hollywood: reclaman más diversidad e inclusión

Figuras latinas de Hollywood y de la industria televisiva como Lin-Manuel Miranda, Tanya Saracho y Eugenio Derbez exigieron en una carta pública que las historias del cine y la televisión en Estados Unidos tengan una mayor diversidad y reclamaron que termine “la exclusión” de los latinos en la pantalla.

Con la etiqueta en redes #endlatinXclusion, decenas de guionistas, creadores de películas y series, y “showrunners” (máximos responsables de una ficción televisiva) se unieron a esta queja a la que también aportaron su firma, entre muchos otros, nombres como John Leguizamo, Gloria Calderón Kellett, Roberto Aguirre-Sacasa, Linda Yvette Chávez y Marvin Lemus.

“Estamos enfurecidos por la continua falta de representación 'latinx' en nuestra industria, especialmente de los miembros negros e indígenas de nuestra comunidad”, dijeron aprovechando el fin del mes de la herencia hispana en EE.UU.

“Nuestras historias son importantes, y que nos borren de la pantalla contribuye al prejuicio persistente que evita el cambio real en este país”, añadieron.

La carta apunta algunas cifras para sostener su enfado.

“Los 'latinx' somos el 18,3 % de la población estadounidense, pero solo somos el 4,7 % de los guionistas de películas y el 8,7 % de guionistas de televisión”, explicaron.

“Al negarse a contar nuestras historias y negarse a ponernos a cargo de ellas, las personas poderosas de Hollywood son cómplices de nuestra exclusión. Estamos cansados de proyectos 'latinx' que se desarrollan sin guionistas, director o productores 'latinx'. Nos negamos a que se nos filtre a través de la perspectiva blanca”, señalaron.

La carta contiene cinco demandas básicas para acabar con esta situación:

-“No cuenten historias sobre nosotros sin nosotros”,

-“aprueben nuestros proyectos”,

-“representen todos los aspectos de nuestras vidas y nuestra cultura”,

-“eliminen la repetición de niveles” (que mejore la promoción y los ascensos de los latinos en la industria), y

-“contrátenos para proyectos no 'latinx'”.

“Estamos cansados de historias que solo son sobre traumas. Contenemos multitudes. Estamos cansados. El movimiento en esto es crucial. La inclusividad no es suficiente. Queremos acción”, afirmaron.

“Las historias son poderosas. Las historias pueden cambiar el mundo. Pongámonos en el lado correcto de la historia para que podamos continuar creando el cambio necesario y contando cautivadoras historias juntos”, concluyeron.  

miércoles, octubre 14, 2020

Oscar 2021: válidas las proyecciones en autocines.


 

En un nuevo paso por adaptarse a las circunstancias que marca la pandemia del coronavirus, el Oscar admitirá a concurso películas que solo se hayan podido proyectar en autocines.

La Academia de Hollywood modificó de nuevo su reglamento con una aclaración que asegura que las cintas que se hayan proyectado al menos una vez al día en esas instalaciones podrán competir en todas las categorías generales de los galardones, incluida la de mejor película.

Aun así, la institución mantiene el resto de requisitos exigidos para la exhibición habitual en cines. Como que la proyección se programe de manera regular como mínimo durante una semana en alguna de las siguientes ciudades: Los Ángeles, New York, San Francisco, Chicago, Miami o Atlanta.

La crisis del coronavirus ha transformado los premios más celebrados del séptimo arte. En verano, la organización aplazó su próxima edición hasta el 25 de abril de 2021, dos meses más tarde de la fecha inicialmente prevista y sin tener claro en qué formato se entregarán.

Meses antes, aprobó una excepción para que las cintas que no se hayan proyectado en cines, pero tenían intención de hacerlo, puedan ser candidatas gracias a internet.

“Hasta nuevo aviso, y solo para la 93 edición de los Premios, las películas que tenían planificado un estreno en cines, pero que antes estén disponibles en un servicio de streaming, podrán ser elegibles para las categorías de mejor película, los apartados generales y de especialidad”, informó en un comunicado.

Se trata de una medida sin precedentes para la Academia, que siempre ha defendido la proyección en salas y que mantiene sus diferencias con plataformas de streaming como Netflix.

Hasta ahora, la normativa exigía que las cintas aspirantes al Oscar se proyectasen en cines del condado de Los Ángeles y durante al menos siete días consecutivos, algo que, por ejemplo, Netflix tuvo que hacer para que ROMA y Marriage Story entrasen en concurso.

Debido a la incertidumbre por el coronavirus, los premios ampliaron las ciudades a considerar, se abrieron al streaming y, ahora, también admitirán a aquellas proyecciones que aprovechen el resurgir de los autocines, la alternativa de ocio que ha triunfado durante la pandemia.

martes, octubre 13, 2020

Conversatorio: “El reto de producir en la covidianidad”

La filial Santiago de la Asociación de Cronistas de Arte y la agencia Más Tv Talentos, anunciaron el conversatorio “El reto de producir en la covidianidad”, a cargo del director de cine y productor de televisión, Pinky Pintor.

La actividad de capacitación está pautada para el jueves 22 de octubre a las 7:00 p.m a través de la plataforma Zoom.

El conversatorio tiene el objetivo de ofrecer pautas para crear contenidos interesantes y de calidad, aprovechando las herramientas tecnológicas y la diversidad de temas que pueden abordarse creativamente.

Grisbel Medina, presidente de la filial Santiago de Acroarte y Luis Felipe Núñez, director de Más Tv Talentos, informaron que ambas entidades suman esfuerzos para que el mensaje alcance a distintas audiencias.

Motivaron a periodistas, productores de radio, televisión, talentos de medios electrónicos y cine; así como editores digitales, interesados y estudiantes de comunicación a participar del conversatorio con el director y guionista de las películas La cárcel de la victoria, Sanky Panky y Santi Cló.

José Enrique Pintor, es un reconocido director y productor de cine y televisión y su productora ha participado en los proyectos audiovisuales más importantes de los últimos tiempos.

Esta actividad de capacitación es libre de costo y para más información puede llamar a los teléfonos (809)873-1313 y (829)574-1770.

viernes, octubre 09, 2020

Asistir al Cine es soñar juntos.

Cada vez que entro a una sala de cine es como un salto de fe. Hay un hipnotista profesional (también se le conoce como “el director”) a quien desafío de la manera más simple: hazme creer. Cuando se apagan las luces de las arañas, es como si conectara con los sueños de todos: un mundo donde ganan los buenos y las princesas encuentran el Amor, a veces besando sapos.

Probablemente hay que remontarse a miles de años atrás, cuando en una cueva, un grupo se juntaba alrededor de una fogata para escuchar al más visionario, al narrador de cuentos que captaba toda nuestra atención y usaba su propia imaginación para proyectar historias en nuestras mentes. 

Ese mismo principio físico: una sala oscura y una pantalla luminosa, han servido para establecer al Cine como un arte esencial para nuestras vidas.

Como cuando éramos niños, debe existir un “Erase una vez…” que abra las puertas de la imaginación y nos arrastre hasta el centro mismo de las emociones. Porque de eso se trata: de sentir las mismas emociones que nuestros protagonistas, de enfrentar al miedo y los dragones, de celebrar el triunfo de los buenos como si fuera lo más importante en el mundo. Y lo es.

Por supuesto, vamos a que nos cuenten una historia. El Maestro Godard lo sintetiza de manera perfecta: “Todo lo que se necesita en una película es un arma y una mujer”. Maestro, las hemos tenido de todos los calibres y de todos los tamaños, repetidas, como la verdad de las mentiras, a 24 por segundo.  

Parafraseo al Maestro Fellini: “Una buena película, como el buen vino, dura un instante y te deja en la boca un sabor a gloria; es nuevo en cada sorbo y nace y renace en cada saboreador”. Me disculpan un momento, voy a servirme un trago.

Siempre recuerdo al Maestro Bresson: “Mi filme nace primero en mi cabeza, muere en el papel, lo resucitan las personas vivas y los objetos reales que utilizo, que mueren en el celuloide pero que, proyectados sobre una pantalla, se reaniman como flores en el agua”. Ese acto de pasearnos por un jardín y recoger las flores que reanimen nuestras ilusiones, debe ser una iniciativa que todos asuman como necesaria. Cinéfilos del mundo: una nueva forma de sentir.

El Cine nos habla en el lenguaje de los sueños, tan perfectos, tan necesarios. Ese lenguaje funciona como el mejor resorte para nuestras íntimas emociones. Los sueños y sus misterios. Y aquello que adoraba Buñuel: “El misterio es el elemento clave en toda obra de arte”.

Hay que volver a los cines, a soñar juntos, porque de eso se trata esta maravillosa experiencia colectiva: visualizar promisorios futuros y salidas emergentes. Aunque no todos vamos a guardar las mismas impresiones del sueño, curiosa característica del cine que lo diferencia notablemente de, por ejemplo, un concierto de rock.

Vemos la misma película, al mismo tiempo, pero nos parece dos cosas completamente distintas. Ha de ser que cada quien habla desde su propia condición humana y su conciencia emancipada. Puede ser que la película nos guste a todos, pero también puede ser que guste y desagrade a partes iguales, a veces por las mismas razones. ¡Que Arte maravilloso es el Cine!

Hay que volver a soñar juntos, a la soledad colectiva de la sala oscura y el desafío de creer que un mejor futuro es posible.

Un milagro que solo puede lograr el Cine y su extraordinaria capacidad de hacernos soñar más allá de nuestros propios límites.

miércoles, octubre 07, 2020

Oscar 2021: España anuncia sus preselecciones.

 

El hoyo, de Galder Gaztelu-Urrutia; La trinchera infinita, de Aitor Arregi, Jon Garaño y Jose Mari Goenaga; y Lo que arde, de Oliver Laxe, son los filmes preseleccionados por los miembros de la Academia de Cine para representar a España en la 93 edición de los Premios Oscar, en la categoría de Mejor Película Internacional.

El actor Javier Rey, acompañado por el presidente de la Academia Mariano Barroso y el notario Federico Garayalde Niño, ha realizado la lectura de los títulos preseleccionados, en un acto que tuvo lugar en la Academia de Cine. Tres historias del cine español “periférico”, impulsadas por productoras del País Vasco, Galicia, Andalucía y Cataluña.

Ópera prima de Galder Gaztelu-Urrutia, El hoyo es una distopía sobre la desigualdad social. La cinta se alzó con el máximo galardón del Festival de Sitges 2019, en los Premios Goya logró la estatuilla a los Mejores Efectos Especiales y ha tenido una gran visibilidad internacional.

La historia de un encierro de más de 30 años, La trinchera infinita, de Aitor Arregi, Jon Garaño y Jose Mari Goenaga, ganó dos Premios Goya, a Mejor Actriz Protagonista y Mejor Sonido. Con este filme sobre el miedo y sobre el drama de los topos en la Guerra Civil, los responsables de la factoría Moriarti aspiran por tercera vez a viajar a Hollywood. En 2015 Loreak, dirigida por Garaño y Goenaga, fue seleccionada para representar a nuestro país en la competición por la Mejor Película Internacional; mientras que Handia, de Garaño y Arregi, estuvo en 2018 entre las tres cintas preseleccionadas por la Academia, aunque finalmente no fue la cinta escogida.

Premio del Jurado de la sección Una cierta mirada del Festival de Cannes, Lo que arde, de Oliver Laxe es la primera cinta en gallego en proyectarse en el certamen francés y en nuestro país se ha convertido en la película en esta lengua más vista de la historia. Este filme sobre un pirómano que regresa a casa, en una aldea perdida de las montañas lucenses, logró dos Premios Goya a Mejor Actriz Revelación para Benedicta Sánchez y Mejor Dirección de Fotografía para Mauro Herce y ahora aspira a cruzar el Atlántico y representar a España.

El próximo 3 de noviembre se anunciará la película que finalmente representará a España en los premios de la Academia de Hollywood 2021.

martes, octubre 06, 2020

Mis 500 locos: en cines desde 15 de octubre.

Tras haber sido pospuesto su estreno debido a la pandemia, llega al público dominicano el próximo jueves 15 de octubre la película Mis 500 locos, de Leticia Tonos

Esta será la primera película dominicana en estrenarse en esta nueva experiencia de ver cine, en todos los cines abiertos del país, los cuales aplican los lineamientos y protocolos autorizados por los organismos gubernamentales.

Mis 500 locos es una emotiva historia escrita por Waddys Jáquez y Lenin Comprés, basada en el libro del mismo nombre del Dr. Antonio Zaglul, considerado el padre de la psiquiatría en Dominicana. La cinta evoca el cine negro de los años cincuenta y toma lugar durante la cruel dictadura de Rafael Leónidas Trujillo.

Después de que un grupo de pacientes mentales escapan del Hospital Psiquiátrico de Nigua, el Dr. Antonio Zaglul es nombrado nuevo director de la institución con el propósito de calmar la prensa negativa que la falta de control del lugar estaba generando. Una vez allí, le será difícil distinguir si la locura vive dentro o fuera de las paredes del hospital.

El drama cuenta con un elenco de experimentados actores a los cuales se unen a nuevas caras del cine dominicano: Luis José German quien interpreta al Dr. Antonio Zaglul, junto a la actriz dominicana radicada en Los Ángeles, Jane Santos, Pavel Marcano, Lía Chapman, Vicente Santos, Rick Montero, Camila Santana, Erlyn Saul, Ico Abreu, Giovanny Cruz, Oscar Carrasquillo, Manuel Raposo, Cheska Alcántara, José Cruz, Minerva Flores, Crispín Herasme, Mario Lebrón, Patricia Muñoz y Donis Taveras.

El filme que se alinea con el propósito del libro que la inspira a romper los estigmas con los que la sociedad trata la salud mental, fue la encargada de la noche de apertura del Festival de Cine Global en su edición número 13, inauguró la Semana Internacional de Cine Santander 2020 y fue parte de la selección oficial del New York Latino Film Festival por HBO (NYLFF).

Los cines del país están preparados con los protocolos establecidos por los organismos gubernamentales, entre los que se encuentran las medidas que ayudan a cumplir con el distanciamiento, minimizar el contacto físico, protección y adiestramiento al personal que labora en los cines, reforzar el sistema de compra de taquillas en línea, ampliar el servicio de compra de artículos de concesión por internet y enfatizar en las medidas de higiene.

El pasado lunes se estrenó en las redes sociales el video de la canción oficial de la película, un tema interpretado por Minerva Flores, quien es también actriz en el filme y en el cual contiene imágenes que llenan de nostalgia, tristeza y emoción acompañadas de la voz de la artista que hace esos sentimientos más potentes.

Mis 500 locos llega al público gracias a las productoras Lantica Media, Producciones Línea Espiral y Nuevo Mundo Films, siendo esta última la creadora original del proyecto, el cual estuvieron desarrollando por más de 10 años luego de adquirir los derechos del libro, esta importante obra finalmente podrá llegar a todos los dominicanos a través de la pantalla grande bajo la distribución de Caribbean Films Distribution.

lunes, octubre 05, 2020

¿Quién le teme a Alan Smithee?

Estrenar una película es un proceso mucho más traumático de lo que la gente imagina. Primero, muchos realizadores deben salir a mendigar el patrocinio de alguna productora para su proyecto. Algo irónico si tomamos en cuenta que si la película resulta un éxito taquillero, será la compañía productora la más beneficiada.

Luego, se rueda bajo constante presión de esa productora en términos de no sobrepasar el presupuesto y de terminar el rodaje a tiempo para el estreno programado. En más de un caso, se despide al director por “diferencias artísticas”.
Pero antes del estreno, cualquier realizador debe someterse a los humillantes Pases de prueba. Esto consiste en unas tandas exclusivas para un universo muestra del blanco de público de la película en cuestión.
Al final de la proyección, una abuelita de Kansas o una adolescente de California pueden sugerir cualquier cambio en la película: el final es muy triste, el protagonista no puede morir, la violencia de alguna escena y un largo etcétera.
En algunas ocasiones, los productores tienen la amabilidad de negociar esos cambios con el director de la película. Esos son los considerados. En la mayoría de los casos, los productores hacen los cambios que consideran necesarios para que la película guste a la mayor cantidad de público. Su criterio es el de mayor recaudación de dinero.
Eso ha dado como resultado que muchas de las películas que vemos no cuentan con la total aprobación de sus directores. Incluso, una nueva forma de comercializar películas en dvd ha sido la de lanzar el “Director’s Cut”, es decir, una versión más cercana a lo que quiso hacer el director en el momento del estreno.
En otros casos, son tantos los cambios que se llevan a cabo que los realizadores sienten comprometida su “integridad artística” y piden que se retiren sus nombres del afiche promocional y la publicidad de la película.
Es cuando nace Alan Smithee, el anagrama de “The Alias Men”, o el hombre del alias, alguien que quiere, por dignidad o vergüenza, ocultar su nombre y que no se le relacione con el bodrio resultante.
La primera vez que se acudió a esta salomónica salida fue en 1967: durante la filmación de Death of a Gunfighter, sus directores Robert Totten y Don Siegel renegaron del filme y el Sindicato de directores sugirió que se usara un nombre ficticio: nació Alan Smithee.
En épocas recientes más de un director ya establecido ha resucitado a Alan Smithee: Riviera (1987, en realidad la dirigió John Frankenheimer), Catchfire (1990, en realidad la dirigió Dennis Hopper), Burn Hollywood Burn (1997, en realidad la dirigió Arthur Hiller) y Woman Wanted (2000, en realidad dirigida por Kiefer Sutherland).

Uno de los casos más sonados fue el de Dune, filme dirigido por David Lynch en 1984 y que resultó un fiasco en todos los sentidos. Como ya se anuncia la nueva adaptación de Dune, dirigida ahora por Denis Villeneuve,  espero que no haya que vacunarse dos veces.
Sé que puede más la curiosidad que la prudencia, pero después no digan que no les hice la advertencia.