domingo, mayo 10, 2026

“Nieta de mi abuela” y la simetría de la soledad.

“Antes de morir, con 88 años, mi abuela Teresa me dijo con dolor: “No te quedes sola, como yo”. Con esta poderosa premisa, la cineasta Tatiana Fernández Geara, una soltera de 40 años, construye Nieta de mi abuela, una brillante propuesta que no solo le permite exponerse sin protección ante su propia cámara, mostrar la evidente admiración hacia su abuela, una mujer que desafió los cánones sociales que le tocó sufrir, sino también diseccionar esta sociedad misógina y despersonalizadora, que cosifica la mujer y la reduce a casarse con un “buen hombre” y parirle par de hijos.

Este nuevo documental de Fernández Geara ya ha tenido un exitoso circuito festivalero: Mejor Documental en el New York Latino Film Festival y Premio del Público en el Chicago Latino Festival, entre otros.

Nieta de mi abuela construye una perfecta simetría de la soledad entre Teresa y su nieta Tatiana, por las milagrosas coincidencias de sus vidas. Teresa Pichardo heredó el Cine Carmelita, ícono que define una época en San Francisco de Macorís. Tatiana Fernández Geara hace cine, documenta con fotos y videos, y lo hace con una sensibilidad extraordinaria. Solo habría que recordar su filmografía: Nana (2015) y Vals de Santo Domingo (2021).

La abuela Teresa se casó (y se divorció) en tres ocasiones. Su nieta Tatiana, siendo adolescente, elaboró una lista de condiciones para su “príncipe azul” prácticamente imposible de cumplir para cualquier ser de este planeta y otras galaxias cercanas (uno de los acápites es “que no desaparezca”). Tatiana ama su soledad. Punto. Por supuesto, enfrenta la organizada presión social que te impone casarse, tener hijos y “sentar cabeza”, como maldición bíblica inexpugnable y perfecta receta para ser infeliz.

Nieta de mi abuela es el mejor alegato contra esa estupidez generalizada que gravita sobre los que son distintos, aquellos que no se dejan enmarcar en obsoletos principios de sicología familiar, ni en formulitas de libritos de autoayuda. Fernández Geara no necesita alzar la voz, ni manejar discursos de trinchera sentimental: es capaz de plantearlo todo con sutileza, con la poética mirada de su lente, uno que atrapa imágenes y sonidos que apelan a lo más importante: saber cuándo reír y cuándo llorar, sin claudicar en los principios básicos.

El discurso no es nuevo para la cineasta: ya hace tiempo presentó la exposición “No Soy la que Soy”, una serie de autorretratos en los que cuestionaba la forma en que nos vemos y vemos a los demás. En Nieta de mi abuela, hace una inmersión (nunca mejor dicho) en las cartas de amor de su abuela Teresa para reconstruir una vida vivida sin prejuicios, que es su propia vida. Tatiana no teme hurgar en el pasado y, prácticamente, convertirse en Teresa, quizá como método para entender sin juzgar. Me recordó el filme El inquilino, de Roman Polanski.

A propósito de películas y del Cine Carmelita, Fernández Geara inserta algunas escenas de clásicos como Sissy Emperatriz (1956, Ernst Marischka) y Cinema Paradiso (Giuseppe Tornatore), no solo como válidas referencias al papel del cine en nuestras vidas, sino también como perfectos complementos de su propuesta dramática, en que puede identificarse con las palabras de sus protagonistas, sino extrapolar esas sensaciones a su propia vida.

En una de sus canciones, Silvio (ese que no necesita del apellido) afirma que “la angustia es el precio de ser uno mismo”. Probablemente, Fernández Geara carga ese peso sobre sus espaldas, pero también esa insoportable levedad que la hace libre, en una era de falsos profetas y canallas con licencia para matar corazones. Esa libertad es la que le confiere fuerzas de Láquesis, para presentarnos una maravilla como Nieta de mi abuela, uno de los mejores estrenos del año.

 

Nieta de mi abuela (2026). Dirección y Fotografía: Tatiana Fernández Geara; Guion: Tatiana Fernández Geara, Gina Giudicelli, Natalia Peralta Rincón; Fotografía: Jaime Guerra; Edición: Gina Giudicelli; Música: Laura Pimentel. 

Dominicana gana su primer Premio Platino.


Dominicana consiguió su primer Premio Platino de la mano del largometraje de animación Olivia y las nubes, de Tomás Pichardo Espaillat, quien dedicó su premio “a los animadores de República Dominicana”, al tiempo de señalar que esa comunidad va creciendo y “poco a poco vamos logrando cosas”.

Olivia y las nubes es una de las cintas más premiadas de nuestro país con premios como mejor largometraje de animación en Guadalajara, Premio Coral en el Festival de La Habana, Biznaga de Plata en Málaga y mención especial del jurado joven en Locarno.

En otro orden, la película brasileña El agente secreto y la serie argentina El Eternauta fueron las triunfadoras de los XIII Premios Platino, que se celebraron en el parque Xcaret, Riviera Maya (México), al conseguir siete galardones la película y ocho la serie.

Los ganadores en CINE fueron:

-Mejor película iberoamericana de ficción: El agente secreto, Brasil).

-Mejor comedia iberoamericana de ficción: La cena (España).

-Mejor dirección: Kleber Mendonça Filho, por O Agente Secreto (Brasil).

-Mejor guion: Kleber Mendonça Filho, por O Agente Secreto (Brasil).

-Mejor interpretación masculina en cine: Wagner Moura, por O Agente Secreto (Brasil).

-Mejor interpretación femenina en cine: Blanca Soroa, por Los domingos (España).

-Mejor película de animación: Olivia & las nubes (República Dominicana).

-Mejor película documental: Apocalipse nos Trópicos (Brasil).

-Opera prima de ficción iberoamericana: Sorda (España).

-Mejor actor de reparto: Álvaro Cervantes, por Sorda (España).

-Mejor actriz de reparto: Camila Pláate, por Belén (Argentina).

-Mejor dirección de fotografía: Mauro Herce, por Sirat (España).

-Mejores efectos especiales: Pep Claret, por Sirat (España).

-Mejor dirección de Sonido: Amanda Villavieja, Laia Casanovas y Yasmina Praderas, por Sirat (España).

-Mejor música original: Tomaz Alves Souza y Mateus Alves, por O Agente Secreto (Brasil).

-Mejor dirección de Arte: Thales Junqueira, por O Agente Secreto (Brasil).

-Mejor montaje: Eduardo Serrano y Matheus Farias, por O Agente Secreto (Brasil).

-Premio al Cine y Educación en Valores: Belén (Argentina).

-Mejor diseño de vestuario: Helena Sanchís, por La cena (España).

-Mejor maquillaje y peluquería: Nacho Díaz y Ana y Belén López-Puigcerver, por El cautivo (España).

viernes, mayo 08, 2026

Las nuevas reglas de los Globos de Oro 2027.


Los Globos de Oro anunciaron nuevas reglas sobre el uso de inteligencia artificial en cine y televisión, permitiendo herramientas de IA generativa siempre que predomine la creatividad humana, aunque vetaron las actuaciones creadas sustancialmente con esta tecnología en categorías interpretativas.

«El uso de inteligencia artificial (IA), incluida la IA generativa, no descalifica automáticamente una obra para ser considerada, siempre y cuando la dirección creativa humana, el juicio artístico y la autoría sigan siendo los elementos principales durante todo el proceso de producción», dice el documento publicado.

Las nuevas directrices establecen que las obras presentadas deberán incluir una declaración que describa «cualquier uso de la IA generativa, en cualquier etapa de la producción de la obra terminada, incluido si se realizó alguna alteración mediante IA a la apariencia o la voz de un intérprete acreditado».

En el caso de las categorías interpretativas, los Globos de Oro especificaron que las actuaciones deberán derivar «principalmente del trabajo del intérprete acreditado» y que las candidaturas en las que una interpretación haya sido «generada o creada sustancialmente» mediante inteligencia artificial no serán elegibles.

No obstante, la organización de los premios precisó que sí podrá permitirse el uso de IA para mejoras técnicas o cosméticas, como rejuvenecimiento, envejecimiento o modificaciones visuales, siempre que la actuación original siga perteneciendo al actor acreditado y que la tecnología no altere de forma material su trabajo.

«Además, las candidaturas no pueden incluir actuaciones generadas mediante el uso no autorizado de la imagen digital de un intérprete, replicación de voz o datos biométricos, independientemente de si el intérprete recibe crédito o no», apunta el escrito.

Las normas de los Globos de Oro llegan una semana después de que la Academia de Hollywood anunciara nuevas reglas de elegibilidad que establecen que las actuaciones deberán ser «interpretadas de manera demostrable por personas con su consentimiento» y que los guiones «deben ser de autoría humana» para poder competir.

La 84ª edición anual de los Globos de Oro volverá a ser presentada por la comediante, escritora y actriz Nikki Glaser y tendrá lugar el domingo 10 de enero de 2027. La organización de los premios anunciará a los nominados el próximo lunes 7 de diciembre.

“Las ovejas detectives” ya en cines de Dominicana

Desde ayer, las salas de cine del país presentan Las ovejas detectives, una original propuesta cinematográfica que combina comedia, misterio y emoción en una historia tan inesperada como fascinante.

Basada en la exitosa novela de Leonie Swann, la película ofrece un ingenioso “¿Quién lo hizo?” desde una perspectiva completamente fuera de lo común: un grupo de ovejas que decide resolver el asesinato de su propio pastor.

La historia sigue a George, interpretado por Hugh Jackman, un pastor que cada noche le leía novelas de misterio a su rebaño, convencido de que ellas no podían comprenderlas. Sin embargo, tras su repentina muerte, las ovejas sorprenden al convertirse en improbables detectives, siguiendo pistas y enfrentándose a una serie de sospechosos humanos en un caso lleno de giros.

El elenco se enriquece con la participación de Emma Thompson, ganadora del Oscar, y Nicholas Braun, conocido por su versatilidad en comedia y drama, quienes aportan mayor peso interpretativo y dinamismo a esta peculiar historia.

El proyecto nace de la visión de la productora Lindsay Doran, quien encontró en esta historia una combinación perfecta de humor inteligente y profundidad emocional. El guion está a cargo de Craig Mazin, reconocido por su habilidad para equilibrar comedia y drama en producciones aclamadas.

Las ovejas detectives propone una experiencia cinematográfica diferente: una película familiar con múltiples capas, capaz de entretener tanto a adultos como a jóvenes, mientras ofrece una mirada reflexiva sobre la naturaleza humana, la memoria y los vínculos que nos unen.

Con una mezcla de intriga, ternura y originalidad, esta producción promete posicionarse como una de las propuestas más llamativas de la temporada.

La película está distribuida en República Dominicana por Cinematográfica Blancica y ya se encuentra disponible en todos los cines del país.

jueves, mayo 07, 2026

“Nieta de mi abuela”, desde 7 de mayo en cines.

El documental Nieta de mi abuela, dirigido por Tatiana Fernández Geara y producido por Wendy P. Espinal, tendrá su estreno oficial este jueves 7 de mayo en Downtown Center en Santo Domingo, además en los cines de Santiago, San Francisco de Macorís y Puerto Plata. 

La película se estrena en el país tras un premiado recorrido por festivales internacionales en donde ha obtenido: Mejor Documental (New York Latino Film Festival), Mejor Guion (Festival de Trieste), Premio del Público (Chicago Latino Festival), Mención de Honor (Festival Monde en Vues, Guadalupe).

El documental nace de una súplica expresada por la abuela de Tatiana antes de fallecer: “No te quedes sola como yo.” Como mujer soltera de 40 años, llena de preguntas sobre qué significa “quedarse sola”, Tatiana explora la vida de su abuela Teresa Pichardo, una mujer imponente, dueña del icónico Cine Carmelita de San Francisco de Macorís, quien se divorció tres veces y desafió los cánones de la sociedad dominicana de la época. La cineasta empieza un recorrido que la lleva por archivos familiares, películas antiguas y cientos de cartas construyendo (o intentando deconstruir) una historia sobre el amor, las expectativas sociales y la soledad.

“Mientras más me metía en los archivos familiares, más claro me quedaba que, como mujeres, sigue habiendo una presión social muy fuerte para vernos casadas y con hijos, como si toda nuestra identidad se basará en parejas y bebés”, dice Tatiana. “Una mujer divorciada tres veces en los años 60 era cuestionable, pero hoy en día también lo es una que nunca se ha casado. ¿Qué tan difícil puede ser deconstruir lo que he aprendido sobre lo que una mujer debe o no debe ser?”.

El filme ganó el renombrado fondo de desarrollo de Chicken & Egg Films Research and Development Grant, al igual que los premios FONPROCINE para producción y posproducción de documental, este último gracias al apoyo del estudio Pulpo Post. Recibió además el apoyo de inversionistas privados gracias a la Ley de Cine. Se grabó en San Francisco de Macorís, Cabarete y Santo Domingo, además de Italia e Inglaterra.

Éste es el tercer largometraje de Tatiana Fernández Geara, a través de su casa productora Cine Carmelita. Sus primeras dos películas fueron Nana (2015) y Vals de Santo Domingo (2021). Esta última fue reconocida con una mención de honor en el Festival Internacional de Cine en Guadalajara. 

Con este estreno nacional, Nieta de mi abuela se presenta al público dominicano como una obra que invita a la reflexión sobre la identidad femenina, las relaciones afectivas y los legados familiares, desde una mirada honesta y profundamente personal.

miércoles, mayo 06, 2026

Las nuevas reglas del Oscar.


La Academia de Hollywood anunció cambios en la normativa de los premios más populares del cine que endurecen la postura en torno a la inteligencia artificial (IA) y permiten además que los actores puedan ser nominados por varios papeles en la misma categoría.

La junta directiva informó en un comunicado que de cara a la próxima edición se reservará el derecho «de solicitar más información sobre la naturaleza del uso y la autoría humana» en proyectos realizados con IA generativa.

También decretó que las únicas interpretaciones que podrán optar a los premios Oscar de actuación serán aquellas acreditadas en los créditos de la película y realizadas por personas con su consentimiento.

En la categoría a mejor actor, el organismo cinematográfico amplió a «varias interpretaciones en la misma categoría» la nominación de los intérpretes, siempre y cuando «se ubiquen entre los cinco primeros puestos en la votación, lo cual coincide con los logros en otras categorías de premios», precisó.

Otra categoría que sufre un importante cambio es la del Oscar a la Mejor Película Internacional. Hasta el momento, solo los países (o regiones) podían enviar cintas para competir en los premios a través de comités de selección previamente aprobados; a partir de este año, las películas en una lengua distinta del inglés podrán entrar en consideración de la Academia -es decir, formar parte de la llamada 'longlist' de los Oscar- si ganan el máximo premio de una lista muy selecta de festivales: el Oso de Oro del Festival de Berlín, Mejor Película en el Festival de Busán, la Palma de Oro del Festival de Cannes, el Gran Premio del Jurado de la sección World Cinema en el Festival de Sundance, el Platform Award del Festival de Toronto y el León de Oro del Festival de Venecia.

La Academia emitió nuevas directrices en este renglón, indicando que solo considerará una película por país o región, elegida por un comité de selección local aprobado por el organismo de los premios. «La película figurará como nominada en lugar del país o la región, y el premio será recibido por el director en nombre del equipo creativo», agregó el escrito.

La edición 99 de los premios Oscar se celebrará el próximo 14 de marzo de 2027 en el teatro Dolby de Los Ángeles y se transmitirá en directo por ABC.

martes, mayo 05, 2026

Cannes 2026: el Jurado.

Como se anunció previamente, el jurado del 79º Festival de Cannes estará presidido por el director, guionista y productor surcoreano Park Chan-wook . Le acompañarán la actriz y productora estadounidense Demi Moore , la actriz y productora irlandesa-etíope Ruth Negga , la directora y guionista belga Laura Wandel , la directora y guionista china-americana Chloé Zhao, el director y guionista chileno Diego Céspedes , el actor marfileño-americano Isaach De Bankolé , el guionista escocés Paul Laverty y el actor sueco Stellan Skarsgård .

El jurado tendrá el honor de otorgar la Palma de Oro a una de las 22 películas en competición, después de Tan solo un accidente, de Jafar Panahi , presentada por el jurado de Juliette Binoche, en 2025. Los ganadores se anunciarán el sábado 23 de mayo en la ceremonia de clausura del más importante festival de mundo.

 

Park Chan-wook

Visceral, subversivo, barroco: el cine de Park Chan-wook se define por su audacia en todos los sentidos: en su narrativa, su estilo y su postura moral. Sin embargo, nunca se aparta de un mensaje social simbólico ni de su público, al que sumerge en mundos oscuros e inquietantes para emprender viajes que son, a ratos, aterradores, estimulantes, eróticos… o todo a la vez. Todo comenzó en Cannes con Old Boy, que ganó el Gran Premio en 2004. Desde entonces, casi todas sus películas seleccionadas en la Competencia le han valido un lugar en la lista de ganadores: Thirst (Premio del Jurado 2009), The Handmaiden (2016), Decision to Leave (Premio al Mejor Director en 2022). Con una obra marcada por la venganza, plasmada en la trilogía Sympathy for Mister Vengeance, Old Boy y Lady Vengeance, y por la influencia de Hitchcock, perceptible desde Stoker (2013) hasta su reciente No Other Choice (2025), su trabajo encarna el ADN del cine coreano contemporáneo: libre de convenciones, orientado al público, ambicioso y deliberadamente provocador, sofisticado sin ser excesivamente intelectual.

 

Demi Moore.

La actriz, productora y autora de bestsellers del New York Times, nominada al Premio de la Academia, Demi Moore, protagonizó recientemente La Sustancia (Premio al Mejor Guion, Festival de Cannes 2024), dirigida por Coralie Fargeat. Su actuación le valió premios como el Globo de Oro, el Premio del Sindicato de Actores (SAG) y el Premio de la Crítica, además de nominaciones a los premios BAFTA y de la Academia. Recientemente regresó para la segunda temporada de la exitosa serie Landman, que ha sido renovada para una tercera temporada. Próximamente aparecerá en I Love Boosters, dirigida por Boots Riley, que ya ha recibido excelentes críticas iniciales, y protagonizará Strange Arrivals de Roger Ross Williams junto a Colman Domingo. Moore apareció anteriormente en la segunda temporada de Feud: Capote vs. The Swans y es ampliamente conocida por sus icónicas actuaciones en GhostA Few Good MenUna propuesta indecente y GI Jane.

 

Chloé Zhao.

Chloé Zhao es una escritora, directora, editora y productora nacida en Pekín que ha dejado su huella en la historia del cine mundial. Dirigió su ópera prima, Songs My Brothers Taught Me (2015), que atrajo la atención en festivales como Sundance y Cannes, y dos años después, The Rider, que obtuvo un gran éxito de crítica. Posteriormente, dirigió la película Nomadland, que ganó dos premios Oscar a la Mejor Película y a la Mejor Dirección, y el largometraje Eternals para Marvel Studios. En 2025, recibió varios premios por Hamnet (incluido el de Mejor Película Dramática en los Globos de Oro y el de Mejor Película Británica en los BAFTA) y se convirtió en la segunda mujer en ser nominada dos veces al Oscar a la Mejor Dirección. Fundó la productora Book of Shadows en 2023 y Kodansha Studios en 2025.

lunes, abril 27, 2026

Adolfo Aristarain (1943-2026).

El director y guionista Adolfo Aristarain, que falleció a los 82 años en su Buenos Aires natal, deja como legado una extensa y laureada filmografía labrada fundamentalmente en Argentina y España, con exitosos títulos como Un lugar en el mundo y Martín (Hache).

Aristarain, nacido el 19 de octubre de 1943 en la capital argentina, tuvo interés desde su infancia por la literatura y el cine.

Se inició en el séptimo arte como montador y sonidista en Río de Janeiro y luego como ayudante de producción en Buenos Aires, para luego, a comienzos de la década de 1960, dar sus primeros pasos como asistente de dirección.

En 1967 se mudó a Madrid y regresó en 1974 a Buenos Aires, donde continuó trabajando como asistente de dirección de realizadores como Vicente Aranda, Daniel Tinayre y Sergio Renán.

Su primera película como director llegó en 1978, La parte del león, de la que también escribió el guion, filme protagonizado por Julio de Grazia, Luisina Brando y Fernanda Mistral.

Sus largometrajes -once en total-, rodados en Argentina y España, incluyen títulos de gran éxito, como Tiempo de revancha (1981), Un lugar en el mundo (1992), Martín (Hache) (1997) y Roma (2004), su último filme.

Reconocidos actores, como Juan Diego Botto, Cecilia Roth, José Sacristán y Federico Luppi trabajaron bajo las órdenes de Aristarain, que se consideraba un admirador de directores estadounidenses como John Ford y John Huston.

En 1992 su filme Un lugar en el mundo fue nominado a un Óscar como mejor película extranjera, largometraje que ese mismo año ganó un Goya.

En 2002 otro de sus filmes, Lugares comunes, se alzó con un Goya al mejor guion adaptado.

Fue además reconocido con varios premios en el Festival de Cine de San Sebastián y con galardones Cóndor de Plata en Argentina.

«Mis películas tenían un objetivo claro, que era muy visible en La parte del león o en Tiempo de revancha: atacar al capitalismo, que es un sistema que considero salvaje. Hoy pienso lo mismo, este sistema nos destruye sin la más mínima piedad y hay que cambiarlo», dijo en 2013.

Aristarain fue miembro de la Academia de Cine de España y vicepresidente de la organización Directores Argentinos Cinematográficos (DAC).

En 2003 le fue otorgada la nacionalidad española, en mérito a su aporte a la cultura iberoamericana.

Hace un par de años, reveló en una entrevista que alguna vez planeó filmar una película sobre el músico argentino Astor Piazzolla, un proyecto que descartó luego de que en 2019 se sometiera a un operación del corazón.

«El cine es un oficio despiadadamente traidor para quien lo ejerce. Aunque uno intente esconder lo que uno es, tarde o temprano el director desnuda su alma sin quererlo en primer plano. El cine que uno hace es lo que uno es», definió Aristarain en 2024, al recibir la Medalla de Oro de la Academia de Cine de España.

miércoles, abril 22, 2026

Cannes 2026: el afiche.

Treinta y cinco años después del estreno mundial de Thelma y Louise, película de Ridley Scott, el 20 de mayo de 1991 en Cannes, ellas regresan como heroínas del cartel oficial.

Estas dos luchadoras inolvidables cambiaron el rumbo de los acontecimientos y rompieron estereotipos cinematográficos y políticos; encarnaron la libertad absoluta y una amistad inquebrantable; mostraron el camino hacia la emancipación cuando esta se vuelve crucial. Recordarlas hoy significa celebrar el progreso alcanzado, sin olvidar el trabajo que aún queda por hacer.

Con una camiseta blanca de tirantes y una pose despreocupada, Louise clava su mirada en la nuestra, desafiándonos con los ojos. Con un revólver en el bolsillo trasero, Thelma escudriña el horizonte tras sus gafas oscuras. Ambas van sentadas con orgullo en un Ford Thunderbird descapotable de 1966. Bajo el sol de Arkansas, en una América desierta, se lanzan a la carretera, escapan, huyen —de la existencia, de la sociedad, de los hombres que las maltratan— para forjar su propio camino.

Los temas vanguardistas de 1991 impregnaban Thelma & Louise y siguen resonando con fuerza hoy en día. Para plasmarlos, el Festival de Cannes eligió esta imagen en blanco y negro de una película vibrante que celebra la vida y la eterna lucha por la libertad de ser uno mismo.

Hace treinta y cinco años, las dos protagonistas de la primera road movie feminista protagonizada íntegramente por mujeres se lanzaron a la aventura, impulsadas por un viento de libertad que soplaba a sus espaldas. Se convirtieron en iconos inmortales. Hoy, están ante nosotros. Y contemplamos su legado.

Luis Puenzo (1946-2026)

 

El director, guionista y productor argentino Luis Puenzo, ganador del primer Óscar en la historia del cine argentino por la película La historia oficial (1985), murió a los 80 años, confirmó la Sociedad General de Autores de Argentina (Argentores).

“Con profundo pesar despedimos al destacado guionista, director, productor y socio de nuestra entidad Luis Puenzo, quien falleció en la ciudad de Buenos Aires, a los 80 años. Desde Argentores enviamos nuestras condolencias a sus familiares, amigos y colegas en este difícil momento”, señaló la entidad en un comunicado.

El reconocimiento internacional llegó con La historia oficial, que dirigió y coescribió junto a Aída Bortnik, que abordaba el robo de niños y niñas durante la última dictadura militar argentina y fue protagonizada por Norma Aleandro y Héctor Alterio.

El filme obtuvo múltiples galardones y obtuvo el Oscar a la Mejor película extranjera en 1986, el primero en la historia del cine argentino.

Puenzo y Bortnik recibieron también la nominación al Óscar en la categoría de mejor guion original, y la película fue premiada en el Festival de Cannes, ganó el Globo de Oro a Mejor película en lengua no inglesa y obtuvo el premio Cóndor de Plata de la Asociación de Cronistas Cinematográficos de la Argentina.

Continuó su carrera de director y guionista con títulos como Gringo viejo (1989), adaptación de la novela del escritor Carlos Fuentes, una producción internacional que contó con las actuaciones de Jane Fonda, Gregory Peck y Jimmy Smits, ambientada en los años de la revolución mexicana.

Además, adaptó el guion y dirigió La peste (1992), basada en la novela homónima de Albert Camus, encabezada por William Hurt, Robert Duvall y Raúl Juliá; y La puta y la ballena (2004), largometraje rodado entre Argentina y España, protagonizado por Leonardo Sbaraglia y Aitana Sánchez-Gijón.

martes, abril 21, 2026

“Milly: la reina del merengue”, nuevo filme de Leticia Tonos.

Leticia Tonos Paniagua es una de nuestras cineastas más talentosas. Bastaría revisar algunos títulos de su filmografía: La hija natural, Cristo Rey y Mis 500 locos para comprobar su enorme talento y su audacia de probar con diversos géneros cinematográficos.

Milly Quezada no solo es la reina del merengue: es una de las más dignas representantes de la mujer dominicana de cualquier época, perfecto ejemplo de superación personal frente a los obstáculos de quienes emigraron a New York en los convulsos años 60, sin ceder un ápice en sus principios y sus creencias.

Estas dos mujeres extraordinarias han hecho posible Milly: reina del merengue, filme mitad biopic, mitad musical que llega a la cartelera luego de su estreno en el Festival de Cine Global y su recorrido por los Festivales de Panamá y Miami.

La exitosa carrera como merenguera de Milly Quezada es conocida por varias generaciones que han bailado y cantado su música. Milly: reina del merengue nos presenta también lo que la cámara no capta, lo que el público desconoce: los fracasos, las lágrimas, la resiliencia detrás de cada éxito discográfico, detrás de cada fiesta multitudinaria, de cada estatuilla recibida.

Milly Quezada recibió el Gran Soberano de Acroarte en 1998, como reconocimiento a una carrera que también se ha visto premiada con el Latin Grammy y el Premio a la excelencia de The Latin Recording Academy.

Milagros Quezada Borbón llegó siendo una niña al Washington Heights de mediados de la década 60 y tuvo que enfrentarlo todo: una vieja cultura paternal que le asignaba papeles muy específicos como mujer (nada de tongonearse en una tarima), una nueva cultura que no siempre era hospitalaria y el deseo natural de la niña Cuquita de convertirse en la mujer Milly, contando con muy poco estímulo de su entorno más íntimo. Es en ese momento cuando la fe en ti mismo obra maravillas y descubres tu propia voz.

Para contar (y cantar) esta historia se necesitaba no solo de la sororidad de Quezada (productora ejecutiva del filme) y de Tonos (guionista y directora): era necesario encontrar a alguien que fuera capaz de encarnar toda la fuerza y la vulnerabilidad, la determinación y las caídas del personaje. Aquí aparece el primer acierto del filme: Sandy Hernández quien, en su primer protagónico, logra una actuación asombrosa.  

Hernández luce formidable en su papel como Milly, con su rostro, su cuerpo y su propia voz al servicio de los propósitos dramáticos que, en varias ocasiones, nos sacuden por dentro. Unas veces de pura empatía con el personaje que atraviesa una crisis, otras como expresión de la alegre dominicanidad que albergamos en nuestros corazones.

Ese es el gran logro de Milly: reina del merengue: al margen de la excelencia de la puesta en escena, la fotografía, el vestuario y la edición, nos conmueve en lo más íntimo, nos enciende una chispa interior con tanta desbordante alegría quisqueyana, sobre todo para quienes vivimos los años dorados del merengue, convocando todos los recuerdos al compás de Volvió Juanita.

Por supuesto, el filme también funciona como inventario de los obstáculos que enfrenta cualquier inmigrante dominicano a New York, atraídos por la propaganda del Sueño Americano o por las inseguridades que se generan en los muchos desgobiernos que nos han azotado.

Por supuesto, un filme basado en la vida de una merenguera que ha sembrado tantas alegrías en varias generaciones, es un obvio inventario de muchos de los éxitos merengueros de las últimas décadas y un sincero y necesario reconocimiento a una mujer que ha logrado el éxito y es un referente de decencia, una absoluta dama del escenario, quien solo necesitó mostrar su talento y ejercer su maravillosa capacidad para conectar con su público, la misma que todavía la mantiene posicionada en el gusto popular.

En una época en que los medios destilan ejemplos execrables, se hace invaluable un filme como Milly: reina del merengue y su contundente alegato: la trascendencia viene como recompensa a quienes no trafican con su dignidad.

 

Milly: reina del merengue (2026). Dirección: Leticia Tonos; Guion: Leticia Tonos y Junior Rosario; Fotografía: P. J. López: Edición: Juanjo Cid; Música: Luichy Guzmán y Allan Leschhorn; Elenco: Sandy Hernández, Juan Carlos Pichardo, Jalsen Santana, Nicole Padrón, Cindy Galán.

lunes, abril 20, 2026

Luis Brandoni (1940-2026)

Luis Brandoni, uno de los más grandes actores argentinos, conocido por éxitos como La tregua, La odisea de los giles o La Patagonia rebelde, falleció este lunes a los 86 años tras haber sufrido hace unos días un accidente doméstico, se informó.

Nacido en Buenos Aires en 1940, Brandoni comenzó su carrera como actor en televisión y participó después en grandes éxitos del cine argentino. Acababa de estrenar Parque Lezama, de Juan José Campanella, adaptación de la obra de teatro homónima, en Netflix.

El actor, que acababa de cumplir 86 años este sábado, también se encontraba preparando la segunda temporada de Nada, una serie para Disney+ en la que compartió escenas con Robert De Niro, según recoge el diario Clarin.

Desde el anuncio de su muerte, se han sucedido las condolencias. Entre ellas, la del secretario de Cultura argentino, Leonardo Cifelli, quien afirmó que «Brandoni fue mucho más que un actor extraordinario: fue un emblema de nuestra identidad cultural».

«Supo retratar como pocos el alma argentina y fue un referente cuyo compromiso con su oficio lo convirtió en ejemplo para colegas y futuras generaciones -añadió-. Su talento, su vocación y su integridad seguirán siendo parte viva de nuestra cultura».

El productor de cine Axel Kuschevatzky, que trabajó con él en varias ocasiones, compartió un mensaje en su perfil de Instagram en el que asegura que «Luis Brandoni fue único, y es imposible imaginar el cine argentino sin él. Su figura atraviesa algunas de las películas más importantes de nuestro ADN cultural de los últimos 55 años. Trabajé con él cinco veces, y compartir tiempo a su lado siempre fue memorable».

La actriz Graciela Borges dijo también en Instagram: «Vas a estar siempre en mi corazón», mientras que Soledad Silveyra, que compartía escenario junto a Bradoni en ‘¿Quién es quién?’, la obra que se tuvo que suspender tras su caída, lamentó la desaparición del actor.

«Sos el último de los grandes en irse. Siempre con tu recuerdo. Día muy triste para la cultura», señaló.

Según dijo el productor teatral Carlos Rottemberg, Brandoni fue «un defensor de la cultura argentina. Después de 48 años de amigo, puedo decir que por un lado uno tiene el dolor que tiene que tener y por el otro gratificar que Brandoni vivió todo lo que él quiso vivir», agregó.

También lamentó su muerte la Asociación Argentina de Actores con un mensaje en la red X: «Acompañamos con respeto a sus familiares y seres queridos en este momento de dolor. Su sólida labor interpretativa en cine, teatro y televisión lo consolidó como una reconocida figura de la escena nacional».

Nathalie Baye (1948-2026)

La actriz francesa Nathalie Baye, conocida por haber sabido encarnar todo tipo de papeles a las órdenes de prestigiosos directores como François Truffaut, Xavier Dolan, Bertrand Blier o Claude Chabrol, falleció a los 77 años de edad, anunció su familia a medios locales.

Ganadora de cuatro César del cine francés, uno de los rostros más populares de la gran pantalla francesa, Baye falleció este viernes en su domicilio parisiense, tras una larga enfermedad que había sufrido durante el último año.

Polifacética hasta el final de su carrera, la actriz se caracterizó por atreverse con todo tipo de papeles, del drama a la comedia, pero también por su huida del estrellato, pese a que durante cuatro años fue la pareja del mediático ‘rockero’ Johnny Hallyday, con quien tuvo una hija, la también cineasta Laura Smet.

Tras efectuar estudios de danza en Mónaco y Nueva York, la joven nacida en un pueblo de Normandía el 6 de julio de 1948, regresó a París con 18 años para aprender interpretación y tras una carrera en el teatro llamó la atención de Truffaut, que le otorgó un papel preponderante en La noche amemricana, trampolín hacia su éxito.

A partir de ese éxito, se multiplicaron los papeles en la gran pantalla, de la mano de Claude Sautet (Mado), Marco Ferreri (La dernière femme), Maurice Pialat (La gueule ouverte), entre otros, además de una nueva colaboración con Truffaut en El hombre que amaba a las mujeres.

Ganadora del César el mejor papel secundario en 1981 y 1982, la consagración le llegó al año siguiente cuando ganó el de mejor actriz por Un étrange affaire, de Pierre Granier-Deferre.

Un cuarto premio le llegaría ya en la madurez por Le petit liutenant, de Caroline Vaudieu, en 2006.

Nathalie Baye dejó también tomas de posición en temas políticos, algunos más de consenso, como su apoyo a la lucha contra el cambio climático, otros más polémicos como cuando en 2023 firmó junto a otros artistas una columna en apoyo a Gérard Depardieu, acusado de abusos sexuales, por los que posteriormente fue condenado.

En mayo regresa el Festival de Cine “HECHO EN RD”

Como parte de la tradición de la industria cinematográfica del país, regresa este año el Festival de Cine Fine Arts “Hecho en RD”, esta vez a realizarse en Caribbean Cinemas Downtown Center, estrenando nueva sede, la cual acogerá una amplia propuesta de proyectos locales que van desde películas hasta cortometrajes, charlas y conversatorios.

Para esta ocasión en el mes de mayo, la sexta edición del festival reafirma el crecimiento del cine nacional en diferentes vertientes, abarcando una programación 100% dedicada a producciones dominicanas, celebrando nuevas historias y creaciones de gran impacto, así como creando un espacio de apoyo a los cineastas y actores del país.

Próximamente se darán a conocer más detalles sobre la programación y actividades.

Asimismo, el festival presenta el Premio del Público, una iniciativa que brinda a los asistentes la oportunidad de elegir la mejor película o documental, participando mediante votación en línea a través de festivaldecinefinearts.com. Como incentivo adicional, los votantes podrán optar por atractivos premios sorpresa.

lunes, abril 13, 2026

Premio Platino de Honor 2026: Guillermo Francella.

La Entidad de Gestión de Derechos de los Productores Audiovisuales (EGEDA) y la Federación Iberoamericana de Productores Cinematográficos y Audiovisuales (FIPCA) anunciaron que Guillermo Francella será homenajeado con el Premio PLATINO de Honor por su sobresaliente trayectoria interpretativa en el audiovisual iberoamericano durante la gala de los XIII Premios Platino Xcaret, el próximo 9 de mayo en el Teatro Gran Tlachco del Parque Xcaret, en Riviera Maya (México).

Este reconocimiento pone en valor la contribución del actor argentino a la creación de un patrimonio fílmico iberoamericano, formando parte imprescindible de la historia de nuestro audiovisual gracias a su participación en títulos tan diversos como inolvidables en cine y televisión.

Con una trayectoria que se extiende a lo largo de más de cuatro décadas, Guillermo Francella se ha consolidado como uno de los intérpretes más populares y reconocibles de Argentina, desarrollando una carrera sostenida en cine, teatro y televisión que lo ha situado como una figura central del audiovisual iberoamericano.

En el ámbito televisivo, su nombre quedó tempranamente asociado a algunos de los mayores éxitos de la comedia argentina, protagonizando títulos como De carne somosLa familia BenvenutoNaranja y mediaTrillizosPoné a Francella, Casados con hijos El hombre de tu vida. Su trabajo en este género, marcado por una extraordinaria conexión con el público, ha sido reconocido en nueve ocasiones con el premio Martín Fierro como actor de comedia, el máximo galardón de la televisión argentina, a los que se suma el Martín Fierro de Oro de Cine y Series obtenido en 2024.

De forma paralela, su labor sobre los escenarios ha dado lugar a destacados éxitos teatrales como Los productores y El joven Frankenstein, de Mel Brooks; Los reyes de la risa, de Neil Simon; La cena de los tontos, de Francis Veber (obra que también dirigió en su versión de 2009); Dos pícaros sinvergüenzas; Nuestras mujeres, de Eric Assous o Desde el Jardín, versión teatral de la emblemática película de Peter Sellers que se encuentra representando actualmente. Asimismo, desarrolló su faceta como director teatral con títulos como Perfectos desconocidos, adaptación de la obra de Paolo Genovese.

Tras protagonizar diversas películas de gran popularidad entre finales de los años noventa y la primera década de los 2000, de entre las que destaca el filme mexicano Rudo y Cursi, su carrera cinematográfica atravesó un punto de inflexión con el éxito internacional de El secreto de sus ojos, una de las obras cumbre del cine iberoamericano, dirigida por Juan José Campanella y galardonada con el Premio Oscar a la mejor película en lengua extranjera. A partir de este momento, la profundidad dramática y la profusión de personajes de creciente complejidad actoral se ha mantenido como una constante en la carrera del intérprete.

Desde entonces, ha participado en una amplia variedad de producciones bajo la dirección de cineastas como Ana Katz (Los marziano), Eduard Cortés (Atraco), Marcos Carnevale (Corazón de León), Daniel Burman (El misterio de la felicidad), o Gastón Duprat y Mariano Cohn (Mi obra maestra), manteniendo siempre una constante búsqueda de nuevos desafíos interpretativos.

Especial relevancia alcanza su interpretación de Arquímedes Puccio en El clan, de Pablo Trapero, por la que obtuvo el Premio Platino a Mejor Interpretación Masculina, consolidando su reconocimiento internacional en el ámbito dramático.

Su filmografía reciente incluye títulos como Los que aman, odian (Alejandro Maci), adaptación de la obra de Silvina Ocampo y Adolfo Bioy Casares; Animal (Armando Bo); o El robo del siglo (Ariel Winograd). Con la llegada del ecosistema de plataformas, protagonizó Granizo (Marcos Carnevale), estrenada en Netflix y convertida en un éxito global, así como el thriller La extorsión (Martino Zaidelis).

sábado, abril 11, 2026

Cannes 2026: los filmes en competencia.

El delegado general del Festival de Cannes, Therry Frémaux, anunció las películas incluidas en los diferentes apartados oficiales de la 79 edición del certamen francés, entre ellas las 21 que competirán por la Palma de Oro.

Amarga Navidad, de Pedro Almodóvar; El ser querido, de Rodrigo Sorogoyen y con Javier Bardem; y la película La bola negra de Javier Ambrossi y Javier Calvo, ‘los Javis’; pelearán por la Palma de Oro de Cannes, un hito de tres filmes españoles en competición inédito con el actual sistema de selección.

Amarga Navidad, estrenada en España el 20 de marzo, no faltó entre las películas anunciadas desde París para la edición 79 del certamen francés (que se celebrará del 12 al 23 de mayo) porque es una «película Almodóvar», que es un «maestro», según detalló a la prensa el delegado general del festival, Thierry Frémaux.

Protagonizada por Bárbara Lennie, Aitana Sánchez-Gijón y Leonardo Sbaraglia, cuenta con colaboraciones como las de Rossy de Palma, Carmen Machi o la cantante Amaia Romero.

«Es una película autobiográfica, tiene mucho que ver conmigo. La reacción en Madrid tanto de la crítica como del público ha sido muy positiva, así que estoy lleno de esperanzas», dijo Almodóvar a la prensa tras conocer la noticia en París, donde el Centro Pompidou le dedica una restrospectiva.

Será la séptima participación de Almodóvar en la competición de Cannes, que le ha premiado con el galardón de mejor dirección por Todo sobre mi madre, en 1999, y con el de mejor guion por Volver, en 2006, además de los premios de interpretación para las mujeres de esa última cinta y para Antonio Banderas, en 2019, por Dolor y Gloria.

Sorogoyen acudirá por segunda vez como seleccionado a la Costa Azul francesa, tras el paso de Las bestias por el festival en 2022 fuera de competición.

En esta cinta, Javier Bardem encarna a un aclamado director de cine que rueda junto a su hija, actriz sin éxito, una película tras años de distanciamiento y tensión que ninguno quiere abordar directamente.

El reparto cuenta también con Victoria Luengo, Raúl Arévalo y Marina Foïs, entre otros, y el proyecto se filmó principalmente en Fuerteventura.

Las nuevas generaciones estarán representadas por Calvo y Ambrossi, que debutan en Cannes por la puerta grande, peleando por la Palma de Oro también ante nombres como el iraní Asghar Farhadi, el japonés Hirokazu Kore-eda o el polaco Pawel Pawlikowski, entre un total de 21 películas.

La bola negra, que es el segundo largometraje dirigido por ‘los Javis’ tras La llamada, está protagonizada por el cantante Guitarrica de la Fuente, que debuta como actor, acompañado por Miguel Bernardeau, Carlos González y Lola Dueñas, además de contar con las colaboraciones de lujo de Penélope Cruz y Glenn Close.

Narra las vidas interconectadas de tres hombres gays en épocas distintas -1932, 1937 y 2017- y una parte del filme está inspirada en la obra homónima que dejó inconclusa Federico García Lorca, de la que se conservan tan solo cuatro páginas y que contaba con un protagonista homosexual. También en el diario de un amigo suyo que contaba cómo Lorca pensaba desarrollarla.

 

Este es el listado completo de la Sección Oficial:

— ‘Fatherland’, de Pawel Pawlikowski.

— ‘Histories parallèles, de Asghar Farhadi.

— ‘Sheep in the Box’, de Hirokazu Kore-eda.

— ‘Amarga Navidad’, de Pedro Almodóvar.

— ‘El ser querido’, de Rodrigo Sorogoyen.

— ‘La bola negra’, de Javier Calvo y Javier Ambrossi.

— ‘The Man I Love’, de Ira Sachs.

— ‘Minotaur’, de Andrey Zvyagintsev.

— ‘Fjord’, de Cristian Mungiu.

— ‘Moulin’, de László Nemes.

— ‘All of a Sudden’, de Ryusuke Hamaguchi.

— ‘Nagi Notes’, de Koji Fukada.

— ‘Coward’, de Lukas Dhont.

— ‘Garance’, de Jeanne Herry.

— ‘La vie d’une femme’, de Christine Bourgeois Tacquet.

— ‘Histoires de la nuit’, de Léa Mysius.

— ‘Gentle Monster’, de Marie Kreutzer.

— ‘The Dreamed Adventur’, de Valeska Grisebach.

— ‘L’inconnue’, de Arthur Harari.

— ‘Hope’, de Na Hong-Jin.

— ‘Notre salut’, de Emamanuel Marre.

martes, marzo 31, 2026

“Interior Apartamento Día” desde el 9 de abril en cines.

Desde el próximo 9 de abril, los cinéfilos podrán disfrutar de Interior Apartamento Día en los cines de Caribbean Cinemas. Dirigida por Laura Amelia Guzmán e Israel Cárdenas, la película llega a las salas dominicanas luego de haber sido seleccionada en la 49ª Mostra Internacional de Cinema de São Paulo en 2025 y en el International Film Festival Rotterdam 2026.

Producida por Lantica Studios, Purpleline Productions y Aurora Dominicana, Interior Apartamento Día sigue a Omar y Nini, una joven pareja que comparte un pequeño apartamento en Santo Domingo. Cuando sus carreras como freelancers creativos empiezan a tambalearse y la incertidumbre económica expone tensiones profundas, una nueva oportunidad laboral para Nini se presenta como una posible salida. En la luz implacable de la vida adulta, ambos descubren que los nuevos comienzos no siempre son lo que parecen.

La película protagonizada por Maïa Otero y Juliano Kunert es el más reciente largometraje de Laura Amelia Guzmán e Israel Cárdenas, una dupla con más de dos décadas de carrera cuyos trabajos han sido presentados en festivales como la Berlinale, Toronto, Venecia y Rotterdam. Interior Apartamento Día tuvo su premiere mundial en la Mostra de São Paulo 2025, y su selección en Rotterdam 2026 consolida su recorrido internacional.

Laura Amelia Guzmán (República Dominicana, 1980) e Israel Cárdenas (México, 1980) han codirigido ocho largometrajes de ficción y documental a lo largo de veinte años, incluyendo Jean Gentil (2010), Dólares de Arena (2014) y La Fiera y La Fiesta (2019). Sus obras han sido presentadas en festivales como la Berlinale, Toronto, Venecia y Rotterdam.

Interior Apartamento Día es su obra más personal hasta la fecha y estará en cartelera a partir del 9 de abril de 2026.

Mary Beth Hurt (1946-2026)


La actriz de teatro y cine Mary Beth Hurt, conocida por trabajos en teatro y cine como El mundo según Garp, ha fallecido a los 79 años por la enfermedad de Alzheimer, según informa Variety.

“Era actriz, esposa, hermana, madre, tía y amiga, y desempeñó todos esos roles con gracia y una bondadosa intensidad”, señaló su marido, el guionista y director Paul Scharader, en un post en Facebook. “Aunque todos estamos de luto -añadió-, nos reconforta saber que ya no sufre y que se ha reunido con sus hermanas en paz”.

Hurt fue diagnosticada de alzhéimer en 2015. Nacida en 1946 en Marshalltown (Iowa), desarrolló una sólida carrera de cuatro décadas como actriz en cine, televisión y en Broadway, donde fue nominada en tres ocasiones a los premios Tony.

Su carrera en el cine contó con títulos destacados como Interiores, de Woody Allen, La edad de la inocencia, de Martin Scorsese, y Al límite, además de su papel en The World According to Garp, donde fue protagonista junto a Robin Williams.

Hurt participó en programas de televisión como Ley y Orden, Thirtysomething y Kojak.

En una entrevista en 1989, con el New York Times señaló que prefería ser selectiva con los papeles que interpretaba en el cine. «El cincuenta por ciento de los papeles que me ofrecen no valen para nada. No me refiero a la importancia del personaje. No tienen nada de interés. Así que acepto los que me parecen interesantes, a menos que lleve mucho tiempo sin hacer ninguno. En ese caso, acepto uno que no me interese».

La actriz estuvo casada con el actor William Hurt entre 1971 y 1981, y posteriormente con el guionista y director Paul Schrader, con quien tuvo dos hijos y colaboró en varias películas. 

lunes, marzo 30, 2026

Clásicos de Semana Santa.

Desde los inicios del cine, los hechos que se conmemoran en la Semana Santa han inspirado numerosas películas. Louis Lumiére y Georges Hatot estrenaron en 1898 La vida y la pasión de Cristo y, desde entonces, innumerables filmes han tocado este tema.

Es buena época para recordar algunos filmes esenciales para Semana Santa.

Los 10 mandamientos (1956): escrita y dirigida por el mítico Cecil B. DeMille, dramatiza la historia bíblica de la vida de Moisés, interpretado por Chalton Heston.

Jesús de Nazaret (1977, Franco Zeffirelli): es una de las versiones que mayor aceptación ha tenido de todas las realizadas. A la precisión de Zeffirelli, se unió el talento de Robert Powell como Jesús.

La Pasión de Cristo (2004, Mel Gibson), filme que creó muchísima controversia por las crudas escenas de tortura, pero que fue aplaudida por millones, convirtiéndola en un gran éxito de taquilla. El actor James Caviezel interpretó el rol protagónico.

Jesucristo Superstar (1973, Norman Jewison): la película basada en el exitoso musical de Broadway escrito por Andrew Lloyd Webber y Tim Rice. Contó con las actuaciones de Ted Neeley como Jesús e Yvonne Elliman como María Magdalena.

La última tentación de Cristo (1988): vilipendiada, al igual que el personaje bíblico pocos comprendieron el sentido del filme de Martin Scorsese, basado en la novela homónima de Nikos Kazantzakis

El Mártir del calvario (1952, Miguel Morayta): es la más representativa de todas cuantas se han hecho en Latinoamérica. Rodada en México y protagonizada por el español Enrique Rambal.

Ben Hur (1959, William Wyler): costó en su momento 15 millones de dólares, el mayor presupuesto para una película en Hollywood. Recibió el respaldo del público y la crítica y consiguió 11 Oscars, una marca que se mantiene (compartida) hasta la fecha. 

En 2018, dos filmes vinculados al tema fueron estrenados: María Magdalena (Garth Davis), con Rooney Mara en el papel protagónico y Joaquin Phoenix como Jesús; y Pablo, al apóstol de Cristo (Andrew Hyatt), con James Faulkner (como Pablo) y Jim Caviezel (como Lucas).

El pasado año se estrenó David (Brent Dawes y Phil Cunninham) filme de animación que trata la adolescencia de este personaje destinado a convertirse en Rey de Israel, que tenemos en cartelera. 

viernes, marzo 27, 2026

El Oscar se muda de Hollywood.

La Academia de Cine de Estados Unidos anunció un acuerdo para trasladar la gala del Oscar desde su tradicional teatro Dolby de Hollywood al centro de Los Ángeles a partir de 2029, justo después de conmemorar el centenario de los galardones más codiciados de la industria.

La alianza con la compañía de entretenimiento AEG «convierte a L.A. LIVE en la nueva sede de los Premios Oscar, comenzando con la 101º ceremonia en 2029», informó la Academia en un comunicado.

El acuerdo estará vigente por diez años en el recinto conocido como Teatro Peacock, donde también se celebran otros galardones como los Emmy, los más importantes de la televisión internacional.

Recientemente ampliado con 370.000 metros cuadrados, la nueva sede «albergará las llegadas y actividades de la alfombra roja», indicó el escrito.

Tras su centenario, esta sede ubicada en el centro de Los Ángeles será también la primera en acoger una ceremonia que se retransmitirá de forma global a través de YouTube.

«L.A. LIVE fue construido para albergar los momentos que definen la cultura, y no hay un escenario global más grande que el Oscar», dijo por su parte el director de Ingresos de AEG, Todd Goldstein.

La edición 99 de los premios más importantes de la industria del cine se seguirá celebrando el año que viene en el Dolby y se transmitirán en directo por ABC y en más de 200 territorios de todo el mundo hasta la centésima edición del Oscar.

miércoles, marzo 25, 2026

Las razones para hacer “¡La Novia!"

Maggie Gyllenhaal es una talentosa actriz norteamericana, ganadora del Globo de Oro por The Honourable Woman y del premio Osella al mejor guion en Venecia por su película The Lost Daughter. Este filme de Gyllenhaal como guionista y directora también le valió el premio del Círculo de Críticos de New York al mejor debut de 2021. 

Ahora nos presenta ¡La Novia!, inspirada libremente en el filme de James Whale de 1935 y, ciertamente, con este texto hurgamos en las razones para su atrevida propuesta.

Christian Bale se le reconoce como uno de los mejores actores de su generación y ha Ganado dos Globos de Oro (por The Fighter y Vice) y un Oscar.

Jessie Buckley ha ganado el Globo de Oro y el Oscar por su formidable actuación en Hamnet.

Annette Bening ha ganado dos Globos de Oro por Being Julia y The Kids are All Right), así como el Actors Award.

Peter Sarsgaard es un actor estadounidense, ganador de la Copa Volpi por Memoria, del mexicano Michel Franco.

Penélope Cruz es una de las mejores actrices españolas y la primera en ganar el Oscar, por Vicky Cristina Barcelona, dirigida por Woody Allen. 

Hildur Gudnadóttir es una talentosa chelista irlandesa que ya ganó el Globo de Oro y el Oscar por la banda sonora de Joker. También de este filme se reclutó al director de fotografía Lawrence Sher, quien ganó su Camerimage en 2019.

La encargada del diseño de producción, Karen Murphy, ya fue premiada por su gremio en 2013 por El gran Gatsby.

El editor Dylan Tichenor, ha ganado el Critics Choice por su labor en La noche más oscura.

En este punto, acudo a Google para las razones para hacer ¡La Novia! y la búsqueda me arroja estos resultados:   .