“Carlos”: la magia de Santana.

El 16 de agosto de 1969, Carlos Santana debutó en el Festival Woodstock y sacudió de tal manera a los asistentes con su mezcla de rock, blues y música africana, que todos lo sintieron como una experiencia religiosa. Y lo fue.

El sonido de la guitarra de Santana es capaz de elevarnos hasta alturas impensadas y calmarnos los demonios en nuestro interior. Era indudable: ese sonido nos unía en un solo ser de luz y paz, y también nos hacía alcanzar el éxtasis del frenesí de los cuerpos sudorosos: lo espiritual y lo pasional en una sola nota.

Carlos, de Rudy Valdez, es un formidable documental que repasa la vida de un guitarrista que puede ufanarse de unir varias generaciones con su música. La clave radica en que el propio Carlos Santana le garantizó total acceso a todos los aspectos de su vida y su carrera, la mayoría muy conocidos por sus fanáticos. Esa es la gran virtud de este filme: Santana pone a disposición del director todos los archivos audiovisuales que posee (incluyendo algunos videos caseros) y, lo más importante, se brinda a una conversación franca entre amigos, al calor de una fogata en el desierto: nada oculta y nada tiene que ocultar.

Carlos Santana es el perfecto ejemplo del “Sí, se puede”: hijo de un músico de mariachi, desde su infancia soñó con alcanzar fama y dinero, pero también con estremecer almas y encaminarlas, como un shamán que nos guía a nuevos mundos, hacia un estadio de equilibrio emocional a través de su música.

Carlos nos muestra aquellos duros inicios en que ser latino en Estados Unidos era un lastre a veces muy pesado (todavía hoy puede ser problema) y este mejicano, orgulloso de sus raíces, lo incluyó como parte de sus raíces musicales. Santana reconoce las influencias que tiene de John Coltrane, Miles Davis y B.B. King, pero también de Javier Bátiz, Mongo Santamaría y Tito Puente, este último el compositor de Oye como va, uno de sus mayores éxitos.

Cuando se viene de la extrema pobreza y se conoce el éxito desbordado de Santana es obvio que se pierde el equilibrio (a veces el juicio). Esa vida de sexo, drogas y rock and roll (todo mezclado y en exceso) solo conduce al nacimiento del mártir. Por suerte, Santana encontró a Sri Chinmoy, maestro de la meditación, quien le orientó por más de una década y le condujo al estadio mental que le permitió producir discos como Caravanserai (1972), una vaina demasiado espiritual para sus sorprendidos fanáticos.

Pero Carlos Santana es el perfecto ejemplo del “Reinventarse sin renunciar a su identidad”: con Supernatural, su premiado álbum de 1999, no solo consiguió el Grammy, como reconocimiento de la industria de la música, sino también la admiración de una nueva generación de oyentes, la gente del nuevo siglo, que no pudieron resistirse al llamado salvaje de su música.

“Magia es cuando tú controlas los elementos para captar el corazón de la gente”, ha dicho el músico. Carlos recoge, de manera muy significativa, lo ocurrido el 22 de agosto de 1982, en Altos de Chavón: apenas arrancó el concierto, Changó abrió de par en par las compuertas del cielo. Pero nadie se inmutó con el aguacero bíblico: todos bailaban hechizados por la música de Santana: eso es magia. Quien suscribe, no podía ni soñar con estar ahí. Tuve que esperar 27 años, hasta el 7 de marzo de 2009 para corear, en ese mismo escenario, su Black Magic Woman.

Y sí: fue una experiencia religiosa.

 

Carlos (2023). Dirección y guion: Rudy Valdez; Fotografía: Rudy Valdez; Edición: Viridiana Lieberman y Sierra Neal; Música: Carlos Santana; Elenco: Carlos Santana, José Santana, Deborah King, Cindy Blackman.

“La sociedad de la nieve”, a por el Oscar para España.

La Academia de Cine ha elegido La sociedad de la nieve, dirigida por J.A. Bayona, como representante española en la 96 edición de los Premios Oscar. La actriz Bárbara Lennie, acompañada por el presidente de la Academia, Fernando Méndez-Leite, y la notaria Eva Fernández Medina, ha anunciado la decisión de los académicos en un acto que tuvo lugar en la Academia de Cine.

Película de clausura del Festival de Venecia, La sociedad de la nieve supone el regreso al español de J. A. Bayona, que no rodaba en nuestro idioma desde El orfanato. La sociedad de la nieve retrata la tragedia de los Andes de 1972, cuando el vuelo 571 de la Fuerza Aérea Uruguaya, fletado para llevar a un equipo de rugby a Chile, se estrelló y los supervivientes quedaron atrapados en uno de los entornos más hostiles e inaccesibles del planeta. La sociedad de la nieve es su quinto largometraje y también participará en la sección ‘Perlak’ del Festival de San Sebastián.

 Es la segunda vez que una película de Bayona representa a España en Hollywood, ya que El orfanato fue elegida en 2007 para la carrera de los Oscar 2008.

Habrá que esperar hasta el próximo 21 de diciembre de 2023, fecha en la que se desvelará la shortlist de los Oscar, para conocer si La sociedad de la nieve continúa su carrera por lograr la estatuilla a la Mejor Película Internacional. El 23 de enero conoceremos las cinco películas nominadas en esta categoría y la ceremonia de los Oscar tendrá lugar el 10 de marzo de 2023.

Después de conocer la noticia, el director J.A. Bayona y el protagonista Enzo Vogrincic, se unieron a las productoras Belén Atienza y Sandra Hermida para compartir su alegría por la selección de los miembros de la Academia. “Después de siete años sin rodar en España tenía ganas de volver a casa, con mi gente, rodar una película mía…y tener el respaldo de los colegas me llena de satisfacción”, ha manifestado emocionado Bayona.

“Nos ha costado diez años financiar esta película y poder hacerla en español”, recordaba visiblemente contento el realizador, que ha destacado el trabajo de cada uno de los departamentos de la película, del equipo técnico y artístico. Asimismo, ha asegurado que la película –que sigue con su recorrido en festivales hasta el mes de noviembre– se podrá ver exclusivamente en cines antes del estreno en la plataforma.

“El método”, desde 21 de septiembre en cines.

Sky Films y Cacique Films estrenan, desde este jueves 21 de septiembre, El método, una producción dirigida por David Maler. La película cuenta con las actuaciones de Nashla Bogaert, Héctor Aníbal, Georgina Duluc, Pepe Sierra, Yasser Michelén, Dahiana Castro y Roger Wasserman. El filme es distribuido por Caribbean Films.

El método llega a las salas de cine del país este jueves después de convertirse en la gran ganadora del Festival de Cine Fine Arts “Hecho en RD”, donde se alzó con los premios en las categorías de Mejor película, Mejor director (David Maler) y Mejor actor principal (Pepe Sierra).

La película combina con maestría el drama, el thriller y la comedia, resultado de la visión de David Maler de la obra de teatro El método Gronholm (de Jordi Garceran), quien además de dirigirla, coescribió su guion junto a Andrés Curbelo.

“Dirigir El método ha sido una experiencia maravillosa. El proceso de filmación fue un nuevo desafío para nosotros ya que fue la primera vez que asumíamos el reto de filmar el 99% de la película en una sola locación. Estamos muy contentos con el resultado final”, destacó Maler.

“Ya a partir del 21 de septiembre, la película le pertenece al público. Sé que la gozarán tanto como la gozamos nosotros al filmarla. Agradezco a todo el elenco y al equipo técnico que formó parte de esta película. Fue un tremendo trabajo en equipo”, enfatizó.

Por su parte, el empresario Pedro García, uno de los productores de la película, reveló que El método es la segunda producción cinematográfica de Sky Films.

“Esta película ha superado nuestras expectativas en todos los sentidos, y solo eso produce una gran satisfacción. Que se convirtiera en la película más galardonada en el III Festival de Cine Fine Arts “Hecho en RD” es una grata satisfacción adicional. Espero que el público la disfrute tanto como nosotros”, comentó García.

Toronto 2023: los ganadores.

Tras dos semanas de proyecciones que, por norma general, suelen ser la primera parada de la carrera hacia la ansiada ceremonia de entrega de los Óscar, el TIFF 2023 ha dado punto y final otorgando el People's Choice Award a American Fiction, la sátira de la industria literaria escrita y dirigida por Cord Jefferson y protagonizada por Jeffrey Wright que gira en torno a un novelista que alcanza el éxito tras publicar una novela deliberadamente estúpida sobre la vida de las personas de raza negra.

De este modo, el título de Jefferson se posiciona como uno de los grandes favoritos a llevarse la estatuilla dorada en los Premios de la Academia de Hollywood, ya que 11 de los 14 últimos ganadores del People's Choice han terminado rascando al menos una nominación, incluyendo a las ganadoras Nomadland y Green Book y a aspirantes como La La Land y Tres anuncios por un crimen.

 A continuación, la lista completa de ganadores de la edición 2023 del Toronto International Film Festival, que incluye, entre otras galardonadas, a la última apuesta de A24:

People’s Choice Award: American Fiction (Cord Jefferson)

People’s Choice Award Documental: Mr. Dressup: The Magic of Make-Believe (Robert McCallum)

People’s Choice Midnight Madness: “Dicks: The Musical” (Larry Charles)

Premio Platform: “Dear Jassi” (Tarsem Singh Dhandwar)

Mejor película canadiense: “Solo” (Sophie Dupuis)

Mejor cortometraje: “Electra” (Daria Kascheeva)

Mejor cortometraje canadiense: “Motherland” (Jasmin Mozaffari)

#ShareHerJourney Award: “She” (Renee Zhan)

Premio NETPAC: “A Match” (Jayant Digambar Somalkar)

Premio FIPRESCI: “Seagrass” (Meredith Hama-Brown)

Premio Amplify Voices a la mejor película BIPOC canadiense: “Kanaval” (Henri Pardo)

Premio Amplify Voices a la mejor ópera prima BIPOC canadiense: “Tautuktavuk” (Carol Kunnuk and Lucy Tulugarjuk)

Premio Amplify Voices BIPOC Canadian Trailblazer: Damon D’Oliveira

Premio Changemaker: “We Grown Now” (Minhal Baig)

“Carlos”, 23 y 27 de septiembre en cines.

Cuando Carlos Santana debutó en el Festival Woodstock, el 16 de agosto de 1969, sacudió de tal manera a los asistentes con su mezcla de rock, blues y música africana, que todos lo sintieron como una experiencia religiosa. Y lo fue.

El sonido de la guitarra de Santana era capaz de elevarnos hasta alturas impensadas y calmarnos los demonios en nuestro interior. Era indudable: ese sonido nos unía en un solo ser de luz y paz, y también nos hacía alcanzar el éxtasis del frenesí de los cuerpos sudorosos: lo espiritual y lo pasional en una sola nota.  

Los días 23 y 27 de septiembre se presentará en los cines Carlos, un audiovisual que celebra la trayectoria de uno de los mayores íconos de la música: Carlos Santana.

Si eres fanático de Santana, podrás disfrutar en primicia de la nueva película Carlos, que incluye una presentación del director Rudy Valdez y del propio Santana, en exclusiva para este evento.

A los 5 años, Santana aprendió a tocar el violín en su México natal. A los 8, desarrolló un amor por la guitarra que lo acompañaría toda su vida. A los 14, perfeccionó sus dotes de virtuoso con la guitarra y su estilo interpretativo como músico callejero, y creó su propia banda tiempo después, cuando aún era un adolescente.

Y a los 22, justo antes del ovacionado lanzamiento de su primer álbum, Santana se convirtió en uno de los mayores descubrimientos de Woodstock, cuando se presentó en la segunda tarde del famoso festival.

Leyenda de la industria musical desde hace 50 años y sensación mundial ganadora de 10 premios Grammy, Santana sigue siendo uno de los artistas más destacados del ambiente musical, fusionando el jazz, el blues y el sonido mariachi con una espiritualidad propia del rock n' roll y un sentido de conexión con el nexo primario de la música hacia nuestras emociones más profundas.

El electrizante documental Carlos combina entrevistas inéditas con Santana y su familia, y un extraordinario material de archivo nunca visto, que incluye grabaciones caseras realizadas por el propio Santana, imágenes de conciertos y momentos entre bastidores, para que el director Rudy Valdez, ganador de dos premios Emmy, logre crear un documental íntimo y fascinante sobre un hombre cuyo sonido hechiza a los fanáticos de todo el mundo que, repiten incansablemente el coro de uno de sus famosos temas, “oye como va mi ritmo, bueno pa’ gozar”.

Amelia Deschamps gana en Festival de Cine Fine Arts.

Amelia Deschamps estrenó oficialmente en República Dominicana su corto En busca del corazón azul en el marco del Festival de Cine de Fine Arts “Hecho en RD”, donde recibió el premio al Mejor Cortometraje Documental.

Este cortometraje relata la historia de Daniel, padre de 11 hijos, que se sumerge cada día en los peligrosos y rústicos túneles de una mina artesanal en busca de Larimar, una piedra semipreciosa de color “azul-mar” exclusiva de la República Dominicana. Tras 32 años trabajando como piquero, Daniel busca hacer su última extracción para retirarse.

“Esta es una historia sobre las personas, sobre los seres humanos que entran cada día a extraer esta piedra que hoy reconocemos como nuestra piedra nacional. Y espero que este trabajo sea el punto de partida para conversaciones más profundas que nuestro país debe tener sobre el valor que le damos a los símbolos que nos representan y a todo su entorno”, expresó Deschamps.

“Me da mucha satisfacción mostrar este primer trabajo en mi país, porque es una historia nuestra. Al explorar la vida de Daniel, me sumerjo no sólo en la mina sino también en la mentalidad, los impulsos y los desafíos que afrontan en su día a día quienes se encargan de extraer nuestra piedra nacional. Y trato de sacar esas vivencias a través de este documental. He aprendido otra forma de contar las historias sobre los temas sociales que siempre han motivado mi trabajo, ahora usando otros recursos audiovisuales que me permiten mezclar mis dos pasiones: el cine y el periodismo”, agregó.

La presentación especial de En busca del corazón azul contó con la asistencia de Daniel Quezada, protagonista de la historia; Rodolfo Feliz, inversionista en la mina y jefe del equipo; y el resto del grupo de mineros que se convierten en personajes centrales de este documental que muestra los desafíos que enfrentan durante una semana en la que preparan el terreno para comenzar a extraer el larimar, después de meses de excavación.

“Los riesgos y desafíos en el camino hacia el interior de los túneles son tan profundos como el larimar mismo. Sin embargo, el calor, la falta de oxígeno, la oscuridad y la incertidumbre se mezclan con toda una cultura de desafío, de mentalidad fuerte y determinación que envuelven a cerca de 500 familias de República Dominicana que dependen de los golpes de suerte y la sabiduría popular para vivir de la extracción del larimar. Esta piedra semi preciosa que es exclusiva de esta montaña de Barahona y reconocida como nuestra piedra Nacional”, explicó Deschamps.

En busca del corazón azul hizo su premiere en DOC NYC, en Nueva York (el festival de documentales más grande de EEUU) y ha ganado algunos premios, entre ellos “Mejor Documental Corto” en el Florence Film Awards y en el Festival Fine Arts. El filme es el primer corto documental de la periodista y documentalista Amelia Deschamps. Es su trabajo de tesis en la especialidad de Realización de Documentales. que hizo recientemente en New York Film Academy.

“Croma Kid”: el color de la nostalgia de Pablo Chea.

“Toda época pasada fue mejor” reza un popular sofisma. Al margen de su rigor filosófico, creemos en su significado porque, siempre de acuerdo a nuestra nostalgia, todo era de oro: los años “dorados” del merengue, de nuestra infancia, de la burbuja mágica en que vivíamos y la magia de cualquier programa de televisión que nos transportaba a otros mundos. Nuestros padres eran superhéroes que resolvían cualquier problema y los días pasaban mientras cosechábamos curiosidades.

Croma Kid, debut como realizador de Pablo Chea, es el inventario de los colores de los años ochenta de acuerdo a la mirada de este director, hijo de Claudio Chea, uno de los maestros de la dirección de fotografía en Dominicana. Pablo ya ha construido un nombre por sí mismo como director, guionista y, sobre todo, brillante editor de filmes como: Cuarencena, El Blanco, La fiera y la fiesta y Bantú Mama y en cada frame del filme, se respira un guiño autobiográfico.

Para los que se preguntan por el título, croma es el nombre genérico que recibe el truco cinematográfico que consiste en rodar frente a una pantalla monocromática (habitualmente verde o azul) y luego sustituir esa imagen por una postal de cualquier ciudad del mundo, el espacio sideral o algún efecto visual que funciona como carnada hipnótica para el espectador. El “Croma Kid Show” es el programa televisivo que producen Daniela, Brandon y Lito, padres y abuelo de Emi, el auténtico protagonista de nuestra historia.

Para Emi, como para cualquier preadolescente, tener unos padres que visten inapropiadamente para cualquier ocasión y se dedican al mundo de la magia en un programa de televisión que nadie ve, es motivo de vergüenza absoluta. Su amor por ellos no se discute, ni que sean una familia funcional atravesando una crisis económica, es solo que Emi no quiere pertenecer a ese mundo plagado de incertidumbres.

Esta es la razón de su negativa a colaborar de alguna manera con la producción de los trucos de magia para el “Croma Kid Show”. Pero “hijo de gatos caza ratones” y la adolescencia no es más que llenarnos de preguntas en torno a cómo funcionan las cosas. Y nada detendrá a Emi en su afán por conocer cada secreto de la cámara, de las luces, de la edición, de los trucos para volver a creer que la familia puede volver a estar completa y unida.

Chea y su magnífico equipo de trabajo reconstruyen con detalles muy precisos la estética ochentera en Dominicana: entre merengues de Wilfrido, un equipo Betacam de ¾ que era la tecnología de punta de ese entonces, con esa furgoneta que cargaba todos los equipos e indumentarias necesarias, todas las esperanzas, toda la gente portadora de ganas de echar pa’lante. O esa casita de colores y arquitectura caribeña que está a punto de perderse por una hipoteca. Las calles no eran la jungla del más fuerte que son hoy día y el castigo en el colegio era ordenar los libros de la biblioteca. Casi como un sueño.

Croma Kid puede tomarse como nuevo referente de la calidad de realización en el cine dominicano porque detrás de la aparente simplicidad de su puesta en escena, se evidencia un excelente ejercicio de fotografía, edición, efectos visuales, dirección de arte (y otros departamentos) que lo deja bien claro: estamos en capacidad de producir películas al nivel de otras cinematografías.

Hay un juego de cajas chinas en Croma Kid que resulta divertido como rompecabezas familiar: los protagonistas Nashla Bogaert y David Maler son pareja en la vida real, al igual que los productores Laura Amelia Guzmán e Israel Cárdenas, los padres de Bosco, o sea, todo parte de que son una verdadera familia. Se puede decir, con toda propiedad, que Guzmán y Cárdenas han engendrado este filme (a través de Aurora Dominicana), junto a Rafael Elías Muñoz (de Lantica Media). Aún más (cosas de pueblos chiquitos), esa Guzmán algún parentesco guarda con otro gran maestro de la cinematografía local, Peyi Guzmán. Por eso, a veces lo que vemos no es un personaje de un filme, sino el producto de decenas de cruces de destinos y personas, un pasillo de casa de espejos en la que nada es verdad, ni mentira, solo circunstancia.

Lo importante: Croma Kid nos invita a acompañar a Emi en sus andanzas y es un llamado irresistible para viajar a una época que la nostalgia obliga a calificar de dorada. Esta afirmación no es un sofisma.

 

Croma Kid (2023). Dirección: Pablo Chea; Guion: Pablo Chea e Israel Cárdenas; Fotografía: Israel Cárdenas; Edición: Pablo Chea, Israel Cárdenas, Fernando Henríquez; Música: Grégoire Blanc; Elenco: Bosco Cárdenas Guzmán, Nashla Bogaert, Yasser Michelén, David Maler, Jaime Piña.

III Festival Fine Arts “Hecho en RD”: los ganadores.

El Festival de Cine Fine Arts Hecho en RD concluyó con éxito su tercera edición, esta vez realizado simultáneamente en Santo Domingo y Santiago con la proyección de películas, documentales y conversatorios 100% dominicanos.

Con la proyección de El Método como película de clausura, El Festival de Cine Fine Arts “Hecho en RD” presentado por Caribbean Cinemas y Altice se anunciaron los ganadores de diferentes categorías de esta 3ra edición:

-Mejor Película: El Método

-Mejor director: David Maler, por El Método

-Mejor actriz principal: Cecilia García por La hembrita

-Mejor actriz secundaria: Xiomara Fortuna por La hembrita  

-Mejor actor principal: Pepe Sierra por El Método

-Mejor actor secundario: David Maler por Croma Kid

-Mejor guion: Israel Cárdenas y Pablo Chea por Croma Kid  

Mejor cortometraje de ficción: Un gavillero en la sierra, de Ricardo Ariel Toribio

-Mejor cortometraje documental: En busca del corazón azul, de Amelia Deschamps.

El jurado oficial este año estuvo presidido por Félix Manuel Lora y compuesto por los críticos: Ariel Feliciano, Víctor Piñeiro, Marc Mejía, Alfonso Quiñones y José Rafael Sosa, quienes evaluaron todas las películas y cortometrajes presentados durante el festival.

El Festival de Cine Fine Arts “Hecho en RD” es un evento de Caribbean Cinemas con el auspicio oficial de Altice Dominicana y su programa de lealtad Altice Cinema. También se hace posible gracias a sus patrocinadores: Banco Caribe, Johnnie Walker, Induveca y Franks, además de contar con el apoyo de DGCine.

“Ramona”: la solidaria mirada de Victoria Linares Villegas.

Dominicana ocupa el primer puesto en materia de embarazo adolescente en Latinoamérica. Un vergonzoso liderazgo que encierra a nuestras niñas en un círculo vicioso de discriminación, marginalidad y pobreza y que nos condena irremediablemente al fracaso como sociedad.

Ramona es la solidaria mirada con la que Victoria Linares Villegas visibiliza el problema. Que este documental haya sido escogido para debutar en una de las secciones paralelas del Festival de Berlín es un aval de su calidad cinematográfica. La premisa es simple: Camila Santana, una de nuestras actrices más talentosas (Hotel Coppelia, Sol en el agua), debe crear el personaje de Ramona, una adolescente embarazada, para un filme de ficción, pero no se siente con el conocimiento de las herramientas que necesita para construirlo apropiadamente.

Advertimos la complejidad, cuando Santana, en su investigación de campo, a la que asistimos (junto a la cámara de Linares Villegas) en calidad de testigos privilegiados, nos lleva a conocer la realidad de muchas de nuestras menores de edad embarazadas.

Ese viaje es como descender al infierno de Dante, pero sin asumir posturas morales: conocer de primera mano la dulce pero dolorosa verdad. Linares y Santana logran una extraordinaria empatía con sus entrevistadas y su tragedia común: son niñas a las cuales un embarazo les ha arrebatado cualquier posibilidad de romper el círculo que las ahoga desde tiempos inmemoriales.   

La deserción escolar es apenas uno de los efectos de esta pandemia. Por supuesto, es mucho más difícil aprenderse el Teorema de Pitágoras con un bebé en el vientre que se alimenta de las energías que necesita una estudiante cualquiera para no dormirse en el aula. Para no hablar de los cambios físicos y mentales que implica cualquier embarazo.

El embarazo adolescente es un problema que perpetúa un patriarcado que explota y desecha la materia prima de su propio futuro. Y parecería una maldición bíblica: una niña de 15 años da a luz otra niña que sale embarazada a sus 15 años y la convierte en abuela, con solo 30 años. Eso es una bomba de tiempo para nuestra sociedad.

Por supuesto, nuestras niñas han contado con la indiferencia (y hasta la complicidad) de todas las autoridades de Salud Pública y Educación (y otros ministerios inútiles), las que por décadas han repetido su fórmula exitosa: cruzarse de brazos ante la situación. La Educación Sexual (con mayúsculas, y preservativos incluidos) sigue siendo una asignatura pendiente de todos mientras el problema crece. No hay otra palabra que califique mejor su desempeño: incompetencia, todos han reprobado esa materia.

Vuelvo a Ramona. Camila Santana se pasea por Gualey, cerveza en mano (como arma de reglamento), desafiante y, ya en personaje, se entrega al varón que baila una buena bachata de Luis Segura. Santana tiene la posibilidad maravillosa de volver en sí, que la razón controle el nivel de desenfreno caribeño, romper la cuarta pared y volver a su zona de confort. Nuestras adolescentes embarazadas, no.

Al igual que en Lo que se hereda, su filme anterior, Linares hace uso de un curioso recurso de recreación: ficciona la realidad en forma de ensayo y logra el milagro de cautivarnos con la posibilidad de ver a las adolescentes embarazadas representándose a sí mismas (al fin y al cabo, todas son Ramona), en el artificio de un set cinematográfico. Un set donde solo la tragedia es verdad, donde todo lo otro es mentira.

Y maravillarnos con planos fellinescos como el reflejo del moderno teleférico en el agua contaminada del río, o de varias embarazadas que se bañan en ese mismo río contaminado, a quienes esta sociedad ve como si fueran vacas y no precisamente sagradas, porque ni siquiera tienen un espacio que puedan reclamar como propio.

Cedo la palabra a una de nuestras niñas madres. Para sobrellevar su inverosímil realidad, “hay que tener cojones”. Punto y aparte.

Por suerte, una cineasta como Linares siempre puede tomarse una licencia poética y emprender con sus personajes un escape hacia Montecristi, para participar en el casting de una película. Sí ombe, ¡se vale soñar con Jobilús!

 

Ramona (2023). Dirección: Victoria Linares Villegas; Guion: Diego Cepeda, Victoria Linares Villegas; Fotografía: Jaime Guerra; Edición: Melisa Miranda; Música: Oscar Chabebe; Elenco: Camila Santana, Yanibel Alcántara, Lesly Aybar, Estrellita Ynoa.   

San Sebastián 2023: controversia por “No me llames Ternera”

El director del Festival de Cine de San Sebastián, José Luis Rebordinos, ha asegurado que ninguna de las personas que pide la retirada del documental de Jordi Évole sobre el exdirigente de ETA José Antonio Urrutikoetxea, más conocido como “Josu Ternera”, lo ha visto y está convencido de que, una vez que se proyecte, la polémica se “desinflará”. “Yo sí he visto la película y es terrible que tengamos que estar todo el rato así. He dicho ya como 15 veces en público que para mí ETA es una banda fascista y asesina. Creo que más claro no se puede ser. Obviamente, si pensara que la película blanquea ETA, no la proyectaría”, ha señalado Rebordinos al término de la presentación a los medios del plan de sostenibilidad del certamen.

El responsable del Zinemaldia ha indicado que al Festival no le ha llegado “directamente” el manifiesto firmado por más de 500 personas, entre ellas políticos, escritores y víctimas del terrorismo, y que quiere leerlo “tranquilamente” porque aún no ha tenido tiempo y, “si procede”, responderá. "Claro que la película no blanquea a ETA, no es no es una película pro ETA, no apoya a ETA para nada, no tiene nada ilegal. Es una película muy interesante por muchas razones. Es una película que arranca con una víctima y acaba con una víctima, creo que es una declaración de principios que la primera palabra y la última se le den a una víctima”, ha recalcado.

En esa carta abierta al Festival, que firman entre otros Fernando Savater, Fernando Aranburu, Félix de Azúa, Andrés Trapiello, Ana Iribar, Mari Mar Blanco y Maite Pagazaurtundia, hay personas a las que Rebordinos respeta mucho. “Gente a la que tengo aprecio, incluso personal. Me sorprende mucho cuando se dirigen a nosotros a través de la prensa”, ha apostillado. Ha remarcado que ninguno de ellos ha visto el filme y que no comprende cómo pueden decir que blanquea a ETA y pedir que se retire de la programación del Festival sin conocer su contenido. “Es que es que no lo entiendo, sinceramente. Me parece que es de una falta de rigor intelectual brutal”, ha señalado.

El director del Festival ha dicho que hay quienes han podido ver el documental, cuyo título es No me llames Ternera, en pases privados, gente de "ideologías muy diferentes" y no ha saltado “ninguna alarma”.

“Todo el mundo va a poder verla con normalidad. Veréis cómo luego gran parte del globo se desinflará, como pasa siempre”, ha afirmado Rebordinos, que ha recordado el caso de La pelota vasca, la piel contra la piedra, de Julio Médem, cuya inclusión en la programación del Festival hace dos décadas generó una importante polémica antes de su estreno en el certamen donostiarra.

Rebordinos también ha asegurado que algunas personas que piden que se retire han rehusado verla cuando se les ha ofrecido esa posibilidad. “No quieren, porque si la ven, ya no tienen argumentos para decir que es una película que blanquea a ETA”.

“Estamos muy tranquilos, creemos que es una película interesante, que habla de un período terrible de nuestra historia con uno de los protagonistas, con alguien que durante 50 años fue parte de ETA. Creo que es interesante la entrevista que le hace Jordi Évole. Cuando se vea, podremos opinar todos. El diálogo y la discusión siempre son interesantes”, ha asegurado el director del Zinemaldia.

Se ha referido también al filme Sparta, del austríaco Ulrich Seidl, que fue “la polémica del año pasado” porque, según un reportaje de la revista alemana Der Speigel, los niños protagonistas habían sido maltratados durante e rodaje. Dos festivales internacionales la sacaron de su programación, pero el de San Sebastián la mantuvo. “En enero o febrero de este año, dos fiscalías en Rumanía determinaron que no había habido ningún maltrato y que se había respetado absolutamente a los niños”.

Premio Ariel 2023: los ganadores.

El drama sobre una familia arraigada al campo mexicano y amenazada por el crimen organizado El norte sobre el vacío, de Alejandra Márquez Abella, triunfó en la 65ª entrega del Premio Ariel de cine mexicano, llevándose el premio de mejor película y coactuación masculina para Raúl Briones, en una noche en la que Bardo de Alejandro G. Iñárritu y Huesera de Michelle Garza Cervera también recibieron importantes premios.

“Toma los elementos arquetípicos del western para construir su dramatismo, pero no por eso es un western. Creo que es una película que habla del costumbrismo mexicano”, dijo sobre su filme Márquez Abella previo a la ceremonia en un encuentro de nominados del Ariel en la Ciudad de México.

“Para mí la verdadera pregunta es en realidad ¿de quién es la tierra?, porque en realidad la tierra no es de nadie, esa es la gran pregunta que quiere contestar esta película”, agregó la directora de filmes como Las niñas bien y la próxima a estrenarse A millones de kilómetros.

Si bien la película de Márquez Abella, que también cuenta con actuaciones de Dolores Heredia y Gerardo Trejoluna, se llevó el premio más codiciado de la noche, el veterano G. Iñárritu, quien estuvo presente en la ceremonia realizada por primera vez en la ciudad occidental de Guadalajara, tuvo el gusto de llevarse el premio a mejor director por Bardo.

Su historia surrealista acerca de la psique de un documentalista y periodista mexicano también se llevó el premio de mejor actor para su protagonista Daniel Giménez Cacho, vestuario, fotografía, edición, sonido y diseño de arte, este último departamento encabezado por Eugenio Caballero.

“Un viaje trabajar con Alejandro en México, con Daniel y con estos compañeros maravillosos”, dijo Caballero. “A mí los proyectos que me llaman la atención son los que me retan y me conectan en la víscera ... aunque Bardo es un proyecto muy complejo, muy cerebral en ese sentido, también tiene mucho, mucho que ver con temas que me interesan, me agarró de la tripa”.

El filme de terror y maternidad Huesera, de Michelle Garza Cervera, que llegó como el más nominado de la noche, triunfó en las categorías de ópera prima, guion original, maquillaje y efectos especiales.

“Hay tantas expectativas al respecto de la maternidad, y tanto sacrificio, que se le exige a las mujeres”, dijo Garza Cervera. “Y un tipo de cárcel emocional al que se mete a las mujeres, tomen la decisión de ser o no ser madres, me parecía un tema ideal para abordar en una película de horror, ya que el horror justamente habla de todo lo innombrable, de todo lo silenciado”.

La experimentada intérprete Arcelia Ramírez se impuso en la categoría de mejor actriz por su papel de Cielo, una madre en busca de justicia para su hija desaparecida en La civil, de la directora rumana Teodora Mihai.

“Creo que es de los guiones más poderosos que he tenido en mis manos y de los proyectos más sólidos”, dijo Ramírez. “Estábamos hablando de algo muy delicado, muy grave que pasa en México, es una herida profunda lo que vivimos con las desapariciones. Hay muchísimas mujeres en este país que buscan desesperadamente a sus hijos y que han encontrado a partir de la desgracia una fuerza enorme, que es un poco lo que le pasa al personaje de Cielo”.

Los ganadores, anunciados por la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas, organizadora del Ariel, y el Instituto Mexicano de Cinematografía, también incluyeron a Úrsula Pruneda (coactuación femenina) y Emilia Berjón (revelación actoral), ambas del filme Trigal. Berjón es hija de Ramírez.

“Es un regalo enorme para mí”, dijo Ramírez. “Estar nominada con Emilia es muy emocionante”.

La categoría de largometraje documental tuvo un empate con Dioses de México de Helmut Dosantos y Teorema de tiempo de Andrés Káiser. Home is Somewhere Else, de Patricio Hagerman Ruiz Galindo y Jorge Villalobos se impuso en la categoría de largometraje de animación.

Como era de esperarse, la ganadora en la categoría de mejor película iberoamericana fue Argentina, 1985 del cineasta Santiago Mitre, que previo a los Ariel fue ganadora en los Goya y los Globos de Oro.

Los directores Marcela Fernández Violante y Juan Mora Catlett, así como el departamento de imagen y sonido de la Universidad de Guadalajara recibieron el Ariel de Oro a la trayectoria

Venecia 2023: los ganadores.

Pobres criaturas de Yorgos Lanthimos, una comedia feminista y disparatada protagonizada por Emma Stone, ganó el León de Oro de la 80ª Mostra de Venecia, que también premió a los chilenos Pablo Larraín y Guillermo Calderón por el guion de El Conde, una sátira sobre Pinochet.

Las expectativas se cumplieron con esta película provocadora de Lanthimos, que provocó carcajadas y buenas críticas en su estreno.

Emma Stone interpreta a una Frankenstein ávida de sexo y experiencias en una Europa decadente e imaginaria de finales del siglo XIX.

El japonés Ryusuke Hamaguchi se llevó el León de Plata (Gran Premio del Jurado) por Evil does not exist, una enigmática película sobre la llegada de unos inversores a una comunidad rural.

El León de Plata al mejor director fue otorgado al italiano Matteo Garrone por Io capitano, un drama sobre los migrantes provenientes de África.

El premio especial del jurado fue a parar a otra película militante y promigrantes, Green Border de Agnieszka Holland, sobre otra tragedia, la de los candidatos al asilo atrapados en la frontera entre Polonia y Bielorrusia.

La joven actriz estadounidense Cailee Spaeny, de 25 años, saltó al estrellato con el premio a la mejor interpretación femenina por Priscilla de Sofia Coppola, sobre la esposa de Elvis Presley.

Y el también estadounidense Peter Sarsgaard se llevó al premio al mejor actor por su emocionante interpretación de un hombre afectado de demencia senil en Memory, del mexicano Michel Franco.

Sarsgaard fue una de las pocas estrellas que acudió al Lido, a causa de la huelga de actores y guionistas en Hollywood. Y aprovechó para advertir que la inteligencia artificial, uno de los temas candentes de negociación en Estados Unidos, es “terrorífica” para el cine.

“Todos aquí estamos de acuerdo en que un actor es una persona y un escritor es una persona, pero parece que no podemos. Y eso es aterrador porque este trabajo trata sobre la conexión”, dijo el actor.

A sus 50 años, Lanthimos (Langosta, La favorita) es un director especialista en sátiras sociales o históricas, en la línea de Ruben Ostlund, el enfant terrible del cine mundial que ganó el año pasado la Palma de Oro en Cannes.

Larraín, que ya ha abordado la historia reciente de su país, sorprendió con El Conde, una sátira en blanco y negro que retrata como vampiro al ex dictador Augusto Pinochet.

Con Jaime Vadell en el rol principal, El Conde es una improbable comedia en blanco y negro en la que el ex dictador vive con su esposa en una finca rural, tiene en realidad 250 años y por las noches sale volando para arrancar el corazón a sus conciudadanos.

“No a la impunidad”, pidió Larraín al recoger el premio, dos días antes del 50º aniversario del golpe de Estado pinochetista.

La 80ª Mostra resistió el impacto de la huelga de actores y guionistas en Hollywood, con muchas estrellas estadounidenses ausentes, pero salas llenas y una competición artística reñida. Emma Stone no pudo acudir a la Mostra, pero sí  Peter Sarsgaard y Cailee Spaeny.

Sarsgaard porque apostó por una producción totalmente independiente, como las que hace el director y guionista Michel Franco (Nuevo Orden) desde hace dos décadas, en México y Estados Unidos. Y Spaeny, apenas conocida por su papel en la reciente serie televisiva Euforia, se llevó el premio por su arriesgada y sensible interpretación de una chica inocente quien, a sus 14 años, conoció al rey del rock 'n' roll cuando éste hacía su servicio militar en Alemania.

Io capitane es un mensaje directo de la izquierda militante italiana al gobierno de Giorgia Meloni, en forma de odisea emocionante, la de dos chicos de Senegal que cruzan toda África, y el Mediterráneo, para llegar a su Europa soñada. La película muestra con tono épico un viaje terrible, que se cobra la vida de miles de personas cada año. El senegalés Seydou Sarr se llevó el premio al mejor actor promesa por su rol en esta cinta.

Green border de la directora polaca Agnieszka Holland, es una película aún más dura y militante, rodada en blanco y negro. La película es un trabajo coral con actores sirios o afganos que están refugiados en Europa, y provocó una agria polémica entre Holland y el gobierno polaco, que la acusa de ser una propagandista.

San Sebastián 2023: Premio Donostia para Hayao Miyazaki.

Cineastas e intérpretes de todo el mundo han confirmado su presencia en San Sebastián con motivo de la celebración de la 71ª edición del Festival. Juliette Binoche, Gabriel Byrne, François Cluzet, Emmanuelle Devos, Griffin Dunne, Aidan Gillen, Mads Mikkelsen, James Norton y Dominic West acompañarán sus películas y participarán en las galas del Festival. Además de Víctor Erice, que recogerá el Premio Donostia el día 29, y Javier Bardem, que lo hará en la próxima edición debido a las limitaciones que le impone la huelga convocada por el Sindicato de Actores de Estados Unidos (SAG-AFTRA), el Festival también reconocerá la trayectoria del maestro japonés de la animación Hayao Miyazaki, que dirige la película inaugural El chico y la garza. Miyazaki recibirá el Premio Donostia de forma virtual durante la gala de inauguración.

Además, cineastas relevantes de la cinematografía contemporánea viajarán a San Sebastián para acompañar sus últimas películas, como Maite Alberdi (La memoria infinita, Perlak), J.A. Bayona (La sociedad de la nieve, Perlak), Robin Campillo (L'île rouge, Sección Oficial), Isabel Coixet (Un amor, Sección Oficial), Michel Franco (Memory, Perlak), Matteo Garrone (Io Capitano, Perlak), Craig Gillespie (Dumb Money, Perlak), Jonathan Glazer (The Zone of Interest, Perlak), Kitty Green (The Royal Hotel, Sección Oficial), Todd Haynes (May December, Perlak), Tran Anh Hung (La passion de Dodin Bouffant, Culinary Zinema), Tatiana Huezo (El eco, Horizontes Latinos), Ladj Ly (Bâtiment 5, Perlak), James Marsh (Dance First, Sección Oficial), Cristi Puiu (MMXX, Sección Oficial), Valeria Sarmiento (El realismo socialista, Klasikoak), Justine Triet (Anatomie d'un chute, Perlak) o Fernando Trueba y Javier Mariscal (They Shot the Piano Player, Sección Oficial).

La cineasta Claire Denis presidirá el Jurado Oficial, en el que estará acompañada por la actriz china Fan Bingbing; la productora, realizadora y escritora colombiana Cristina Gallego; la fotógrafa francesa Brigitte Lacombe; el productor húngaro Robert Lantos; la actriz española Vicky Luengo y el director alemán Christian Petzold.

Cineastas como Maite Alberdi, J.A. Bayona, Robin Campillo, Isabel Coixet, Víctor Erice, Michel Franco, Matteo Garrone, Craig Gillespie, Jonathan Glazer, Kitty Green, Todd Haynes, Tran Anh Hung, Ladj Ly, James Marsh, Cristi Puiu, Valeria Sarmiento y Justine Triet presentarán sus películas ante el público y los medios de comunicación

En Sección Oficial, los actores Griffin Dunne, Miles Heizer y James Norton acompañarán al director Noah Pritzker para presentar Ex­-Husbands, que compite por la Concha de Oro, como la cineasta Raven Jackson y la productora Adele Romanski, que mostrarán All Dirt Roads Taste of Salt. Joaquim Lafosse, que participa con Un silence, se desplazará con Daniel Auteuil y Emmanuelle Devos; François Cluzet y Vincent Lacoste viajarán a San Sebastián con el director de Un métier serieux (Los buenos profesores), Thomas Lilti; Xavier Legrand defenderá Le successeur / The Successor con sus protagonistas, Marc-André Grondin e Yves Jacques; y Robin Campillo, el director de L'île rouge (La isla roja) lo hará junto a Quim Gutierrez y Nadia Tereszkiewicz (quien estará en San Sebastián por partida doble porque también protagoniza Rosalie, programada en Perlak). El cineasta rumano Cristi Puiu presentará MMXX con los actores Dorian Boguta (también productor), Florin Tibre y Laurentiu Bondarenco y las actrices Adelaida Perjoiu y Otilia Panainte. También se desplazarán al Festival la realizadora Kitty Green (The Royal Hotel), Christos Nikou (Fingernails) e Isabella Eklöf (Kalak). La película de clausura, Dance First, contará con una amplia representación: además de Marsh, Byrne y Gillen, también viajarán integrantes del reparto como Fionn O'Shea.

Buena parte de las y los cineastas de Perlak acompañarán sus películas en San Sebastián: Jonathan Glazer (The Zone of Interest); Todd Haynes (May December); Christian Petzold, jurado oficial y director de Roter Himmel / Afire; Matteo Garrone con los protagonistas de Io Capitano, Seydou Sarr y Moustapha Fall; Michel Franco (Memory); Nicolaj Arcel y Mads Mikkelsen (The Bastard / The Promised Land); los cineastas australianos Warwick Thornton (The New Boy) y Craig Gillespie (Dumb Money); Ladj Ly (Bâtiment 5) con los actores Steve Tientcheu, Anta Diaw, Aristote Luyindula y Alexis Manentis; así como las realizadoras Celine Song (Past Lives) y Stephanie di Giusto (Rosalie).

Como es habitual, la cinematografía latinoamericana estará ampliamente representada en San Sebastián. En Sección Oficial, con María Alché y Benjamín Naishtat y los actores Marcelo Subiotto, Leonardo Sbaraglia y Mara Bestelli (Puan); y Martín Rejtman y los intérpretes Esteban Bigliardi -también en Los delincuentes- y Camila Hirane (La práctica). En Horizontes Latinos, Dolores Fonzi, en su debut como directora, acompañada del actor Toto Rovito y Santiago Mitre en calidad de productor (Blondi); Tatiana Huezo (El eco); Paula Hernández junto a Alfredo Castro y Sergi López (El viento que arrasa); Lucía Puenzo y Mariana di Girolamo (Los impactados); Rodrigo Moreno (Los delincuentes); Felipe Gálvez (Los colonos); y Lila Avilés (Tótem), entre otras realizadoras. Presentarán sus películas en Zabaltegi-Tabakalera Eduardo Williams (El auge del humano 3) y Andrés di Tella (Mixtape La Pampa); en Culinary Zinema, los directores Mariano Cohn y Gastón Duprat y los intérpretes Luis Brandoni, Enrique Piñeyro y Majo Cabrera (Nada); y la cineasta Valeria Sarmiento asistirá al estreno de El realismo socialista (Klasikoak).

Encabezado por el Premio Donostia Víctor Erice y el reparto de Cerrar los ojos, José Coronado, Manolo Solo, Ana Torrent, María León, Petra Martínez, Mario Pardo, Venecia Franco y Helena Miquel, el cine español estará presente en San Sebastián en Sección Oficial con Isabel Coixet y los actores de Un amor (Laia Costa, Hovik Keuchkerian, Hugo Silva, Luis Bermejo, Francesco Carril e Ingrid García Jonsson), Jaione Camborda y los intérpretes Janet Novás y Diego Anido (O Corno), Isabel Herguera (El sueño de la sultana), Fernando Trueba y Javier Mariscal (Dispararon al pianista) y el equipo de La Mesías: los directores Javier Ambrossi y Javier Calvo y las actrices Carmen Machi, Macarena García, Cecilia Roth, Lola Dueñas y Ana Rujas, entre otras muchas intérpretes.

Para competir en New Directors se desplazarán los creadores de La estrella azul, con el director Javier Macipe y los intérpretes Pepe Lorente, Marc Rodríguez, Catalina Sopelana y Bruna Cusí. En Perlak, en busca del Premio del Público, J.A. Bayona presentará La sociedad de la nieve con el actor uruguayo Enzo Vogrincic. En las Galas RTVE, la directora Arantxa Echevarría estará acompañada de Leonor Watling, Carolina Yuste, Pablo Molinero, Xinyi Ye, Shiman Yang, Yehu Ji y Valeria Fernández (Chinas) y Emma Suárez, Carlos Cuevas, Alexandra Jiménez, Fernando Guallar, Gonzalo Castro y Anna Moliner asistirán junto al director, Vicente Villanueva, y al autor de la obra teatral, Alfredo Sanzol (La ternura). La actriz Mónica Randall presentará la proyección de la copia restaurada de Furia española en Klasikoak. En Zinemira estará el equipo de 20.000 especies de abejas con la directora Estibaliz Urresola y las actrices Patricia López Arnaiz, Itziar Lazkano, Ane Gabarain y Sofía Otero; para presentar Las buenas compañías, acudirán Alicia Falcó e Itziar Ituño, quien también acompañará al equipo de Irati.

Asimismo, viajarán a San Sebastián intérpretes, cineastas o profesionales de otras disciplinas que cuentan sus historias en primera persona. En Made in Spain, la actriz Carmen Elías, que desveló hace un año que padecía Alzhéimer, presentará Mientras seas tú, junto a la directora Claudia Pinto; Fernando Méndez Leite vendrá como protagonista de la no ficción La memoria del cine: una película sobre Fernando Méndez-Leite,dirigida por Moisés Salama; el exfutbolista y exentrenador enfermo de ELA Juan Carlos Unzué hará lo propio con los directores de Unzué, l'ultim equip del Juancar, Jesús Muñoz, Santi Padró y Xavi Torres. El filósofo Paul B. Preciado presentará Orlando. Ma biographie politique, una suerte de autobiografía colectiva a través de la obra de Virginia Woolf en Zabaltegi-Tabakalera y el superviviente del accidente de aviación de los Andes Gustavo Zerbino acompañará a J.A. Bayona en el pase de La sociedad de la nieve (Perlak).

“Extraña forma de vida”, desde el 21 de septiembre en cines.

Extraña forma de vida, la nueva película del mítico director español Pedro Almodóvar, que tuvo su estreno mundial en el Festival de Cannes, se presentará en los cines de Dominicana el próximo 21 de setiembre.

En Extraña forma de vida, Pedro Almodóvar explora el universo del western, de la mano de un reparto de primer nivel, en el cual destacan los reconocidos actores Ethan Hawke y Pedro Pascal. La película, hablada en inglés y con una duración de 30 minutos, es presentada por Saint Laurent by Anthony Vaccarrello y producida por El Deseo.

Esta historia de dos pistoleros que se reencuentren después de 25 años fue filmada en los icónicos escenarios del desierto de Tarberna en Almería (España) y cuenta con la música de Alberto Iglesias y el diseño de vestuario de Saint Laurent by Anthony Vaccarrello.

Las funciones de la película en Dominicana serán muy especiales, ya que se manejarán como eventos limitados con preventa, que además tendrán como valor agregado la proyección de material inédito y exclusivo sobre el proceso de filmación de la obra, con comentarios del director.

Extraña forma de vida tuvo su premier mundial en el Festival de Cannes 2023 y es la segunda incursión de Almodóvar en el cine angloparlante, tras el lanzamiento en 2020 de The Human Voice, protagonizada por Tilda Swinton.

Almodóvar es uno de los cineastas más reconocidos y respetados en todo el mundo. Ganador de dos Globos de Oro y de dos Oscar a la mejor película extranjera por Todo sobre mi madre y al mejor guion por Hable con ella, Mejor Director en Cannes por Todo sobre mi madre, Premio Príncipe Asturias de las Artes 2006, Ganador del Goya por Todo sobre mi madre, Volver y Dolor y gloria, Ganador del Platino por Julieta y Dolor y gloria, su carrera es una de las más importantes del cine contemporáneo. 

7 películas dominicanas en presentación especial en Festival de Cine Fine Arts.

Las películas dominicanas No es lo que parece, La familia Reyna, Veneno, Hotel Coppelia, Papi, Mis 500 locos y La Gunguna se estarán proyectando del 7 al 13 en Santo Domingo y Santiago como parte del Festival de Cine Fine Arts “Hecho en RD”.

El reestreno de estas películas en sala de cine forma parte del apoyo de Caribbean Cinemas a la industria local y se suma a siete estrenos de filmes dominicanos con corte independiente que serán proyectados durante esta tercera edición del festival, además de varios cortos universitarios. 

La producción del festival realizó esta selección de exitosas e icónicas películas dominicanas que el público quizás no pudo ver en su momento, o que quisiera volver a ver en la gran pantalla del cine. La proyección de estas películas tendrá un precio especial con descuento para el público en general.

Desde ya se pueden adquirir boletas para la programación del festival a través de la preventa online en www.festivaldecinefinearts.com . Además, los abonados de 7 películas están a la venta con descuento de manera presencial en el cine Fine Arts Novo-Centro.

Asimismo, las ofertas durante el Festival integra el 2x1 para clientes de Altice el jueves, 15% de descuento a clientes Altice todos los días (excepto jueves) y 10% de descuento a clientes Banco Caribe de lunes a viernes.

El Festival de Cine Fine Arts “Hecho en RD” es un evento de Caribbean Cinemas con el auspicio oficial de Altice Dominicana y su programa de lealtad Altice Cinema. También se hace posible gracias a sus patrocinadores: Banco Caribe, Johnnie Walker, Induveca y Franks. Además de contar con el apoyo de DGCine.

Premio LUX 2024: las nominadas.

Las cinco nominadas al Premio LUX del cine europeo se anunciaron en el marco del Festival Internacional de Cine de Venecia.

El jurado de la selección del Premio, compuesto por profesionales europeos del sector, seleccionó a las finalistas. Ahora es el turno de los espectadores europeos de elegir su película favorita, votando a través de una plataforma en la web.

El filme ganador se decide por una combinación de voto del público y de los eurodiputados, con una ponderación del 50% cada grupo. En la edición anterior, la plataforma recibió alrededor de 45 000 evaluaciones de ciudadanos de toda la Unión Euopea, lo que, junto al voto de los eurodiputados, convierte a este premio en uno de los más populares del mundo.

Estas son las 5 películas nominadas:

20.000 especies de abejas, de la directora española Estibaliz Urresola Solaguren, cuenta la historia de Cocó, de ocho años, que no encaja en las expectativas del resto y no entiende por qué. Todos a su alrededor insisten en llamarle Aitor, pero no se reconoce en ese nombre. Durante las vacaciones de verano en una casa estrechamente ligada a la cría de abejas, Cocó explora su identidad de género junto a las mujeres de su familia, que también reflexionan sobre su propia feminidad.

En Fallen Leaves, del director finlandés Aki Kaurismäki, dos almas solitarias en busca de amor se encuentran por casualidad una noche en Helsinki. Su encuentro se ve obstaculizado por el alcoholismo, la pérdida de los números de teléfono, los malentendidos y la vida en general, que no siempre es “como en las películas”.

On the Adamant, del director francés Nicolas Philibert, es un documental sobre una guardería única: una estructura flotante sobre el Sena, en pleno corazón de París. Acoge a adultos con trastornos mentales, ofreciéndoles una atención que los ancla en el tiempo y el espacio, y les ayuda a recuperarse o a mantener el ánimo. La película nos invita a subir a bordo y conocer a los pacientes y cuidadores que dan vida al centro día a día.

Smoke Sauna Sisterhood, de la directora estonia Anna Hints, sigue a un grupo de mujeres que aprovechan la oscuridad de una sauna finlandesa para compartir sus pensamientos y secretos más íntimos. Envueltas en un calor cálido y denso, lo desnudan todo para expulsar miedos y vergüenzas y recuperar fuerzas.

Sala de profesores, dirigida por Ilker Çatak y producida en Alemania, cuenta la historia de Carla, una joven e idealista profesora que decide investigar una serie de robos sin resolver en su escuela. Con la ayuda de una cámara oculta, desenmascara al ladrón, pero su revelación sorprende a todos y enfrenta a Carla a un dilema irresoluble.

La película ganadora se anunciará en una ceremonia en el Parlamento Europeo que tendrá lugar en marzo de 2024.

Robert McKee y la guerra contra los clichés

(Robert McKee es considerado uno de los principales teóricos de los secretos del guion cinematográfico, una ciencia muy nueva y, lamentablemente, desconocida para muchos escritores de Hollywood. En su formidable texto “El guion. Sustancia, estructura, estilo y principios de la escritura de guiones”, McKee advierte sobre una de las trampas más comunes para quienes escriben para el cine: el cliché. Para aprender, siempre es bueno leer a quienes más saben.     –José D’Laura)

 

Tal vez ésta sea la época más exigente de la historia para los guionistas. Comparemos nuestro público actual, saturado de historias, con el de siglos anteriores. ¿Cuántas veces al año iban los victorianos educados al teatro? En una época de familias numerosas, sin lavadoras, ¿de cuánto tiempo disponían para la ficción? Durante una semana normal, nuestros tatarabuelos quizá leyeran o vieran cinco o seis horas de narración –la misma cantidad que muchos de nosotros consumimos hoy diariamente–. Para cuando un espectador moderno esté expuesto a nuestra obra habrá absorbido decenas de miles de horas de televisión, de cine, de prosa y de teatro. ¿Qué se puede crear que no haya visto antes? ¿Dónde podemos encontrar una historia verdaderamente original? ¿Cómo ganaremos la guerra contra los clichés?

Los clichés son la base de la insatisfacción del público, y como una plaga se difunden a través de la ignorancia, y llegan a afectar, como en la actualidad, a todos los medios narrativos. Con demasiada frecuencia cerramos novelas o salimos de un cine aburridos por un final obvio desde el principio, desanimados porque ya antes habíamos visto esas escenas y personajes cargados de clichés. El motivo de esta epidemia mundial es sencillo y claro: El guionista no conoce el mundo en el que se desarrolla su historia.

Este tipo de escritores selecciona una ambientación y redacta un guion suponiendo que tiene un conocimiento de su mundo ficticio del que realmente carece. Cuando estos escritores se estrujan el cerebro buscando material no encuentran nada, y entonces, ¿a qué recurren? A películas cinematográficas y televisivas, a novelas y obras de teatro con ambientaciones similares. Toman las obras de otros autores y se apropian de escenas que ya hemos visto antes, hacen paráfrasis de diálogos que ya hemos oído antes, disfrazan a personajes que ya hemos conocido antes y todo ello lo presentan como una nueva creación. Recalientan los restos literarios y nos sirven platos llenos de aburrimiento porque, independientemente de su talento, carecen de una comprensión profunda de su mundo y de todo lo que él contiene. Para alcanzar la originalidad y la excelencia resulta fundamental conocer desde dentro el mundo en el que se desarrolla nuestra historia.

Las HISTORIAS deben cumplir sus propias normas de probabilidad. Por consiguiente, los acontecimientos que elija el guionista estarán limitados por las posibilidades y probabilidades marcadas por el mundo que diseñe.

Cada mundo ficticio crea una cosmología única y establece sus propias «normas» respecto al cómo y al porqué de lo que ocurre en su interior. No importa cuán realista o extraña sea su ambientación porque una vez se han establecido sus principios causales no se pueden cambiar. Las historias no se materializan de la nada, sino que surgen de los materiales que ya existen en la historia y de las experiencias de los seres humanos. Desde la primera imagen percibida, el público inspecciona nuestro universo ficticio, distinguiendo lo posible de lo imposible, lo probable de lo improbable. Conscientemente o no, los espectadores quieren conocer nuestras «leyes», descubrir el cómo y el porqué de las cosas que ocurren en nuestro mundo particular. Somos nosotros quienes establecemos esas posibilidades y limitaciones a través de nuestra elección personal de ambiente y nuestra manera de trabajar dentro de él. Hemos inventado esas fronteras y nos vemos forzados a cumplir con un contrato. Porque una vez que el público entienda las leyes de nuestra realidad, se sentirá engañado si no las cumplimos y rechazará nuestro trabajo por considerar que carece de lógica y convicción.

El mundo de una historia debe ser lo suficientemente pequeño como para que la mente de un artista sea capaz de rodear el universo ficticio que crea y llegar a conocerlo con la misma profundidad y detalle con que Dios conoce el que Él creó. Como solía decir mi madre: «No ocurre nada que Dios no sepa». En el mundo de un guionista no debería moverse una mosca sin que él lo supiera. Para cuando se termina el último borrador, el escritor debe poseer un conocimiento absoluto de su ambientación con tal profundidad y detalle que nadie pueda plantear ninguna pregunta sobre ese mundo (desde los hábitos alimenticios de los personajes hasta el clima que hace en septiembre) que él no pueda responder al instante.

Un «conocimiento absoluto» no significa poseer una mayor conciencia de cada una de las grietas de la existencia. Significa tener un conocimiento acerca de todo aquello que sea pertinente. Tal vez parezca un ideal imposible, pero los mejores guionistas lo consiguen cada día.

No es que los buenos artistas piensen deliberada y conscientemente acerca de cada uno de los aspectos de la vida de sus historias, sino que a un cierto nivel sus historias lo absorben todo. Los grandes escritores conocen. Por consiguiente, trabajan dentro de lo que resulta conocible. Los mundos vastos y populosos exigen un esfuerzo mental tan importante que el conocimiento por fuerza suele ser superficial. Los mundos limitados, restringidos en tamaño y complejidad, ofrecen la posibilidad de alcanzar un conocimiento profundo y amplio. La ironía de la ambientación frente a la narración es la siguiente: cuanto mayor sea el mundo, más diluido estará el conocimiento que tenga el autor, por lo que contará con menos opciones creativas entre las que elegir, lo que impondrá un mayor uso de clichés en sus guiones. Cuanto menor sea el mundo, más completo será el conocimiento del autor y más opciones creativas tendrá a su disposición. Resultado: una historia completamente original y una victoria en nuestra guerra contra los clichés.