Las películas más taquilleras del cine.

Sólo 12 películas en la historia del cine han logrado recaudar más de $600 millones de dólares en taquillas en los Estados Unidos. El estreno de Top Gun: Maverick (Joseph Kosinski), ya en pleno verano cinematográfico 2022, y su entrada formal a este selecto grupo de recaudadoras nos sirve de excusa para repasar los títulos con más recaudación de la historia. 

No. 1: Star Wars: El despertar de la Fuerza (2015, J.J. Abrams) que es, oficialmente, la película de mayor recaudación en la historia del cine en Estados Unidos: $936.6 millones de dólares, y tiene la hazaña de pulverizar más de 50 récords en su camino a la cima.

No. 2: Avengers: Endgame (2019): estamos viviendo el tiempo de los superhéroes y con el Universo Cinematográfico Marvel como centro de todo. Anthony y Joe Russo cerraron la primera fase del UCM con este filme que obtuvo $858.3 mdd y dejó bien claro que habrá superhéroes para rato, con Thanos fuera de combate. 

No. 3: Spiderman: No Way Home (2021, Jon Watts): si alguna película tiene el mérito de regresar las multitudes a los cines postpandemia es esta. Sus $804.7 mdd son la mejor demostración de que cuando el público quiere ver un filme, no hay amenaza que valga.

No. 4: Avatar (2009), la justificación de James Cameron para el advenimiento de la nueva tecnología del 3D. Este filme engrosó US$760.5, sólo en taquillas y permaneció varios años como el filme no.1.

No. 5: Black Panther (2018), Ryan Cogler dirige la primera película con un superhéroe afroamericano como personaje central. Y los resultados no se hicieron esperar: $700 millones recaudados, en el nombre del Black Power.

No. 6: Avengers: Infinite War (2019, Joe y Anthony Russo): la cosa es muy clara: cuando tienes a Ironman, Thor y el Capitán América de protagonistas debes buscarte a un villano extraordinario, así como Thanos, quien destruyó el 50% del universo con un solo chasquido, para delicia de los adolescentes que aportaron $678.8 mdd de sus mesadas.  

No. 7: Titanic (1997), otra de Cameron, que en su estreno consiguió US$600 millones y luego, con su re-lanzamiento en 3D, apenas sumó unos míseros US$59 millones más.

No. 8: Mundo Jurásico (2015), la renovación del mundo de los dinosaurios creado por Steven Spielberg que dirigió Colin Trevorrow, se devoró unos US$653 millones.

No. 9: Top Gun: Maverick (2022, Joseph Kosinski): Tom Cruise valida su status de celebridad taquillera con este filme de espíritu ochentero que ingresa con sus $639 mdd (…y contando) al club de los filmes que han dejado su huella postpandemia.

No. 10: The Avengers (2012, Joss Whedon): la sexta producción del Universo Cinematográfico Marvel fue la primera en generar más de $1,000 milllones de dólares en entradas globales. En Estados Unidos, su taquilla fue de $623 mdd y ya comenzábamos a sospechar que tendríamos UCM para rato.

No. 11: Star Wars: The Last Jedi (2017, Rian Johnson): la fidelidad de los fanáticos originales de Star Wars, unida a la de los milenials, lograron para este filme US$620 millones de dólares.

No. 12: Los Increíbles 2 (2018, Brad Bird): Pixar y Disney lograron un mega éxito con la divertida segunda entrega de las aventuras de la familia Parr. $608.5 mdd en taquilla para esta joya de la animación que Leyla Sophia, mi nieta, tiene entre sus filmes favoritos. Y ahora es que Jack Jack apenas inicia su historia…

Venecia 2022: la Sección Oficial.

 El Festival Internacional de Cine de Venecia, el más antiguo del mundo, ha anunciado su Sección Oficial y en ella podemos encontrar a varios directores de renombre que se enfilan para mostrar al mundo sus más recientes trabajos. Programada del 30 de agosto al 10 de septiembre, la fiesta de Venecia se llenará de gala para recibir a algunos de los miembros más reconocidos del Séptimo Arte.

Entre los directores seleccionados sobresalen los nombres de Iñárritu, Aronofsky, Dominik, Guadagnino y McDonagh. En los últimos años, Venecia ha significado el inicio de la Temporada de Premios por filmes como: La forma del agua, ROMA, Nomadland, Joker y otros.

Esta es la Sección Oficial de Venecia 2022:

-WHITE NOISE de Noah Baumbach. Con Adam Driver y Greta Gerwig. Venecia inaugura esta edición con la adaptación de una una novela de Don DeLillo de esas que se dicen inadaptables. Crisis existencial y emergencia climática en un drama que se verá en Netflix.

-BARDO de Alejandro G. Iñárritu, con Daniel Gimenez Cacho. Vuelve con el relato de un periodista que regresa a su país natal y los cambios que afronta. Es la apuesta más fuerte de Netflix para el Oscar.

-THE SON de Florian Zeller. Con Hugh Jackman, Laura Dern, Vanessa Kirby y Anthony Hopkins. Después de ganar el Oscar con The Father, Zeller adapta otra obra suya en la que ahonda de nuevo en la relación entre padres e hijos, ahora desde el prisma adolescente.

-THE BANSHEES OF INESHERIN de Martin McDonagh. Con Colin Farrell, Brendan Glesson y Barry Keoghan, a las órdenes de uno de los mejores guionistas del mundo.

-THE WHALE de Darren Aronofsky. Con Brendan Fraser, Samantha Morton y Sadie Sink.

-BONES & ALL de Luca Guadanino. Con Timothée Chalamet y Taylor Rusell. Director y estrella de Call Me By Your Name se reúnen cinco años después en un drama iniciático que se torna caníbal cuando su protagonista siente la necesidad de comerse a las personas que ama.

-TÁR de Todd Field. Con Cate Blanchett, Mark Strong, Nina Hoss y Noémi Merlant.

-BLONDE de Andrew Dominik. Con Ana De Armas. Aproximación a la figura de Marylin Monroe más allá del mito, que promete polémica y lidia con una calificación NC17

-Il Signore Delle Formiche, de Gianni Amelio
-L’Imensita, de Emanuel Crialese
-Saint Omer, de Alice Diop

-Love Life, de Koji Fukada 

-Athena, de Romain Gavras
-The Eternal Daughter, de Joanna Hogg 
-Beyond The Wall, de Vahid Jalilvand
=Argentina 1985, de Santiago Mitre 
-Chiara, de Susanna Nicchiarelli 
-Monica, de Andrea Pallaoro
-No Bears, de Jafar Panahi 
-All The Beauty And The Bloodshed, de Laura Poitras 
-A Couple, de Frederick Wiseman 
-Our Ties, de Roschdy Zem  
-Other People’s Children, de Rebecca Zlotowski 

Bob Rafelson (1933-2022)

Bob Rafelson, cocreador de The Monkees, quien se convirtió en una figura influyente en la era del Nuevo Hollywood de la década de 1970, ha muerto a los 89 años.

Rafelson murió en su casa en Aspen el sábado por la noche rodeado de su familia, dijo su esposa Gabrielle.

Rafelson fue responsable de la creación conjunta del grupo ficticio de música pop y la serie de televisión The Monkees junto con el difunto Bert Schneider, que le valió un Emmy a la mejor serie de comedia en 1967.

Pero quizás fue mejor conocido por su trabajo durante la era del Nuevo Hollywood, en la que un sistema de estudio clásico dio paso a un lote de voces jóvenes rebeldes y estilos cinematográficos frescos, y ayudó a marcar el comienzo de talentos como Martin Scorsese, Brian De Palma, Francis Ford Coppola y Steven Spielberg.

Rafelson dirigió y coescribió Five Easy Pieces, sobre un pianista de clase alta que anhela una vida más obrera, y The King Of Marvin Gardens, sobre un presentador de un programa de radio nocturno deprimido.

Ambas películas protagonizadas por Jack Nicholson y exploraron temas del sueño americano descontrolado. Five Easy Pieces le valió a Rafelson dos nominaciones al Oscar en 1971, a la mejor película y guion. El público le recordará por El cartero siempre llama dos veces (1981). También produjo clásicos seminales del Nuevo Hollywood, como The Last Picture Show, de Peter Bogdanovich y Easy Rider, de Dennis Hopper.

Coppola lo llamó una vez “uno de los artistas cinematográficos más importantes de su época” y sus admiradores incluyen a Quentin Tarantino y Wes Anderson.

Rafelson estaba muy orgulloso de la película que dirigió en 1990, Mountains Of The Moon, una película biográfica que contaba la historia de dos exploradores, Sir Richard Burton y John Hanning Speke, mientras buscaban el nacimiento del Nilo, dijo su esposa.

“La trampa”, desde el 11 de agosto en cines.

La trampa, una comedia de acción llena de enredos, está lista para su estreno en las salas de cine el próximo 11 de agosto, bajo la dirección de Frank Perozo, protagonizada por Raymond Pozo y Miguel Céspedes, quienes se hacen acompañar de Pepe Sierra, Caroline Aquino y un gran elenco de estrellas del cine y del teatro. 

La trampa cuenta dos historias paralelas, pero con conflictos similares ya que ambas enfrentan una trampa que se debe resolver: por un lado, Aldo (Miguel Céspedes) debe resolver una deuda sospechosa provocada por un juego de azar y por otro lado Jaime (Raymond Pozo) reclama el hurto de unas tierras que son de su propiedad. Estas historias se cruzan desatando una serie de sucesos y enredos en medio de la celebración de la boda de Laura (Caroline Aquino), cargada de humor donde no se sabe que más puede pasar cuando se mezclan una deuda, un robo, y una boda.
En el encuentro con los medios se presentó de manera oficial el “Behind The Scenes”, así como la banda sonora compuesta por música muy variada entre las que podemos destacar temas de los cantantes Gabriel Pagan, Chris Lebrón, Manny Cruz, Ilegales, Musicólogo, Chimbala, entre otros. 
En esta producción, Caribbean Films Distribution coquetea con el género de acción en una novedosa historia rodada en locaciones de Jarabacoa, con un elenco muy diverso que incluye figuras del cine y los medios como Kenny Grullón, Yasser Michelén, Melymel, Jenny Blanco, Brea Frank, Claribel Adamez, Franklin Romero Jr, y Jessus Zambrano. También forman parte talentos muy activos en el teatro como: Gracielina Olivero, Mario Núñez, Fidias Peralta, Bárbara Plaza, Francis Cruz, Richarson Díaz y Smith Carvajal, acompañados del cantante urbano Musicólogo y la influencer Tibi Camacho.

Jafar Panahi es apresado en Irán.

Jafar Panahi, uno de los cineastas disidentes más conocidos fue detenido en Irán. Se trata del tercer director iraní detenido en menos de una semana, conforme el gobierno aumenta una campaña de represión contra la reconocida industria cinematográfica iraní.

Panahi había acudido a la fiscalía en Teherán para preguntar por los casos de dos colegas detenidos la semana pasada, cuando las fuerzas de seguridad le arrestaron también a él. Un colega de Panahi, que habló bajo condición de anonimato por temor a represalias, dijo a la prensa que las autoridades habían enviado a Panahi a la conocida prisión de Evin para cumplir una condena impuesta varios años antes.

Panahi fue sentenciado en 2011 a seis años de prisión por cargos de crear propaganda contra el gobierno, y se le prohibió dirigir películas durante 20 años. También se le prohibió salir del país.

Sin embargo, la sentencia nunca se ejecutó y Panahi siguió haciendo películas clandestinas, sin permisos ni guiones autorizados por el gobierno, que se estrenaron en el extranjero con gran éxito entre la crítica.

Panahi ha ganado varios premios en festivales, como el Oso de Oro de Berlín en 2015 por Taxi Teherán, una reflexión sobre la pobreza, el sexismo y la censura en Irán, y el León de Oro de Venecia en 2000 por El círculo, una profunda mirada a la vida de las mujeres en la sociedad patriarcal iraní.

El Festival Internacional de Berlín dijo estar “consternado e indignado” por el arresto de Panahi.

Su detención sigue a la de otros dos cineastas iraníes, Mohamad Rasoulof y Mostafa al-Ahmad.

Las autoridades acusaron a Rasoulof y al-Ahmad de socavar la seguridad del país al expresar en redes sociales su oposición a la violenta represión del gobierno contra las protestas en el suroeste del país, tras el catastrófico derrumbe en mayo del Edificio Metropol, en el que murieron al menos 41 personas.

Rasoulof ganó el primer premio de la Berlinale en 2020 por su película La maldad no existe, que narra cuatro historias relacionadas en cierto modo con los temas de la pena de muerte en Irán y la libertad personal bajo la tiranía. En 2011, su pelcula Goodbye ganó un premio en Cannes, pero no se le permitió viajar a Francia para recogerlo.

El Festival de Cine de Cannes condenó con dureza la detención de los tres directores, “así como la ola de represión que evidentemente hay en marcha en Irán contra sus artistas”.

La creciente presión sobre los cineastas sigue a una ola de detenciones en los últimos meses, conforme subían las tensiones entre el gobierno iraní y Occidente.

“Una película sobre parejas” en Locarno 2022

El filme dominicano Una película sobre parejas de los directores y productores Natalia Cabral y Oriol Estrada, será el título inaugural de la sección Open Doors del Festival de Cine de Locarno, una selección de estimulantes obras cinematográficas representativas de la región de Centroamérica y El Caribe.

“Una Película Sobre Parejas” es un largometraje de ficción en donde Cabral y Estrada, además de dirigir y producir, interpretan a sus alter egos, una pareja de cineastas, para contar una historia que reflexiona con humor sobre la vida en pareja y el mundo del cine profesional. Los espectadores del festival descubrirán la película en su proyección el jueves 4 de agosto de 2022, en lo que sería la versión número 75 del prestigioso certamen suizo.

La película ya ha sido proyectada en importantes festivales internacionales como el Festival Internacional de Cine de Roma, el Festival Internacional de Cine de Goa en La India, el Festival Internacional de Cine de Miami, El Festival Internacional de Cine de Cartagena de Indias, y ha ganado los premios de la Crítica Francesa a Mejor Película y Mención Especial a la Interpretación en el Festival de Biarritz en Francia, los premios a Mejor Película, Mejor Guión y Mejor Dirección en el Festival Internacional de Cine de Gijón, España y el Premio Especial del Jurado en el Festival FICIC en Argentina.

El Festival de Cine de Locarno es un festival internacional que se celebra anualmente en agosto en la ciudad de Locarno, Suiza, desde 1946. Después de Cannes y Venecia, y junto con Karlovy Vary, Locarno es el festival de cine con más trayectoria del mundo y uno de los 15 festivales de Categoría A.

Graduados de la Escuela Internacional de Cine y TV de San Antonio de los Baños en Cuba, Cabral y Estrada se dedican a un cine creativo que transita libremente entre la ficción y el documental. Fundadores de la casa productora dominicana Faula Films en 2012, han dirigido las películas Tú y Yo (2014), El sitio de los sitios (2016), Miriam miente (2018) y Una película sobre parejas (2021), todas ellas seleccionadas en importantes festivales y receptoras de premios nacionales e internacionales.

Elvis, lo nuevo de Baz Luhrmann.

Carismático deicida.

En el mundo de la música popular del siglo XX nadie, absolutamente nadie, posee el carisma de Elvis Presley. Un carisma animal que le hacía contorsionarse en un escenario como nadie y que hacía estallar confetis en el corazón de las chicas quienes, agradecidas, le lanzaban sus pantis como señal de entrega. A las damas mayorcitas, les despertaba un fuerte Complejo de Electra que disimulaban con poco éxito detrás de sus sonrisas.

Para que estemos claros, Elvis era la encarnación de todas las tentaciones pero, al mismo tiempo, una experiencia religiosa que convocaba emociones celestiales y exorcizaba demonios.

Un deicida que, paradójicamente, era la respuesta a las plegarias de miles de creyentes. La afirmación no es casual: la música que creó Elvis era una mezcla del country (ese sonido de los campos de blancos), del góspel (cánticos de las iglesias evangélicas de USA) y del rhythm and blues (ese sonido de los pueblos de negros del sur) que fue bautizada a mediados de los 50 como “Rock and Roll”.

A los fines prácticos, esa nueva música lograba lo mismo que una alabanza: todos eran poseídos por una energía superior que los hacía caer en trance y alcanzar el éxtasis, sin cobrar el diezmo, solo el ticket de entrada. Con razón los mojigatos de siempre se espantaron ante este fenómeno de la naturaleza que era Elvis Presley.

En ese sentido, puede afirmarse que nadie contribuyó musicalmente tanto como Elvis a la integración racial de los Estados Unidos: su música de blancos y de negros la bailaba como un negro en el escenario y gustaba a todos por igual, al margen de las razas. Sentó las bases para romper con los rígidos códigos morales de la radio y la televisión de la época.

Y, en el contexto de una sociedad que se permite asesinar algunos de sus líderes progresistas, desde Martin Luther King hasta Bobby Kennedy, Elvis emerge como la voz de la razón cuando canta If I Can Dream, una canción de profunda protesta social que cuestionó el establishment.

Pero la fama es un monstruo que devora a sus propios hijos, sobre todo a los que como Elvis dejan, literalmente, la vida en el escenario, el único sitio en que se encontraba en paz consigo mismo, con la ayuda de las pastillas de colores.

 

Taking Care of Business.

Baz Luhrmann es un director de cine australiano que, como Presley, posee un estilo narrativo trepidante que convoca al espectador a un estado de éxtasis, como consecuencia de una edición vertiginosa que desafía las convenciones de los géneros. Esa sola condición lo hace candidato ideal para la primera biopic del “Rey del Rock ‘n Roll”. Increíble: que Hollywood nunca haya hecho una película sobre Elvis, aunque haya aparecido como personaje incidental en todas las películas que se hacen en Las Vegas. Por supuesto, dejamos fuera a Elvis (1979), un filme hecho para la televisión y protagonizado por Kurt Russell.

Luhrmann debutó con Strictly Ballroom (1992, con la que ganó el AFI al mejor director y al mejor guion) y luego ha dirigido otras cuatro películas, a saber: Romeo + Julieta (1996, con la que ganó el Bafta al mejor director y mejor guion), Moulin Rouge! (2001, con la que ganó el Globo de Oro al mejor director y el Premio PGA), Australia (2008) y El Gran Gatsby (2013).

Si ha visto algunos de estos títulos, no tengo que explicarle el cuidado y la significación que Luhrmann pone en sus bandas sonoras, al igual a los elementos visuales como la composición fotográfica, decorado, iluminación, vestuario y maquillaje, con los que logra atmósferas surreales, pero que funcionan de mil maravillas a sus propósitos dramáticos.

Luhrmann y Craig Pearce, su coguionista habitual, han abordado la historia de Elvis desde la perspectiva del Capitán Tom Parker, un manipulador promotor que le prestó sus servicios como manager a cambio del módico 50% de todo el dinero que produjo “El Rey”, una muy tóxica relación de negocios que terminó en los tribunales.   

Elvis funciona como solo vehicle para Austin Butler en un papel que le cambiará la vida. Temporada de pronósticos: en Hollywood no se han guardado un solo elogio para Butler y desde ya se da como el nombre a vencer de cara al Oscar al mejor actor. Butler, para los que tienen dudas, puso su voz a las canciones más antiguas de Elvis, para poder remezclarlas en dolby. Los académicos admiran estos detalles y tienen ciertas debilidades por los músicos, como se puede comprobar en las recientes Ray (2004, Oscar para Jamie Foxx) y Bohemian Rhapsody (2018, Oscar para Rami Malek).

El ganador del Oscar Tom Hanks aporta un apoyo extraordinario, por lo que tampoco se descarta otra nominación para el más reciente ganador consecutivo del Premio de la Academia, por Philadelphia (93) y Forrest Gump (94).

Si observan detenidamente, todos los elementos promocionales de Elvis incluyen las iniciales TCB en el logotipo. “Taking Care of Business” (algo así como “cuidando el negocio”) era el mantra de la Mafia de Memphis que explotó por años a Presley, su gallina de los huevos de oro, un dotado de carisma que todavía hoy se mantiene como un ícono fundamental en la conformación de la identidad de los Estados Unidos.

El filme va camino a convertirse en un éxito de taquilla para Warner. Si cuidan su negocio, tienen en sus manos una de las mejores cartas para jugar en la Temporada de Premios.

 

Elvis (2022). Dirección: Baz Luhrmann; Guion: Baz Luhrmann y Carig Pierce; Fotografía: Mandy Walker; Edición: Jonathan Redmond y Matt Villa; Música: Elliott Wheeler; Elenco: Austin Butler, Tom Hanks, Olivia DeJonge, Kelvin Harrison Jr.   

San Sebastián 2022: todo el Cine Español.

La Academia Española de las Artes y las Ciencias Cinematográficas ha acogido el anuncio de 18 títulos de producción local (quince largometrajes, dos cortos y una serie de televisión) que podrán verse en la Sección Oficial y en las secciones New Directors, Zabaltegi-Tabakalera, Perlak y Velódromo de la 70ª edición del Festival de San Sebastián, que se desarrollará entre el 16 y el 24 de septiembre.

Fernando Franco (Sevilla, 1976) regresa a la competición oficial de San Sebastián con su tercer largometraje, La consagración de la primavera, tras ser reconocido con el Premio Especial del Jurado y la Concha de Plata para la actriz Marian Álvarez por La herida (2013) y ser seleccionado como proyección especial con Morir (2017). La consagración de la primavera narra el encuentro entre una chica de 18 años (Valèria Sorolla) y un joven con parálisis cerebral (Telmo Irureta).

Suro es el debut de Mikel Gurrea (San Sebastián, 1985) en el largometraje, después de que su corto Heltzear fuera estrenado el año pasado en el Festival de Venecia y programado en Zabaltegi-Tabakalera. Protagonizado por Vicky Luengo y Pol López, que encarnan a una pareja que se muda al campo, Suro es el primer proyecto de las residencias de Ikusmira Berriak que compite por la Concha de Oro.

La maternal es la segunda película de Pilar Palomero (Zaragoza, 1980) tras obtener el Goya a la mejor película, a la mejor dirección novel y al mejor guión original por su largometraje de debut, Las niñas (Made in Spain 2020, tras su paso por Berlín y Málaga). Palomero se centra en una adolescente de 14 años (Carla Quílez) y su proceso para aprender a ser madre.

Jaime Rosales (Barcelona, 1970) también regresa a la competición oficial de San Sebastián después de que Tiro en la cabeza (2008) fuera galardonada con el Premio Fipresci y de presentar varias de sus películas en Made in Spain y en Perlak (Petra, 2018). En Girasoles silvestres, Anna Castillo encarna a una madre en busca de una vida mejor.

Una producción española será una proyección especial de la Sección Oficial: El techo amarillo, una no ficción dirigida por Isabel Coixet (Barcelona, 1962) en torno a los abusos sexuales cometidos en el Aula de Teatro de Lleida entre 2001 y 2008. San Sebastián fue el escenario del debut de Coixet como directora, con Demasiado viejo para morir joven (New Directors 1988).

Fuera de concurso participará la serie Apagón, compuesta por cinco capítulos dirigidos por Rodrigo Sorogoyen, Raúl Arévalo, Isa Campo, Alberto Rodríguez e Isaki Lacuesta, que tiene como punto de partida una tormenta solar que provoca un corte general del suministro de energía.

Además, Alberto Rodríguez presentará también en San Sebastián la película de inauguración, la ya anunciada Modelo 77.

La sección New Directors, dedicada a primeras y segundas películas, acogerá A los libros y a las mujeres canto, de Maria Elorza. Elorza (Vitoria-Gasteiz, 1988), cuyos primeros cortometrajes como parte del colectivo Las chicas de Pasaik, Gure Hormek (Zabaltegi-Tabakalera, 2016) y La chica de la luz (Velódromo, 2016), se estrenaron en San Sebastián, y autora también de los multipremiados cortometrajes Ancora Lucciole (2018) y Quebrantos (2020), presentará su primer largometraje en el Festival, construido en torno a un ejército anónimo y desarmado de mujeres que cuida de los libros.

La sección Zabaltegi-Tabakalera acogerá la presentación de otro proyecto de las residencias de Ikusmira Berriak, El agua, de Elena López Riera, que fue seleccionado en la pasada Quincena de Realizadores de Cannes. Asimismo, se programará Cerdita, el debut de Carlota Pereda, que se estrenó en el Festival de Sundance. También forman parte de la sección dos cortometrajes del programa Kimuak: Hirugarren koadernoa, de Lur Olaizola, que participará fuera de concurso después de su estreno en Cinéma du Réel, y Cuerdas, de Estibaliz Urresola, que se proyectará tras su paso por la Semana de la Crítica de Cannes.

La sección Perlak acogerá Un año, una noche, de Isaki Lacuesta, que compitió en la Berlinale, y As Bestas, de Rodrigo Sorogoyen, tras su paso por el Festival de Cannes. Ambos aspiran al Premio del Público Ciudad de Donostia / San Sebastián. 

Además, clausurará la sección fuera de concurso Los renglones torcidos de Dios, la adaptación de la novela homónima de Torcuato Luca de Tena, firmada por Oriol Paulo y protagonizada por Bárbara Lennie y Eduard Fernández.

El Velódromo, una sala con una pantalla de 400 metros cuadrados acondicionada para casi 3.000 espectadores, acogerá los estrenos de Rainbow, la mirada de Paco León sobre el clásico El mago de Oz, con Dora Postigo, Carmen Maura y Carmen Machi; Sintiéndolo mucho, el documental de Fernando León de Aranoa sobre Joaquín Sabina, y la última película de animación de Fermin Muguruza, Black is Beltza II: Ainhoa, cuya primera parte clausuró Zinemira en 2018.

Venecia 2022: Julianne Moore, Presidenta del Jurado.

La actriz estadounidense Julianne Moore será la presidenta del Jurado Internacional de la Competencia en el 79° Festival Internacional de Cine de Venecia, que se celebrará del 31 de agosto al 10 de septiembre y otorgará el León de Oro a la Mejor Película, entre otros premios oficiales.

Moore, ganadora del Premio de la Academia (Still Alice, 2014) y del Emmy es conocida por su amplio trabajo con muchas actuaciones memorables desde la pantalla grande hasta la pequeña. Es una actriz ganadora de un Premio de la Academia, un BAFTA y un Emmy, y la primera mujer estadounidense en recibir los principales premios de actuación en los festivales de cine de Berlín (The Hours, 2002), Venecia (Far from Heaven, 2002) y Cannes (Maps to the Estrellas, 2014).

Además de Moore el Jurado estará conformado por el director y guionista argentino Mariano Cohn, por el director y guionista italiano Leonardo Di Costanzo, por la directora francesa Audrey Diwan, por la actriz iraní Leila Hatami, por el autor y guionista japonés Kazuo Ishiguro y por el director y guionista español Rodrigo Sorogoyen.

La decisión fue tomada por el directorio de La Biennale di Venezia, que acogió la propuesta del Director del Festival, Alberto Barbera.

El Jurado de Venecia 79 otorgará los siguientes premios oficiales a los largometrajes en Competición: León de Oro a la Mejor Película, León de Plata - Gran Premio del Jurado, León de Plata al Mejor Director, Coppa Volpi a la Mejor Actriz, Coppa Volpi al Mejor Actor, Especial Premio del Jurado, Premio al Mejor Guión, Premio “Marcello Mastroianni” al Mejor Actor o Actriz Revelación.

Junto a Cannes y Berlín, Venecia compone la trilogía de los principales festivales del mundo.

Claudio Chea (1950-2022).

Claudio Chea, un auténtico maestro de la fotografía cinematográfica de Dominicana, falleció en Santo Domingo.

Inició como camarógrafo en 1966 hasta 1968 en el “Noticiario Dominicano”, ya para el 1969 empieza a laborar con la productora “Fílmica dominicana”; y con apenas 19 años, completó sus estudios de cine en el New York Institute of Photography.

En los años setenta se centra en la realización de comerciales y documentales para la televisión.

En 1985, realizó el documental Camino al Pico Duarte y en 1987, El paseo de la Virgen.

El cinematógrafo fue un asiduo colaborador del cineasta León Ichaso en películas como Crossover Dreams (1985), Azúcar amarga (1996), Hendrix (2000), Piñero (2001) y El Cantante (2006).

En el país, Chea prestó su talento en filmes como: La cárcel de La Victoria (2004), Flor de azúcar (2016) e Isla de dos repúblicas (2022)

En el 2018, recibió el título de “Profesor Honorario” por el claustro de la Universidad Autónoma de Santo Domingo.

James Caan (1940-2022)

El actor estadounidense James Caan, quien estuvo nominado al Oscar por su papel como Sonny Corleone en El Padrino, murió a los 82 años de edad, según informó su familia en un comunicado publicado en Twitter este jueves.

La familia de Caan, que no precisó las causas de su fallecimiento, agradeció las muestras de cariño y pidió respeto para su privacidad.

“Es con profunda tristeza que informamos de la muerte de Jimmy en la noche del 6 de julio. La familia aprecia la gran cantidad de mensajes de amor y condolencias y pide que continúen respetando su privacidad en este difícil momento”, dice el comunicado.

Nacido en el Bronx en 1940, Caan irrumpió en la pantalla en los años 70 para interpretar roles protagónicos de personajes con imagen varonil. Eternamente ligado al Hollywood de los 70, muchos recordarán a Caan por la dramática muerte de su personaje, Sonny Corleone, acribillado a balazos por los hombres de Barzini en un peaje de Long Island, en una de las escenas más famosas de El Padrino.

En los años 90, volvió al estrellato como un actor maduro capaz de dar peso a una amplia gama de papeles.

Su carrera como actor se extendió por seis décadas y cubrió distintos géneros desde comedias como Elf, hasta thriller psicológicos como Misery.

Entre sus películas más recordadas también están El Dorado, que protagonizó junto a John Wayne y Robert Mitchum; y Funny Lady, junto a Barbra Streisand.

Aunque no logró el Oscar por su interpretación del temperamental hijo mayor de Vito Corleone, en 1974 retomó ese papel apareciendo en algunas escenas que recreaban sucesos pasados en El Padrino II.

Víctor Érice vuelve al cine.

El director Víctor Érice, uno de los realizadores más importantes del cine español, vuelve a rodar un largometraje de ficción después de 30 años, una información que confirman una de las productoras de esta película que acaba de recibir la ayuda de Canal Sur para su realización.

Cerrar los ojos será la cuarta película del director vasco, después de las laureadas El sur, El sol del membrillo y El espíritu de la colmena, consideradas de los mejores filmes de la historia del cine español.

Érice ganó el Premio del Jurado y de la Crítica en el Festival de Cannes en el año 1992 con El sol del membrillo y la Concha de Oro en el Festival de Cine de San Sebastián en el año 1973 con El espíritu de la colmena. Érice no ha dejado de rodar en todo este tiempo cortometrajes y distintas obras de arte visual, pero había dejado la dirección y creación de largometrajes a un lado, después de que la adaptación del Embrujo de Sanghai, no se pudo realizar.

La película cuenta con tres productoras, que rescatarán del olvido cinematográfico al icónico cineasta que a sus 82 años volverá a rodar. Por un lado, la andaluza Pecado Films, con Jose Alba, también Tándem Films, con Cristina Zumárraga a la cabeza, y Nautilus que es la productora del propio Erice. La televisión pública andaluza, que ha sido la que lo ha anunciado, afirma también que José Coronado y María León podrían ser los protagonistas.

“No he dejado de ser cineasta, que ha sido mi dedicación principal”, decía en la presentación de Piedra y cielo, en noviembre de 2021, un ensayo donde reflexiona sobre la figura del escultor Jorge Oteiza. “Se olvida todo lo que he hecho después de ese año, que han sido bastantes cosas que han circulado por lugares no propios de la industria cinematográfica. El problema no es producir películas, sino dónde se proyectan y yo en los últimos años he hecho obra, pero desconocida”, insistía el cineasta. Érice ha sido de los pocos directores de cine que ha traspasado la pantalla y ha entrado en las salas y galerías de los museos, como han hecho Scorsese, Bela Tarr, Apichatpong y, en España, Albert Serra, Guerín o Isaki Lacuesta.

“El cine sigue siendo el lugar ideal para contemplar películas. No desdeño la experiencia del cine en otros dispositivos, es el signo de nuestros tiempos, pero no es lo mismo ni las películas se hacen ya de la misma manera”.

Para Érice, hoy en día “cualquier joven con su cámara y una aplicación de montaje en su ordenador puede hacer una película y subirla a plataformas”.

“Elvis”, desde el 14 de julio en cines.

 

Cuando hablamos de iconos de la cultura pop, Elvis Presley ocupa un lugar destacado. Fue una figura que definió una era en la historia de la música moderna y cuyo legado se extiende hasta nuestros días. Su vida conjuga éxito musical sin precedentes, excesos y profundos tormentos personales.

A pesar de su desaparición física, Elvis es un músico que a través de los años no deja de despertar intereses y acumular fanáticos. Una muestra de ello es el gran entusiasmo que ha generado Elvis, película dirigida por Baz Luhrmann y protagonizada por Austin Butler y Tom Hanks.

Esta producción se adentra en la vida y carrera del Rey del Rock and Roll, así como en su relación con su manager, el controversial coronel Tom Parker, el cual acompañaría al músico durante sus inicios y la consolidación de su fama. Pero muchos consideran a Parker como uno de los responsables del impresionante éxito de Presley, pero también como alguien manipulador y explotador. Otro personaje de importancia en la película es Priscilla Presley, quien fuera la esposa de Elvis y con la cual tendría una hija, Lisa Marie Presley.

Elvis ha generado bastante expectativa, no solo por contar la historia de una de las más grandes leyendas del mundo de la música, sino también por la calidad del talento involucrado en el proyecto. Debutó en el primer puesto de las taquillas en Estados Unidos

Sobresale el nombre de su director Baz Luhrmann, quien ha sabido desarrollar una carrera cinematográfica exitosa. Es el responsable de Romeo + Juliet (1996), adaptación del clásico de Shakespeare protagonizada por Leonardo DiCaprio y Claire Danes; del musical Moulin Rouge! (2001) y de The Great Gatsby (2013). Ahora este director australiano ha asumido la responsabilidad de crear una cinta que relate los momentos más importantes de la trayectoria de Elvis Presley. El guion es obra de Luhrmann y Craig Pearce.

Por su parte, Austin Butler interpreta al Rey del Rock and Roll y ya muchos apuestan a su segura nominación al Oscar al Mejor Actor. Recientemente, Butler participó en Once Upon a Time in Hollywood de Quentin Tarantino, dando vida a Tex, uno de los miembros del culto de Manson. Para hacerse con el papel tuvo que competir con varios actores, como Ansel Elgort (West Side Story), Miles Teller (Whiplash) y Aaron Taylor-Johnson (Nocturnal Animals). En esta producción, Butler se permite reinterpretar varias de las canciones de Presley.

El ganador del Óscar, Tom Hanks, encarna al coronel Tom Parker. Priscilla Presley es interpretada por Olivia DeJonge, actriz cuyo trabajo ha podido verse en The Visit, película de M. Night Shyamalan, y en la serie The Society. 

En Elvis también se presentan otras grandes figuras del mundo de la música: Alton Mason será el encargado de dar vida a Little Richard, la cantante Yola se desempeñará como Rosetta Tharpe, Kelvin Harrison Jr. Como B.B. King, David Wenham como Hank Snow y Honka Dukureh será Willie Mae "Big Mama".

Para los millones de fans del Rey, Elvis es una propuesta bastante atractiva. Para los que no son fans, Lurhmann sabe cómo presentarles un espectáculo de primera.

Academia de Hollywood: la Clase 2022.

 Con el negocio del cine aun recuperando su equilibrio después de más de dos años muy difíciles, la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas anunció que abrirá sus filas a 397 nuevos miembros en el último paso en su esfuerzo continuo por diversificar su membresía.

En representación de 54 países, la lista de invitados incluye nombres como Ariana DeBose, Billie Eilish, Jamie Dornan y Anya Taylor-Joy, así como muchos artistas, cineastas, ejecutivos y profesionales cuyos nombres nunca han aparecido en la cartelera de un multiplex. El grupo incluye 71 nominados al Premio de la Academia, como Jessie Buckley, la estrella de La hija perdida y el nominado de El poder del perro, Jesse Plemons, así como 15 ganadores anteriores del Oscar, incluido Troy Kotsur, ganador del actor de reparto por CODA.

Dado que la Academia continúa presionando por una mayor inclusión tanto dentro de la organización como en la industria en su conjunto, el 44 % de los miembros de la clase 2022 se identifican como mujeres y el 37 % pertenecen a comunidades étnicas/raciales subrepresentadas. La mitad son de fuera de los Estados Unidos.

El anuncio se produce cuando la Academia se encuentra en una encrucijada con una transición de liderazgo inminente, ya que el director del Museo de la Academia, Bill Kramer, se prepara para asumir el próximo mes como director ejecutivo de la organización del actual CEO Dawn Hudson, quien ha dirigido la academia a través de 11 transformaciones y en años de tiempos complicados. 

Habiendo logrado su obajetivo en 2020, establecido a raíz de la controversia #OscarsSoWhite, de duplicar el número de mujeres y personas de color en sus filas de miembros, la organización ha desacelerado el ritmo de crecimiento en los últimos años. El grupo de invitados de este año es casi exactamente del mismo tamaño que el del año pasado, que era de 395.

Si bien sigue siendo significativamente más grande que los grupos anuales de invitados en décadas anteriores, que generalmente estaban limitados por cuotas a alrededor de 100 miembros, la clase de este año es menos de la mitad del tamaño de la clase de 2020 de 819, que en sí misma fue más pequeña que el récord de 2018, clase que alcanzó un gigantesco 928.

El año pasado, la Academia anunció que planeaba volver a tamaños de clase más limitados “para permitir un crecimiento constante en el futuro y garantizar la infraestructura, los recursos de personal y el entorno necesarios para apoyar a todos los miembros de la academia”.

Incluyendo la nueva clase, según la academia, el 34% de sus miembros se identifican como mujeres, mientras que el 19% son de comunidades étnicas/raciales subrepresentadas, a la par con los puntos de referencia del año pasado. En un análisis histórico de 2012, The Times informó que los votantes de los Oscar eran en ese momento 94% blancos y 77% hombres.

Siete filiales invitaron a más mujeres que hombres este año, incluidas directoras de casting, diseñadoras de vestuario, documentalistas, productoras y de marketing y relaciones públicas. Tres ramas atrajeron a la mayoría de sus candidatos de comunidades étnicas/raciales subrepresentadas, incluidos documentalistas, directores y actores, con mucho, la rama más grande de la academia.

En la rama de directores, los invitados incluyen a Sian Heder, quien ganó el premio de guion adaptado este año por CODA, que se llevó a casa el Oscar a la mejor película, así como a Reinaldo Marcus Green, cuya King Richard también obtuvo una nominación a la mejor película. En la rama de la música, los invitados incluyen a Eilish y su hermano Finneas O’Connell, quien ganó el Oscar a la canción original por la canción principal de la película de James Bond, No Time to Die.

El anuncio de la Academia de Hollywood se produce cuando los problemas de inclusión siguen surgiendo en la importante temporada de premios de Hollywood. Si todos aceptan sus invitaciones, la membresía total de la academia de cine aumentará a 10,665, incluidos 9,665 miembros con derecho a voto.

Goya 2023: 11 de febrero, en Sevilla.

Sevilla será la sede de la 37 edición de los Premios Goya, que se celebrarán el sábado 11 de febrero de 2023 en el Palacio de Congresos y Exposiciones FIBES, ha anunciado el presidente de la Academia de Cine, Fernando Méndez-Leite, junto al alcalde de la capital andaluza, Antonio Muñoz, y el vicepresidente de la institución, Rafael Portela.  

Desde el Palacio de la Motilla de la capital hispalense, Mendéz-Leite alabó la “pujanza de la industria del cine en Andalucía y especialmente en Sevilla”, ciudad que ya acogió la gala de 2019. “Se prevé un año espectacular de cine español, que culminará con la celebración de unos Goya que pretendemos que sean los mejores de la historia”.

El alcalde de Sevilla, Antonio Muñoz, ha agradecido a la Academia de Cine la confianza depositada de nuevo en la ciudad para albergar la gala de los Goya. “La de 2019 fue todo un ‘taquillazo’, y en la de 2023 Sevilla volverá a superar las expectativas”. Ante un auditorio con presencia de cineastas y representantes de la industria audiovisual sevillana y andaluza, Muñoz ha emplazado a aprovechar esta nueva oportunidad que ofrece la gala. “Además de ser un escaparate para la imagen nacional e internacional de Sevilla, debe servir para fortalecer el tejido empresarial y generar una industria audiovisual más sólida”, ha dicho.

Méndez-Leite anunció además “una noticia que es muy buena para el cine español y para esta ciudad en la que festejaremos su gran noche y que tiene mucho que ver con la buena y prolífica cosecha de nuestro cine este año. Hasta ahora, excepto en Mejor Película y Mejor Cortometraje de Ficción, todas las categorías contaban con cuatro candidatos. La Junta Directiva de la Academia ha decidido que en la próxima edición de los Premios Goya el número pasará de las cuatro actuales a cinco nominaciones en cada categoría”.

“La Academia da un paso más para reconocer el talento de nuestros creativos y técnicos. Películas e interpretaciones tendrán más posibilidades de entrar en las nominaciones en un año en el que hay un nivel altísimo. Habrá más nominadas y nominados que nunca en Sevilla, donde celebraremos los Goya 2023 con una gran gala”, aseguró el presidente de la institución. 

En la rueda de prensa en la que se ha hecho el anuncio, Méndez-Leite también indicó que la capital hispalense se impregnaría del espíritu de los Goya con una serie de actividades de las que podrá disfrutar el público sevillano –proyecciones de las películas nominadas acompañadas de encuentros con sus autores y/o protagonistas, mesas redondas con profesionales de nuestra industria, exposiciones, conciertos y un photocall que se instalará en el Ayuntamiento para fotografiarse con una réplica de un Premio Goya–, acciones que culminarán en la noche del 11 de febrero del próximo año. 

La viceconsejera de Cultura de la Junta de Andalucía María Esperanza O´Neill; la presidenta de la Academia de Cine de Andalucía, Marta Velasco; el presidente de la Spain Film Office Carlos Rosado, los actores Antonio Dechent, Alfonso Sánchez, Ignacio Mateos y Charo Reina; el productor Gervasio Iglesias; el director del Festival de Cine Europeo de Sevilla, José Luis Cienfuegos; y el director del Festival de Huelva Manuel H. Martín; académicas y académicos sevillanos, entre otros, asistieron a la que ha sido la presentación de los Premios Goya 2023 en Sevilla.

Woody Allen anuncia su retiro del cine.

Uno de los más prolíficos e importantes directores del cine americano, Woody Allen, dijo que hacer películas ya no le emociona como antes debido a la aparición de las plataformas de “streaming” y que se retirará pronto, probablemente para dedicarse a escribir.

Así se pronunció el reservado cineasta en una conversación con el actor Alec Baldwin que este compartió en Instagram y que abarcó muchos temas, aunque ninguno polémico, como las acusaciones de abuso sexual de la hija de Allen, Dylan Farrow, contra su padre.

El artífice de éxitos como Annie Hall y Medianoche en París dijo a Baldwin que prepara una película que grabará en París en otoño, pero resaltó que será una de las últimas de su carrera, porque a sus 86 años considera que “las cosas ya no son como antes” en el mundo del espectáculo.

“Probablemente haré al menos una película más, pero buena parte de la emoción se ha ido (...). Cuando empecé, los filmes llegaban a cines por todo el país e iban cientos de personas en grandes grupos” mientras permanecían meses en taquilla, explicó.

Ahora, sostuvo, las películas se quedan en las salas dos semanas, seis con suerte, y luego van directas a las plataformas de “streaming”.

“No es como cuando entré en el negocio de las películas, no lo disfruto tanto ni me divierto”, apostilló, por lo que anticipó una próxima retirada y “quizás un giro hacia la escritura”, ya sea con una novela o con ensayos como los que ha publicado recientemente, llamados Zero Gravity.

De la misma manera que el cine, el director se lamentó del presente del teatro y de Broadway, y recordó una “variedad” que a su juicio ya no existe porque el famoso distrito del centro de Nueva York se ha convertido en “un centro comercial espantoso”.

“Ahora todas las obras son musicales, reestrenos, espectáculos en los que hay estrellas...”, aseguró Allen, que dijo echar de menos a dramaturgos de la calidad de Tennessee Williams o Arthur Miller y mostró disgusto con las producciones multimillonarias.

“El mundo en el que crecí, el del cine y Broadway, ya no es lo mismo. Es menos placentero para mí, y se combina con la experiencia de que me gusta estar en casa escribiendo, disfrutando de mi tiempo libre”, agregó.

Premio Donostia 2022: David Cronenberg.

El director y guionista canadiense David Cronenberg (Toronto, 1943) recibirá un Premio Donostia de la 70ª edición del Festival de Sebastián, que reconocerá con su máxima distinción honorífica la carrera de uno de los cineastas más singulares del último medio siglo. El canadiense se suma así al listado de directoras y directores que también han recibido el Premio Donostia, entre quienes destacan Francis Ford Coppola, Woody Allen, Oliver Stone, Agnès Varda, Hirokazu Koreeda y Costa-Gavras.

El 21 de septiembre el Teatro Victoria Eugenia acogerá la ceremonia de entrega del galardón, tras la que se proyectará Crimes of the Future (2022), el largometraje protagonizado por Viggo Mortensen, Léa Seydoux y Kristen Stewart que concursó en el último Festival de Cannes.

Maestro del horror biológico, de las atmósferas turbadoras y de un universo tan personal como intransferible, Cronenberg ha dirigido una veintena de largometrajes entre los que destacan obras convertidas en clásicos de géneros como la ciencia ficción, el terror, el drama psicológico o el thriller.

En 2004 el Festival de San Sebastián proyectó Crash (1996) en el marco de la retrospectiva Incorrect@s y tres años después Cronenberg visitó San Sebastián por primera y única vez hasta la fecha para inaugurar la Sección Oficial a concurso con Eastern Promises (2007).

Hijo de una pianista y de un escritor, David Cronenberg creció entre libros y cómics que cimentaron su interés por la cultura y el cine. Autodidacta, sus primeros trabajos fueron cortos como Transfer (1966) y From the Drain (1967), a los que siguieron sus primeros largometrajes, de corte experimental, Stereo (1969) y Crimes of the Future (1970), cuyo título coincide con el de su película más reciente.

En estas obras primerizas podían rastrearse ya los rasgos de una filmografía marcada por temas como la enfermedad, la violencia, el sexo, el cuerpo o la experimentación científica. Esta última está muy presente en la primera etapa de su obra, por ejemplo, en Vinieron de dentro de…(1975), Rabia (1977) o Cromosoma 3, (1979), en las que conviven parásitos asesinos, plagas violentas y terapias fallidas para tratar psicópatas.

También firmó encargos como Fast Company (1979), una película sobre carreras de coches, aunque los títulos que forjaron su prestigio como autor dentro del cine de género más radical fueron Scanners (1981), sobre un grupo de personas con mortales poderes mentales, y Videodrome (1983), una de las cimas de la estética de la Nueva Carne.

Tras narrar en La mosca (1986) la asfixiante historia de un científico que se transforma en insecto, contó con Jeremy Irons para protagonizar dos de sus siguientes películas: Dead Ringers (1988), en la que el actor se desdobló para encarnar a unos atormentados ginecólogos gemelos, y M. Butterfly (1993), el ambiguo romance entre una misteriosa diva de la ópera y un diplomático francés en la China de los años 60.

Cronenberg ha llevado a la pantalla novelas de escritores tan icónicos como Stephen King (The Dead Zone, 1983), William Burroughs (The Naked Lunch, 1991), quizá su mayor obra de culto y J.G. Ballard, a quien adaptó en Crash (1996), que analizaba la excitación sexual de varios personajes al sufrir accidentes automovilísticos y que obtuvo el Premio Especial del Jurado en el Festival de Cannes.

Tras adentrarse en la realidad virtual con eXistenZ (1999) y asomarse a los abismos de la enfermedad mental en Spider (2002), el cineasta canadiense inauguró una etapa en su filmografía en la que el fantástico dejó de ser el ingrediente principal de su cine, hasta que ahora, 20 años después, acaba de estrenar Crimes of the Future (2022), una revisión o compendio de sus antiguas obsesiones.

Esta última película supone su cuarta colaboración con el actor Viggo Mortensen, con quien primero rodó Una historia de violencia (2005), un thriller sobre un hombre marcado por un intrigante pasado. Los otros filmes son Promesas peligrosas (2007), una inmersión en el infierno de la mafia rusa de Londres, y Un método peligroso (2011), en la que Mortensen interpretaba a Sigmund Freud.

Los dos últimos títulos anteriores a  Crimes of the Future fueron Cosmopolis (2012), adaptación de la novela de Don DeLillo, y Maps to the Stars (2014), una ácida reflexión sobre la fama.

En ambos trabajos participó Robert Pattinson, uno de los últimos en sumarse a la amplia nómina de estrellas con las que David Cronenberg ha trabajado a lo largo de su dilatada carrera y en la que destacan, entre otras, Juliette Binoche –otro de los Premios Donostia de esta edición–, Gabriel Byrne, Willem Dafoe, Geena Davis, Michael Fassbender, Ralph Fiennes, Jeff Goldblum, Ed Harris, Holly Hunter, William Hurt, Keira Knightley, Jude Law, Jennifer Jason Leigh, Miranda Richardson, Martin Sheen, James Spader, Christopher Walken, Naomi Watts, Peter Weller y James Woods.

David Cronenberg también ha intervenido como actor en películas de otros cineastas como, por ejemplo, en Nightbreed (1990, Clive Barker), To Die For (1995, Gus Van Sant), Extreme Measures (1996, Michael Apted) y Falling (2020), cuyo director, Viggo Mortensen, fue Premio Donostia 2020.

Además, ha sido distinguido con la Orden de Canadá y es Oficial de la Orden de las Artes y las Letras y Caballero de la Legión de Honor francesas. En 2014 publicó su primera novela, Consumed: A Novel.

 

“Carajita”: conflicto de clases en Las Terrenas.

Carajita es uno de los filmes dominicanos que más expectativas ha creado previo a su estreno en los cines. La razón es simple: Carajita tuvo su estreno en el Festival de San Sebastián, uno de los pocos festivales clase A del mundo, donde consiguió una mención de honor en la categoría de Nuevos directores. Luego, en el Festival de Fine Arts, consiguió el premio a la Mejor Película, una racha ganadora que ha continuado con premios similares en los festivales de Miami y Guadalajara.

Lo digo de entrada para que quede claro: Carajita paga con creces todas las expectativas y entra por méritos propios dentro de las 5 mejores películas dominicanas en la historia de nuestra joven industria. 

El azar es caprichoso.

Para que un filme sea representativo de una nación debe abrazar algunos de los elementos que conforman la identidad de quienes quiere representar. Carajita desde su título alude a un americanismo que forma parte de nuestro léxico y abre con una reflexión sobre el azar que forma parte del ADN del dominicano: “El azar es caprichoso”, una especie de axioma existencial que nos marca de manera inexpugnable para cada cosa que pensamos, intentamos o hacemos.

Yarisa, personaje central a quien su familia llama Santa (para evitar cualquier tipo de embrujo), vive a merced de sus presentimientos: recibe avisos de que algo va a pasar y esa certeza le crea un desasosiego que no puede explicar.

Yarisa ha creado un vínculo muy especial con Sara, la adolescente de la familia De Moya, a la que ella sirve con sumisión de esclava moderna. Esta es una familia disfuncional cuya riqueza tiene su origen en la corrupción, típica de los políticos criollos, una riqueza que despilfarran en excesos con los que buscan definirse.

Sara encuentra en Yarisa el amor que no le brinda su madre biológica y, entre ellas, cualquier abrazo, cualquier palabra, cualquier caricia, destila una cálida complicidad. Un lazo que verá cuestionada su fortaleza, porque es caprichoso el azar.

Realidad versus Metarealidad.

Triste realidad: unos todo lo tienen y otros no tienen nada. ¿Es la misma realidad o son dos realidades distintas? Para los primeros, la realidad se define en cosas concretas o en cosas que pueden comprarse con dinero, como la lealtad de otros del mismo círculo. Es gente que siempre se sale con las suyas porque tiene el dinero para financiar sus posibilidades.

Para los segundos, la realidad está poblada de sueños de superación y otras supersticiones, que conforman un mundo en donde lo mágico envía permanentes señales, de evidencias más allá de lo racional. Para ellos, cualquier suceso altera el orden del cosmos y desencadena el látigo de la ira de los dioses.

Las Terrenas, lugar paradisíaco de Dominicana, emerge como escenario perfecto para este conflicto de clases. La naturaleza presta su magia compositiva para acabar de una buena vez con el mito del jardín divino. En realidad, las diferencias sociales están presentes, todo lo demás es ilusión de ternura y nos deja pidiéndole respuestas al mar.

Para unos, el alcohol y otras sustancias funcionan como elixir para atravesar los espejos sin inmutarse: el efecto del país de las maravillas. Para los otros, la soledad de un rincón con una bachata de fondo. Para unos, un complejo de culpa que se diluye en cualquier juego de infancia. Para los otros, la conformidad.

En la parte formal, Carajita emerge como unos de los guiones más sólidos de nuestro cine y hace uso de una de las pocas verdades absolutas de cualquier narrativa: menos siempre es más. Con pocas palabras, se presentan los perfiles sicológicos de los personajes y se contextualizan los hechos sin la necesidad (o la necedad) de mostrarlo todo.

En efecto, es más lo que se esconde que lo que vemos y, en más de una ocasión, el filme lleva al espectador a regocijarse con la posibilidad de jugar a los géneros. No se hagan ilusiones: es un drama, puro y duro como nuestra realidad.

Hay que destacar la excelente fotografía y edición, elementos que contribuyen de manera notable a los tempos del filme, así como la actuación de Magnolia Núñez (también premiada en Guadalajara) y Cecile van Welie: dos presencias asombrosas sobre las cuales descansa el conflicto central del filme.

Carajita es una de las mejores buenas nuevas para el cine dominicano de los últimos años.

 

Carajita (2021). Dirección: Silvina Schnicer y Ulises Porra; Guion: Ulla Prida, Silvina Schnicer y Ulises Porra; Fotografía: Iván Gierasinchuk y Sergio Armstrong; Edición: Delfina Castagnino y Ulises Porra; Música: Andrés Rodríguez; Sonido: Franklin Hernández; Elenco: Magnolia Núñez, Cecile van Welie, Richard Douglas, Adelanny Padilla.