Venecia 2026: Premio Cartier para Luca Guadagnino.

 

La Biennale di Venezia y Cartier se complacen en anunciar que el director y productor italiano Luca Guadagnino (After the Hunt, Call Me By Your Name) ha sido galardonado con el Premio Cartier Glory to the Filmmaker del 83.º Festival Internacional de Cine de Venecia (del 2 al 12 de septiembre), dedicado a una personalidad que ha realizado una contribución particularmente original a la industria cinematográfica contemporánea.

La ceremonia de entrega del premio a Luca Guadagnino tendrá lugar el martes 8 de septiembre en la Sala Casinò, antes de la proyección fuera de competición de su nuevo documental, Joie de vivre (Italia).

La 83ª edición del Festival Internacional de Cine de Venecia de la Bienal de Venecia se celebrará en el Lido del 2 al 12 de septiembre de 2026, bajo la dirección de Alberto Barbera.

Al aceptar el premio, Guadagnino declaró: “Puede parecer un gesto retórico decir que me siento honrado de recibir el premio Gloria al Cineasta, pero es la pura verdad por muchas razones. Ser reconocido por el oficio o la vida como cineasta es una ambición que nadie que hace películas podría siquiera imaginar alcanzar, especialmente al unirme a un grupo de cineastas que han recibido este prestigioso galardón antes que yo y a quienes debo tanto de mi desarrollo. Por eso, quiero recalcar una vez más el honor que supone recibir este premio, especialmente de Alberto Barbera y la Bienal de Venecia. ¡Muchas gracias!”.

El director del Festival, Alberto Barbera, acogió con satisfacción este anuncio: «El premio "Gloria al Cineasta" rinde homenaje a Luca Guadagnino, un autor que ha sabido transformar su curiosidad en libertad creativa. Sin encasillarse en ninguna escuela o movimiento concreto, se ha consolidado como un director de talla mundial, capaz de trabajar con destacados actores y productores internacionales. Ha explorado diversos géneros —desde el melodrama hasta el terror, pasando por el drama de iniciación y el thriller psicológico— manteniendo una voz propia y reconocible, sin perder jamás una profunda identidad italiana en la representación de cuerpos, escenarios e historia. Su cine es vital y no teme arriesgarse: nómada, sensual, sofisticado pero accesible a un público amplio, donde la provocación intelectual y la emoción, la memoria y la modernidad conviven en perfecta armonía. "Gloria al Cineasta" honra la originalidad de una visión que ha logrado renovar el lenguaje del cine contemporáneo, celebrando una trayectoria que ha propiciado un verdadero diálogo entre la autoría italiana y el mundo entero».

Cartier se enorgullece de unirse a la Bienal de Venecia para homenajear a Luca Guadagnino, cineasta que ha superado constantemente los límites de su oficio, creando una obra inconfundiblemente suya. Sus colaboraciones con destacados actores, guionistas, compositores y técnicos han dado como resultado algunas de las obras más singulares del cine contemporáneo, así como una narrativa audaz propia de un director que desafía las clasificaciones. Con el Premio Cartier Gloria al Cineasta, reconocemos la influencia perdurable de un artista que ha enriquecido las posibilidades de la expresión cinematográfica.

Locarno 2026: Premio Leopardo de Oro para James Gray.

El director estadounidense James Gray recibió el premio Pardo alla Carriera a la trayectoria profesional en el Festival de Cine de Locarno. El pasado domingo, en la Piazza Grande, Gray recibió su Leopardo de Oro, antes de presentar su nueva película, Paper Tiger (2026).

Además, dos películas de su filmografía formarán parte del programa de Locarno79, que tiene lugar hasta el próximo 15 de agosto: We Own the Night (2007) y Two Lovers (2008).

Desde que ganó el León de Plata en el Festival de Cine de Venecia con tan solo 25 años por Little Odessa (1994), James Gray ha forjado una carrera singular, profundamente inspirada por sus recuerdos de infancia en la comunidad ruso-judía de Nueva York.

Películas como The Yards (2000), We Own the Night (2007), Two Lovers (2008) y The Immigrant (2013) lo han consolidado como una de las voces más singulares del cine estadounidense. El cineasta explora el mundo del hampa con la misma meticulosa atención al detalle con la que aborda las dinámicas familiares.

Sus películas, a menudo ambientadas en Brighton Beach, el barrio neoyorquino de su juventud, entablan un diálogo constante con los grandes clásicos del cine estadounidense y europeo.

Durante la última década, mientras se consolidaba junto a los más grandes directores estadounidenses, Gray ha ampliado el alcance de su exploración de la promesa, a menudo ilusoria, del sueño americano, aventurándose en una amplia variedad de temas, como la exploración colonial, los viajes espaciales y los prejuicios raciales.

A través de La ciudad perdida de Z (2016), protagonizada por Charlie Hunnam y Robert Pattinson en los papeles principales, Ad Astra (2019), protagonizada por Brad Pitt, y Armageddon Time (2022), protagonizada por Anthony Hopkins, ha revelado nuevas facetas de su cine a un público más amplio, sin dejar de conservar su estilo inimitable.

Con Paper Tiger, presentada este año en competición en Cannes y seleccionada para inaugurar el Festival de Cine de Nueva York en septiembre, Gray regresa al Nueva York de sus primeros años y a la década de 1980 de su juventud. La historia sigue a dos hermanos que, impulsados ​​por la esperanza de una vida mejor, terminan involucrados con la mafia rusa.

Reconocido por su habilidad para sacar lo mejor de los mejores intérpretes del cine contemporáneo, el director ofrece a Adam Driver, Scarlett Johansson y Miles Teller papeles excepcionales en una película que culmina una visión artística de larga trayectoria.

Para esta película, Gray ha reunido una vez más a muchos de sus colaboradores habituales, entre ellos el director de fotografía Joaquín Baca-Asay, el compositor Christopher Spelman, el diseñador de producción Happy Massee, el director de casting Douglas Aibel, el editor Scott Morris y la diseñadora de vestuario Amy Roth.

Giona A. Nazzaro, directora artística del Festival de Cine de Locarno, declaró: «James Gray es el último gran novelista del cine estadounidense. En su filmografía, las distintas películas se unen para formar una vasta obra que refleja ecos de la diáspora judía y del cine negro, así como de la literatura rusa y norteamericana».

Premio Donostia 2026: Werner Herzog.

El director, guionista, productor y actor Werner Herzog recibirá un Premio Donostia en reconocimiento a su carrera durante la gala de apertura del Festival de San Sebastián, que tendrá lugar del 18 al 26 de septiembre en su 74ª edición.

La máxima distinción honorífica del Festival para el cineasta alemán irá acompañada de la proyección de su nuevo largometraje, Bucking Fastard, que competirá en el próximo Festival de Venecia.

A lo largo de una carrera que abarca seis décadas, Werner Herzog se ha convertido en una de las figuras más influyentes del cine contemporáneo, construyendo una obra extraordinaria ―alrededor de 80 filmes― y moldeada por la obsesión, las situaciones extremas y las contradicciones de la naturaleza humana.

Sus películas, tanto de ficción como de no ficción, están pobladas por soñadores y conquistadores que se enfrentan a paisajes extremos y fuerzas que escapan a su control.

Guiado por su concepto de "verdad extática", Herzog defiende un cine que trasciende la mera observación de los hechos para revelar una dimensión más profunda y poética de la realidad.

La proyección del Premio Donostia, que tendrá lugar en el Teatro Victoria Eugenia, contará con la última película de Werner Herzog. Protagonizada por Rooney Mara, Kate Mara, Orlando Bloom y Domhnall Gleeson, Bucking Fastard cuenta la inusual historia de dos hermanas gemelas cuyo vínculo extraordinario las lleva a hablar al unísono, amar al mismo hombre y compartir los mismos sueños.

Las películas más taquilleras del mundo.

El estreno de Spiderman: un nuevo día y sus impresionantes $927 millones de dólares recaudados en todo el mundo durante su primer fin de semana, incluyendo 160,000 boletas vendidas en Dominicana, nos lleva a revisar el listado histórico de las más taquillera en todo el mundo.

El puesto n.1 es para Avatar (2009), la justificación de James Cameron para el advenimiento de la nueva tecnología del 3D. Este filme engrosó $2,923,710 millones de dólares.

En el no.2 se ubica Avengers: Endgame (2019): estamos viviendo el tiempo de los superhéroes y con el Universo Cinematográfico Marvel como centro de todo. Anthony y Joe Russo cerraron la primera fase del UCM con este filme que obtuvo $2,799,439 mdd y dejó bien claro que habrá superhéroes para rato, con Thanos fuera de combate. 

Le sigue Avatar: el camino del agua (2022), del universo creado por James Cameron, que alcanzó unos $2,334,484 mdd en su exhibición en cines.

El puesto no.4 se encuentra Ne Zha 2 (2025), filme del chino Yu Tang, que con $2,270,700 mdd fue un fenómeno en todo el mundo, menos en América donde ha tenido limitada exhibición.

No. 5: Titanic (1997), otra de Cameron, que en su estreno consiguió US$2,264,812 mdd y arrasó en los Premios de la Academia, consagrando a James Cameron como “King of the World”.

Star Wars: El despertar de la Fuerza (2015, J.J. Abrams) es, oficialmente, la película de mayor recaudación en la historia del cine en Estados Unidos: $936.6 millones de dólares, y tiene la hazaña de pulverizar más de 50 récords en su camino a la cima. Su total recaudado: $2,071,310 para la 6ta. posición.

No. 7: Avengers: Infinite War (2019, Joe y Anthony Russo): la cosa es muy clara: cuando tienes a Ironman, Thor y el Capitán América de protagonistas debes buscarte a un villano extraordinario, así como Thanos, quien destruyó el 50% del universo con un solo chasquido, para delicia de los adolescentes que aportaron $2,052,415 mdd de sus mesadas.

La anterior entrega del arácnido, Spiderman: No Way Home (2021, Jon Watts) tiene el mérito de regresar las multitudes a los cines postpandemia. Sus $1,921,426 mdd son la mejor demostración de que las nuevas generaciones también compran boletas. Es el 8vo. puesto en todo el mundo.  

Zootopia 2 (2025) es una delicia de animación que dejó claro que la familia también puede convertir un filme en un fenómeno de taquilla: $1,866,647 millones de dólares.

El Top 10 se cierra con Intensa Mente 2 (2024, Kelsey Mann): Pixar y Disney lograron un mega éxito con la divertida segunda entrega de las aventuras de Riley. $1,698,863 mdd en taquilla para esta joya de la animación que Leyla Sophia, mi nieta, tiene entre sus filmes favoritos.

Al momento de escribir esta nota, Spiderman: un nuevo día suma $1,155,469 millones de dólares. Es obvio que entrará al Top 10 este fin de semana y escalará varios puestos más en la lista. Ya compré mi palomitas.

“Spiderman” arrasa en las taquillas.

Spider-Man: un nuevo día recaudó el fin de semana de su estreno $927 millones de dólares en todo el mundo, el segundo mejor estreno de la historia tras Avengers: Endgame y se convierte en el mejor de este año, según datos de la web Box Office Mojo.

Tom Holland encarna por cuarta vez a Peter Parker y se convierte en uno de los actores con más atractivo en la taquilla. La película, dirigida por Destin Daniel Cretton, cosecha buenas críticas con un 90% en Rotten Tomatoes y una calificación ‘A’ en CinemaScore.

El filme ha recaudado $355 millones de dólares en Estados Unidos y $572 millones en el resto de mercados. China, con $121 millones de dólares de recaudación ha sido clave en el éxito de taquilla, seguido de Reino Unido ($49 millones de dólares), México ($38 millones) e India ($31 millones).

«Es un estreno verdaderamente fenomenal», señaló Kevin Feige, presidente de Marvel Studios y productor del filme. «Este debut -añade- refleja el poder perdurable de los personajes de Marvel y la conexión que siguen manteniendo con los fans de todo el mundo; además, tal y como ha podido comprobar el público, sienta las bases para cosas apasionantes que están por llegar».

El primer Spiderman protagonizado por Tom Holland, Spider-Man: Homecoming (2017), debutó con $117 millones de dólares en el mercado norteamericano y cerró la taquilla con $880 millones a nivel mundial. La secuela de 2019, Spider-Man: Far From Home, arrancó con $92 millones en Norteamérica e impulsó su recaudación global hasta los $1.130 millones de dólares.

Spider-Man: No Way Home alcanzó cifras todavía mayores, con $1.900 millones de dólares de recaudación en todo el mundo, gracias a la participación de los tres Spider-Man —Holland, Tobey Maguire y Andrew Garfield— que compartieron pantalla.

El filme, en el que también aparecen Zendaya y Mark Ruffalo, ha conseguido superar en un solo fin de semana la cifra total obtenida durante dos semanas en cines por La Odisea que suma $51 millones en la taquilla norteamericana y alcanza los $911,3 millones de dólares en todo el mundo.

Manolo Solo (1964-2026)

El actor Manolo Solo, un rosto fundamental del último cine español, ha fallecido en Madrid a los 62 años a causa del cáncer. Deja en su filmografía algunas de las películas que han marcado las últimas décadas de nuestro cine, donde se fraguó como actor de reparto durante décadas, para dar el salto a papeles protagonistas a las órdenes de Víctor Erice o Avelina Prat.

Nacido en Algeciras y criado en Sevilla, Manuel Jesús Fernández Serrano inició su carrera artística tras licenciarse en Ciencias de la Información y diplomarse en la Escuela Superior de Arte Dramático de la capital andaluza, donde combinó sus primeros trabajos en los escenarios con su faceta como cantante y músico en bandas de rock, de donde nace su nombre artístico.

La primera parte de su carrera delante de las cámaras tuvo lugar en televisión, donde intervino en Policías, en el corazón de la calle, Cuéntame cómo pasó o Amar en tiempos revueltos. Durante esos años, interviene por primera vez en el cine, en la película Cuando todo esté en orden (2002), firmada por César Martínez Herrada. Tras pequeños papeles en La flaqueza del bolchevique (2003), 7 vírgenes (2005) Celda 211 (2009) o La isla mínima (2014), su punto de inflexión en popularidad y prestigio llega con B, la película (2015), donde logra su primera nominación al Goya.

Un año más tarde, termina de consagrarse con Tarde para la ira (2016), de Raúl Arévalo, que le valió el Goya a Mejor Actor de Reparto. Desde entonces, el andaluz ha sido uno de los rostros más requeridos de nuestro cine, sumando papeles en El guardián invisible (2017), de Fernando González Molina; Tiempo después (2018), de José Luis Cuerda; La sombra de la ley (2018); de Dani de la Torre; Josefina (2021), de Javier Marco; Girasoles silvestres (2022), de Jaime Rosales; o El buen patrón (2021), de Fernando León de Aranoa, por la que vuelve a estar nominado al Goya.

Tras décadas interpretando papeles secundarios, nada menos que Víctor Erice le elige para su primer papel protagonista, en el regreso al cine tras tres décadas del cineasta vasco, Cerrar los ojos (2023), con la que obtiene una nominación al Goya como Mejor Actor Protagonista. Después, sumaría otros personajes principales en La desconocida, de Pablo Maqueda (2023); A la cara (2025), de Javier Marco; y Una quinta portuguesa (2025), de Avelina Prat, por la que de nuevo es nominado al Goya.

El último crédito de Manolo Solo es La desconocida, de Gabe Ibáñez, y deja pendiente de estreno la producción portuguesa Aquí, de Tiago Guedes. El actor se encontraba en pleno rodaje de la serie Las vecinas.

Globos de Oro tildan de “absurda” demanda.

La propietaria de los Globos de Oro, Penske Media, tildó de «absurda» e «irracional» la demanda interpuesta por la antigua Asociación de la Prensa Extranjera de Hollywood (HFPA, en inglés), acusando a la empresa propietaria de los galardones de violar las leyes antimonopolio.

«La transacción de los Globos de Oro se cerró hace más de tres años y recibió todas las aprobaciones necesarias; cualquier afirmación de que no se cerró, o que aún pueda revertirse, es, una vez más, rotundamente falsa», indicó un portavoz de estos premios, considerados la antesala de los Óscar, en un comunicado.

La demanda de la HFPA «es una lamentable distracción que desvía indebidamente recursos de causas benéficas legítimas», agregó.

«Nos preocupa que la HFPA, una organización tan criticada por sus fallas éticas, su falta de inclusión, su racismo y su mala conducta con el talento, siga encontrando abogados dispuestos a impulsar demandas tan ilegítimas», sentenció el texto.

La HFPA presentó una demanda ante un tribunal de Los Ángeles acusando a la actual empresa propietaria de los Globos de Oro de violar las leyes antimonopolio federales y estatales a través de un plan clandestino para hacerse con el control de los galardones.

La demanda reza que la maniobra buscaba «adquirir fraudulentamente los prestigiosos y valiosos Globos de Oro, con 80 años de historia, destruir a su fundador y antiguo propietario, la HFPA, y ejercer un control monopolístico sobre los mercados de publicidad, premios y comercio de Hollywood».

La antigua organización de los premios exige una indemnización de al menos 150 millones de dólares por daños y perjuicios, así como la anulación de los acuerdos que transfirieron la propiedad de los Globos de Oro.

La HFPA funcionó durante 80 años como una asociación sin ánimo de lucro de periodistas extranjeros encargada de organizar uno de los galardones más prestigiosos de Hollywood, hasta que un reportaje publicado en febrero de 2021 por Los Angeles Times destapó una grave falta de diversidad en su membresía.

San Sebastián 2026: la Sección Oficial.

Los nuevos largometrajes de Nicole García, Pablo Larraín, Mike Leigh, Hans Petter Moland, Benjamín Naishtat y Yeşim Ustaoğlu, además de la ópera prima de Maha Harada, competirán en la Sección Oficial de la 74ª edición del Festival de San Sebastián, que se celebrará del 18 al 26 de septiembre.

La ganadora de un Oscar y Premio Donostia Marion Cotillard y Théodore Pellerin protagonizan Milo, el nuevo largometraje de Nicole García (Orán, 1946), con quien la actriz vuelve a trabajar después El sueño de Gabrielle (2016). La cineasta, guionista e intérprete francesa estrenará en San Sebastián una historia en la que una mujer sale de prisión y empieza a trabajar de camarera en una cafetería para acercarse a un joven que trabaja en la zona.

Con varios best sellers inspirados en el mundo del arte, como Canvas of Paradise y Guernica Cover up, la escritora y guionista Maha Harada (Tokyo, 1962) debuta como cineasta y optará a la Concha de Oro con In My Father’s Room. Con un guion propio basado en su novela An Unnecessary Man, la directora japonesa cuenta la historia de la trabajadora de un museo que recibe una misteriosa llave que abre la habitación que en otro tiempo utilizó su fallecido padre.

Pablo Larraín (Santiago de Chile, 1976) regresa con Mis muertos tristes, serie que en el Festival será presentada en su formato de largometraje y en cuyo reparto figuran Mercedes Morán, Dolores Fonzi y Carolina Álvarez. La historia, basada en cuatro relatos de Mariana Enriquez, cuenta el caso de Ema, una mujer que puede ver y escuchar a los muertos.

Tras estrenarse en la Sección Oficial con Mi única familia (2024), Mike Leigh (Brocket Hall, 1943) regresa a la competición con Tender Loving Care, un largometraje protagonizado por Marion Bailey, Paul Jesson, Kate O’Flynn y Alice Bailey Johnson en el que el cineasta británico continúa su lúcida exploración del mundo contemporáneo.

El cineasta noruego Hans Petter Moland (Oslo, 1955) volverá a la Sección Oficial con Growth of the Soil, una historia ambientada en algún lugar del norte de Noruega donde una pareja pone a prueba su amor ante los desafíos que se ciernen sobre ellos.

Benjamín Naishtat (Buenos Aires, 1986) ganó en 2018 con Rojo la Concha de Plata a la mejor dirección y al mejor actor para Darío Grandinetti, además del Premio a la mejor fotografía. Puan (2023) le valió el Premio a mejor guion escrito junto a María Alché, y la Concha de Plata ex aequo a la mejor interpretación protagonista para Marcelo Subiotto. En esta ocasión, el cineasta opta a la Concha de Oro con la película Glaxo, escrita por el director a partir de la novela homónima de Hernán Ronsino y protagonizada, entre otros, por Lali Espósito, Marcelo Subiotto y Esteban Bigliardi. Transcurre en 1957 en un tranquilo pueblo argentino, donde la llegada de un siniestro excomisario de policía y su seductora esposa fractura el vínculo entre cuatro jóvenes inseparables.

What Remains es el título del último largometraje de Yeşim Ustaoğlu (Caykara, 1960), que ganó la Concha de Oro a la mejor película con La caja de Pandora (2008), cuya protagonista, Tsilla Chelton, fue reconocida ex aequo con la Concha de Plata a la mejor actriz. En esta ocasión, la cineasta turca cuenta el viaje interior de una poetisa que rompe con el orden asfixiante de su vida para reconectar consigo misma y cuestionarse todo lo que le rodea.

Estas siete películas se suman a los nueve títulos de Sección Oficial ya anunciados. Entre los largometrajes a concurso figuran El mal padre, de Roberto Bueso; Saints, de Mikel Gurrea, y 5 minutos más, de Javier Ruiz Caldera. Y, por ahora, la sección completa su programación con las siguientes proyecciones especiales fuera de concurso: Último Adiós, de Koldo Almandoz; Ruega por nosotras, de Daniel Monzón, Sacamantecas, de David Pérez Sañudo y Bajañí, de Fernando Trueba, además de la serie Más allá de la sociedad, de Carlos Torres.

Venecia 2026: la Sección Oficial.

Veinte películas optarán este año al León de Oro del Festival de Venecia: una lista con mucho cine político, el regreso de maestros como Nanni Moretti, Werner Herzog o Lee Chan-Dong y escasa presencia femenina, con solo una directora en la competición principal.

El director del certamen, Alberto Barbera, anunció la Selección Oficial de la edición 83ª de la Mostra y muchas de las historias que se proyectarán entre el 2 y el 12 de septiembre estarán impregnadas de actualidad.

«Todos los grandes problemas del mundo contemporáneo se reflejan en películas que no se conforman con ser una simple crónica (…) Las guerras, el cambio climático, las migraciones, las crecientes tensiones sociales no han dejado de estar presentes», afirmó.

La sección oficial en la que se competirá por el codiciado León de Oro está compuesta por veinte películas en la que llama la atención un dato: solo una está dirigida por una mujer: Woman Unknown, debut veneciano de la danesa-egipcia May el-Toukhy.

Por otro lado, la lista revela el regreso de algunos maestros del Séptimo Arte: el italiano Nanni Moretti, por ejemplo, acaba con casi cuatro décadas de ausencia en el Lido -desde el sonado estreno de Vaselina roja (1989) y llegará con su último trabajo, Sucederá esta noche, con Louis Garrel en el papel principal.

Otros regresos dstacados serán el del surcoreano Lee Chang-dong con Possible Love; o el del veterano cineasta alemán Werner Herzog y su cinta Bucking Fastard, con Kate y Rooney Mara y Orlando Bloom en el reparto.

Especial peso tendrán las producciones japonesas: Hirokazu Koreeda competirá por el León de Oro con Look Back y Shinya Tsukamoto lo hará con la que es su obra más ambiciosa, Mr. Nelson. Did you Kill People?, sobre el caso real de un veterano de Vietnam.

Otro título muy esperado en el Festival de Venecia es Bunker, del francés Florian Zeller y protagonizada por la pareja española Penélope Cruz y Javier Bardem, además de Stephen Graham, Paul Dano y Patrick Schwarzenneger.

El británico Martin McDonagh estrenará Wild Horse Nine, con John Malkovich, Sam Rockwell, Steve Buscemi, Tom Waits, Parker Posey y la chilena Mariana di Girolamo en una historia sobre una misión de una agente de la CIA durante la dictadura de Augusto Pinochet.

Mientras que el estadounidense Cassey Affleck llevará al Lido su cuarto largometraje como director, Company, protagonizado por Nick Nolte, y su compatriota Lance Oppenheim estrenará Primetime, con Robert Pattinson y coproducida por Ari Aster.

Italia, como es natural, tendrá un amplio peso. Además de la de Moretti, están L’Estranea de Paolo Strippoli, Il fuoco che ti porti dentro de Edoardo De Angelis, The Eco Chamber, de Andrea Pallaoro y último guion escrito por Bernardo Bertolucci, fallecido en 2018 y que tiene en su reparto a Alicia Vikander y Susan Sarandon.

Y el italo-chileno Marco Bechis competirá con Ritorno a Buenos Aires, en la que cuenta la historia de un secuestrado durante la dictadura militar argentina.

Desde Francia, llegarán tres cintas: Un bon petit soldat de Stéphane Brizé, Un peu avant minui de Nicolas Parissier, y 15/18 de Cédric Kahn.

La lista se completa con el cineasta iraní Ali Asgari, que propondrá A Bit of Life y el ruso Iliá Jrzhanovski, con DAU, mientras que el británico Danny Boyle, como ya se anunció hace unos días, abrirá el certamen con Ink.

Venecia 2026: “Ink”, de Danny Boyle, filme de inauguración.

La película Ink, dirigida por Danny Boyle, ha sido elegida para inaugurar el Festival de Venecia el próximo 2 de septiembre, compitiendo también por el codiciado León de Oro, según han anunciado los organizadores del certamen.

«Este será mi bautismo en la Mostra: es un inmenso honor estar en una ciudad tan rica en arte e inaugurar este gran festival con mi nueva película», ha celebrado en un comunicado el autor de cintas como Trainspotting (1996) o Slumdog Millionaire (2008).

El cineasta británico se encargará de abrir el certamen veneciano con su nueva cinta, Ink, una adaptación de la obra teatral homónima del dramaturgo James Graham y que está protagonizada por Jack O’Connel, Guy Pearce y Claire Foy. 

Ink es un drama político ambientado en 1969, la película sigue al magnate de los medios Rupert Murdoch y al editor Larry Lamb mientras relanzan el periódico The Sun y cambian el mundo del periodismo sensacionalista.

Boyle anunció el estreno junto con una carta: "He ido a la Bienal muchas veces, pero este es mi bautismo en el festival de cine; un gran honor estar en una ciudad de arte tan extraordinario e inaugurar este gran festival con mi nueva película, Ink.

1969: el año en que caminamos por primera vez sobre la luna, y el año en que Rupert Murdoch y Larry Lamb lanzaron un periódico que cambiaría el mundo mucho más.

Mucho antes de Fox News, el clickbait y Truth Social; décadas antes de Twitter, Facebook, Google y OnlyF@ns, estos dos hombres crearon un nuevo tabloide que, contra todo pronóstico, se convirtió en el periódico más vendido del mundo.

Descarado, irreverente, audaz: The Sun desafió al sistema y rehizo nuestro mundo para la era moderna. Un guion de James Graham que me sentí obligado y privilegiado de realizar.”

“La Odisea”, de Christopher Nolan.

Christopher Nolan es el único cineasta contemporáneo capaz de convertir La Odisea, un épico poema griego, en un espectáculo de $250 millones de dólares que las audiencias esperan con ansiedad.

En una nota anterior, daba a conocer algunos de los detalles técnicos de esta odisea de Nolan y ya sabemos algunos primeros resultados: las boletas en formato IMAX en Estados Unidos están agotadas para las primeras semanas…desde hace un año. Y mientras escribo estas líneas ya se reportan $124.5 millones de dólares en su primer fin de semana en USA y otros $137.3 millones en el resto del mundo, para un asombroso total de $261.8 millones de dólares, el mejor en la carrera de Nolan.

El filme ya forma parte de la historia al ser la primera película rodada íntegramente en IMAX 70mm. Independientemente del formato, esta nueva entrega de Nolan de dos horas y 52 minutos, se sustenta en un sólido guion, como ya es habitual en este cineasta, y muestra los eventos con un dramatismo ascendente que mantiene el interés del espectador y nos conduce a un final conocido, pero completamente satisfactorio. En más de un sentido, La Odisea se presenta como un thriller de suspenso, muchas intrigas y alta política, como corresponde al escenario donde está en juego un trono y una reina.

De alguna manera, todos conocemos algo de la trama básica del texto: luego de la Guerra de Troya y el famoso caballo, Odiseo quiere regresar a Ítaca, a su hogar, al regazo de su amada Penélope (protagonista de una de las canciones más conocidas de Serrat). En un desliz humano, le falta el respeto a Poseidón e inicia un tortuoso viaje, un viaje que pone a prueba su integridad, su inteligencia, su identidad y su perseverancia.

Antes de llegar a Ítaca deberá atravesar la isla del cíclope Polifemo, un gigante con un solo ojo, la isla de la bruja Circe, quien convierte a los hombres en cerdos, el mar de las Sirenas y su canto arrebatador, el estrecho de Escila, un monstruo que devora marineros y el dulce embrujo de Calipso, una bella hechicera que se enamora de Odiseo. En Ítaca le espera su castillo invadido por pretendientes de su esposa Penélope y lo que ella significa: acceder al trono y gobernar a sus anchas.

Nolan recrea cada segmento de la historia y construye una propuesta dramática que atrapa al espectador con sus artilugios habituales: no se narra en línea continua, sino que se nos sirven segmentos de cada historia como piezas de un rompecabezas para armar, al tiempo que la historia progresa de forma simultánea en varias líneas narrativas, que conducen al final con vuelta de tuerca, hasta donde es posible en una historia que todos (casi) conocemos.

Por supuesto, el filme hereda del poema la posibilidad para cada espectador (o lector) de identificarse con alguno de los protagonistas como correspondencia a su propia vida. Desde Odiseo, la resiliencia hecha persona, hasta Penélope, la integridad de un ideal que se sirve de la estrategia para sobrevivir, pasando por Telémaco, dominado por las ansias de conocer la verdad aunque resulte dolorosa, Antinoo es la ambición desmedida y hasta Argos, ese perro fiel que sufre un infarto masivo cuando reconoce a su amo, décadas después.

Para entender en su justa dimensión La Odisea, hay que tener en cuenta dos conceptos básicos: primero la Xenía, también conocida como Ley de Zeus: una especie de código de conducta alrededor de la hospitalidad: ser un buen anfitrión sin importar quién sea el huésped. Esta ley le impide a Penélope (y a su hijo Telémaco) echar del castillo a los pretendientes que se instalan por años hasta que la reina elija un marido.   

En segundo lugar, el Nostos que significa “regreso al hogar”. Claro que va más allá de volver físicamente, también aprender del recorrido espiritual que transforma la persona: algo que, en dramaturgia moderna se conoce como “el viaje del héroe”. Esta es la fuerza interior que empuja a Odiseo hacia su meta, más allá de lo que parece estar escrito, la verdadera libertad entre el “destino” y lo que puede elegirse como porvenir. Su verdadero reto no es solo regresar a Itaca, sino comprobar que todavía pertenece a ese mundo.

Entre ambos conceptos, Nolan se vale nueva vez de colaboradores absolutamente maravillosos: Hoyte van Hoytema, su habitual director de fotografía; y Ludwin Göransson, extraordinario compositor, ambos ganadores del Oscar por Oppenheimer (2024). Göransson ha compuesto una partitura sin orquesta, pero que integra elementos sonoros griegos y suena ancestral.

Como cualquier gran cineasta, Nolan se rodea de su grupo de actores habituales: Matt Damon (estuvo en Interestellar y Oppenheimer), Anne Hattaway (en Interestellar y Batman: el caballero oscuro) y Robert Pattinson (Tenet). Con ellos, logra una sinergia que fácilmente colocan a La Odisea en uno de los primerísimos títulos para la próxima Temporada de Premios.

 

La Odisea (2026). Dirección y guion: Christopher Nolan, basado en el poema de Homero; Fotografía: Hoyte van Hoytema; Edición: Jennifer Lame; Música: Ludwin Göransson; Elenco: Matt Damon, Anne Hattaway, Robert Pattinson, Tom Holland y Zendaya.

“Melodrama”: lo nuevo de Andrés Farías.

Andrés Farías es uno de nuestros mejores. Hace cinco años, presentó su ópera prima, Candela, con la que marcó su espacio como uno de los mejores talentos emergentes.

Ahora nos presenta Melodrama, una nueva propuesta que confirma su talento y su particular perspectiva del quehacer cinematográfico.

Si me lo permiten, acudo al diccionario: “melodrama es un género cinematográfico que exagera las situaciones, los sentimientos y las pasiones para provocar una fuerte reacción emocional en el público”. El género tiene un indudable maestro en Douglas Sirk y filmes como All That Heaven Allows (1955) o Imitación a la vida (1959) y un notable realizador en Pedro Almodóvar y filmes como Hable con ella (2002) y Volver (2006).

Sam Neill (1947-2026).

El actor neozelandés Sam Neill, célebre por dar vida al paleontólogo Alan Grant en la saga Parque Jurásico, entre otros personajes, falleció a los 78 años de forma «repentina e inesperada» en Sídney (Australia), según informó su familia.

«Con profunda tristeza, la familia de Sam Neill comunica su fallecimiento en Sídney, Australia. Sam estuvo rodeado de su familia y falleció con la dignidad que caracterizó toda su vida», señala un comunicado difundido en su cuenta de Instagram, que no detalla las causas de su muerte.

«La pérdida fue repentina e inesperada, pero nos reconforta saber que Sam no padecía cáncer. Deseamos expresar nuestro más sincero agradecimiento al personal del Hospital Privado St. Vincent por la increíble atención brindada», añade el texto.

Los familiares del actor, que también interpretó al inspector Chester Campbell en Peaky Blinders, pidieron respetar su privacidad en un momento de «inmenso dolor».

El primer ministro de Australia, Anthony Albanese, expresó sus condolencias por el deceso de Neill, quien «se ganó un lugar especial en el corazón de los australianos».

«Con un humor irónico y sutil, reflexivo y lacónico, Sam luchó contra la enfermedad con la misma dignidad, humor y convicción que daban fuerza a cada una de sus interpretaciones. Será muy extrañado y recordado por siempre», apuntó Albanese.

Nacido en Irlanda del Norte el 14 de septiembre de 1947 y afincado en Nueva Zelanda desde 1954, según la página web de los Globos de Oro, galardón al que fue candidato en tres ocasiones, Neill desarrolló su carrera durante casi cinco décadas en el cine y la televisión.

Alcanzó la fama mundial por su interpretación del paleontólogo Alan Grant en Parque Jurásico (1993), de Steven Spielberg, además de aparecer en El hombre que susurraba a los caballos (1998), entre otras.

Venecia 2026: George Clooney, León de Oro.

El actor estadounidense George Clooney, de 65 años, será galardonado con el León de Oro en premio a toda su carrera en la 83 edición del Festival de Cine de Venecia, que se celebrará del 2 al 12 de septiembre de 2026, informó la organización en un comunicado.

Al aceptar el premio, Clooney afirmó: «He vivido muchísimos momentos extraordinarios en Venecia. El Festival de Cine de Venecia es sin duda mi festival favorito, y recibir el León de Oro es un inmenso honor. Probablemente también signifique que me estoy haciendo mayor, pero no pasa nada».

Mientras que el director del certamen, Alberto Barbera, declaró que «en su triple rol como actor, director y productor, George Clooney es un artista completo y carismático, apasionado y original, que ha transformado una profunda vocación en una de las parábolas más luminosas del cine contemporáneo».

«Una carrera que comenzó sin atajos, gracias a pequeños papeles en series de televisión y películas de serie B, hasta el gran éxito alcanzado como protagonista de la serie Urgencias, han forjado a un actor capaz de habitar la pantalla con una naturalidad cautivadora, otorgándole el don de hacer que sus personajes parezcan no solo creíbles sino deseables, cercanos y humanos, gracias también a un encanto innegable», agregó.

Barbera también destacó la «combinación perfecta de glamour de estrella de antaño, gran profesionalismo y sensibilidad moderna» y su «versatilidad».

«En cada una de estas películas, ha modulado su registro sin traicionarse jamás: irónico y melancólico, fascinante y reflexivo, brillante y capaz de una profundidad inesperada. Al igual que en las nueve películas que realizó después de decidirse a ponerse detrás de la cámara, revelan una concepción del cine exigente y generosa», añadió.

El Festival de Venecia también subrayó que Clooney «ha sido reconocido tanto por su labor humanitaria a nivel mundial como por sus logros en la industria del entretenimiento».

En la carrera de Clooney como actor y director destacan sus dos premios Óscar, cuatro Globos de Oro (incluido el premio Cecil B. DeMille), cuatro premios SAG, un premio BAFTA, dos premios Critics’ Choice, un Emmy, cuatro premios National Board of Review y el premio a la trayectoria del American Film Institute.

Cuando Clooney recibió su octava nominación al Oscar en 2013, se ganó un lugar especial en la historia de la Academia, al haber sido nominado en más categorías que nadie en la historia de esos galardones.

Más recientemente, Clooney recibió una nominación al premio Tony por su debut en Broadway con Good Night, and Good Luck, donde interpretó a Edward R. Murrow en la adaptación teatral de su película de 2005, nominada al Oscar y coescrita con Grant Heslov.

Caribbean Cinemas inaugura en Ágora Santo Domingo.

Caribbean Cinemas celebró la apertura oficial de su nuevo complejo de cines en Ágora, marcando el regreso del cine a uno de los centros comerciales más emblemáticos de Santo Domingo y reafirmando su compromiso de continuar invirtiendo en el desarrollo de la industria del entretenimiento en la República Dominicana.

El acto inaugural estuvo encabezado por Robert Carrady, Presidente y Ceo de Caribbean Cinemas, junto a Gregory Quinn, Managing Director y Michael Carrady, Film Buyer y programador de la cadena de cines; José Miguel González Cuadra, del comité de accionista Ágora, y Silvia Rosales, administradora general de Ágora.

Con este evento quedaron formalmente inauguradas 6 salas completamente renovadas con proyección 100% laser, butacas reclinables en piel, sonido de última generación, el reconocido formato CXC con pantalla gigante de pared a pared, así como el nuevo concepto Víctor’s Kitchen & Bar, espacio donde iniciará y culminará una experiencia cinematográfica de primer nivel, incorporando las más recientes innovaciones en tecnología, diseño y confort.

"A lo largo de estas cinco décadas de operaciones en la República Dominicana hemos tenido el privilegio de crecer junto a este país. Hemos vivido momentos extraordinarios y también grandes retos, pero nunca hemos dejado de invertir, de innovar y de creer en el enorme potencial del mercado dominicano. Esta noche escribimos un nuevo capítulo, este complejo representa lo mejor de lo que Caribbean Cinemas sabe hacer. Pero más allá de la tecnología, hay algo que nunca debemos olvidar, en Caribbean Cinemas hacemos mucho más que exhibir películas, creamos lugares donde las familias celebran momentos especiales, donde los amigos se reúnen, y donde millones de personas cada año crean recuerdos que duran toda la vida", expresó Robert Carrady, Presidente y Ceo de Caribbean Cinemas.

Asimismo, Silvia Rosales, administradora general de Ágora destacó: “En Ágora estamos consciente de que los centros comerciales son espacios para vivir experiencias, compartir en familia, disfrutar con amigos y crear recuerdos. La llegada de Caribbean Cinemas representa precisamente eso: un lugar donde las historias cobran vida, donde la tecnología y el confort se unen para brindar una experiencia cinematográfica de primer nivel”.

Entre las principales novedades en cuanto a servicio se destacan nuevos kioscos de autoservicio para la compra de boletos y productos, amplias estaciones de candy bar y áreas de acceso diseñadas para facilitar la movilidad y brindar mayor comodidad a todos los visitantes, incluyendo personas con discapacidad.

Con esta apertura, los ejecutivos de Caribbean Cinemas reconocieron y agradecieron al equipo de trabajo dentro y fuera del grupo que hizo posible este proyecto, tales como Zumaya Cordero, directora de operaciones en el país junto al equipo interno liderado por Johaina Raposo, gerente de proyectos y operaciones, el ingeniero Richard Ramírez, Pablo Lobos, Percy castillo y Héctor Peña.

La cartelera de Caribbean Cinemas Ágora inició el jueves 2 de julio con los estrenos: Super Girl, Minions & Monstruos, Obsession, Scary Movie 2, Toy Story 5, Moana y De tal palo tal astilla. Para horarios y actualizaciones de cartelera pueden visualizar a través de la página web www.caribbeancinemas.com 

Mel Brooks cumple 100 años.

Mel Brooks, uno de los comediantes más influyentes del siglo XX, cumplió 100 años, fiel a la convicción que ha guiado su premiada obra: «La risa es un grito de protesta contra la muerte». Una filosofía plasmada en creaciones tan emblemáticas como el Superagente 86 y Los productores.

El actor, guionista, productor, director, escritor y músico, nacido en Brooklyn, en el seno de una familia judía, ha repetido en varias entrevistas que desde niño quiso dedicarse al mundo del entretenimiento.

«Me gustaba llamar la atención», dijo en una entrevista con el programa Good Morning America en 2021, a propósito del lanzamiento de su autobiografía ¡Todo sobre mí!, en la que advertía que la risa era una protesta contra la muerte y el ‘largo adiós’ que significaba.

Nacido bajo el nombre de Melvin James Kaminsky (1926), Brooks quedó huérfano de padre cuando apenas era un infante y fue criado por su madre, junto a sus tres hermanos mayores en medio de estrecheces económicas.

Combatió en Europa durante la II Guerra Mundial, una experiencia «que lo cambió», según explicó en el documental Mel Brooks: ¡El hombre de 99 años! estrenado en 2024.

Pero encontró en el humor negro, la sátira y sobre todo en la parodia una fórmula de vida que lo convirtió en referente mundial: «Me enorgullece poder decir que he hecho reír a la gente para ganarme la vida (…). Aunque pueda parecer una tontería y una soberana memez, la comedia es lo que más tiene que decir sobre la condición humana», escribió Brooks, quien adoptó el apellido de soltera de su madre, Kate Brookman.

Inició haciendo monólogos en los escenarios de Catskill, donde trabajaba como camarero, para luego abrirse paso como guionista de televisión en programas en vivo como Your show of shows de su mentor Sid Caesar.

En ese oficio alcanzó su primer gran éxito al crear, junto con Buck Henry, el Superagente 86 (1965-1970), serie que parodiaba el espionaje de la Guerra Fría, con el torpe pero eficaz Agente 86, Maxwell Smart, y la Agente 99, en su misión contra la malvada organización KAOS.

Saltó al cine con Los productores (1967), una sátira al nazismo que sigue a dos productores teatrales que pretenden hacer fraude con una obra destinada al fracaso.

La cinta, que escribió y dirigió, le valió su primer Oscar, al mejor guion original. Más de treinta años después, la adaptó en Broadway, donde hizo historia al ganar doce premios Tony, el mayor número obtenido por un musical hasta el momento.

Su prolífica carrera en Hollywood incluyó títulos con un gran número de parodias a géneros y películas dramáticas como Sillas de montar calientes (1974), El jovencito Frankenstein (1974), Máxima ansiedad (1977), Las locas, locas aventuras de Robin Hood (1993) y La loca historia de las galaxias (1987), un exitoso remedo de la Guerra de las Galaxias.

El legado del neoyorquino va más allá de la comedia, con su productora Brooksfilms, apostó por películas dramáticas como El Hombre Elefante (1980) de David Lynch, que obtuvo ocho nominaciones y consolidó la carrera del director. También estuvo detrás de la producción de éxitos como Frances (1982), Mi año favorito (1982) y La mosca (1986).

E incursionó en el mundo de la música grabando varios álbumes de comedia, muchos de ellos convertidos en clásicos, que le merecieron cuatro premios de la Academia de la Grabación.

Brooks es uno de los pocos artistas ganadores de los galardones más importantes en el circuito estadounidense conocidos como los EGOT (Emmy, Grammy, Oscar y Tony).

En 2010, plasmó las huellas de sus manos y pies frente al histórico Teatro Chino de Hollywood, donde utilizó una prótesis con seis dedos en su mano izquierda, que inmortalizó su irreverencia. También recibió la Medalla Nacional de las Artes de manos de Barack Obama, en 2016.

A sus 100 años sigue vigente trabajando apoyado por sus cuatro hijos, producto de dos matrimonios, el primero con Florence Baum, madre de los tres mayores, de quien se separó para después casarse con la actriz Anne Bancroft, el amor de su vida, y su pareja durante 45 años hasta 2005, cuando falleció.

Ya está acostumbrado a que lo interroguen sobre su secreto para llegar a esta edad: «A veces me preguntan: ‘Mel, ¿cuál es el secreto de una vida larga?’. Y siempre respondo: ‘No morir'». 

Venecia 2026: Maggie Gyllenhaal, Presidenta del Jurado.

La actriz y directora estadounidense Maggie Gyllenhaal será la presidenta del jurado de la competición de la 83 edición del Festival Internacional de Cine de Venecia, que se celebrará del 2 al 12 de septiembre, anunció en un comunicado la organización de la Mostra.

«Maggie Gyllenhaal encarna una trayectoria artística de una coherencia excepcional, construida a lo largo del tiempo con inteligencia y valentía», resaltó el director del festival, Alberto Barbera.

Es, agregó, «una actriz capaz de interpretar personajes inquietantes y complejos» que además «se reinventó como autora con The Lost Daughter (2021), que ganó el premio al Mejor Guion en Venecia».

«Su visión del cine —intelectual y visceral a la vez— se ha visto reforzada en su reciente película ¡La novia! (2026), que consolida su estatus como cineasta original».

Para Barbera contar con Gyllenhaal como presidenta del jurado «significa poder confiar en una voz autorizada e independiente, animada por esa auténtica pasión por el cine de autor que siempre ha representado el corazón del festival».

Por su parte, la cineasta aseguró que acepta con entusiasmo la tarea de ser presidenta del jurado, que será el encargado de otorgar los premios oficiales de Venecia, incluido el León de Oro, el galardón más importante.

«Venecia siempre ha apoyado voces auténticas y singulares, y me siento honrada de contribuir a que continúe esta valiente e indispensable tradición. No estaré ahí para juzgar, sino con curiosidad, admiración y entusiasmo», agregó.

Gyllenhaal comenzó su carrera como actriz en 1992, pero alcanzó el reconocimiento con su papel en la película Secretary (2000), trabajo por el que ganó el National Board Review y fue nominada a los Globos de Oro y a los Independent Spirit Awards.

Cuenta con una nominación al Oscar por Crazy Heart (2009) y ha trabajado el filmes como Donnie Darko (2001), La sonrisa de Mona Lisa (2003) y El caballero oscuro (2008).

Como guionista y directora, es responsable de The Lost Daughter, adaptación de la novela de Elena Ferrante, protagonizada por Olivia Colman, Dakota Johnson y Jessie Buckley, y que obtuvo tres nominaciones a los Oscar, a mejor actriz (Colman), mejor actriz de reparto (Buckley) y mejor guion adaptado.

Y este año estrenó ¡La Novia!, una continuación del clásico cuento de Frankenstein, de Mary Shelley. Contó de nuevo con Buckley, además de Christian Bale, Annette Bening, Penélope Cruz, Peter Sarsgaard y Jake Gyllenhaal.

Academia de Hollywood: la Clase 2026.

Estrellas en ascenso como Jenna Ortega, Teyana Taylor y Jacob Elordi, junto a los directores Benny Safdie y el español Oliver Laxe, así como el nuevo responsable de Disney, Josh D’Amaro, figuran entre los 529 artistas y ejecutivos de la industria cinematográfica invitados este año por la Academia de Hollywood a integrarse en su organización.

«Nos complace invitar a este extraordinario grupo de artistas y profesionales del cine de todo el mundo a unirse a la Academia», informaron en un comunicado el director ejecutivo de la institución, Bill Kramer, y su presidenta, Lynette Howell Taylor, quienes destacaron el compromiso de los invitados con la creación cinematográfica.

Entre los seleccionados para formar parte del organismo más importante del cine también se encuentran el actor Jon Bernthal y los hispanos Anthony Ramos (In The Heights), Miguel Sandoval (Tortilla Heaven) y Daniella Pineda (The Accountant 2).

También se destaca la invitación a varios ganadores en categorías técnicas, de animación, documental y música como EJAE y Mark Sonnenblick, ganadores del Oscar a la mejor canción por Golden, de la película K-Pop: Demon Hunters.

Del total de invitados, noventa y cinco han sido nominados al Oscar y 21 han sido ganadores de una estatuilla. Un 42 % son mujeres y un 53 % son originarios de 60 países y territorios fuera de los Estados Unidos.

Si todos los invitados de 2026 aceptan la membresía de la Academia, el total de miembros (incluidos los eméritos) ascenderá a 11.319 y el número de miembros con derecho a voto será de 10.338.

Con la nueva promoción la Academia estaría compuesta por un 36 % de mujeres, un 25 % por personas de comunidades subrepresentadas y un 22 % por miembros internacionales.

Cine y Fútbol para la Copa del Mundo 2026

El fútbol es considerado el deporte más popular del mundo y, al decir de sus fanáticos, el más emocionante.

En la mayoría de los países del planeta, el fútbol es una pasión nacional que desata las más encendidas discusiones y que, en más de una ocasión, también ha inspirado numerosas películas.

Como estamos en la fiebre de la Copa del Mundo 2026 de la FIFA, la ocasión es propicia para recordar algunos de los filmes que tienen al fútbol como escenario de sus personajes.

Comencemos con Metegol (2013), el magnífico filme de animación de Juan José Campanella, que, en su natal Argentina, le valió el elogio de la crítica y el apoyo masivo del público: es la mágica historia de Amadeo, un chico tímido y virtuoso que tendrá que enfrentarse a El Crack, un terrible rival sobre el terreno de juego.

En ¡Goool! (2005, Danny Cannon) Kuno Becker tiene que ir a probar su talento al equipo Newcastle United. En el filme aparecen algunas estrellas: David Beckham, Zinédine Zidane, Sven Goran Eriksson y Brian Johnson. El filme tuvo hasta su secuela con ¡Goool 2!: viviendo el sueño (2007, Jaume Collet-Serra), un poco más de lo mismo y más estrellas: Iker Casillas, Sergio Ramos, Roberto Carlos.

Maradona: la mano de Dios (2007, Marco Risi), protagonizada por el italiano Marco Leonardi (el galán de Como agua para chocolate) retrata la vida del astro argentino Diego Armando Maradona, desde su pobre infancia hasta los excesos que trae consigo el éxito, mezclando imágenes reales de algunos partidos con otras de ficción.

Fuera de juego (2006, Jafar Panahi) es una poderosa denuncia sobre las condiciones de las mujeres en Irán: pueden simpatizar por el equipo iraní, pero no se les permite asistir al estadio. La peor tortura: apresarlas si intentan colarse disfrazadas de varones y detenerlas en donde sólo puedan escuchar los gritos de los fanáticos.

La mexicana Rudo y Cursi (2008, Carlos Cuarón) aborda la historia de los dos hermanos del título (Diego Luna y Gael García Bernal, nada menos) y cómo en México el fútbol es una de las herramientas para escalar socialmente. Uno de los filmes que más habla de fútbol y de la vida, sin mostrar tanta cancha.  

Brasil, como era de esperarse, ha aportado variados títulos, desde comedias tipo Romeo y Julieta se casan (2005, Bruno Barreto): ellos se aman, pero ella es fanática del Palmeiras y él del Corinthias. En Río de Janeiro, eso se llama tragedia. También filmes como Heleno (2011, José Henrique Fonseca), aproximación a la vida de Heleno de Freitas, el primer jugador de Brasil con aires de movie star, protagonizada por Rodrigo Santoro.

Hace un par de años, el filme Hermano, dirigido por Marcel Rasquin, se convertía en una denuncia sobre las condiciones de pobreza en Venezuela y las aspiraciones de dos hermanos de romper su círculo de miseria por medio del fútbol. El filme ganó como Mejor Película en el Festival Fine Arts de Santo Domingo.

Este mismo año, Marcos Carnevale (el mismo de Elsa y Fred y Tocar el cielo) estrenó El Fútbol o yo, una comedia protagonizada por Adrián Suar y Julieta Díaz, como una pareja con serios problemas por la adicción del varón hacia el deporte, situación que se le hace insostenible a su mujer.

España también tiene su cuota de filmes futboleros, desde una comedia clásica como Once pares de botas (1954, Rovira Beleta) en la que narra la difícil elección que tiene que plantearse un futbolista aspirante al éxito con una legión de fans femeninas que despiertan los celos de su novia. En el filme aparece la estrella Di Stefano.

Pero también dramas tan serios como El portero (2000, Gonzalo Suárez) en que, con la Guerra Civil de escenario, en un pequeño pueblo de Asturias se juegan el todo por el todo a los penales.

Un par de títulos que no pueden faltan en esta reseña: Evasión o victoria (1981, John Huston), filme que recuerdo por la presencia del Rey Pelé y que protagonizaban: Sylvester Stallone, Michael Caine y Max Von Sydow. También The Game of Their Lives (2005, David Anspaugh) protagonizado por Gerard Butler, la increíble historia del equipo de E.E.U.U. que, en el Mundial de Fútbol de 1950 (el del “Maracanazo”), derrotó 1-0 a la selección de Inglaterra.

Olvidados están filmes como: El mundial olvidado (2011, Lorenzo Garzella y Filippo Macelloni), una película que reconstruye la historia del mundial jugado en la Patagonia en 1942 y que jamás fue reconocido por los organismos oficiales del fútbol, Maradona by Kusturica (2008), documental del serbio Emir Kusturica sobre quien para muchos es el mejor jugador del mundo y The Damned United (2009, Tom Hooper) una película que, en clave de humor negro que recorre la polémica trayectoria de los 44 días de Brian Clough como entrenador del Leeds United, uno de los mejores clubes del mundo por aquel entonces.

Un listado más flexible permitiría incluir: Quiero ser como Beckham (2002, Gurinder Chadha) y Días de fútbol (2003, David Serrano), pero la verdad es que también hay dedicarle su tiempo a los juegos de la Copa del Mundo 2026.