Venecia 2026: “Ink”, de Danny Boyle, filme de inauguración.

La película Ink, dirigida por Danny Boyle, ha sido elegida para inaugurar el Festival de Venecia el próximo 2 de septiembre, compitiendo también por el codiciado León de Oro, según han anunciado los organizadores del certamen.

«Este será mi bautismo en la Mostra: es un inmenso honor estar en una ciudad tan rica en arte e inaugurar este gran festival con mi nueva película», ha celebrado en un comunicado el autor de cintas como Trainspotting (1996) o Slumdog Millionaire (2008).

El cineasta británico se encargará de abrir el certamen veneciano con su nueva cinta, Ink, una adaptación de la obra teatral homónima del dramaturgo James Graham y que está protagonizada por Jack O’Connel, Guy Pearce y Claire Foy. 

Ink es un drama político ambientado en 1969, la película sigue al magnate de los medios Rupert Murdoch y al editor Larry Lamb mientras relanzan el periódico The Sun y cambian el mundo del periodismo sensacionalista.

Boyle anunció el estreno junto con una carta: "He ido a la Bienal muchas veces, pero este es mi bautismo en el festival de cine; un gran honor estar en una ciudad de arte tan extraordinario e inaugurar este gran festival con mi nueva película, Ink.

1969: el año en que caminamos por primera vez sobre la luna, y el año en que Rupert Murdoch y Larry Lamb lanzaron un periódico que cambiaría el mundo mucho más.

Mucho antes de Fox News, el clickbait y Truth Social; décadas antes de Twitter, Facebook, Google y OnlyF@ns, estos dos hombres crearon un nuevo tabloide que, contra todo pronóstico, se convirtió en el periódico más vendido del mundo.

Descarado, irreverente, audaz: The Sun desafió al sistema y rehizo nuestro mundo para la era moderna. Un guion de James Graham que me sentí obligado y privilegiado de realizar.”

“La Odisea”, de Christopher Nolan.

Christopher Nolan es el único cineasta contemporáneo capaz de convertir La Odisea, un épico poema griego, en un espectáculo de $250 millones de dólares que las audiencias esperan con ansiedad.

En una nota anterior, daba a conocer algunos de los detalles técnicos de esta odisea de Nolan y ya sabemos algunos primeros resultados: las boletas en formato IMAX en Estados Unidos están agotadas para las primeras semanas…desde hace un año. Y mientras escribo estas líneas ya se reportan $124.5 millones de dólares en su primer fin de semana en USA y otros $137.3 millones en el resto del mundo, para un asombroso total de $261.8 millones de dólares, el mejor en la carrera de Nolan.

El filme ya forma parte de la historia al ser la primera película rodada íntegramente en IMAX 70mm. Independientemente del formato, esta nueva entrega de Nolan de dos horas y 52 minutos, se sustenta en un sólido guion, como ya es habitual en este cineasta, y muestra los eventos con un dramatismo ascendente que mantiene el interés del espectador y nos conduce a un final conocido, pero completamente satisfactorio. En más de un sentido, La Odisea se presenta como un thriller de suspenso, muchas intrigas y alta política, como corresponde al escenario donde está en juego un trono y una reina.

De alguna manera, todos conocemos algo de la trama básica del texto: luego de la Guerra de Troya y el famoso caballo, Odiseo quiere regresar a Ítaca, a su hogar, al regazo de su amada Penélope (protagonista de una de las canciones más conocidas de Serrat). En un desliz humano, le falta el respeto a Poseidón e inicia un tortuoso viaje, un viaje que pone a prueba su integridad, su inteligencia, su identidad y su perseverancia.

Antes de llegar a Ítaca deberá atravesar la isla del cíclope Polifemo, un gigante con un solo ojo, la isla de la bruja Circe, quien convierte a los hombres en cerdos, el mar de las Sirenas y su canto arrebatador, el estrecho de Escila, un monstruo que devora marineros y el dulce embrujo de Calipso, una bella hechicera que se enamora de Odiseo. En Ítaca le espera su castillo invadido por pretendientes de su esposa Penélope y lo que ella significa: acceder al trono y gobernar a sus anchas.

Nolan recrea cada segmento de la historia y construye una propuesta dramática que atrapa al espectador con sus artilugios habituales: no se narra en línea continua, sino que se nos sirven segmentos de cada historia como piezas de un rompecabezas para armar, al tiempo que la historia progresa de forma simultánea en varias líneas narrativas, que conducen al final con vuelta de tuerca, hasta donde es posible en una historia que todos (casi) conocemos.

Por supuesto, el filme hereda del poema la posibilidad para cada espectador (o lector) de identificarse con alguno de los protagonistas como correspondencia a su propia vida. Desde Odiseo, la resiliencia hecha persona, hasta Penélope, la integridad de un ideal que se sirve de la estrategia para sobrevivir, pasando por Telémaco, dominado por las ansias de conocer la verdad aunque resulte dolorosa, Antinous es la ambición desmedida y hasta Argos, ese perro fiel que sufre un infarto masivo cuando reconoce a su amo, décadas después.

Para entender en su justa dimensión La Odisea, hay que tener en cuenta dos conceptos básicos: primero la Xenía, también conocida como Ley de Zeus: una especie de código de conducta alrededor de la hospitalidad: ser un buen anfitrión sin importar quién sea el huésped. Esta ley le impide a Penélope (y a su hijo Telémaco) echar del castillo a los pretendientes que se instalan por años hasta que la reina elija un marido.   

En segundo lugar, el Nostos que significa “regreso al hogar”. Claro que va más allá de volver físicamente, también aprender del recorrido espiritual que transforma la persona: algo que, en dramaturgia moderna se conoce como “el viaje del héroe”. Esta es la fuerza interior que empuja a Odiseo hacia su meta, más allá de lo que parece estar escrito, la verdadera libertad entre el “destino” y lo que puede elegirse como porvenir. Su verdadero reto no es solo regresar a Itaca, sino comprobar que todavía pertenece a ese mundo.

Entre ambos conceptos, Nolan se vale nueva vez de colaboradores absolutamente maravillosos: Hoyte van Hoytema, su habitual director de fotografía; y Ludwin Göransson, extraordinario compositor, ambos ganadores del Oscar por Oppenheimer (2024). Göransson ha compuesto una partitura sin orquesta, pero que integra elementos sonoros griegos y suena ancestral.

Como cualquier gran cineasta, Nolan se rodea de su grupo de actores habituales: Matt Damon (estuvo en Interestellar y Oppenheimer), Anne Hattaway (en Interestellar y Batman: el caballero oscuro) y Robert Pattinson (Tenet). Con ellos, logra una sinergia que fácilmente colocan a La Odisea en uno de los primerísimos títulos para la próxima Temporada de Premios.

 

La Odisea (2026). Dirección y guion: Christopher Nolan, basado en el poema de Homero; Fotografía: Hoyte van Hoytema; Edición: Jennifer Lame; Música: Ludwin Göransson; Elenco: Matt Damon, Anne Hattaway, Robert Pattinson, Tom Holland y Zendaya.

“Melodrama”: lo nuevo de Andrés Farías.

Andrés Farías es uno de nuestros mejores. Hace cinco años, presentó su ópera prima, Candela, con la que marcó su espacio como uno de los mejores talentos emergentes.

Ahora nos presenta Melodrama, una nueva propuesta que confirma su talento y su particular perspectiva del quehacer cinematográfico.

Si me lo permiten, acudo al diccionario: “melodrama es un género cinematográfico que exagera las situaciones, los sentimientos y las pasiones para provocar una fuerte reacción emocional en el público”. El género tiene un indudable maestro en Douglas Sirk y filmes como All That Heaven Allows (1955) o Imitación a la vida (1959) y un notable realizador en Pedro Almodóvar y filmes como Hable con ella (2002) y Volver (2006).

Sam Neill (1947-2026).

El actor neozelandés Sam Neill, célebre por dar vida al paleontólogo Alan Grant en la saga Parque Jurásico, entre otros personajes, falleció a los 78 años de forma «repentina e inesperada» en Sídney (Australia), según informó su familia.

«Con profunda tristeza, la familia de Sam Neill comunica su fallecimiento en Sídney, Australia. Sam estuvo rodeado de su familia y falleció con la dignidad que caracterizó toda su vida», señala un comunicado difundido en su cuenta de Instagram, que no detalla las causas de su muerte.

«La pérdida fue repentina e inesperada, pero nos reconforta saber que Sam no padecía cáncer. Deseamos expresar nuestro más sincero agradecimiento al personal del Hospital Privado St. Vincent por la increíble atención brindada», añade el texto.

Los familiares del actor, que también interpretó al inspector Chester Campbell en Peaky Blinders, pidieron respetar su privacidad en un momento de «inmenso dolor».

El primer ministro de Australia, Anthony Albanese, expresó sus condolencias por el deceso de Neill, quien «se ganó un lugar especial en el corazón de los australianos».

«Con un humor irónico y sutil, reflexivo y lacónico, Sam luchó contra la enfermedad con la misma dignidad, humor y convicción que daban fuerza a cada una de sus interpretaciones. Será muy extrañado y recordado por siempre», apuntó Albanese.

Nacido en Irlanda del Norte el 14 de septiembre de 1947 y afincado en Nueva Zelanda desde 1954, según la página web de los Globos de Oro, galardón al que fue candidato en tres ocasiones, Neill desarrolló su carrera durante casi cinco décadas en el cine y la televisión.

Alcanzó la fama mundial por su interpretación del paleontólogo Alan Grant en Parque Jurásico (1993), de Steven Spielberg, además de aparecer en El hombre que susurraba a los caballos (1998), entre otras.

Venecia 2026: George Clooney, León de Oro.

El actor estadounidense George Clooney, de 65 años, será galardonado con el León de Oro en premio a toda su carrera en la 83 edición del Festival de Cine de Venecia, que se celebrará del 2 al 12 de septiembre de 2026, informó la organización en un comunicado.

Al aceptar el premio, Clooney afirmó: «He vivido muchísimos momentos extraordinarios en Venecia. El Festival de Cine de Venecia es sin duda mi festival favorito, y recibir el León de Oro es un inmenso honor. Probablemente también signifique que me estoy haciendo mayor, pero no pasa nada».

Mientras que el director del certamen, Alberto Barbera, declaró que «en su triple rol como actor, director y productor, George Clooney es un artista completo y carismático, apasionado y original, que ha transformado una profunda vocación en una de las parábolas más luminosas del cine contemporáneo».

«Una carrera que comenzó sin atajos, gracias a pequeños papeles en series de televisión y películas de serie B, hasta el gran éxito alcanzado como protagonista de la serie Urgencias, han forjado a un actor capaz de habitar la pantalla con una naturalidad cautivadora, otorgándole el don de hacer que sus personajes parezcan no solo creíbles sino deseables, cercanos y humanos, gracias también a un encanto innegable», agregó.

Barbera también destacó la «combinación perfecta de glamour de estrella de antaño, gran profesionalismo y sensibilidad moderna» y su «versatilidad».

«En cada una de estas películas, ha modulado su registro sin traicionarse jamás: irónico y melancólico, fascinante y reflexivo, brillante y capaz de una profundidad inesperada. Al igual que en las nueve películas que realizó después de decidirse a ponerse detrás de la cámara, revelan una concepción del cine exigente y generosa», añadió.

El Festival de Venecia también subrayó que Clooney «ha sido reconocido tanto por su labor humanitaria a nivel mundial como por sus logros en la industria del entretenimiento».

En la carrera de Clooney como actor y director destacan sus dos premios Óscar, cuatro Globos de Oro (incluido el premio Cecil B. DeMille), cuatro premios SAG, un premio BAFTA, dos premios Critics’ Choice, un Emmy, cuatro premios National Board of Review y el premio a la trayectoria del American Film Institute.

Cuando Clooney recibió su octava nominación al Oscar en 2013, se ganó un lugar especial en la historia de la Academia, al haber sido nominado en más categorías que nadie en la historia de esos galardones.

Más recientemente, Clooney recibió una nominación al premio Tony por su debut en Broadway con Good Night, and Good Luck, donde interpretó a Edward R. Murrow en la adaptación teatral de su película de 2005, nominada al Oscar y coescrita con Grant Heslov.

Caribbean Cinemas inaugura en Ágora Santo Domingo.

Caribbean Cinemas celebró la apertura oficial de su nuevo complejo de cines en Ágora, marcando el regreso del cine a uno de los centros comerciales más emblemáticos de Santo Domingo y reafirmando su compromiso de continuar invirtiendo en el desarrollo de la industria del entretenimiento en la República Dominicana.

El acto inaugural estuvo encabezado por Robert Carrady, Presidente y Ceo de Caribbean Cinemas, junto a Gregory Quinn, Managing Director y Michael Carrady, Film Buyer y programador de la cadena de cines; José Miguel González Cuadra, del comité de accionista Ágora, y Silvia Rosales, administradora general de Ágora.

Con este evento quedaron formalmente inauguradas 6 salas completamente renovadas con proyección 100% laser, butacas reclinables en piel, sonido de última generación, el reconocido formato CXC con pantalla gigante de pared a pared, así como el nuevo concepto Víctor’s Kitchen & Bar, espacio donde iniciará y culminará una experiencia cinematográfica de primer nivel, incorporando las más recientes innovaciones en tecnología, diseño y confort.

"A lo largo de estas cinco décadas de operaciones en la República Dominicana hemos tenido el privilegio de crecer junto a este país. Hemos vivido momentos extraordinarios y también grandes retos, pero nunca hemos dejado de invertir, de innovar y de creer en el enorme potencial del mercado dominicano. Esta noche escribimos un nuevo capítulo, este complejo representa lo mejor de lo que Caribbean Cinemas sabe hacer. Pero más allá de la tecnología, hay algo que nunca debemos olvidar, en Caribbean Cinemas hacemos mucho más que exhibir películas, creamos lugares donde las familias celebran momentos especiales, donde los amigos se reúnen, y donde millones de personas cada año crean recuerdos que duran toda la vida", expresó Robert Carrady, Presidente y Ceo de Caribbean Cinemas.

Asimismo, Silvia Rosales, administradora general de Ágora destacó: “En Ágora estamos consciente de que los centros comerciales son espacios para vivir experiencias, compartir en familia, disfrutar con amigos y crear recuerdos. La llegada de Caribbean Cinemas representa precisamente eso: un lugar donde las historias cobran vida, donde la tecnología y el confort se unen para brindar una experiencia cinematográfica de primer nivel”.

Entre las principales novedades en cuanto a servicio se destacan nuevos kioscos de autoservicio para la compra de boletos y productos, amplias estaciones de candy bar y áreas de acceso diseñadas para facilitar la movilidad y brindar mayor comodidad a todos los visitantes, incluyendo personas con discapacidad.

Con esta apertura, los ejecutivos de Caribbean Cinemas reconocieron y agradecieron al equipo de trabajo dentro y fuera del grupo que hizo posible este proyecto, tales como Zumaya Cordero, directora de operaciones en el país junto al equipo interno liderado por Johaina Raposo, gerente de proyectos y operaciones, el ingeniero Richard Ramírez, Pablo Lobos, Percy castillo y Héctor Peña.

La cartelera de Caribbean Cinemas Ágora inició el jueves 2 de julio con los estrenos: Super Girl, Minions & Monstruos, Obsession, Scary Movie 2, Toy Story 5, Moana y De tal palo tal astilla. Para horarios y actualizaciones de cartelera pueden visualizar a través de la página web www.caribbeancinemas.com 

Mel Brooks cumple 100 años.

Mel Brooks, uno de los comediantes más influyentes del siglo XX, cumplió 100 años, fiel a la convicción que ha guiado su premiada obra: «La risa es un grito de protesta contra la muerte». Una filosofía plasmada en creaciones tan emblemáticas como el Superagente 86 y Los productores.

El actor, guionista, productor, director, escritor y músico, nacido en Brooklyn, en el seno de una familia judía, ha repetido en varias entrevistas que desde niño quiso dedicarse al mundo del entretenimiento.

«Me gustaba llamar la atención», dijo en una entrevista con el programa Good Morning America en 2021, a propósito del lanzamiento de su autobiografía ¡Todo sobre mí!, en la que advertía que la risa era una protesta contra la muerte y el ‘largo adiós’ que significaba.

Nacido bajo el nombre de Melvin James Kaminsky (1926), Brooks quedó huérfano de padre cuando apenas era un infante y fue criado por su madre, junto a sus tres hermanos mayores en medio de estrecheces económicas.

Combatió en Europa durante la II Guerra Mundial, una experiencia «que lo cambió», según explicó en el documental Mel Brooks: ¡El hombre de 99 años! estrenado en 2024.

Pero encontró en el humor negro, la sátira y sobre todo en la parodia una fórmula de vida que lo convirtió en referente mundial: «Me enorgullece poder decir que he hecho reír a la gente para ganarme la vida (…). Aunque pueda parecer una tontería y una soberana memez, la comedia es lo que más tiene que decir sobre la condición humana», escribió Brooks, quien adoptó el apellido de soltera de su madre, Kate Brookman.

Inició haciendo monólogos en los escenarios de Catskill, donde trabajaba como camarero, para luego abrirse paso como guionista de televisión en programas en vivo como Your show of shows de su mentor Sid Caesar.

En ese oficio alcanzó su primer gran éxito al crear, junto con Buck Henry, el Superagente 86 (1965-1970), serie que parodiaba el espionaje de la Guerra Fría, con el torpe pero eficaz Agente 86, Maxwell Smart, y la Agente 99, en su misión contra la malvada organización KAOS.

Saltó al cine con Los productores (1967), una sátira al nazismo que sigue a dos productores teatrales que pretenden hacer fraude con una obra destinada al fracaso.

La cinta, que escribió y dirigió, le valió su primer Oscar, al mejor guion original. Más de treinta años después, la adaptó en Broadway, donde hizo historia al ganar doce premios Tony, el mayor número obtenido por un musical hasta el momento.

Su prolífica carrera en Hollywood incluyó títulos con un gran número de parodias a géneros y películas dramáticas como Sillas de montar calientes (1974), El jovencito Frankenstein (1974), Máxima ansiedad (1977), Las locas, locas aventuras de Robin Hood (1993) y La loca historia de las galaxias (1987), un exitoso remedo de la Guerra de las Galaxias.

El legado del neoyorquino va más allá de la comedia, con su productora Brooksfilms, apostó por películas dramáticas como El Hombre Elefante (1980) de David Lynch, que obtuvo ocho nominaciones y consolidó la carrera del director. También estuvo detrás de la producción de éxitos como Frances (1982), Mi año favorito (1982) y La mosca (1986).

E incursionó en el mundo de la música grabando varios álbumes de comedia, muchos de ellos convertidos en clásicos, que le merecieron cuatro premios de la Academia de la Grabación.

Brooks es uno de los pocos artistas ganadores de los galardones más importantes en el circuito estadounidense conocidos como los EGOT (Emmy, Grammy, Oscar y Tony).

En 2010, plasmó las huellas de sus manos y pies frente al histórico Teatro Chino de Hollywood, donde utilizó una prótesis con seis dedos en su mano izquierda, que inmortalizó su irreverencia. También recibió la Medalla Nacional de las Artes de manos de Barack Obama, en 2016.

A sus 100 años sigue vigente trabajando apoyado por sus cuatro hijos, producto de dos matrimonios, el primero con Florence Baum, madre de los tres mayores, de quien se separó para después casarse con la actriz Anne Bancroft, el amor de su vida, y su pareja durante 45 años hasta 2005, cuando falleció.

Ya está acostumbrado a que lo interroguen sobre su secreto para llegar a esta edad: «A veces me preguntan: ‘Mel, ¿cuál es el secreto de una vida larga?’. Y siempre respondo: ‘No morir'». 

Venecia 2026: Maggie Gyllenhaal, Presidenta del Jurado.

La actriz y directora estadounidense Maggie Gyllenhaal será la presidenta del jurado de la competición de la 83 edición del Festival Internacional de Cine de Venecia, que se celebrará del 2 al 12 de septiembre, anunció en un comunicado la organización de la Mostra.

«Maggie Gyllenhaal encarna una trayectoria artística de una coherencia excepcional, construida a lo largo del tiempo con inteligencia y valentía», resaltó el director del festival, Alberto Barbera.

Es, agregó, «una actriz capaz de interpretar personajes inquietantes y complejos» que además «se reinventó como autora con The Lost Daughter (2021), que ganó el premio al Mejor Guion en Venecia».

«Su visión del cine —intelectual y visceral a la vez— se ha visto reforzada en su reciente película ¡La novia! (2026), que consolida su estatus como cineasta original».

Para Barbera contar con Gyllenhaal como presidenta del jurado «significa poder confiar en una voz autorizada e independiente, animada por esa auténtica pasión por el cine de autor que siempre ha representado el corazón del festival».

Por su parte, la cineasta aseguró que acepta con entusiasmo la tarea de ser presidenta del jurado, que será el encargado de otorgar los premios oficiales de Venecia, incluido el León de Oro, el galardón más importante.

«Venecia siempre ha apoyado voces auténticas y singulares, y me siento honrada de contribuir a que continúe esta valiente e indispensable tradición. No estaré ahí para juzgar, sino con curiosidad, admiración y entusiasmo», agregó.

Gyllenhaal comenzó su carrera como actriz en 1992, pero alcanzó el reconocimiento con su papel en la película Secretary (2000), trabajo por el que ganó el National Board Review y fue nominada a los Globos de Oro y a los Independent Spirit Awards.

Cuenta con una nominación al Oscar por Crazy Heart (2009) y ha trabajado el filmes como Donnie Darko (2001), La sonrisa de Mona Lisa (2003) y El caballero oscuro (2008).

Como guionista y directora, es responsable de The Lost Daughter, adaptación de la novela de Elena Ferrante, protagonizada por Olivia Colman, Dakota Johnson y Jessie Buckley, y que obtuvo tres nominaciones a los Oscar, a mejor actriz (Colman), mejor actriz de reparto (Buckley) y mejor guion adaptado.

Y este año estrenó ¡La Novia!, una continuación del clásico cuento de Frankenstein, de Mary Shelley. Contó de nuevo con Buckley, además de Christian Bale, Annette Bening, Penélope Cruz, Peter Sarsgaard y Jake Gyllenhaal.

Academia de Hollywood: la Clase 2026.

Estrellas en ascenso como Jenna Ortega, Teyana Taylor y Jacob Elordi, junto a los directores Benny Safdie y el español Oliver Laxe, así como el nuevo responsable de Disney, Josh D’Amaro, figuran entre los 529 artistas y ejecutivos de la industria cinematográfica invitados este año por la Academia de Hollywood a integrarse en su organización.

«Nos complace invitar a este extraordinario grupo de artistas y profesionales del cine de todo el mundo a unirse a la Academia», informaron en un comunicado el director ejecutivo de la institución, Bill Kramer, y su presidenta, Lynette Howell Taylor, quienes destacaron el compromiso de los invitados con la creación cinematográfica.

Entre los seleccionados para formar parte del organismo más importante del cine también se encuentran el actor Jon Bernthal y los hispanos Anthony Ramos (In The Heights), Miguel Sandoval (Tortilla Heaven) y Daniella Pineda (The Accountant 2).

También se destaca la invitación a varios ganadores en categorías técnicas, de animación, documental y música como EJAE y Mark Sonnenblick, ganadores del Oscar a la mejor canción por Golden, de la película K-Pop: Demon Hunters.

Del total de invitados, noventa y cinco han sido nominados al Oscar y 21 han sido ganadores de una estatuilla. Un 42 % son mujeres y un 53 % son originarios de 60 países y territorios fuera de los Estados Unidos.

Si todos los invitados de 2026 aceptan la membresía de la Academia, el total de miembros (incluidos los eméritos) ascenderá a 11.319 y el número de miembros con derecho a voto será de 10.338.

Con la nueva promoción la Academia estaría compuesta por un 36 % de mujeres, un 25 % por personas de comunidades subrepresentadas y un 22 % por miembros internacionales.

Cine y Fútbol para la Copa del Mundo 2026

El fútbol es considerado el deporte más popular del mundo y, al decir de sus fanáticos, el más emocionante.

En la mayoría de los países del planeta, el fútbol es una pasión nacional que desata las más encendidas discusiones y que, en más de una ocasión, también ha inspirado numerosas películas.

Como estamos en la fiebre de la Copa del Mundo 2026 de la FIFA, la ocasión es propicia para recordar algunos de los filmes que tienen al fútbol como escenario de sus personajes.

Comencemos con Metegol (2013), el magnífico filme de animación de Juan José Campanella, que, en su natal Argentina, le valió el elogio de la crítica y el apoyo masivo del público: es la mágica historia de Amadeo, un chico tímido y virtuoso que tendrá que enfrentarse a El Crack, un terrible rival sobre el terreno de juego.

En ¡Goool! (2005, Danny Cannon) Kuno Becker tiene que ir a probar su talento al equipo Newcastle United. En el filme aparecen algunas estrellas: David Beckham, Zinédine Zidane, Sven Goran Eriksson y Brian Johnson. El filme tuvo hasta su secuela con ¡Goool 2!: viviendo el sueño (2007, Jaume Collet-Serra), un poco más de lo mismo y más estrellas: Iker Casillas, Sergio Ramos, Roberto Carlos.

Maradona: la mano de Dios (2007, Marco Risi), protagonizada por el italiano Marco Leonardi (el galán de Como agua para chocolate) retrata la vida del astro argentino Diego Armando Maradona, desde su pobre infancia hasta los excesos que trae consigo el éxito, mezclando imágenes reales de algunos partidos con otras de ficción.

Fuera de juego (2006, Jafar Panahi) es una poderosa denuncia sobre las condiciones de las mujeres en Irán: pueden simpatizar por el equipo iraní, pero no se les permite asistir al estadio. La peor tortura: apresarlas si intentan colarse disfrazadas de varones y detenerlas en donde sólo puedan escuchar los gritos de los fanáticos.

La mexicana Rudo y Cursi (2008, Carlos Cuarón) aborda la historia de los dos hermanos del título (Diego Luna y Gael García Bernal, nada menos) y cómo en México el fútbol es una de las herramientas para escalar socialmente. Uno de los filmes que más habla de fútbol y de la vida, sin mostrar tanta cancha.  

Brasil, como era de esperarse, ha aportado variados títulos, desde comedias tipo Romeo y Julieta se casan (2005, Bruno Barreto): ellos se aman, pero ella es fanática del Palmeiras y él del Corinthias. En Río de Janeiro, eso se llama tragedia. También filmes como Heleno (2011, José Henrique Fonseca), aproximación a la vida de Heleno de Freitas, el primer jugador de Brasil con aires de movie star, protagonizada por Rodrigo Santoro.

Hace un par de años, el filme Hermano, dirigido por Marcel Rasquin, se convertía en una denuncia sobre las condiciones de pobreza en Venezuela y las aspiraciones de dos hermanos de romper su círculo de miseria por medio del fútbol. El filme ganó como Mejor Película en el Festival Fine Arts de Santo Domingo.

Este mismo año, Marcos Carnevale (el mismo de Elsa y Fred y Tocar el cielo) estrenó El Fútbol o yo, una comedia protagonizada por Adrián Suar y Julieta Díaz, como una pareja con serios problemas por la adicción del varón hacia el deporte, situación que se le hace insostenible a su mujer.

España también tiene su cuota de filmes futboleros, desde una comedia clásica como Once pares de botas (1954, Rovira Beleta) en la que narra la difícil elección que tiene que plantearse un futbolista aspirante al éxito con una legión de fans femeninas que despiertan los celos de su novia. En el filme aparece la estrella Di Stefano.

Pero también dramas tan serios como El portero (2000, Gonzalo Suárez) en que, con la Guerra Civil de escenario, en un pequeño pueblo de Asturias se juegan el todo por el todo a los penales.

Un par de títulos que no pueden faltan en esta reseña: Evasión o victoria (1981, John Huston), filme que recuerdo por la presencia del Rey Pelé y que protagonizaban: Sylvester Stallone, Michael Caine y Max Von Sydow. También The Game of Their Lives (2005, David Anspaugh) protagonizado por Gerard Butler, la increíble historia del equipo de E.E.U.U. que, en el Mundial de Fútbol de 1950 (el del “Maracanazo”), derrotó 1-0 a la selección de Inglaterra.

Olvidados están filmes como: El mundial olvidado (2011, Lorenzo Garzella y Filippo Macelloni), una película que reconstruye la historia del mundial jugado en la Patagonia en 1942 y que jamás fue reconocido por los organismos oficiales del fútbol, Maradona by Kusturica (2008), documental del serbio Emir Kusturica sobre quien para muchos es el mejor jugador del mundo y The Damned United (2009, Tom Hooper) una película que, en clave de humor negro que recorre la polémica trayectoria de los 44 días de Brian Clough como entrenador del Leeds United, uno de los mejores clubes del mundo por aquel entonces.

Un listado más flexible permitiría incluir: Quiero ser como Beckham (2002, Gurinder Chadha) y Días de fútbol (2003, David Serrano), pero la verdad es que también hay dedicarle su tiempo a los juegos de la Copa del Mundo 2026.

Caribbean Cinemas Ágora abrirá sus puertas en julio

Caribbean Cinemas continúa fortaleciendo la industria del entretenimiento en la República Dominicana con la apertura de un nuevo y moderno complejo cinematográfico en Ágora.

Tras la firma del acuerdo entre ambas empresas, el presidente de Caribbean Cinemas, Robert Carrady, y la administradora general de Ágora, Silvia Rosales, confirmaron que la reconocida cadena iniciará operaciones en este importante centro comercial a principios de julio, mes en el que también estarán en cartelera en la pantalla grande estrenos como Supergirl, Toy Story 5, Moana y Spiderman, entre otros.

Para el mes de julio la cadena de cines abrirá sus puertas en Ágora con un soft opening de sus facilidades donde los visitantes disfruten de las nuevas instalaciones y servicios que marcarán una nueva etapa para la experiencia cinematográfica en Ágora.

El nuevo complejo ha sido diseñado para ofrecer mayores niveles de comodidad y tecnología, incorporando innovaciones que elevarán la experiencia de los amantes del cine.

Entre sus principales atractivos se destacan: proyección 100 % láser y sonido Dolby de última generación, tecnología inmersiva con pantallas de pared a pared y salas completamente renovadas equipadas con cómodas butacas reclinables en piel. Además, cuenta con el reconocido formato CXC, que integra pantalla gigante y sonido Dolby Atmos para una experiencia aún más impactante.

Entre sus nuevas amenidades destacan Victor's Kitchen & Lounge, kioscos de autoservicio que agilizan la compra de boletos y productos, amplias estaciones de candy bar y áreas de acceso más cómodas y espaciosas, diseñadas para facilitar la visita de todos los clientes, incluyendo personas con discapacidad.

Con esta apertura, Caribbean Cinemas reafirma su compromiso de seguir invirtiendo en el desarrollo de espacios modernos e innovadores para el entretenimiento de las familias dominicanas.

Este nuevo cine ubicado en Ágora marcara un precedente en materia de comodidades y diseño vanguardista, perfilándose como uno de los más modernos del país, ofreciendo una experiencia cinematográfica de primer nivel que combina confort, tecnología y servicio de excelencia, consolidando así el regreso del cine a uno de los centros comerciales más emblemáticos de Santo Domingo.

“Toy Story 5”, desde este 18 de junio en cines.

Toy Story 5 llega a todos los cines de Dominicana este jueves 18 de junio, marcando el esperado regreso de una de las sagas animadas más queridas. Woody, Buzz y toda la pandilla vuelven a reunirse en una nueva aventura que, desde el primer momento, promete emoción, humor y mucha nostalgia. Como siempre, la amistad y el valor del juego estarán en el centro de todo.

En esta nueva aventura, los juguetes no solo se reencuentran entre ellos, sino que también conocen personajes nuevos que traen energía distinta a la historia. Juntos tendrán que adaptarse a un mundo que ha cambiado y encontrar cómo seguir siendo importantes para los niños. Es una película que habla de crecer, de cambios, y de cómo, al final, lo más importante siempre es estar.

La película está dirigida por Andrew Stanton, ganador de dos premios Oscar por Finding Nemo (2004) y WALL-E (2009). En esta ocasión lo acompaña Kenna Harris como codirectora, mientras que Lindsey Collins se encarga de la producción. Stanton, además, no es nuevo en este universo, ya que ha sido parte clave de entregas anteriores de Toy Story.

La historia le da un espacio especial a Jessie, quien asume un papel más protagónico. Ella hace todo lo posible por mantener unido al grupo y proteger el tiempo de juego. Aunque Woody y Buzz siguen presentes, es Jessie quien lleva el peso emocional de esta aventura.

En esta entrega aparece una nueva villana: Lilypad, una tableta tecnológica. A simple vista, parece ser una amiga para Bonnie, pero poco a poco se convierte en una amenaza para los juguetes tradicionales y el mundo que conocen.

Bonnie, ahora con 8 años, comienza a cambiar sus intereses. Junto a sus amigos, pasa más tiempo en juegos en línea y chats, dejando a un lado a sus juguetes. Esta situación hace que ellos se sientan desplazados y cuestionen su lugar en su vida.

Además del regreso de los personajes de Tom Hanks, Tim Allen y Joan Cusack, también vuelven personajes muy queridos como Rex, Hamm y Bo Peep. El elenco mantiene muchas de las voces originales que los fans han seguido por años.

Como novedad, se integran personajes con nuevas voces que le dan un aire fresco a la historia. Entre ellos están Smarty Pants (Conan O’Brien), Atlas (Craig Robinson), Duke Caboom (Keanu Reeves) y Pizza with Sunglasses (Bad Bunny), además de nuevos niños que forman parte de esta aventura.

En la versión en español de Toy Story 5 aparecerán voces de artistas reconocidos como Belinda, en el papel de Lilypad, Bad Bunny como Pizza con gafas de sol y Bizarrap, como Santa de jardín.

La película también cuenta con música original de Taylor Swift, quien escribió el tema I Knew It, I Knew You. Es una canción con un toque country que conecta muy bien con la esencia del personaje de Jessie.

Las películas de Toy Story han ganado tres premios Oscar y ha recibido un premio especial de la Academia y han generado cerca de $1,400 millones de dólares desde que estrenó en 1995.

“Michael” y sus logros en taquilla.

Michael continúa haciendo historia en taquilla, superando oficialmente a Bohemian Rhapsody para convertirse en la película biográfica musical más taquillera de todos los tiempos con la impresionante cifra de 911,9 millones de dólares a nivel mundial, y la cifra sigue aumentando. Dirigida por Antoine Fuqua y protagonizada por Jaafar Jackson como Michael Jackson, la película alcanzó este hito con su estreno en Japón. Este logro sin precedentes subraya el atractivo global perdurable de la vida y el legado de Michael Jackson.

Este hito también representa un logro extraordinario para el productor Graham King, quien ahora supera su propio récord histórico de taquilla para películas biográficas musicales, establecido previamente con Bohemian Rhapsody, ganadora de cuatro premios Oscar. Con Michael, King demuestra una vez más su incomparable capacidad para llevar a la gran pantalla a leyendas icónicas de la música y conectar con el público de todo el mundo.

Michael continua en cartelera en las salas de Caribbean Cinemas.

Entre sus logros de taquilla están:

• El estreno cinematográfico más taquillero de Lionsgate a nivel mundial

• La película biográfica musical más taquillera de todos los tiempos

• El mejor fin de semana de estreno mundial para una película biográfica musical

• La segunda película biográfica más taquillera a nivel mundial

• La segunda película más taquillera de 2026 a nivel mundial (solo detrás de Super Mario Galaxy Movie)

• 65 mercados internacionales lograron el mejor estreno para una película biográfica musical

• 40 mercados internacionales superaron la recaudación total de Bohemian Rhapsody, incluyendo Brasil, Francia y México.

• La película biográfica más exitosa en Francia, superando a la legendaria película La Vie En Rose.

• La película biográfica musical más taquillera (en USA)

• La película biográfica más taquillera (En USA)

• El mejor fin de semana de estreno nacional para una película biográfica musical

“La Odisea” técnica de Christopher Nolan.

Christopher Nolan utilizó dos millones de pies de película para La Odisea con el nuevo sistema IMAX Keighley. Nolan ha llevado la filmación práctica en gran formato a cotas sin precedentes para su esperadísima epopeya mítica de acción, La Odisea.

La producción de Universal Pictures, con un presupuesto de 250 millones de dólares, concluyó su rodaje principal tras 91 días de intensa filmación en siete países, incluyendo Grecia, Islandia, Marruecos, Italia, Malta, el Reino Unido y Estados Unidos.

Los informes de producción confirman que Nolan filmó más de dos millones de pies de película IMAX de 70 mm —aproximadamente 610 kilómetros de negativos físicos— duplicando el volumen de metraje utilizado en su película ganadora del Oscar, Oppenheimer.

Este hito técnico de la producción se basa en el nuevo sistema de cámara de 65 mm de última generación de IMAX, oficialmente llamado "The Keighley", en honor al fallecido director de calidad de IMAX, David Keighley.

Equipado con una carcasa insonorizada de fibra de carbono hecha a medida, el sistema permitió a Nolan lograr un sonido sincronizado utilizable para las escenas de diálogo íntimas mientras filmaba completamente con cámaras nativas de gran formato.

Basada en la clásica épica griega, el largometraje contará la historia de Odiseo, interpretado por Matt Damon, y su camino de regreso a casa tras la guerra en Troya. En los últimos meses se han revelado unos cuantos adelantos de la cinta, en los que se puede ver al protagonista y sus hombres enfrentándose a diversos retos para volver a su hogar, desde monstruos gigantes hasta la tentación de estar lejos de las mujeres que aman. 

Uno de los aspectos más llamativos de La Odisea es, sin duda, su elenco conformado por algunas de las figuras más importantes del Hollywood contemporáneo. Además de contar con Matt Damon en el papel principal, el filme contará con la participación de Anne Hathaway como Penélope, la esposa de Odiseo; Tom Holland como Telémaco, su hijo, y Robert Pattinson como Antínoo, quien intentará usurpar el trono del protagonista.

Otros actores que también están involucrados en la producción son Zendaya como Atenea, Charlize Theron como Circe, Jon Bernthal como Menelao, Mia Goth como Melanto, Benny Safdie como Agamenón y John Leguizamo como Eumeo. También se sabe que Elliot Page será parte del proyecto, aunque su papel aún no ha sido revelado. Se creía que podría dar vida a Aquiles, pero el rumor ha sido desmentido. Algo similar sucede con Travis Scott, quien parece tendrá un papel menor en la producción. 

Aunque quizá la participación más controversial es la de Lupita Nyong’o, quien dará vida a Helena de Troya, conocida como “la mujer más bella del mundo”. Después de que se revelara que había sido elegida para el papel, las críticas en redes sociales no se hicieron esperar, aunque la actriz ha decidido no enfocarse en ello. “No pierdo el tiempo pensando en defenderme. Las críticas existirán, independientemente de que yo las aborde o no”, dijo en una reciente entrevista. 

El estreno de La Odisea en salas de Caribbean Cinemas está programado para el 16 de julio de 2026.

Carmen Machi: Premio Nacional de Cinematografía 2026.

Carmen Machi ha sido galardonada con el Premio Nacional de Cinematografía, correspondiente al año 2026, a propuesta del jurado. El jurado la ha elegido «por ser una de las actrices de comedia más importantes de la historia del cine español. También ha destacado en todo tipo de géneros. Ha sabido conectar con el público masivamente, no afectándole su enorme popularidad para acercarse a proyectos más autorales».

Además, el jurado la ha destacado como «trabajadora incansable en cine, teatro y televisión”, señalando que “ha participado en más de un centenar de producciones. Representa los valores de una mujer actual, fuerte e independiente».

Actriz multidisciplinar, ha trabajado en cine, teatro y televisión. Su primer papel sobre las tablas fue el de la novia en Bodas de sangre, de Lorca. Más tarde se convertiría en uno de las actrices más populares de nuestro país gracias a su trabajo en la serie Aída.

Machi, que cuenta con una amplia filmografía, ha trabajado en películas como Hable con ella de Pedro Almodóvar, Torremolinos 73 de Pablo Berger, Mi gran noche de Alex de la Iglesia o Cerdita de Carlota Pereda u Ocho apellidos vascos de Emilio Martínez-Lázaro, por la que ganó el Goya a la Mejor Interpretación Femenina de Reparto en 2014.

Además, en 2024 recibió la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes otorgadas por el Ministerio de Cultura, cuya entrega tuvo lugar el pasado mes de mayo en Toledo.

El galardón, que el ministro de Cultura entrega habitualmente en el marco del Festival de San Sebastián, reconoció en su pasada edición a Eduard Fernández, uniéndose a una amplia lista de personalidades de la cinematografía española, entre quienes se encuentran Penélope Cruz, José Sacristán, Isabel Coixet, Antonio Banderas, Fernando Trueba o Carla Simón, entre otros. El premio, concedido por el Ministerio de Cultura, está dotado con 30.000 euros.

Marjane Satrapi (1970-2026)

La artista francoiraní Marjane Satrapi, conocida mundialmente por el cómic y la película «Persépolis» donde contó su infancia en la República Islámica de Irán, murió «de tristeza» en París a los 56 años, un año después del fallecimiento de su marido.

Exiliada en Francia desde 1994 y naturalizada francesa en 2006, Satrapi saltó a la fama con su saga autobiográfica Persépolis (2000), en la que relata su juventud en Irán bajo el sistema de los mulás, la represión sufrida por el pueblo iraní y su dolorosa partida hacia Europa. 

La artista francoiraní plasmó, con un trazo sencillo y en blanco y negro, la complejidad de la sociedad iraní y el choque íntimo y político provocado por la llegada al poder del ayatolá Jomeini en 1979.

«Esa imagen de la mujer cuervo y del hombre barbudo integrista, lo que ustedes pudieron ver en televisión, es lo que el gobierno permitía que se viera. Pero Irán es una dictadura, y una dictadura no lo muestra todo», declaró en 2003, lamentando los «clichés» que rodean a su país natal.

Persépolis, adaptada en 2007 a la gran pantalla por ella misma junto a Vincent Paronnaud, ganó el premio del jurado en el Festival de Cannes, y también fue nominada al Óscar a la mejor película de animación.

«Aunque esta película es universal, quiero dedicársela a todos los iraníes», declaró en Cannes la artista, quien en los últimos años siguió denunciando a las autoridades de la República Islámica de Irán.

Férrea opositora de las autoridades de Teherán, en 2023 coordinó el libro Mujer, vida, libertad en el que un grupo de artistas ilustraron las revueltas producidas en Irán a partir del asesinato en 2022 de la joven kurda iraní Mahsa Amini, fallecida bajo custodia policial tras ser detenida por llevar el velo mal colocado.

En 2024, Satrapi, autora también de Bordados (2003) o Pollo con ciruelas (2004) ambas inspiradas en su país natal, fue galardonada en España con el premio Princesa de Asturias de Comunicación y Humanidades por ser «una voz esencial para la defensa de los derechos humanos y la libertad».

Un año después, Satrapi rechazó la Legión de Honor francesa para denunciar «la actitud hipócrita de Francia respecto a Irán», donde se producía de nuevo una fuerte represión.

La artista creó en febrero de este año la Fundación para el cine Mattias y Marjane Ripa-Satrapi, en el seno de la Academia de Bellas Artes francesa, de donde era miembro, con la misión de «apoyar a estudiantes extranjeros en su proyecto de venir a estudiar cine a París».

Festival Fine Arts “Hecho en RD” 2026: los ganadores.

El Festival de Cine Fine Arts “Hecho en RD” concluyó con éxito su sexta edición, realizada en Caribbean Cinemas Downtown Center, acogiendo la presencia de cientos de seguidores que se dieron cita durante varios días para disfrutar de las 16 películas en estreno, 22 cortometrajes, 4 proyecciones informativas (Emergentes) y 3 conversatorios.

El Festival de Cine Fine Arts “Hecho en RD”, presentado por Caribbean Cinemas y Altice, cerró esta entrega con el anuncio de los ganadores en diferentes categorías:

-El premio a Mejor Película fue para La corta vida de las flores, de Pablo Lozano.

- Mejor actriz para Judith Rodríguez por La corta vida de las flores

- Mejor actor para Héctor Aníbal por La corta vida de las flores

- Mejor guion para Juan Antonio Bisonó por La corta vida de las flores  

- Mejor director para Ulises Porra por Bajo el mismo sol

- Mejor actriz secundaria para Valentina Shen Wu por Bajo el mismo sol  

- Mejor actor secundario para Jean Jean por Bajo el mismo sol  

- Mejor documental fue Bóru, de Ronny Sosa.

- Mejor cortometraje lo ganó Mute, de Alerick Jiménez, estudiante del Instituto Tecnológico de Santo Domingo (INTEC).

También recibieron mención de honor: Aquella primavera, de Mayra Poueriet, en Mejor Documental; Última llamada, de Stef Peña, estudiante de la Universidad Autónoma de Santo Domingo (UASD), en Mejor Cortometraje.

El jurado oficial este año estuvo compuesto por los críticos de cine y cineastas Félix Manuel Lora, como presidente, Dahiana Acosta, Jeury Frías, Yoel Morales, Marc Mejía, Nolberto Batista e Ysidro García, quienes evaluaron todas las películas y cortometrajes presentados durante el festival.

Cabe resaltar que varias de las películas expuestas en el festival estarán en estreno en diferentes fechas en las salas de cine de Caribbean Cinemas.

San Sebastián 2026: el afiche oficial.

El actor, productor y director Ricardo Darín, una de las figuras más prestigiosas del cine latinoamericano y mundial de las últimas décadas, protagoniza el cartel de la 74ª edición del Festival de San Sebastián, que tendrá lugar del 18 al 26 de septiembre de 2026. Desde hace 20 años, el intérprete argentino es un rostro habitual del Festival, que en 2017 le entregó su máxima distinción honorífica: el Premio Donostia.

El Centro Internacional de Cultura Contemporánea-Tabakalera ha albergado el acto de presentación de carteles, oficiado por el director del Festival, José Luis Rebordinos, y por su sucesora Maialen Beloki, que actualmente es una de las dos subdirectoras y en enero pasará a ocupar el puesto de directora del certamen.

Tras los carteles oficiales protagonizados por Isabelle Huppert, Penélope Cruz, Willem Dafoe, Sigourney Weaver, Juliette Binoche, Javier Bardem, Cate Blanchett y Marisa Paredes, el argentino Ricardo Darín es la novena figura de la cinematografía contemporánea que presta su imagen al Festival.

Ricardo Darín (Buenos Aires, 1957) es una de las figuras más prestigiosas y populares de la cinematografía latinoamericana y mundial. A lo largo de medio siglo de carrera y un centenar de interpretaciones que le han granjeado más de 40 premios, ha alternado trabajos enmarcados tanto en el cine de autor como en el dirigido al gran público. Entre otros, ha rodado a las órdenes de Adolfo Aristarain, Juan José Campanella, Fabián Bielinsky, Fernando Trueba, Pablo Trapero, Cesc Gay y Santiago Mitre.

Darín, que debutó con cinco años en series televisivas, se forjó en el teatro e inició su carrera en el cine con La carpa del amor (Julio Porter, 1979). Ha visitado San Sebastián en nueve ediciones del Festival. En 2005 presentó El aura, de Fabián Bielinsky, en la Sección Oficial, a donde regresó cuatro años después con dos títulos, El secreto de sus ojos (Juan José Campanella, 2009) y El baile de la victoria (Fernando Trueba, 2009), proyectada fuera de concurso. En 2012 fue integrante del Jurado Oficial y en Made in Spain se proyectó Elefante blanco (Pablo Trapero), mientras que en 2014 participó en Perlak con Relatos salvajes (Damián Szifron), que consiguió el Premio del Público a la mejor película europea. Al año siguiente consiguió la Concha de Plata ex aequo junto a su compañero de reparto Javier Cámara por su trabajo en Truman (Cesc Gay, 2015).

En 2017 recogió el Premio Donostia en reconocimiento a toda su trayectoria y presentó la proyección especial de La cordillera (Santiago Mitre). Regresó a la Sección Oficial para inaugurarla con El amor menos pensado (Juan Vera, 2018) y La odisea de los giles (Proyecciones Especiales, Sebastián Borensztein, 2019), en las que se estrenó como productor. También desempeñó ese papel en la película programada en Perlak Argentina, 1985 (Santiago Mitre, 2022), que le trajo a la capital guipuzcoana por última vez y le granjeó el Premio del Público Ciudad de Donostia / San Sebastián. Aunque Darín no visitó presencialmente San Sebastían, sí figuró en el reparto de La fuga (Eduardo Mignogna, 2001), que concursó en la Sección Oficial, o en filmes de New Directors como Perdido por perdido (Alberto Lecchi, 1993) o Amorosa soledad (Martín Carranza y Victoria Galardi, 2008), que cosechó el Premio de la Juventud, y en Carancho (Pablo Trapero, 2010), programado en Perlak.

Otras obras esenciales de su extensa filmografía son Nueve reinas (Fabián Bielinsky, 2000), que propulsó su reconocimiento internacional y en 2023 fue programada en Klasikoak, o títulos fundamentales de Juan José Campanella como El mismo amor, la misma lluvia (1999); El hijo de la novia (2001) y Luna de Avellaneda (2004). También ha actuado en Capitán Kóblic (Sebastián Borenzstein, 2016), Tesis sobre un homicidio (Hernán Goldfrid, 2012), Séptimo (Patxi Amezcua, 2013), Todos lo saben (Asghar Farhadi, 2018) y, más recientemente, en la serie El eternauta (Bruno Stagnaro, 2025).

Darín debutó tras la cámara con La señal (2007), película codirigida junto a Martín Hodara.

Como el año pasado, el póster ha sido diseñado por el estudio donostiarra Wallijai, que ha creado un collage a partir de un retrato tomado en 2024 por el fotógrafo y músico argentino Sebastián Arpesella.

Marilyn Monroe: 100 años de un mito erótico.

Marilyn Monroe es la mujer que más líquido ha derramado sobre el planeta: lágrimas, sudor, esperma, licor, Chanel no.5. ¡Además sabía actuar, carajo! -José D'Laura

Marilyn Monroe fue mucho más que el icono de glamour que la convirtió en mito global. Detrás de esa imagen, a menudo reducida al estereotipo de símbolo sexual, hubo una actriz rigurosa, formada en el método, y una figura clave en la lucha por el control creativo en Hollywood.

«Marilyn Monroe era, en sí misma, la actuación definitiva. Esa no era realmente ella. Ella era Norma Jeane Baker. La creación de ‘Marilyn Monroe’ fue la actuación suprema», dijo Emily Carman, profesora asociada de Cine y Artes Mediáticas de la Universidad Chapman.

Amy Greene, esposa del fotógrafo Milton H. Greene, uno de los colaboradores y amigos más cercanos de Monroe, relató cómo la actriz parecía transformarse instantáneamente de Norma Jeane, la mujer detrás del mito, reservada y discreta, a Marilyn Monroe, la deslumbrante estrella que cautivaba a cualquiera a su paso.

Tras una infancia marcada por la inestabilidad familiar, diversos episodios de abuso y un matrimonio temprano, Monroe comenzó a trabajar como modelo. Sin embargo, sus ambiciones la llevaron pronto a dar el salto a Hollywood.

El camino no fue sencillo, pero en cuestión de pocos años consiguió contrato con 20th Century Fox y empezó a abrirse paso en la industria con papeles secundarios que, poco a poco, consolidaron su presencia en pantalla.

Su ascenso definitivo llegó con títulos como Niagara (1953), Gentlemen Prefer Blondes (1953) y How to Marry a Millionaire (1953), que la convirtieron en una de las figuras más reconocibles.

Sus papeles de rubia interesada, ingenua o tonta, sumados a la imagen pública de símbolo sexual que se consolidó tras la publicación de unas fotografías de desnudos sin su consentimiento, terminaron eclipsando durante años la complejidad de su trabajo interpretativo.

«Existe un gran malentendido sobre su capacidad como actriz», explicó Carman, quien sostiene que Monroe fue una de las figuras clave en la incorporación del método en Hollywood, técnica entonces asociada principalmente a actores como Marlon Brando.

En 1954, Monroe se rebeló contra el estudio y se negó a aparecer en The Girl in Pink Tights para distanciarse de papeles de mujer ingenua y por su inconformidad con el salario que recibía en comparación con sus coprotagonistas masculinos. Se encontraba en el punto álgido de su carrera y tomó el riesgo de mudarse a Nueva York para estudiar con Lee Strasberg en el Actors Studio, decisión que, según Carman, «demuestra hasta qué punto estaba comprometida con su oficio».

«Fue una actriz muy seria, incluso cuando interpretaba personajes que explotaban la imagen de la rubia ingenua», añadió la experta, destacando papeles como Some Like It Hot.

En pleno apogeo del sistema de estudios, cuando las grandes estrellas estaban sujetas a contratos restrictivos y tenían escasa capacidad para decidir, Monroe desafió las reglas cuando en 1955 fundó Marilyn Monroe Productions junto a su amigo y fotógrafo Milton H. Greene.

Su objetivo no era únicamente mejorar sus condiciones económicas, sino también ganar el reconocimiento artístico que consideraba que la industria le negaba.

Monroe regresó a Fox bajo sus propios términos con el filme Bus Stop (1956), con el que pudo mostrar una faceta más dramática y seria y en 1957 lanzó The Prince and the Showgirl, película independiente realizada por su propia productora que logró una nominación al BAFTA y ganó el David di Donatello a mejor actriz extranjera.

Hacia el final de su carrera Monroe encontró en The Misfits (1961) el papel que siempre había buscado en los márgenes de Hollywood. El guion fue escrito por su entonces esposo, Arthur Miller, específicamente para ella, y le ofrecía un rol que la industria no le había dado.

«En The Misfits ella es la autoridad moral: los hombres rinden cuentas ante ella por su explotación de la tierra, los animales y, en cierto modo, de ella misma», explicó Carman.

La película, que coprotagonizó junto a Clark Gable y Montgomery Clift, muestra a Monroe no como el estereotipo rubio, sino como una mujer con profundidad emocional y conciencia crítica.

En el marco de su centenario, la figura de Monroe ha permanecido en el tiempo como un mito, alimentado por su tormentosa vida personal, su prematura y devastadora muerte y la fascinación que su imagen sigue ejerciendo en la cultura popular.