“Toy Story 5”, desde este 18 de junio en cines.

Toy Story 5 llega a todos los cines de Dominicana este jueves 18 de junio, marcando el esperado regreso de una de las sagas animadas más queridas. Woody, Buzz y toda la pandilla vuelven a reunirse en una nueva aventura que, desde el primer momento, promete emoción, humor y mucha nostalgia. Como siempre, la amistad y el valor del juego estarán en el centro de todo.

En esta nueva aventura, los juguetes no solo se reencuentran entre ellos, sino que también conocen personajes nuevos que traen energía distinta a la historia. Juntos tendrán que adaptarse a un mundo que ha cambiado y encontrar cómo seguir siendo importantes para los niños. Es una película que habla de crecer, de cambios, y de cómo, al final, lo más importante siempre es estar.

La película está dirigida por Andrew Stanton, ganador de dos premios Oscar por Finding Nemo (2004) y WALL-E (2009). En esta ocasión lo acompaña Kenna Harris como codirectora, mientras que Lindsey Collins se encarga de la producción. Stanton, además, no es nuevo en este universo, ya que ha sido parte clave de entregas anteriores de Toy Story.

La historia le da un espacio especial a Jessie, quien asume un papel más protagónico. Ella hace todo lo posible por mantener unido al grupo y proteger el tiempo de juego. Aunque Woody y Buzz siguen presentes, es Jessie quien lleva el peso emocional de esta aventura.

En esta entrega aparece una nueva villana: Lilypad, una tableta tecnológica. A simple vista, parece ser una amiga para Bonnie, pero poco a poco se convierte en una amenaza para los juguetes tradicionales y el mundo que conocen.

Bonnie, ahora con 8 años, comienza a cambiar sus intereses. Junto a sus amigos, pasa más tiempo en juegos en línea y chats, dejando a un lado a sus juguetes. Esta situación hace que ellos se sientan desplazados y cuestionen su lugar en su vida.

Además del regreso de los personajes de Tom Hanks, Tim Allen y Joan Cusack, también vuelven personajes muy queridos como Rex, Hamm y Bo Peep. El elenco mantiene muchas de las voces originales que los fans han seguido por años.

Como novedad, se integran personajes con nuevas voces que le dan un aire fresco a la historia. Entre ellos están Smarty Pants (Conan O’Brien), Atlas (Craig Robinson), Duke Caboom (Keanu Reeves) y Pizza with Sunglasses (Bad Bunny), además de nuevos niños que forman parte de esta aventura.

En la versión en español de Toy Story 5 aparecerán voces de artistas reconocidos como Belinda, en el papel de Lilypad, Bad Bunny como Pizza con gafas de sol y Bizarrap, como Santa de jardín.

La película también cuenta con música original de Taylor Swift, quien escribió el tema I Knew It, I Knew You. Es una canción con un toque country que conecta muy bien con la esencia del personaje de Jessie.

Las películas de Toy Story han ganado tres premios Oscar y ha recibido un premio especial de la Academia y han generado cerca de $1,400 millones de dólares desde que estrenó en 1995.

“Michael” y sus logros en taquilla.

Michael continúa haciendo historia en taquilla, superando oficialmente a Bohemian Rhapsody para convertirse en la película biográfica musical más taquillera de todos los tiempos con la impresionante cifra de 911,9 millones de dólares a nivel mundial, y la cifra sigue aumentando. Dirigida por Antoine Fuqua y protagonizada por Jaafar Jackson como Michael Jackson, la película alcanzó este hito con su estreno en Japón. Este logro sin precedentes subraya el atractivo global perdurable de la vida y el legado de Michael Jackson.

Este hito también representa un logro extraordinario para el productor Graham King, quien ahora supera su propio récord histórico de taquilla para películas biográficas musicales, establecido previamente con Bohemian Rhapsody, ganadora de cuatro premios Oscar. Con Michael, King demuestra una vez más su incomparable capacidad para llevar a la gran pantalla a leyendas icónicas de la música y conectar con el público de todo el mundo.

Michael continua en cartelera en las salas de Caribbean Cinemas.

Entre sus logros de taquilla están:

• El estreno cinematográfico más taquillero de Lionsgate a nivel mundial

• La película biográfica musical más taquillera de todos los tiempos

• El mejor fin de semana de estreno mundial para una película biográfica musical

• La segunda película biográfica más taquillera a nivel mundial

• La segunda película más taquillera de 2026 a nivel mundial (solo detrás de Super Mario Galaxy Movie)

• 65 mercados internacionales lograron el mejor estreno para una película biográfica musical

• 40 mercados internacionales superaron la recaudación total de Bohemian Rhapsody, incluyendo Brasil, Francia y México.

• La película biográfica más exitosa en Francia, superando a la legendaria película La Vie En Rose.

• La película biográfica musical más taquillera (en USA)

• La película biográfica más taquillera (En USA)

• El mejor fin de semana de estreno nacional para una película biográfica musical

“La Odisea” técnica de Christopher Nolan.

Christopher Nolan utilizó dos millones de pies de película para La Odisea con el nuevo sistema IMAX Keighley. Nolan ha llevado la filmación práctica en gran formato a cotas sin precedentes para su esperadísima epopeya mítica de acción, La Odisea.

La producción de Universal Pictures, con un presupuesto de 250 millones de dólares, concluyó su rodaje principal tras 91 días de intensa filmación en siete países, incluyendo Grecia, Islandia, Marruecos, Italia, Malta, el Reino Unido y Estados Unidos.

Los informes de producción confirman que Nolan filmó más de dos millones de pies de película IMAX de 70 mm —aproximadamente 610 kilómetros de negativos físicos— duplicando el volumen de metraje utilizado en su película ganadora del Oscar, Oppenheimer.

Este hito técnico de la producción se basa en el nuevo sistema de cámara de 65 mm de última generación de IMAX, oficialmente llamado "The Keighley", en honor al fallecido director de calidad de IMAX, David Keighley.

Equipado con una carcasa insonorizada de fibra de carbono hecha a medida, el sistema permitió a Nolan lograr un sonido sincronizado utilizable para las escenas de diálogo íntimas mientras filmaba completamente con cámaras nativas de gran formato.

Basada en la clásica épica griega, el largometraje contará la historia de Odiseo, interpretado por Matt Damon, y su camino de regreso a casa tras la guerra en Troya. En los últimos meses se han revelado unos cuantos adelantos de la cinta, en los que se puede ver al protagonista y sus hombres enfrentándose a diversos retos para volver a su hogar, desde monstruos gigantes hasta la tentación de estar lejos de las mujeres que aman. 

Uno de los aspectos más llamativos de La Odisea es, sin duda, su elenco conformado por algunas de las figuras más importantes del Hollywood contemporáneo. Además de contar con Matt Damon en el papel principal, el filme contará con la participación de Anne Hathaway como Penélope, la esposa de Odiseo; Tom Holland como Telémaco, su hijo, y Robert Pattinson como Antínoo, quien intentará usurpar el trono del protagonista.

Otros actores que también están involucrados en la producción son Zendaya como Atenea, Charlize Theron como Circe, Jon Bernthal como Menelao, Mia Goth como Melanto, Benny Safdie como Agamenón y John Leguizamo como Eumeo. También se sabe que Elliot Page será parte del proyecto, aunque su papel aún no ha sido revelado. Se creía que podría dar vida a Aquiles, pero el rumor ha sido desmentido. Algo similar sucede con Travis Scott, quien parece tendrá un papel menor en la producción. 

Aunque quizá la participación más controversial es la de Lupita Nyong’o, quien dará vida a Helena de Troya, conocida como “la mujer más bella del mundo”. Después de que se revelara que había sido elegida para el papel, las críticas en redes sociales no se hicieron esperar, aunque la actriz ha decidido no enfocarse en ello. “No pierdo el tiempo pensando en defenderme. Las críticas existirán, independientemente de que yo las aborde o no”, dijo en una reciente entrevista. 

El estreno de La Odisea en salas de Caribbean Cinemas está programado para el 17 de julio de 2026.

Carmen Machi: Premio Nacional de Cinematografía 2026.

Carmen Machi ha sido galardonada con el Premio Nacional de Cinematografía, correspondiente al año 2026, a propuesta del jurado. El jurado la ha elegido «por ser una de las actrices de comedia más importantes de la historia del cine español. También ha destacado en todo tipo de géneros. Ha sabido conectar con el público masivamente, no afectándole su enorme popularidad para acercarse a proyectos más autorales».

Además, el jurado la ha destacado como «trabajadora incansable en cine, teatro y televisión”, señalando que “ha participado en más de un centenar de producciones. Representa los valores de una mujer actual, fuerte e independiente».

Actriz multidisciplinar, ha trabajado en cine, teatro y televisión. Su primer papel sobre las tablas fue el de la novia en Bodas de sangre, de Lorca. Más tarde se convertiría en uno de las actrices más populares de nuestro país gracias a su trabajo en la serie Aída.

Machi, que cuenta con una amplia filmografía, ha trabajado en películas como Hable con ella de Pedro Almodóvar, Torremolinos 73 de Pablo Berger, Mi gran noche de Alex de la Iglesia o Cerdita de Carlota Pereda u Ocho apellidos vascos de Emilio Martínez-Lázaro, por la que ganó el Goya a la Mejor Interpretación Femenina de Reparto en 2014.

Además, en 2024 recibió la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes otorgadas por el Ministerio de Cultura, cuya entrega tuvo lugar el pasado mes de mayo en Toledo.

El galardón, que el ministro de Cultura entrega habitualmente en el marco del Festival de San Sebastián, reconoció en su pasada edición a Eduard Fernández, uniéndose a una amplia lista de personalidades de la cinematografía española, entre quienes se encuentran Penélope Cruz, José Sacristán, Isabel Coixet, Antonio Banderas, Fernando Trueba o Carla Simón, entre otros. El premio, concedido por el Ministerio de Cultura, está dotado con 30.000 euros.

Marjane Satrapi (1970-2026)

La artista francoiraní Marjane Satrapi, conocida mundialmente por el cómic y la película «Persépolis» donde contó su infancia en la República Islámica de Irán, murió «de tristeza» en París a los 56 años, un año después del fallecimiento de su marido.

Exiliada en Francia desde 1994 y naturalizada francesa en 2006, Satrapi saltó a la fama con su saga autobiográfica Persépolis (2000), en la que relata su juventud en Irán bajo el sistema de los mulás, la represión sufrida por el pueblo iraní y su dolorosa partida hacia Europa. 

La artista francoiraní plasmó, con un trazo sencillo y en blanco y negro, la complejidad de la sociedad iraní y el choque íntimo y político provocado por la llegada al poder del ayatolá Jomeini en 1979.

«Esa imagen de la mujer cuervo y del hombre barbudo integrista, lo que ustedes pudieron ver en televisión, es lo que el gobierno permitía que se viera. Pero Irán es una dictadura, y una dictadura no lo muestra todo», declaró en 2003, lamentando los «clichés» que rodean a su país natal.

Persépolis, adaptada en 2007 a la gran pantalla por ella misma junto a Vincent Paronnaud, ganó el premio del jurado en el Festival de Cannes, y también fue nominada al Óscar a la mejor película de animación.

«Aunque esta película es universal, quiero dedicársela a todos los iraníes», declaró en Cannes la artista, quien en los últimos años siguió denunciando a las autoridades de la República Islámica de Irán.

Férrea opositora de las autoridades de Teherán, en 2023 coordinó el libro Mujer, vida, libertad en el que un grupo de artistas ilustraron las revueltas producidas en Irán a partir del asesinato en 2022 de la joven kurda iraní Mahsa Amini, fallecida bajo custodia policial tras ser detenida por llevar el velo mal colocado.

En 2024, Satrapi, autora también de Bordados (2003) o Pollo con ciruelas (2004) ambas inspiradas en su país natal, fue galardonada en España con el premio Princesa de Asturias de Comunicación y Humanidades por ser «una voz esencial para la defensa de los derechos humanos y la libertad».

Un año después, Satrapi rechazó la Legión de Honor francesa para denunciar «la actitud hipócrita de Francia respecto a Irán», donde se producía de nuevo una fuerte represión.

La artista creó en febrero de este año la Fundación para el cine Mattias y Marjane Ripa-Satrapi, en el seno de la Academia de Bellas Artes francesa, de donde era miembro, con la misión de «apoyar a estudiantes extranjeros en su proyecto de venir a estudiar cine a París».

Festival Fine Arts “Hecho en RD” 2026: los ganadores.

El Festival de Cine Fine Arts “Hecho en RD” concluyó con éxito su sexta edición, realizada en Caribbean Cinemas Downtown Center, acogiendo la presencia de cientos de seguidores que se dieron cita durante varios días para disfrutar de las 16 películas en estreno, 22 cortometrajes, 4 proyecciones informativas (Emergentes) y 3 conversatorios.

El Festival de Cine Fine Arts “Hecho en RD”, presentado por Caribbean Cinemas y Altice, cerró esta entrega con el anuncio de los ganadores en diferentes categorías:

-El premio a Mejor Película fue para La corta vida de las flores, de Pablo Lozano.

- Mejor actriz para Judith Rodríguez por La corta vida de las flores

- Mejor actor para Héctor Aníbal por La corta vida de las flores

- Mejor guion para Juan Antonio Bisonó por La corta vida de las flores  

- Mejor director para Ulises Porra por Bajo el mismo sol

- Mejor actriz secundaria para Valentina Shen Wu por Bajo el mismo sol  

- Mejor actor secundario para Jean Jean por Bajo el mismo sol  

- Mejor documental fue Bóru, de Ronny Sosa.

- Mejor cortometraje lo ganó Mute, de Alerick Jiménez, estudiante del Instituto Tecnológico de Santo Domingo (INTEC).

También recibieron mención de honor: Aquella primavera, de Mayra Poueriet, en Mejor Documental; Última llamada, de Stef Peña, estudiante de la Universidad Autónoma de Santo Domingo (UASD), en Mejor Cortometraje.

El jurado oficial este año estuvo compuesto por los críticos de cine y cineastas Félix Manuel Lora, como presidente, Dahiana Acosta, Jeury Frías, Yoel Morales, Marc Mejía, Nolberto Batista e Ysidro García, quienes evaluaron todas las películas y cortometrajes presentados durante el festival.

Cabe resaltar que varias de las películas expuestas en el festival estarán en estreno en diferentes fechas en las salas de cine de Caribbean Cinemas.

San Sebastián 2026: el afiche oficial.

El actor, productor y director Ricardo Darín, una de las figuras más prestigiosas del cine latinoamericano y mundial de las últimas décadas, protagoniza el cartel de la 74ª edición del Festival de San Sebastián, que tendrá lugar del 18 al 26 de septiembre de 2026. Desde hace 20 años, el intérprete argentino es un rostro habitual del Festival, que en 2017 le entregó su máxima distinción honorífica: el Premio Donostia.

El Centro Internacional de Cultura Contemporánea-Tabakalera ha albergado el acto de presentación de carteles, oficiado por el director del Festival, José Luis Rebordinos, y por su sucesora Maialen Beloki, que actualmente es una de las dos subdirectoras y en enero pasará a ocupar el puesto de directora del certamen.

Tras los carteles oficiales protagonizados por Isabelle Huppert, Penélope Cruz, Willem Dafoe, Sigourney Weaver, Juliette Binoche, Javier Bardem, Cate Blanchett y Marisa Paredes, el argentino Ricardo Darín es la novena figura de la cinematografía contemporánea que presta su imagen al Festival.

Ricardo Darín (Buenos Aires, 1957) es una de las figuras más prestigiosas y populares de la cinematografía latinoamericana y mundial. A lo largo de medio siglo de carrera y un centenar de interpretaciones que le han granjeado más de 40 premios, ha alternado trabajos enmarcados tanto en el cine de autor como en el dirigido al gran público. Entre otros, ha rodado a las órdenes de Adolfo Aristarain, Juan José Campanella, Fabián Bielinsky, Fernando Trueba, Pablo Trapero, Cesc Gay y Santiago Mitre.

Darín, que debutó con cinco años en series televisivas, se forjó en el teatro e inició su carrera en el cine con La carpa del amor (Julio Porter, 1979). Ha visitado San Sebastián en nueve ediciones del Festival. En 2005 presentó El aura, de Fabián Bielinsky, en la Sección Oficial, a donde regresó cuatro años después con dos títulos, El secreto de sus ojos (Juan José Campanella, 2009) y El baile de la victoria (Fernando Trueba, 2009), proyectada fuera de concurso. En 2012 fue integrante del Jurado Oficial y en Made in Spain se proyectó Elefante blanco (Pablo Trapero), mientras que en 2014 participó en Perlak con Relatos salvajes (Damián Szifron), que consiguió el Premio del Público a la mejor película europea. Al año siguiente consiguió la Concha de Plata ex aequo junto a su compañero de reparto Javier Cámara por su trabajo en Truman (Cesc Gay, 2015).

En 2017 recogió el Premio Donostia en reconocimiento a toda su trayectoria y presentó la proyección especial de La cordillera (Santiago Mitre). Regresó a la Sección Oficial para inaugurarla con El amor menos pensado (Juan Vera, 2018) y La odisea de los giles (Proyecciones Especiales, Sebastián Borensztein, 2019), en las que se estrenó como productor. También desempeñó ese papel en la película programada en Perlak Argentina, 1985 (Santiago Mitre, 2022), que le trajo a la capital guipuzcoana por última vez y le granjeó el Premio del Público Ciudad de Donostia / San Sebastián. Aunque Darín no visitó presencialmente San Sebastían, sí figuró en el reparto de La fuga (Eduardo Mignogna, 2001), que concursó en la Sección Oficial, o en filmes de New Directors como Perdido por perdido (Alberto Lecchi, 1993) o Amorosa soledad (Martín Carranza y Victoria Galardi, 2008), que cosechó el Premio de la Juventud, y en Carancho (Pablo Trapero, 2010), programado en Perlak.

Otras obras esenciales de su extensa filmografía son Nueve reinas (Fabián Bielinsky, 2000), que propulsó su reconocimiento internacional y en 2023 fue programada en Klasikoak, o títulos fundamentales de Juan José Campanella como El mismo amor, la misma lluvia (1999); El hijo de la novia (2001) y Luna de Avellaneda (2004). También ha actuado en Capitán Kóblic (Sebastián Borenzstein, 2016), Tesis sobre un homicidio (Hernán Goldfrid, 2012), Séptimo (Patxi Amezcua, 2013), Todos lo saben (Asghar Farhadi, 2018) y, más recientemente, en la serie El eternauta (Bruno Stagnaro, 2025).

Darín debutó tras la cámara con La señal (2007), película codirigida junto a Martín Hodara.

Como el año pasado, el póster ha sido diseñado por el estudio donostiarra Wallijai, que ha creado un collage a partir de un retrato tomado en 2024 por el fotógrafo y músico argentino Sebastián Arpesella.

Marilyn Monroe: 100 años de un mito erótico.

Marilyn Monroe es la mujer que más líquido ha derramado sobre el planeta: lágrimas, sudor, esperma, licor, Chanel no.5. ¡Además sabía actuar, carajo! -José D'Laura

Marilyn Monroe fue mucho más que el icono de glamour que la convirtió en mito global. Detrás de esa imagen, a menudo reducida al estereotipo de símbolo sexual, hubo una actriz rigurosa, formada en el método, y una figura clave en la lucha por el control creativo en Hollywood.

«Marilyn Monroe era, en sí misma, la actuación definitiva. Esa no era realmente ella. Ella era Norma Jeane Baker. La creación de ‘Marilyn Monroe’ fue la actuación suprema», dijo Emily Carman, profesora asociada de Cine y Artes Mediáticas de la Universidad Chapman.

Amy Greene, esposa del fotógrafo Milton H. Greene, uno de los colaboradores y amigos más cercanos de Monroe, relató cómo la actriz parecía transformarse instantáneamente de Norma Jeane, la mujer detrás del mito, reservada y discreta, a Marilyn Monroe, la deslumbrante estrella que cautivaba a cualquiera a su paso.

Tras una infancia marcada por la inestabilidad familiar, diversos episodios de abuso y un matrimonio temprano, Monroe comenzó a trabajar como modelo. Sin embargo, sus ambiciones la llevaron pronto a dar el salto a Hollywood.

El camino no fue sencillo, pero en cuestión de pocos años consiguió contrato con 20th Century Fox y empezó a abrirse paso en la industria con papeles secundarios que, poco a poco, consolidaron su presencia en pantalla.

Su ascenso definitivo llegó con títulos como Niagara (1953), Gentlemen Prefer Blondes (1953) y How to Marry a Millionaire (1953), que la convirtieron en una de las figuras más reconocibles.

Sus papeles de rubia interesada, ingenua o tonta, sumados a la imagen pública de símbolo sexual que se consolidó tras la publicación de unas fotografías de desnudos sin su consentimiento, terminaron eclipsando durante años la complejidad de su trabajo interpretativo.

«Existe un gran malentendido sobre su capacidad como actriz», explicó Carman, quien sostiene que Monroe fue una de las figuras clave en la incorporación del método en Hollywood, técnica entonces asociada principalmente a actores como Marlon Brando.

En 1954, Monroe se rebeló contra el estudio y se negó a aparecer en The Girl in Pink Tights para distanciarse de papeles de mujer ingenua y por su inconformidad con el salario que recibía en comparación con sus coprotagonistas masculinos. Se encontraba en el punto álgido de su carrera y tomó el riesgo de mudarse a Nueva York para estudiar con Lee Strasberg en el Actors Studio, decisión que, según Carman, «demuestra hasta qué punto estaba comprometida con su oficio».

«Fue una actriz muy seria, incluso cuando interpretaba personajes que explotaban la imagen de la rubia ingenua», añadió la experta, destacando papeles como Some Like It Hot.

En pleno apogeo del sistema de estudios, cuando las grandes estrellas estaban sujetas a contratos restrictivos y tenían escasa capacidad para decidir, Monroe desafió las reglas cuando en 1955 fundó Marilyn Monroe Productions junto a su amigo y fotógrafo Milton H. Greene.

Su objetivo no era únicamente mejorar sus condiciones económicas, sino también ganar el reconocimiento artístico que consideraba que la industria le negaba.

Monroe regresó a Fox bajo sus propios términos con el filme Bus Stop (1956), con el que pudo mostrar una faceta más dramática y seria y en 1957 lanzó The Prince and the Showgirl, película independiente realizada por su propia productora que logró una nominación al BAFTA y ganó el David di Donatello a mejor actriz extranjera.

Hacia el final de su carrera Monroe encontró en The Misfits (1961) el papel que siempre había buscado en los márgenes de Hollywood. El guion fue escrito por su entonces esposo, Arthur Miller, específicamente para ella, y le ofrecía un rol que la industria no le había dado.

«En The Misfits ella es la autoridad moral: los hombres rinden cuentas ante ella por su explotación de la tierra, los animales y, en cierto modo, de ella misma», explicó Carman.

La película, que coprotagonizó junto a Clark Gable y Montgomery Clift, muestra a Monroe no como el estereotipo rubio, sino como una mujer con profundidad emocional y conciencia crítica.

En el marco de su centenario, la figura de Monroe ha permanecido en el tiempo como un mito, alimentado por su tormentosa vida personal, su prematura y devastadora muerte y la fascinación que su imagen sigue ejerciendo en la cultura popular.