Las nuevas reglas de los Globos de Oro 2027.

Los Globos de Oro anunciaron nuevas reglas sobre el uso de inteligencia artificial en cine y televisión, permitiendo herramientas de IA generativa siempre que predomine la creatividad humana, aunque vetaron las actuaciones creadas sustancialmente con esta tecnología en categorías interpretativas.

«El uso de inteligencia artificial (IA), incluida la IA generativa, no descalifica automáticamente una obra para ser considerada, siempre y cuando la dirección creativa humana, el juicio artístico y la autoría sigan siendo los elementos principales durante todo el proceso de producción», dice el documento publicado.

Las nuevas directrices establecen que las obras presentadas deberán incluir una declaración que describa «cualquier uso de la IA generativa, en cualquier etapa de la producción de la obra terminada, incluido si se realizó alguna alteración mediante IA a la apariencia o la voz de un intérprete acreditado».

En el caso de las categorías interpretativas, los Globos de Oro especificaron que las actuaciones deberán derivar «principalmente del trabajo del intérprete acreditado» y que las candidaturas en las que una interpretación haya sido «generada o creada sustancialmente» mediante inteligencia artificial no serán elegibles.

No obstante, la organización de los premios precisó que sí podrá permitirse el uso de IA para mejoras técnicas o cosméticas, como rejuvenecimiento, envejecimiento o modificaciones visuales, siempre que la actuación original siga perteneciendo al actor acreditado y que la tecnología no altere de forma material su trabajo.

«Además, las candidaturas no pueden incluir actuaciones generadas mediante el uso no autorizado de la imagen digital de un intérprete, replicación de voz o datos biométricos, independientemente de si el intérprete recibe crédito o no», apunta el escrito.

Las normas de los Globos de Oro llegan una semana después de que la Academia de Hollywood anunciara nuevas reglas de elegibilidad que establecen que las actuaciones deberán ser «interpretadas de manera demostrable por personas con su consentimiento» y que los guiones «deben ser de autoría humana» para poder competir.

La 84ª edición anual de los Globos de Oro volverá a ser presentada por la comediante, escritora y actriz Nikki Glaser y tendrá lugar el domingo 10 de enero de 2027. La organización de los premios anunciará a los nominados el próximo lunes 7 de diciembre.

“Las ovejas detectives” ya en cines de Dominicana

Desde ayer, las salas de cine del país presentan Las ovejas detectives, una original propuesta cinematográfica que combina comedia, misterio y emoción en una historia tan inesperada como fascinante.

Basada en la exitosa novela de Leonie Swann, la película ofrece un ingenioso “¿Quién lo hizo?” desde una perspectiva completamente fuera de lo común: un grupo de ovejas que decide resolver el asesinato de su propio pastor.

La historia sigue a George, interpretado por Hugh Jackman, un pastor que cada noche le leía novelas de misterio a su rebaño, convencido de que ellas no podían comprenderlas. Sin embargo, tras su repentina muerte, las ovejas sorprenden al convertirse en improbables detectives, siguiendo pistas y enfrentándose a una serie de sospechosos humanos en un caso lleno de giros.

El elenco se enriquece con la participación de Emma Thompson, ganadora del Oscar, y Nicholas Braun, conocido por su versatilidad en comedia y drama, quienes aportan mayor peso interpretativo y dinamismo a esta peculiar historia.

El proyecto nace de la visión de la productora Lindsay Doran, quien encontró en esta historia una combinación perfecta de humor inteligente y profundidad emocional. El guion está a cargo de Craig Mazin, reconocido por su habilidad para equilibrar comedia y drama en producciones aclamadas.

Las ovejas detectives propone una experiencia cinematográfica diferente: una película familiar con múltiples capas, capaz de entretener tanto a adultos como a jóvenes, mientras ofrece una mirada reflexiva sobre la naturaleza humana, la memoria y los vínculos que nos unen.

Con una mezcla de intriga, ternura y originalidad, esta producción promete posicionarse como una de las propuestas más llamativas de la temporada.

La película está distribuida en República Dominicana por Cinematográfica Blancica y ya se encuentra disponible en todos los cines del país.

“Nieta de mi abuela”, desde 7 de mayo en cines.

El documental Nieta de mi abuela, dirigido por Tatiana Fernández Geara y producido por Wendy P. Espinal, tendrá su estreno oficial este jueves 7 de mayo en Downtown Center en Santo Domingo, además en los cines de Santiago, San Francisco de Macorís y Puerto Plata. 

La película se estrena en el país tras un premiado recorrido por festivales internacionales en donde ha obtenido: Mejor Documental (New York Latino Film Festival), Mejor Guion (Festival de Trieste), Premio del Público (Chicago Latino Festival), Mención de Honor (Festival Monde en Vues, Guadalupe).

El documental nace de una súplica expresada por la abuela de Tatiana antes de fallecer: “No te quedes sola como yo.” Como mujer soltera de 40 años, llena de preguntas sobre qué significa “quedarse sola”, Tatiana explora la vida de su abuela Teresa Pichardo, una mujer imponente, dueña del icónico Cine Carmelita de San Francisco de Macorís, quien se divorció tres veces y desafió los cánones de la sociedad dominicana de la época. La cineasta empieza un recorrido que la lleva por archivos familiares, películas antiguas y cientos de cartas construyendo (o intentando deconstruir) una historia sobre el amor, las expectativas sociales y la soledad.

“Mientras más me metía en los archivos familiares, más claro me quedaba que, como mujeres, sigue habiendo una presión social muy fuerte para vernos casadas y con hijos, como si toda nuestra identidad se basará en parejas y bebés”, dice Tatiana. “Una mujer divorciada tres veces en los años 60 era cuestionable, pero hoy en día también lo es una que nunca se ha casado. ¿Qué tan difícil puede ser deconstruir lo que he aprendido sobre lo que una mujer debe o no debe ser?”.

El filme ganó el renombrado fondo de desarrollo de Chicken & Egg Films Research and Development Grant, al igual que los premios FONPROCINE para producción y posproducción de documental, este último gracias al apoyo del estudio Pulpo Post. Recibió además el apoyo de inversionistas privados gracias a la Ley de Cine. Se grabó en San Francisco de Macorís, Cabarete y Santo Domingo, además de Italia e Inglaterra.

Éste es el tercer largometraje de Tatiana Fernández Geara, a través de su casa productora Cine Carmelita. Sus primeras dos películas fueron Nana (2015) y Vals de Santo Domingo (2021). Esta última fue reconocida con una mención de honor en el Festival Internacional de Cine en Guadalajara. 

Con este estreno nacional, Nieta de mi abuela se presenta al público dominicano como una obra que invita a la reflexión sobre la identidad femenina, las relaciones afectivas y los legados familiares, desde una mirada honesta y profundamente personal.

Las nuevas reglas del Oscar.

La Academia de Hollywood anunció cambios en la normativa de los premios más populares del cine que endurecen la postura en torno a la inteligencia artificial (IA) y permiten además que los actores puedan ser nominados por varios papeles en la misma categoría.

La junta directiva informó en un comunicado que de cara a la próxima edición se reservará el derecho «de solicitar más información sobre la naturaleza del uso y la autoría humana» en proyectos realizados con IA generativa.

También decretó que las únicas interpretaciones que podrán optar a los premios Oscar de actuación serán aquellas acreditadas en los créditos de la película y realizadas por personas con su consentimiento.

En la categoría a mejor actor, el organismo cinematográfico amplió a «varias interpretaciones en la misma categoría» la nominación de los intérpretes, siempre y cuando «se ubiquen entre los cinco primeros puestos en la votación, lo cual coincide con los logros en otras categorías de premios», precisó.

Otra categoría que sufre un importante cambio es la del Oscar a la Mejor Película Internacional. Hasta el momento, solo los países (o regiones) podían enviar cintas para competir en los premios a través de comités de selección previamente aprobados; a partir de este año, las películas en una lengua distinta del inglés podrán entrar en consideración de la Academia -es decir, formar parte de la llamada 'longlist' de los Oscar- si ganan el máximo premio de una lista muy selecta de festivales: el Oso de Oro del Festival de Berlín, Mejor Película en el Festival de Busán, la Palma de Oro del Festival de Cannes, el Gran Premio del Jurado de la sección World Cinema en el Festival de Sundance, el Platform Award del Festival de Toronto y el León de Oro del Festival de Venecia.

La Academia emitió nuevas directrices en este renglón, indicando que solo considerará una película por país o región, elegida por un comité de selección local aprobado por el organismo de los premios. «La película figurará como nominada en lugar del país o la región, y el premio será recibido por el director en nombre del equipo creativo», agregó el escrito.

La edición 99 de los premios Oscar se celebrará el próximo 14 de marzo de 2027 en el teatro Dolby de Los Ángeles y se transmitirá en directo por ABC.

Cannes 2026: el Jurado.

Como se anunció previamente, el jurado del 79º Festival de Cannes estará presidido por el director, guionista y productor surcoreano Park Chan-wook . Le acompañarán la actriz y productora estadounidense Demi Moore , la actriz y productora irlandesa-etíope Ruth Negga , la directora y guionista belga Laura Wandel , la directora y guionista china-americana Chloé Zhao, el director y guionista chileno Diego Céspedes , el actor marfileño-americano Isaach De Bankolé , el guionista escocés Paul Laverty y el actor sueco Stellan Skarsgård .

El jurado tendrá el honor de otorgar la Palma de Oro a una de las 22 películas en competición, después de Tan solo un accidente, de Jafar Panahi , presentada por el jurado de Juliette Binoche, en 2025. Los ganadores se anunciarán el sábado 23 de mayo en la ceremonia de clausura del más importante festival de mundo.

 

Park Chan-wook

Visceral, subversivo, barroco: el cine de Park Chan-wook se define por su audacia en todos los sentidos: en su narrativa, su estilo y su postura moral. Sin embargo, nunca se aparta de un mensaje social simbólico ni de su público, al que sumerge en mundos oscuros e inquietantes para emprender viajes que son, a ratos, aterradores, estimulantes, eróticos… o todo a la vez. Todo comenzó en Cannes con Old Boy, que ganó el Gran Premio en 2004. Desde entonces, casi todas sus películas seleccionadas en la Competencia le han valido un lugar en la lista de ganadores: Thirst (Premio del Jurado 2009), The Handmaiden (2016), Decision to Leave (Premio al Mejor Director en 2022). Con una obra marcada por la venganza, plasmada en la trilogía Sympathy for Mister Vengeance, Old Boy y Lady Vengeance, y por la influencia de Hitchcock, perceptible desde Stoker (2013) hasta su reciente No Other Choice (2025), su trabajo encarna el ADN del cine coreano contemporáneo: libre de convenciones, orientado al público, ambicioso y deliberadamente provocador, sofisticado sin ser excesivamente intelectual.

 

Demi Moore.

La actriz, productora y autora de bestsellers del New York Times, nominada al Premio de la Academia, Demi Moore, protagonizó recientemente La Sustancia (Premio al Mejor Guion, Festival de Cannes 2024), dirigida por Coralie Fargeat. Su actuación le valió premios como el Globo de Oro, el Premio del Sindicato de Actores (SAG) y el Premio de la Crítica, además de nominaciones a los premios BAFTA y de la Academia. Recientemente regresó para la segunda temporada de la exitosa serie Landman, que ha sido renovada para una tercera temporada. Próximamente aparecerá en I Love Boosters, dirigida por Boots Riley, que ya ha recibido excelentes críticas iniciales, y protagonizará Strange Arrivals de Roger Ross Williams junto a Colman Domingo. Moore apareció anteriormente en la segunda temporada de Feud: Capote vs. The Swans y es ampliamente conocida por sus icónicas actuaciones en Ghost, A Few Good Men, Una propuesta indecente y GI Jane.

 

Chloé Zhao.

Chloé Zhao es una escritora, directora, editora y productora nacida en Pekín que ha dejado su huella en la historia del cine mundial. Dirigió su ópera prima, Songs My Brothers Taught Me (2015), que atrajo la atención en festivales como Sundance y Cannes, y dos años después, The Rider, que obtuvo un gran éxito de crítica. Posteriormente, dirigió la película Nomadland, que ganó dos premios Oscar a la Mejor Película y a la Mejor Dirección, y el largometraje Eternals para Marvel Studios. En 2025, recibió varios premios por Hamnet (incluido el de Mejor Película Dramática en los Globos de Oro y el de Mejor Película Británica en los BAFTA) y se convirtió en la segunda mujer en ser nominada dos veces al Oscar a la Mejor Dirección. Fundó la productora Book of Shadows en 2023 y Kodansha Studios en 2025.

Adolfo Aristarain (1943-2026).

El director y guionista Adolfo Aristarain, que falleció a los 82 años en su Buenos Aires natal, deja como legado una extensa y laureada filmografía labrada fundamentalmente en Argentina y España, con exitosos títulos como Un lugar en el mundo y Martín (Hache).

Aristarain, nacido el 19 de octubre de 1943 en la capital argentina, tuvo interés desde su infancia por la literatura y el cine.

Se inició en el séptimo arte como montador y sonidista en Río de Janeiro y luego como ayudante de producción en Buenos Aires, para luego, a comienzos de la década de 1960, dar sus primeros pasos como asistente de dirección.

En 1967 se mudó a Madrid y regresó en 1974 a Buenos Aires, donde continuó trabajando como asistente de dirección de realizadores como Vicente Aranda, Daniel Tinayre y Sergio Renán.

Su primera película como director llegó en 1978, La parte del león, de la que también escribió el guion, filme protagonizado por Julio de Grazia, Luisina Brando y Fernanda Mistral.

Sus largometrajes -once en total-, rodados en Argentina y España, incluyen títulos de gran éxito, como Tiempo de revancha (1981), Un lugar en el mundo (1992), Martín (Hache) (1997) y Roma (2004), su último filme.

Reconocidos actores, como Juan Diego Botto, Cecilia Roth, José Sacristán y Federico Luppi trabajaron bajo las órdenes de Aristarain, que se consideraba un admirador de directores estadounidenses como John Ford y John Huston.

En 1992 su filme Un lugar en el mundo fue nominado a un Óscar como mejor película extranjera, largometraje que ese mismo año ganó un Goya.

En 2002 otro de sus filmes, Lugares comunes, se alzó con un Goya al mejor guion adaptado.

Fue además reconocido con varios premios en el Festival de Cine de San Sebastián y con galardones Cóndor de Plata en Argentina.

«Mis películas tenían un objetivo claro, que era muy visible en La parte del león o en Tiempo de revancha: atacar al capitalismo, que es un sistema que considero salvaje. Hoy pienso lo mismo, este sistema nos destruye sin la más mínima piedad y hay que cambiarlo», dijo en 2013.

Aristarain fue miembro de la Academia de Cine de España y vicepresidente de la organización Directores Argentinos Cinematográficos (DAC).

En 2003 le fue otorgada la nacionalidad española, en mérito a su aporte a la cultura iberoamericana.

Hace un par de años, reveló en una entrevista que alguna vez planeó filmar una película sobre el músico argentino Astor Piazzolla, un proyecto que descartó luego de que en 2019 se sometiera a un operación del corazón.

«El cine es un oficio despiadadamente traidor para quien lo ejerce. Aunque uno intente esconder lo que uno es, tarde o temprano el director desnuda su alma sin quererlo en primer plano. El cine que uno hace es lo que uno es», definió Aristarain en 2024, al recibir la Medalla de Oro de la Academia de Cine de España.

Cannes 2026: el afiche.

Treinta y cinco años después del estreno mundial de Thelma y Louise, película de Ridley Scott, el 20 de mayo de 1991 en Cannes, ellas regresan como heroínas del cartel oficial.

Estas dos luchadoras inolvidables cambiaron el rumbo de los acontecimientos y rompieron estereotipos cinematográficos y políticos; encarnaron la libertad absoluta y una amistad inquebrantable; mostraron el camino hacia la emancipación cuando esta se vuelve crucial. Recordarlas hoy significa celebrar el progreso alcanzado, sin olvidar el trabajo que aún queda por hacer.

Con una camiseta blanca de tirantes y una pose despreocupada, Louise clava su mirada en la nuestra, desafiándonos con los ojos. Con un revólver en el bolsillo trasero, Thelma escudriña el horizonte tras sus gafas oscuras. Ambas van sentadas con orgullo en un Ford Thunderbird descapotable de 1966. Bajo el sol de Arkansas, en una América desierta, se lanzan a la carretera, escapan, huyen —de la existencia, de la sociedad, de los hombres que las maltratan— para forjar su propio camino.

Los temas vanguardistas de 1991 impregnaban Thelma & Louise y siguen resonando con fuerza hoy en día. Para plasmarlos, el Festival de Cannes eligió esta imagen en blanco y negro de una película vibrante que celebra la vida y la eterna lucha por la libertad de ser uno mismo.

Hace treinta y cinco años, las dos protagonistas de la primera road movie feminista protagonizada íntegramente por mujeres se lanzaron a la aventura, impulsadas por un viento de libertad que soplaba a sus espaldas. Se convirtieron en iconos inmortales. Hoy, están ante nosotros. Y contemplamos su legado.

Luis Puenzo (1946-2026)

 

El director, guionista y productor argentino Luis Puenzo, ganador del primer Óscar en la historia del cine argentino por la película La historia oficial (1985), murió a los 80 años, confirmó la Sociedad General de Autores de Argentina (Argentores).

“Con profundo pesar despedimos al destacado guionista, director, productor y socio de nuestra entidad Luis Puenzo, quien falleció en la ciudad de Buenos Aires, a los 80 años. Desde Argentores enviamos nuestras condolencias a sus familiares, amigos y colegas en este difícil momento”, señaló la entidad en un comunicado.

El reconocimiento internacional llegó con La historia oficial, que dirigió y coescribió junto a Aída Bortnik, que abordaba el robo de niños y niñas durante la última dictadura militar argentina y fue protagonizada por Norma Aleandro y Héctor Alterio.

El filme obtuvo múltiples galardones y obtuvo el Oscar a la Mejor película extranjera en 1986, el primero en la historia del cine argentino.

Puenzo y Bortnik recibieron también la nominación al Óscar en la categoría de mejor guion original, y la película fue premiada en el Festival de Cannes, ganó el Globo de Oro a Mejor película en lengua no inglesa y obtuvo el premio Cóndor de Plata de la Asociación de Cronistas Cinematográficos de la Argentina.

Continuó su carrera de director y guionista con títulos como Gringo viejo (1989), adaptación de la novela del escritor Carlos Fuentes, una producción internacional que contó con las actuaciones de Jane Fonda, Gregory Peck y Jimmy Smits, ambientada en los años de la revolución mexicana.

Además, adaptó el guion y dirigió La peste (1992), basada en la novela homónima de Albert Camus, encabezada por William Hurt, Robert Duvall y Raúl Juliá; y La puta y la ballena (2004), largometraje rodado entre Argentina y España, protagonizado por Leonardo Sbaraglia y Aitana Sánchez-Gijón.

“Milly: la reina del merengue”, nuevo filme de Leticia Tonos.

Leticia Tonos Paniagua es una de nuestras cineastas más talentosas. Bastaría revisar algunos títulos de su filmografía: La hija natural, Cristo Rey y Mis 500 locos para comprobar su enorme talento y su audacia de probar con diversos géneros cinematográficos.

Milly Quezada no solo es la reina del merengue: es una de las más dignas representantes de la mujer dominicana de cualquier época, perfecto ejemplo de superación personal frente a los obstáculos de quienes emigraron a New York en los convulsos años 60, sin ceder un ápice en sus principios y sus creencias.

Estas dos mujeres extraordinarias han hecho posible Milly: reina del merengue, filme mitad biopic, mitad musical que llega a la cartelera luego de su estreno en el Festival de Cine Global y su recorrido por los Festivales de Panamá y Miami.

La exitosa carrera como merenguera de Milly Quezada es conocida por varias generaciones que han bailado y cantado su música. Milly: reina del merengue nos presenta también lo que la cámara no capta, lo que el público desconoce: los fracasos, las lágrimas, la resiliencia detrás de cada éxito discográfico, detrás de cada fiesta multitudinaria, de cada estatuilla recibida.

Milly Quezada recibió el Gran Soberano de Acroarte en 1998, como reconocimiento a una carrera que también se ha visto premiada con el Latin Grammy y el Premio a la excelencia de The Latin Recording Academy.

Milagros Quezada Borbón llegó siendo una niña al Washington Heights de mediados de la década 60 y tuvo que enfrentarlo todo: una vieja cultura paternal que le asignaba papeles muy específicos como mujer (nada de tongonearse en una tarima), una nueva cultura que no siempre era hospitalaria y el deseo natural de la niña Cuquita de convertirse en la mujer Milly, contando con muy poco estímulo de su entorno más íntimo. Es en ese momento cuando la fe en ti mismo obra maravillas y descubres tu propia voz.

Para contar (y cantar) esta historia se necesitaba no solo de la sororidad de Quezada (productora ejecutiva del filme) y de Tonos (guionista y directora): era necesario encontrar a alguien que fuera capaz de encarnar toda la fuerza y la vulnerabilidad, la determinación y las caídas del personaje. Aquí aparece el primer acierto del filme: Sandy Hernández quien, en su primer protagónico, logra una actuación asombrosa.  

Hernández luce formidable en su papel como Milly, con su rostro, su cuerpo y su propia voz al servicio de los propósitos dramáticos que, en varias ocasiones, nos sacuden por dentro. Unas veces de pura empatía con el personaje que atraviesa una crisis, otras como expresión de la alegre dominicanidad que albergamos en nuestros corazones.

Ese es el gran logro de Milly: reina del merengue: al margen de la excelencia de la puesta en escena, la fotografía, el vestuario y la edición, nos conmueve en lo más íntimo, nos enciende una chispa interior con tanta desbordante alegría quisqueyana, sobre todo para quienes vivimos los años dorados del merengue, convocando todos los recuerdos al compás de Volvió Juanita.

Por supuesto, el filme también funciona como inventario de los obstáculos que enfrenta cualquier inmigrante dominicano a New York, atraídos por la propaganda del Sueño Americano o por las inseguridades que se generan en los muchos desgobiernos que nos han azotado.

Por supuesto, un filme basado en la vida de una merenguera que ha sembrado tantas alegrías en varias generaciones, es un obvio inventario de muchos de los éxitos merengueros de las últimas décadas y un sincero y necesario reconocimiento a una mujer que ha logrado el éxito y es un referente de decencia, una absoluta dama del escenario, quien solo necesitó mostrar su talento y ejercer su maravillosa capacidad para conectar con su público, la misma que todavía la mantiene posicionada en el gusto popular.

En una época en que los medios destilan ejemplos execrables, se hace invaluable un filme como Milly: reina del merengue y su contundente alegato: la trascendencia viene como recompensa a quienes no trafican con su dignidad.

 

Milly: reina del merengue (2026). Dirección: Leticia Tonos; Guion: Leticia Tonos y Junior Rosario; Fotografía: P. J. López: Edición: Juanjo Cid; Música: Luichy Guzmán y Allan Leschhorn; Elenco: Sandy Hernández, Juan Carlos Pichardo, Jalsen Santana, Nicole Padrón, Cindy Galán.