“Elvis”, desde el 14 de julio en cines.

 

Cuando hablamos de iconos de la cultura pop, Elvis Presley ocupa un lugar destacado. Fue una figura que definió una era en la historia de la música moderna y cuyo legado se extiende hasta nuestros días. Su vida conjuga éxito musical sin precedentes, excesos y profundos tormentos personales.

A pesar de su desaparición física, Elvis es un músico que a través de los años no deja de despertar intereses y acumular fanáticos. Una muestra de ello es el gran entusiasmo que ha generado Elvis, película dirigida por Baz Luhrmann y protagonizada por Austin Butler y Tom Hanks.

Esta producción se adentra en la vida y carrera del Rey del Rock and Roll, así como en su relación con su manager, el controversial coronel Tom Parker, el cual acompañaría al músico durante sus inicios y la consolidación de su fama. Pero muchos consideran a Parker como uno de los responsables del impresionante éxito de Presley, pero también como alguien manipulador y explotador. Otro personaje de importancia en la película es Priscilla Presley, quien fuera la esposa de Elvis y con la cual tendría una hija, Lisa Marie Presley.

Elvis ha generado bastante expectativa, no solo por contar la historia de una de las más grandes leyendas del mundo de la música, sino también por la calidad del talento involucrado en el proyecto. Debutó en el primer puesto de las taquillas en Estados Unidos

Sobresale el nombre de su director Baz Luhrmann, quien ha sabido desarrollar una carrera cinematográfica exitosa. Es el responsable de Romeo + Juliet (1996), adaptación del clásico de Shakespeare protagonizada por Leonardo DiCaprio y Claire Danes; del musical Moulin Rouge! (2001) y de The Great Gatsby (2013). Ahora este director australiano ha asumido la responsabilidad de crear una cinta que relate los momentos más importantes de la trayectoria de Elvis Presley. El guion es obra de Luhrmann y Craig Pearce.

Por su parte, Austin Butler interpreta al Rey del Rock and Roll y ya muchos apuestan a su segura nominación al Oscar al Mejor Actor. Recientemente, Butler participó en Once Upon a Time in Hollywood de Quentin Tarantino, dando vida a Tex, uno de los miembros del culto de Manson. Para hacerse con el papel tuvo que competir con varios actores, como Ansel Elgort (West Side Story), Miles Teller (Whiplash) y Aaron Taylor-Johnson (Nocturnal Animals). En esta producción, Butler se permite reinterpretar varias de las canciones de Presley.

El ganador del Óscar, Tom Hanks, encarna al coronel Tom Parker. Priscilla Presley es interpretada por Olivia DeJonge, actriz cuyo trabajo ha podido verse en The Visit, película de M. Night Shyamalan, y en la serie The Society. 

En Elvis también se presentan otras grandes figuras del mundo de la música: Alton Mason será el encargado de dar vida a Little Richard, la cantante Yola se desempeñará como Rosetta Tharpe, Kelvin Harrison Jr. Como B.B. King, David Wenham como Hank Snow y Honka Dukureh será Willie Mae "Big Mama".

Para los millones de fans del Rey, Elvis es una propuesta bastante atractiva. Para los que no son fans, Lurhmann sabe cómo presentarles un espectáculo de primera.

Academia de Hollywood: la Clase 2022.

 Con el negocio del cine aun recuperando su equilibrio después de más de dos años muy difíciles, la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas anunció que abrirá sus filas a 397 nuevos miembros en el último paso en su esfuerzo continuo por diversificar su membresía.

En representación de 54 países, la lista de invitados incluye nombres como Ariana DeBose, Billie Eilish, Jamie Dornan y Anya Taylor-Joy, así como muchos artistas, cineastas, ejecutivos y profesionales cuyos nombres nunca han aparecido en la cartelera de un multiplex. El grupo incluye 71 nominados al Premio de la Academia, como Jessie Buckley, la estrella de La hija perdida y el nominado de El poder del perro, Jesse Plemons, así como 15 ganadores anteriores del Oscar, incluido Troy Kotsur, ganador del actor de reparto por CODA.

Dado que la Academia continúa presionando por una mayor inclusión tanto dentro de la organización como en la industria en su conjunto, el 44 % de los miembros de la clase 2022 se identifican como mujeres y el 37 % pertenecen a comunidades étnicas/raciales subrepresentadas. La mitad son de fuera de los Estados Unidos.

El anuncio se produce cuando la Academia se encuentra en una encrucijada con una transición de liderazgo inminente, ya que el director del Museo de la Academia, Bill Kramer, se prepara para asumir el próximo mes como director ejecutivo de la organización del actual CEO Dawn Hudson, quien ha dirigido la academia a través de 11 transformaciones y en años de tiempos complicados. 

Habiendo logrado su obajetivo en 2020, establecido a raíz de la controversia #OscarsSoWhite, de duplicar el número de mujeres y personas de color en sus filas de miembros, la organización ha desacelerado el ritmo de crecimiento en los últimos años. El grupo de invitados de este año es casi exactamente del mismo tamaño que el del año pasado, que era de 395.

Si bien sigue siendo significativamente más grande que los grupos anuales de invitados en décadas anteriores, que generalmente estaban limitados por cuotas a alrededor de 100 miembros, la clase de este año es menos de la mitad del tamaño de la clase de 2020 de 819, que en sí misma fue más pequeña que el récord de 2018, clase que alcanzó un gigantesco 928.

El año pasado, la Academia anunció que planeaba volver a tamaños de clase más limitados “para permitir un crecimiento constante en el futuro y garantizar la infraestructura, los recursos de personal y el entorno necesarios para apoyar a todos los miembros de la academia”.

Incluyendo la nueva clase, según la academia, el 34% de sus miembros se identifican como mujeres, mientras que el 19% son de comunidades étnicas/raciales subrepresentadas, a la par con los puntos de referencia del año pasado. En un análisis histórico de 2012, The Times informó que los votantes de los Oscar eran en ese momento 94% blancos y 77% hombres.

Siete filiales invitaron a más mujeres que hombres este año, incluidas directoras de casting, diseñadoras de vestuario, documentalistas, productoras y de marketing y relaciones públicas. Tres ramas atrajeron a la mayoría de sus candidatos de comunidades étnicas/raciales subrepresentadas, incluidos documentalistas, directores y actores, con mucho, la rama más grande de la academia.

En la rama de directores, los invitados incluyen a Sian Heder, quien ganó el premio de guion adaptado este año por CODA, que se llevó a casa el Oscar a la mejor película, así como a Reinaldo Marcus Green, cuya King Richard también obtuvo una nominación a la mejor película. En la rama de la música, los invitados incluyen a Eilish y su hermano Finneas O’Connell, quien ganó el Oscar a la canción original por la canción principal de la película de James Bond, No Time to Die.

El anuncio de la Academia de Hollywood se produce cuando los problemas de inclusión siguen surgiendo en la importante temporada de premios de Hollywood. Si todos aceptan sus invitaciones, la membresía total de la academia de cine aumentará a 10,665, incluidos 9,665 miembros con derecho a voto.

Goya 2023: 11 de febrero, en Sevilla.

Sevilla será la sede de la 37 edición de los Premios Goya, que se celebrarán el sábado 11 de febrero de 2023 en el Palacio de Congresos y Exposiciones FIBES, ha anunciado el presidente de la Academia de Cine, Fernando Méndez-Leite, junto al alcalde de la capital andaluza, Antonio Muñoz, y el vicepresidente de la institución, Rafael Portela.  

Desde el Palacio de la Motilla de la capital hispalense, Mendéz-Leite alabó la “pujanza de la industria del cine en Andalucía y especialmente en Sevilla”, ciudad que ya acogió la gala de 2019. “Se prevé un año espectacular de cine español, que culminará con la celebración de unos Goya que pretendemos que sean los mejores de la historia”.

El alcalde de Sevilla, Antonio Muñoz, ha agradecido a la Academia de Cine la confianza depositada de nuevo en la ciudad para albergar la gala de los Goya. “La de 2019 fue todo un ‘taquillazo’, y en la de 2023 Sevilla volverá a superar las expectativas”. Ante un auditorio con presencia de cineastas y representantes de la industria audiovisual sevillana y andaluza, Muñoz ha emplazado a aprovechar esta nueva oportunidad que ofrece la gala. “Además de ser un escaparate para la imagen nacional e internacional de Sevilla, debe servir para fortalecer el tejido empresarial y generar una industria audiovisual más sólida”, ha dicho.

Méndez-Leite anunció además “una noticia que es muy buena para el cine español y para esta ciudad en la que festejaremos su gran noche y que tiene mucho que ver con la buena y prolífica cosecha de nuestro cine este año. Hasta ahora, excepto en Mejor Película y Mejor Cortometraje de Ficción, todas las categorías contaban con cuatro candidatos. La Junta Directiva de la Academia ha decidido que en la próxima edición de los Premios Goya el número pasará de las cuatro actuales a cinco nominaciones en cada categoría”.

“La Academia da un paso más para reconocer el talento de nuestros creativos y técnicos. Películas e interpretaciones tendrán más posibilidades de entrar en las nominaciones en un año en el que hay un nivel altísimo. Habrá más nominadas y nominados que nunca en Sevilla, donde celebraremos los Goya 2023 con una gran gala”, aseguró el presidente de la institución. 

En la rueda de prensa en la que se ha hecho el anuncio, Méndez-Leite también indicó que la capital hispalense se impregnaría del espíritu de los Goya con una serie de actividades de las que podrá disfrutar el público sevillano –proyecciones de las películas nominadas acompañadas de encuentros con sus autores y/o protagonistas, mesas redondas con profesionales de nuestra industria, exposiciones, conciertos y un photocall que se instalará en el Ayuntamiento para fotografiarse con una réplica de un Premio Goya–, acciones que culminarán en la noche del 11 de febrero del próximo año. 

La viceconsejera de Cultura de la Junta de Andalucía María Esperanza O´Neill; la presidenta de la Academia de Cine de Andalucía, Marta Velasco; el presidente de la Spain Film Office Carlos Rosado, los actores Antonio Dechent, Alfonso Sánchez, Ignacio Mateos y Charo Reina; el productor Gervasio Iglesias; el director del Festival de Cine Europeo de Sevilla, José Luis Cienfuegos; y el director del Festival de Huelva Manuel H. Martín; académicas y académicos sevillanos, entre otros, asistieron a la que ha sido la presentación de los Premios Goya 2023 en Sevilla.

Woody Allen anuncia su retiro del cine.

Uno de los más prolíficos e importantes directores del cine americano, Woody Allen, dijo que hacer películas ya no le emociona como antes debido a la aparición de las plataformas de “streaming” y que se retirará pronto, probablemente para dedicarse a escribir.

Así se pronunció el reservado cineasta en una conversación con el actor Alec Baldwin que este compartió en Instagram y que abarcó muchos temas, aunque ninguno polémico, como las acusaciones de abuso sexual de la hija de Allen, Dylan Farrow, contra su padre.

El artífice de éxitos como Annie Hall y Medianoche en París dijo a Baldwin que prepara una película que grabará en París en otoño, pero resaltó que será una de las últimas de su carrera, porque a sus 86 años considera que “las cosas ya no son como antes” en el mundo del espectáculo.

“Probablemente haré al menos una película más, pero buena parte de la emoción se ha ido (...). Cuando empecé, los filmes llegaban a cines por todo el país e iban cientos de personas en grandes grupos” mientras permanecían meses en taquilla, explicó.

Ahora, sostuvo, las películas se quedan en las salas dos semanas, seis con suerte, y luego van directas a las plataformas de “streaming”.

“No es como cuando entré en el negocio de las películas, no lo disfruto tanto ni me divierto”, apostilló, por lo que anticipó una próxima retirada y “quizás un giro hacia la escritura”, ya sea con una novela o con ensayos como los que ha publicado recientemente, llamados Zero Gravity.

De la misma manera que el cine, el director se lamentó del presente del teatro y de Broadway, y recordó una “variedad” que a su juicio ya no existe porque el famoso distrito del centro de Nueva York se ha convertido en “un centro comercial espantoso”.

“Ahora todas las obras son musicales, reestrenos, espectáculos en los que hay estrellas...”, aseguró Allen, que dijo echar de menos a dramaturgos de la calidad de Tennessee Williams o Arthur Miller y mostró disgusto con las producciones multimillonarias.

“El mundo en el que crecí, el del cine y Broadway, ya no es lo mismo. Es menos placentero para mí, y se combina con la experiencia de que me gusta estar en casa escribiendo, disfrutando de mi tiempo libre”, agregó.

Premio Donostia 2022: David Cronenberg.

El director y guionista canadiense David Cronenberg (Toronto, 1943) recibirá un Premio Donostia de la 70ª edición del Festival de Sebastián, que reconocerá con su máxima distinción honorífica la carrera de uno de los cineastas más singulares del último medio siglo. El canadiense se suma así al listado de directoras y directores que también han recibido el Premio Donostia, entre quienes destacan Francis Ford Coppola, Woody Allen, Oliver Stone, Agnès Varda, Hirokazu Koreeda y Costa-Gavras.

El 21 de septiembre el Teatro Victoria Eugenia acogerá la ceremonia de entrega del galardón, tras la que se proyectará Crimes of the Future (2022), el largometraje protagonizado por Viggo Mortensen, Léa Seydoux y Kristen Stewart que concursó en el último Festival de Cannes.

Maestro del horror biológico, de las atmósferas turbadoras y de un universo tan personal como intransferible, Cronenberg ha dirigido una veintena de largometrajes entre los que destacan obras convertidas en clásicos de géneros como la ciencia ficción, el terror, el drama psicológico o el thriller.

En 2004 el Festival de San Sebastián proyectó Crash (1996) en el marco de la retrospectiva Incorrect@s y tres años después Cronenberg visitó San Sebastián por primera y única vez hasta la fecha para inaugurar la Sección Oficial a concurso con Eastern Promises (2007).

Hijo de una pianista y de un escritor, David Cronenberg creció entre libros y cómics que cimentaron su interés por la cultura y el cine. Autodidacta, sus primeros trabajos fueron cortos como Transfer (1966) y From the Drain (1967), a los que siguieron sus primeros largometrajes, de corte experimental, Stereo (1969) y Crimes of the Future (1970), cuyo título coincide con el de su película más reciente.

En estas obras primerizas podían rastrearse ya los rasgos de una filmografía marcada por temas como la enfermedad, la violencia, el sexo, el cuerpo o la experimentación científica. Esta última está muy presente en la primera etapa de su obra, por ejemplo, en Vinieron de dentro de…(1975), Rabia (1977) o Cromosoma 3, (1979), en las que conviven parásitos asesinos, plagas violentas y terapias fallidas para tratar psicópatas.

También firmó encargos como Fast Company (1979), una película sobre carreras de coches, aunque los títulos que forjaron su prestigio como autor dentro del cine de género más radical fueron Scanners (1981), sobre un grupo de personas con mortales poderes mentales, y Videodrome (1983), una de las cimas de la estética de la Nueva Carne.

Tras narrar en La mosca (1986) la asfixiante historia de un científico que se transforma en insecto, contó con Jeremy Irons para protagonizar dos de sus siguientes películas: Dead Ringers (1988), en la que el actor se desdobló para encarnar a unos atormentados ginecólogos gemelos, y M. Butterfly (1993), el ambiguo romance entre una misteriosa diva de la ópera y un diplomático francés en la China de los años 60.

Cronenberg ha llevado a la pantalla novelas de escritores tan icónicos como Stephen King (The Dead Zone, 1983), William Burroughs (The Naked Lunch, 1991), quizá su mayor obra de culto y J.G. Ballard, a quien adaptó en Crash (1996), que analizaba la excitación sexual de varios personajes al sufrir accidentes automovilísticos y que obtuvo el Premio Especial del Jurado en el Festival de Cannes.

Tras adentrarse en la realidad virtual con eXistenZ (1999) y asomarse a los abismos de la enfermedad mental en Spider (2002), el cineasta canadiense inauguró una etapa en su filmografía en la que el fantástico dejó de ser el ingrediente principal de su cine, hasta que ahora, 20 años después, acaba de estrenar Crimes of the Future (2022), una revisión o compendio de sus antiguas obsesiones.

Esta última película supone su cuarta colaboración con el actor Viggo Mortensen, con quien primero rodó Una historia de violencia (2005), un thriller sobre un hombre marcado por un intrigante pasado. Los otros filmes son Promesas peligrosas (2007), una inmersión en el infierno de la mafia rusa de Londres, y Un método peligroso (2011), en la que Mortensen interpretaba a Sigmund Freud.

Los dos últimos títulos anteriores a  Crimes of the Future fueron Cosmopolis (2012), adaptación de la novela de Don DeLillo, y Maps to the Stars (2014), una ácida reflexión sobre la fama.

En ambos trabajos participó Robert Pattinson, uno de los últimos en sumarse a la amplia nómina de estrellas con las que David Cronenberg ha trabajado a lo largo de su dilatada carrera y en la que destacan, entre otras, Juliette Binoche –otro de los Premios Donostia de esta edición–, Gabriel Byrne, Willem Dafoe, Geena Davis, Michael Fassbender, Ralph Fiennes, Jeff Goldblum, Ed Harris, Holly Hunter, William Hurt, Keira Knightley, Jude Law, Jennifer Jason Leigh, Miranda Richardson, Martin Sheen, James Spader, Christopher Walken, Naomi Watts, Peter Weller y James Woods.

David Cronenberg también ha intervenido como actor en películas de otros cineastas como, por ejemplo, en Nightbreed (1990, Clive Barker), To Die For (1995, Gus Van Sant), Extreme Measures (1996, Michael Apted) y Falling (2020), cuyo director, Viggo Mortensen, fue Premio Donostia 2020.

Además, ha sido distinguido con la Orden de Canadá y es Oficial de la Orden de las Artes y las Letras y Caballero de la Legión de Honor francesas. En 2014 publicó su primera novela, Consumed: A Novel.

 

“Carajita”: conflicto de clases en Las Terrenas.

Carajita es uno de los filmes dominicanos que más expectativas ha creado previo a su estreno en los cines. La razón es simple: Carajita tuvo su estreno en el Festival de San Sebastián, uno de los pocos festivales clase A del mundo, donde consiguió una mención de honor en la categoría de Nuevos directores. Luego, en el Festival de Fine Arts, consiguió el premio a la Mejor Película, una racha ganadora que ha continuado con premios similares en los festivales de Miami y Guadalajara.

Lo digo de entrada para que quede claro: Carajita paga con creces todas las expectativas y entra por méritos propios dentro de las 5 mejores películas dominicanas en la historia de nuestra joven industria. 

El azar es caprichoso.

Para que un filme sea representativo de una nación debe abrazar algunos de los elementos que conforman la identidad de quienes quiere representar. Carajita desde su título alude a un americanismo que forma parte de nuestro léxico y abre con una reflexión sobre el azar que forma parte del ADN del dominicano: “El azar es caprichoso”, una especie de axioma existencial que nos marca de manera inexpugnable para cada cosa que pensamos, intentamos o hacemos.

Yarisa, personaje central a quien su familia llama Santa (para evitar cualquier tipo de embrujo), vive a merced de sus presentimientos: recibe avisos de que algo va a pasar y esa certeza le crea un desasosiego que no puede explicar.

Yarisa ha creado un vínculo muy especial con Sara, la adolescente de la familia De Moya, a la que ella sirve con sumisión de esclava moderna. Esta es una familia disfuncional cuya riqueza tiene su origen en la corrupción, típica de los políticos criollos, una riqueza que despilfarran en excesos con los que buscan definirse.

Sara encuentra en Yarisa el amor que no le brinda su madre biológica y, entre ellas, cualquier abrazo, cualquier palabra, cualquier caricia, destila una cálida complicidad. Un lazo que verá cuestionada su fortaleza, porque es caprichoso el azar.

Realidad versus Metarealidad.

Triste realidad: unos todo lo tienen y otros no tienen nada. ¿Es la misma realidad o son dos realidades distintas? Para los primeros, la realidad se define en cosas concretas o en cosas que pueden comprarse con dinero, como la lealtad de otros del mismo círculo. Es gente que siempre se sale con las suyas porque tiene el dinero para financiar sus posibilidades.

Para los segundos, la realidad está poblada de sueños de superación y otras supersticiones, que conforman un mundo en donde lo mágico envía permanentes señales, de evidencias más allá de lo racional. Para ellos, cualquier suceso altera el orden del cosmos y desencadena el látigo de la ira de los dioses.

Las Terrenas, lugar paradisíaco de Dominicana, emerge como escenario perfecto para este conflicto de clases. La naturaleza presta su magia compositiva para acabar de una buena vez con el mito del jardín divino. En realidad, las diferencias sociales están presentes, todo lo demás es ilusión de ternura y nos deja pidiéndole respuestas al mar.

Para unos, el alcohol y otras sustancias funcionan como elixir para atravesar los espejos sin inmutarse: el efecto del país de las maravillas. Para los otros, la soledad de un rincón con una bachata de fondo. Para unos, un complejo de culpa que se diluye en cualquier juego de infancia. Para los otros, la conformidad.

En la parte formal, Carajita emerge como unos de los guiones más sólidos de nuestro cine y hace uso de una de las pocas verdades absolutas de cualquier narrativa: menos siempre es más. Con pocas palabras, se presentan los perfiles sicológicos de los personajes y se contextualizan los hechos sin la necesidad (o la necedad) de mostrarlo todo.

En efecto, es más lo que se esconde que lo que vemos y, en más de una ocasión, el filme lleva al espectador a regocijarse con la posibilidad de jugar a los géneros. No se hagan ilusiones: es un drama, puro y duro como nuestra realidad.

Hay que destacar la excelente fotografía y edición, elementos que contribuyen de manera notable a los tempos del filme, así como la actuación de Magnolia Núñez (también premiada en Guadalajara) y Cecile van Welie: dos presencias asombrosas sobre las cuales descansa el conflicto central del filme.

Carajita es una de las mejores buenas nuevas para el cine dominicano de los últimos años.

 

Carajita (2021). Dirección: Silvina Schnicer y Ulises Porra; Guion: Ulla Prida, Silvina Schnicer y Ulises Porra; Fotografía: Iván Gierasinchuk y Sergio Armstrong; Edición: Delfina Castagnino y Ulises Porra; Música: Andrés Rodríguez; Sonido: Franklin Hernández; Elenco: Magnolia Núñez, Cecile van Welie, Richard Douglas, Adelanny Padilla.

Oscar honoríficos para Peter Weir, Diane Warren, Euzhan Palcy y Michael J. Fox.

La Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de Hollywood ha anunciado los galardonados de sus Oscar honoríficos, los también conocidos como Premios de los Gobernadores de la Academia de Hollywood (Governors Awards), que este año son para la compositora Diane Warren, el director Peter Weir y la directora y guionista Euzhan Palcy. El actor Michael J. Fox, protagonista de Regreso al futuro o Teen Wolf, será reconocido el premio Jean Hersholt en reconocimiento a su labor humanitaria.

“La Junta de Gobernadores de la Academia tiene el honor de reconocer a cuatro personas que han hecho contribuciones indelebles al cine y al mundo en general”, señala David Rubin, presidente de la Academia, en un comunicado en el que destaca “la incansable defensa de la investigación sobre la enfermedad de Parkinson de Michael J. Fox junto con su optimismo ilimitado ejemplifica el impacto de una persona para cambiar el futuro de millones”.

De Euzhan Palcy (Calle cabañas negras, A Dry White Season) la Academia destaca que es una “cineasta pionera cuya importancia revolucionaria en el cine internacional está cimentada en la historia del cine”. En cuanto a Diane Warren, que estuvo nominada en trece ocasiones al Oscar a la mejor canción y nunca se llevó el premio, el comunicado señala que “su música y sus letras han magnificado el impacto emocional de innumerables películas e inspirado a generaciones de artistas musicales”.

“Peter Weir es un director de consumada habilidad y maestría cuyo trabajo nos recuerda el poder del cine para revelar la gama completa de la experiencia humana”, señala el presidente en referencia al director de cintas como Único testigo, La sociedad de los poetas muertos, El show de Truman o Master and Commander, quien acumula un total de seis nominaciones a los Oscar sin conseguir ningún premio.

La entrega de los cuatro premios tendrá lugar en una gala que se celebrará el 19 de noviembre en Los Ángeles.

La ceremonia de entrega de la 95.ª edición Oscar está prevista para el domingo 12 de marzo del 2023. La lista de nominados a los premios de la Academia de Hollywood se conocerá el próximo 24 de enero.

Lightyear: Disney y Pixar más allá del infinito.

Nota: no estoy de acuerdo con ningún tipo de censura, una costumbre medieval que debe desaparecer. Ni suscribo una sola letra de la Cultura de la Cancelación, nueva forma de los timoratos de siempre. 

En 1995, Pixar rompió con todos los esquemas de animación conocidos. John Lasseter, al frente de la nueva compañía, apostó a la posibilidad de soñar en píxeles y llegar hasta el infinito y más allá. El resultado fue Toy Story, un filme completamente animado por computadoras, que marcó un antes y después en el género.

Toy Story ganó el Oscar a la mejor película de animación (un renglón prácticamente dominado por Pixar desde entonces) y fue el inicio de una saga que ya suma 4 entregas y acaba de renovarse con el estreno de Lightyear (2022, Angus MacLane).

No es un exceso afirmar que ninguna otra compañía se ha arriesgado más que Pixar con sus propuestas. Y lo mejor: ha cosechado rotundo éxito de público y crítica con historias que, sobre el papel, lucen ser proyectos imposibles.

Toy Story, por ejemplo, no se trata de la vida de Andy, un niño de 6 años que comienza a conocer el mundo y todas sus exigencias, sino sobre sus juguetes, encabezados por el vaquero Woody y el guardián espacial Buzz Lightyear. La prosopoyeya elevada a niveles dramáticos existenciales, porque, en el proceso, deben descubrir que son…juguetes. ¿Quién se iba a imaginar que el público se iba a identificar más con los juguetes que con los humanos de la historia?

La culminación de ese proceso es la ganadora del Oscar, Wall-E (2008, Andrew Stanton), la kinésica elevada a la categoría de sublime drama, por cuando el protagonista en un robot que ni palabras es capaz de pronunciar, en un filme que se permite ser, al mismo tiempo, una alerta medioambiental y una colección de memorias cotidianas.

Pero Pixar se atrevió a animar una historia de las emociones en sí mismas, Intensa Mente (2015, Pete Docter y Ronnie del Carmen), ganadora del Oscar, apostando a una narrativa más cercana a Tarkovski que a Disney. Recuerdo que son películas que tienen como blanco de público a niños menores de edad, aunque, para ser sinceros, muy pocos padres podemos explicar satisfactoriamente esas tramas de matices tan abstractos.

Con Soul (2021, Pete Docter), también ganadora del Oscar, Pixar llegaba más allá y hacía protagonista a un afrodescendiente, además de que continuaba explorando una temática muy abstracta que ya viene sugerida con el título del filme.

Pues bien, Lightyear ha debutado con $51 millones de dólares en USA, sin duda por debajo de la proyección inicial de $70 mdd, pero con un honroso primer lugar entre los animados postpandemia. Como era previsible, cierta campaña mediática ha surtido efecto y, para colmo, se ha prohibido su exhibición en 14 países, la mayoría de orientación islámica. Un absurdo.

Creo que Lightyear es una maravilla de animación que merece ser disfrutada por todos porque es un producto Pixar que, nueva vez, rompe los esquemas. En ese sentido, muy pocos podemos teorizar con precisión sobre la hipervelocidad y la alteración del tiempo mientras se viaja por el espacio, pero eso no nos impide disfrutar de las aventuras de Buzz en el planeta T’Kani Prime.

Lightyear contiene los elementos básicos de la ciencia ficción común: viaje por el espacio, imposibilidad de regresar a la Tierra, el héroe que encuentra su camino de redención, robots gigantes que disparan a matar y un compañero divertido que es Sox, un gato de compañía terapéutica que comparte protagonismo.

Elogiar los logros de animación en una película Pixar es llover sobre mojado. Los niveles de excelencia que exhibe están fuera de toda duda.

De cara a la Temporada de Premios, Lightyear tiene su nominación garantizada, aunque es indudable que Turning Red (2022, Domee Shi) emerge ahora como la carta con mayores probabilidades para Pixar.

Como suele suceder en estos casos, el tiempo escribirá el final perfecto.

 

Lightyear (2022). Dirección: Angus MacLane;  Guion: Angus MacLane, Jason Headley y Matthew Aldrich; Fotografía: Jeremy Lasky y Ian Megibben; Edición: Anthony Greenberg; Voces (inglés): Chris Evans, Keke Palmer, Peter Sohn, Taika Waititi.