“El bosque salvaje”: una maravilla del stop-motion.

La técnica del stop-motion, o sea de la animación de objetos estáticos fotograma a fotograma, es uno de las especialidades más difíciles del mundo del cine. Y fue de las primeras novedades que fueron incorporadas al invento de los hermanos Lumiére. El primer corto que usó la técnica fue Humpty Dumpty Circus en 1898. Incluso el mago George Méliés hizo uso del stop-motion.

En la actualidad, dos estudios lideran las producciones de largometrajes en este formato: los ingleses de Aardman Animations y los norteamericanos de Laika. Lo importante: en muchos casos, han logrado animaciones absolutamente maravillosas con la plastilina.

Lo digo de entrada para que quede clarísimo: El bosque salvaje, dirigida por Travis Knight, es una de las animaciones más asombrosas que hemos visto en mucho tiempo.

En Laika estuvo por un tiempo Henry Selick, el absoluto maestro de la técnica, quien dirigió el primer lanzamiento del estudio: Coraline (2009), filme que consiguió nominaciones al Globo del Oro y al Oscar. ParaNorman (2012), The BoxTrolls (2014), Kubo and the Two Strings (2016, ganó el Bafta a la major película animada) y Missing Link (2019), ganadora del Globo de Oro a la mejor película animada.

El sexto largometraje de Laika, El bosque salvaje se basa en el libro infantil Las crónicas de Wildwood (2011), de Colin Meloy y sigue las aventuras de la niña Prue y su amigo Curtis, cuando intentan rescatar a Mac, el hermanito de Prue, quien ha sido raptado por una bandada de cuervos y llevado al bosque del título.

Para comenzar, el filme hace obvias referencias a clásicos como Star Wars, Los Pájaros (1963, Alfred Hitchcock) y una bruja malvada que siempre nos recuerda a Disney, eso para los cinéfilos mayorcitos que disfrutamos del espectáculo. Para los cinéfilos que le gustan los catalizadores de apertura, El bosque salvaje cuenta con uno de los inicios más intrigantes del año. Un consejo que nunca sobra: llegue temprano a la sala de cine y no se pierda nada. 

A partir del preludio, El bosque salvaje desarrolla una narrativa que nos lleva a recorrer las diferentes áreas del bosque, controladas por personajes (humanos y animales) que atraen nuestra atención por sus cualidades únicas y por lo que representan dentro del contexto de la historia. Esa narrativa se apoya en una dirección de fotografía que merece cualquier elogio, ángulos de cámara imposibles, en una edición trepidante, en una musicalización precisa que, incluso, incluye par de canciones dobladas al español.

Por supuesto, el filme contiene varios poderosos mensajes sobre unidad familiar, superación personal, mala gobernanza, valor de las acciones en comunidad, íntima relación con la naturaleza, y otros, que pueden servir para enriquecedoras conversaciones con cinéfilos despiertos.

Pero, sin duda, con El bosque salvaje estamos ante uno de los mejores estrenos de 2026.

 

El bosque salvaje (2026). Dirección: Travis Knight; Guion: Chris Butler, basado en el libro de Colin Meloy; Fotografía: Caleb Deschanel; Edición: Christopher Murrie; Música: Darío Marianelli; Voces (en inglés): Peyton Elizabeth Lee, Jacob Treblay, Carey Mulligan.

Huelva 2026: los filmes de la Sección Oficial.

Cuatro películas producidas en Chile, Colombia, Argentina, México y Brasil, entre otros países, completarán la Sección Oficial de Largometrajes a Concurso del Festival de Huelva de Cine Iberoamericano, que se celebrará del 13 al 21 de noviembre en la ciudad del sur de España, informó la organización en un comunicado.

Los títulos, que se dieron a conocer este jueves, son Después de Elena, Las flores de Julia, A margem do rio y La vida es y se trata de producciones de Chile, Colombia, Italia, Argentina, Brasil, Alemania y México, varias de ellas coproducciones, que abordan los vínculos familiares, la identidad, la memoria o la intolerancia.

Estas cintas se suman a las ocho producciones previamente anunciadas para competir por el Colón de Oro en la Sección Oficial, que contará además con las proyecciones fuera de concurso de El deshielo y Chicas tristes, en una programación con cintas seleccionadas en los festivales de Toronto, Locarno, Río de Janeiro, Göteborg y Mar del Plata.

El actor chileno Alfredo Castro protagoniza Después de Elena, de Shawn Garry, una coproducción entre Chile, Colombia e Italia. Esta comedia negra, seleccionada en el Festival de Toronto, combina la ternura y la empatía bajo una mirada profundamente humana.

Las flores de Julia, del argentino Cris Tapia Marchiori, seleccionada en el WIP del Festival de Cine de Viña del Mar y en el Mafiz del Festival de Málaga, es una coproducción argentino-chilena que se adentra en cuestiones de identidad, memoria y los límites del amor.

Desde Brasil y Alemania llega A margem do rio, dirigida por los brasileños Matheus Farias y Enock Carvalho y galardonada con el Premio Especial del Jurado en el Festival de Locarno. Cuenta la historía de Izaquiel y Jeremias, dos hombres cuyo encuentro en los manglares de los alrededores de un río cambia sus vidas.

Completa la selección a concurso La vida es, de la directora mexicana Lorena Villarreal. Seleccionada en los festivales de Göteborg, Mar del Plata y Chicago, es una historia marcada por la crisis de los cuarenta que cuenta con un reparto internacional, con el español Rubén Ochandiano y la chilena Paulina García, protagonista aquí de su segunda película de la sección oficial.

Fuera de concurso se presenta El deshielo, de la directora chilena Manuela Martelli, una coproducción entre Chile, España, México y Estados Unidos con una historia de suspense en plena transición chilena hacia la democracia. Seleccionada en Cannes y San Sebastián, la película es candidata para representar a Chile en los Oscar 2027.

También se proyectará fuera de concurso Chicas tristes, de Fernanda Tovar, una coproducción entre México, España y Francia que aborda la superación de un trauma en plena adolescencia. Recibió el Oso de Cristal a mejor película y el Gran Premio del Jurado de la Generation 14plus del Festival de Berlín, entre otros premios.

Estas películas se suman a las ocho ya anunciadas: Pepita la pistolera (Argentina), de Lucía Puenzo; Funk (Brasil), de Aly Muritiba; Matapanki (Chile), de Diego Fuentes; Soy Mario (México), de Sharon Kleinberg; El mundo de Gugu (Brasil); Los días libres (Argentina-Brasil-México); Quatro meninas (Brasil), y El bovino de los cuernos curvos (Colombia).

Sebastián Lelio (1974-2026)

El cineasta chileno Sebastián Lelio, ganador del Oscar por Una mujer fantástica en 2018, murió a los 52 años.

«Con mucha tristeza, comunicamos el fallecimiento por motivos de salud del cineasta chileno Sebastián Lelio. Estamos atravesando un momento de mucho dolor y su recuerdo permanecerá para siempre entre nosotros», dijo su familia en un comunicado.

Lelio se encontraba en Santiago grabando la adaptación cinematográfica de la reconocida novela Poeta chileno, de Alejandro Zambra.

Nacido en Mendoza (Argentina) el 8 de marzo de 1974 pero criado en Chile, Lelio es una de las figuras más destacadas del cine chileno de los últimos años.

«Fue una hermosa persona que aportó a la cultura chilena en grandes momentos de su historia», añadió en el comunicado la familia.

El director saltó a la fama mundial con el largometraje Gloria (2013), que obtuvo importantes galardones internacionales, incluido el Oso de Plata a la mejor actriz en el Festival de Berlín.

Con su siguiente película, Una mujer fantástica, alcanzó el máximo respaldo de su carrera.

La cinta protagonizada por Daniela Vega logró el Oscar a la mejor película de habla no inglesa en 2018, convirtiéndose en el primer largometraje chileno en conseguir ese galardón.

Su filmografía también incluye las producciones internacionales Disobedience (2017), con Rachel Weisz y Rachel McAdams; Gloria Bell (2018), protagonizada por Julianne Moore; y El prodigio (2022), con Florence Pugh.

En 2025 estrenó el musical La ola, inspirado en las movilizaciones feministas que tuvieron lugar en las universidades chilenas durante 2018.

Festival de Londres 2026: “La Bola Negra”, Premio del Público.

El filme La Bola Negra, de los directores españoles Javier Calvo y Javier Ambrossi, se ha alzado con el premio del público de la 70 edición del Festival de Cine de Londres, según anunció la organización del certamen.

Este drama queer inspirado en una obra inacabada del poeta Federico García Lorca conquistó a la audiencia del festival londinense, que la escogió como su título favorito entre las más de 251 propuestas de 88 países que participaron este año en el festival.

Este galardón, el primero que la cinta de Los Javis obtiene en el Reino Unido, llega después de haber obtenido, asimismo, el premio de Mejor Dirección en el último Festival de Cannes para Calvo y Ambrossi, además de otros premios del público en certámenes cinematográficos como el de Toronto o San Sebastián.

La Bola Negra celebró su gala de presentación en el Festival de Cine de Londres el pasado 8 de octubre, con la asistencia de sus directores y de buena parte del elenco principal, como los actores Miguel Bernardeau, el cantante Guitarricadelafuente o la actriz Penélope Cruz.

El galardón llega apenas unos días antes del estreno de la película en el Reino Unido, que llegará a los cines este viernes 6 de noviembre, y tan solo un día después de recibir la nominación a mejor película independiente internacional en los premios británicos de cine independiente (BIFA).

Con este premio del público, la cinta de Calvo y Ambrossi, escogida para representar a España en los próximos Oscar, fortalece su candidatura de cara a la Temporada de Premios también en territorio británico.

“El Ser Querido”: turbulencias detrás de cámaras.

Rodrigo Sorogoyen es uno de los mejores realizadores del escenario español de la actualidad. Bastaría un breve repaso a su filmografía para comprobarlo: Stockholm (2013), Que Dios nos perdone (2016), El reino (2018, por la que ganó el Goya al mejor director y mejor guion) y As Bestas (2022, por la que ganó su segundo Goya como director y también mejor película).

Como rasgo característico, sus personajes siempre atraviesan una crisis existencial que los parte en dos y les devora su conciencia: están habitados sin remedio por el síndrome del impostor.

Javier Bardem es uno de los mejores actores del escenario español de cualquier tiempo. Ganador de 6 Goyas (Días contados, Boca a boca, Los lunes al sol, Mar adentro, Biutiful y El buen patrón), de los festivales de Cannes, Venecia y San Sebastián; y del primer Oscar para un actor español por Sin lugar para los débiles.

Bardem es un auténtico monstruo de la actuación que hace de cada personaje una experiencia de aprendizaje para sus realizadores, para sus compañeros de elenco y, en última instancia, para el público que queda hipnotizado por su extraordinario lenguaje corporal al servicio del drama.

Sorogoyen y Bardem se han unido para presentarnos El Ser Querido, uno de los filmes más aclamados de 2026, que tuvo su estreno en la competencia oficial del Festival de Cannes.

Uno de los filmes del pasado año que más elogios consiguió fue Sentimental Value, del noruego Joachim Trier. En ese filme, un director de cine ofrece el papel en su próximo filme a su propia hija y esto desata las turbulencias naturales en una relación disfuncional que ha dejado huellas en ambos. Precisamente, en El Ser Querido, un director perfeccionista que es intolerante con su equipo y conflictivo con todo el que cuestiona su esquema de valores ofrece a su hija un papel en su nueva película. Hasta ahí las coincidencias con Sentimental Value.

Sorogoyen desarrolla un esquema dramático muy diferente, usando el detrás de cámaras del rodaje como telón de fondo para exponer todas las heridas que laceran las almas de los involucrados y no les deja respirar con paz el aire de una misma habitación.

Esteban Martínez es el personaje en cuestión: una leyenda cinematográfica con un pasado lleno de violencia y excesos, quien ha estado ausente en la vida de su hija Emilia, a la que lleva más de trece años que no ve, y ahora pretende conquistar su cariño ofreciéndole un papel que puede darle sentido a su carrera como actriz.

Por supuesto, la tensión natural entre el director y sus actores en un set de filmación se multiplica por un factor del lazo sanguíneo entre padre e hija, el director se debate entre ser tierno, condición para la que no tiene el menor talento, ni la menor vocación y que a menudo lo convierte en un hombre irascible frente a todo y todos, hasta el punto de que parte de su elenco abandona la filmación ante la atmósfera tóxica y los maltratos verbales.

Sorogoyen saca todo el provecho posible de la actuación de Bardem, mueve la cámara como pez (tiburón) en el agua, devora cada gesto, sobreilumina hasta quemar el cuadro, capta la verdad de las miradas. Merece especial mención la actriz Victoria Luengo, a quien Sorogoyen dirigió en la exitosa serie Antidisturbios, quien se inscribe, por mérito propio, entre la élite de las actrices españolas de nuestros días, que de seguro recibirá varias nominaciones por su participación en El Ser Querido.

El filme resultará especialmente interesante para quienes hacen cine porque retrata como pocos la maravillosa gestión de un oficio que siempre demanda más de lo que uno puede dar, para crear el milagro colectivo: una película que se nos queda en la memoria y da color a nuestros sueños.

 

El Ser Querido (2026). Dirección: Rodrigo Sorogoyen; Guion: Isabel Peña y Rodrigo Sorogoyen; Fotografía: Alex de Pablo; Edición: Alberto del Campo; Música: Olivier Arson; Elenco: Javier Bardem, Victoria Luengo, Melina Mathews, Pepa Gracia. 

Patrick Stewart (1940-2026)

El actor británico Patrick Stewart, conocido por interpretar al Capitán Jean-Luc Picard en el universo Star Trek ha fallecido en Los Ángeles a los 86 años tras convivir por un breve periodo de tiempo con el Alzheimer y demencia, informó la familia en una publicación en las redes sociales del intérprete.

«Anunciamos con gran pesar el fallecimiento de Sir Patrick Stewart ayer en su casa de Los Ángeles, al cuidado de su amada esposa Sunny, tras un breve y conmovedor viaje con la enfermedad del Alzheimer y la demencia por cuerpos de Lewy», reza el escrito.

El intérprete «ha estado rodeado del cálido abrazo de familiares y amigos, entre música en vivo, oraciones, lágrimas, risas y esa profunda emoción que solo él podía inspirar tras toda una vida dedicada a todos nosotros», agregó.

Nacido el 13 de julio de 1940 en Mirfield, Inglaterra, una pequeña ciudad industrial ribereña en West Yorkshire, el actor llevó a la gran pantalla al legendario Capitán Jean-Luc Picard en la famosa película Star Trek, personaje que interpretó por primera vez en la serie de televisión Star Trek: The Next Generation (1987–1994).

Stewart también conquistó la cima de Hollywood con su papel del superhéroe Profesor X en la exitosa franquicia X-Men, papel que retomó en ‘Avengers: Doomsday’, película que se estrenará el próximo 17 de diciembre.

Pese a su reconocida fama por Star Trek, el actor continuó su trabajo teatral interpretando a George en Who’s Afraid of Virginia Woolf? en el Young Vic en 1987.

Durante su juventud formó parte de varias compañías de teatro amateur de la región y dejó la escuela a los 15 años, lo que le llevó a realizar sus primeras incursiones cinematográficas con, entre otras, Excalibur, la versión de John Boorman de la leyenda de la espada de Arturo de 1981.

“La Novia del Atlántico”, desde 26 de noviembre en cines.

Después de años dando vida a personajes frente a las cámaras, Celinés Toribio debuta como directora de películas con La Novia del Atlántico, un drama en el que el descubrimiento de una situación de violencia transforma la vida de tres mujeres y desencadena una iniciativa que termina involucrando a toda una comunidad.

Producida por Esencia Films, la película fue presentada oficialmente y se dieron a conocer los detalles de su estreno nacional, previsto para el 26 de noviembre. La producción reúne a reconocidas figuras del cine y el entretenimiento en una historia que entrelaza el drama, los vínculos afectivos y las posibilidades de comenzar de nuevo.

“Podemos compartir una mesa, una conversación o años de amistad con alguien, sin imaginar lo que está viviendo en la intimidad de su hogar. (...) El cine nos permite acercarnos a esas realidades que tantas veces permanecen en silencio y nos plantea una pregunta profundamente humana: ¿Qué hacemos cuando descubrimos el sufrimiento de alguien cercano? De esa inquietud nació La Novia del Atlántico”, expresó Toribio durante la presentación, al explicar los motivos que dieron origen a la película.

Esa realidad constituye el punto de partida de una propuesta cinematográfica que no se limita a mostrar el sufrimiento de una mujer, sino que se adentra en las circunstancias que lo rodean y en las decisiones de quienes, al conocerlo, optan por acompañarla.

La trama sigue a Laura (Celinés Toribio), quien regresa de Nueva York a su natal Puerto Plata buscando reconstruir su vida. Allí descubre que su amiga Evelyn (Sandy Hernández) enfrenta una relación marcada por el maltrato. Junto a Miguelina (Cheddy García), una periodista de carácter decidido, emprende una iniciativa para apoyarla, a la que se suma Ángel (Iván Sánchez), un español vinculado a la música y la gastronomía.

Lo que comienza como una preocupación entre amigas adquiere progresivamente una dimensión comunitaria. Entre conflictos personales, decisiones difíciles y momentos de esperanza, la película explora la importancia de los vínculos humanos sin reducir a sus protagonistas a las circunstancias que han sufrido.

“Una mujer es mucho más que las circunstancias que ha sufrido: tiene una identidad, una historia, sueños y el derecho a construir su propio futuro”, manifestó Toribio.

La producción mantiene una estrecha vinculación con Puerto Plata, conocida como la Novia del Atlántico, donde se realizó aproximadamente el 95% del rodaje. Sus paisajes, arquitectura y expresiones culturales forman parte de una historia profundamente dominicana, pero construida alrededor de experiencias humanas que trascienden fronteras.

El largometraje marca una nueva etapa en la trayectoria artística de Toribio, quien comparte la dirección con Vicente Peñarrocha y la escritura del guión con este y Alejandro Andújar con un doctorado de Guion de Mary Castellanos. Uno de sus rasgos distintivos es la participación femenina: cerca del 90% del equipo de realización estuvo integrado por mujeres, con presencia en las áreas creativas, técnicas y de producción.

Al elenco principal se suman las participaciones especiales de Frank Perozo, Ettore D’Alessandro y Freddy Ginebra, junto a otros talentos nacionales e internacionales.

Premios Gotham 2026: los nominados.

Los Gotham Awards 2026 anunciaron sus nominaciones y pusieron en marcha una nueva etapa de la temporada de premios de Hollywood. La ceremonia, dedicada al cine independiente, celebrará su 36.ª edición el próximo 30 de noviembre en Nueva York, con una selección que reúne producciones estadounidenses e internacionales, realizadores consagrados y nuevos talentos.

Según informó el Gotham Film & Media Institute, la lista de este año incluye 42 largometrajes y 25 interpretaciones distribuidas en 11 categorías. Cinco películas comparten el primer lugar, con cuatro nominaciones cada una: “All of a Sudden”, “Clarissa”, “La Gradiva”, “The Invite” y “Tender Loving Care”.

Entre las producciones que compiten por el premio a mejor película se encuentran “Clarissa”, dirigida por Arie y Chuko Esiri; “The Invite”, de Olivia Wilde; “The Debut”, dirigida por Jesse Eisenberg; “Club Kid”, de Jordan Firstman; y “Teenage Sex and Death at Camp Miasma”, de Jane Schoenbrun. La categoría también incluye “Dreams in Nightmares”, “Josephine”, “Mouse”, “Paper Tiger”, “Primetime” y “Your Mother Your Mother Your Mother”.

En el apartado internacional, “All of a Sudden”, de Ryusuke Hamaguchi; “La Gradiva”, de Marine Atlan; “Possible Love”, de Lee Chang-dong; y otras producciones de distintos países competirán por el reconocimiento a mejor película internacional.

Los premios mantienen categorías de interpretación sin distinción de género, con reconocimientos a los papeles protagónicos y de reparto. Entre las nominaciones más destacadas figuran Julianne Moore, por “The Debut”; Gillian Anderson, por “Teenage Sex and Death at Camp Miasma”; y Sophie Okonedo, por “Clarissa”, en la categoría de mejor interpretación protagónica.

En el apartado de reparto aparecen Penélope Cruz, por “The Invite”; Sandra Hüller, por “Fatherland”; Esmé Creed-Miles, por “Sense and Sensibility”; Kate O’Flynn, por “Tender Loving Care”; y Tao Okamoto, por “All of a Sudden”.

La lista también reconoce a intérpretes emergentes. Entre los nominados a mejor revelación figuran India Amarteifio, por “Clarissa”; Adia, por “Your Mother Your Mother Your Mother”; y Mason Reeves, por “Josephine”.

En dirección, las candidaturas incluyen a Ryusuke Hamaguchi, por “All of a Sudden”; Sandra Wollner, por “Everytime”; Jane Schoenbrun, por “Teenage Sex and Death at Camp Miasma”; Andrey Zvyagintsev, por “Minotaur”; y Mike Leigh, por “Tender Loving Care”. La categoría de dirección revelación, por su parte, destaca a cineastas como Sophy Romvari, Jordan Firstman, Aleshea Harris y Marine Atlan.

Una de las novedades de esta edición es el regreso del Gotham Audience Award, que vuelve después de seis años de ausencia. El galardón reconocerá a una película que haya generado una conexión especial con el público y se definirá mediante la votación de los miembros de la organización.

Entre los títulos seleccionados para competir por ese reconocimiento se encuentran “The Drama”, “Michael”, “Project Hail Mary”, “Backrooms”, “Obsession”, “La Bola Negra”, “You Can See Everything” y “The Invite”.

Los ganadores de los Gotham Awards 2026 se conocerán el 30 de noviembre, durante una ceremonia en Cipriani Wall Street, Nueva York, que también se transmitirá por YouTube. Como una de las primeras citas importantes de la temporada cinematográfica, los premios volverán a poner el foco en películas independientes y actuaciones que buscarán ganar visibilidad de cara a los reconocimientos de fin de año.

José Luis García Sánchez (1941-2026)

José Luis García Sánchez nació en la ciudad que acogió el primer foro de reflexión sobre el cine español, y ese ‘espíritu de Salamanca’ caló en él, porque han sido casi sesenta años levantando proyectos, viendo películas, interesándose por el patrimonio cinematográfico, ganando premios y, sobre todo, haciendo amigos. Porque la amistad era el gran motor del director, guionista y productor, que ha fallecido en Madrid, a los 85 años.

El realizador de títulos tan emblemáticos como Las truchas –Oso de Oro en la Berlinale– y Divinas palabras, y autor del guion de Belle Époque, por el que obtuvo, junto a Rafael Azcona y Fernando Trueba, el Premio Goya de la categoría, reconocimiento que también conquistó por su adaptación de la obra de Valle Inclán Tirano Banderas, premio que compartió con Azcona, tenía muy claro que el cine era “el oficio más bonito del mundo. No es un trabajo fijo, los compañeros cambian, no son siempre los mismos; y, a veces, te pagan”, decía con su habitual sentido del humor.

Un sentido del humor del que hacía gala cuando hablaba de su paso por la Escuela de Cine, “donde no existía la censura y la matrícula costaba 148 pesetas”; de su papel de “gancho” para que el productor Luis Sanz le ofreciera un papel a Ana Belén en La corte de faraón; de sus comienzos “llevando los bultos a Basilio Martín Patino y a Carlos Saura. Empecé a conocer a gente y poco a poco me metí en ello”; y del conflicto laboral que tuvo con los actores españoles, “porque en Las truchas empleé a todos los actores argentinos que habían huido de la dictadura”.

Devoto de Ramón del Valle-Inclán, de quien llevó a la gran pantalla junto al desaparecido guionista Rafael Azcona las novelas Tirano Banderas y Divinas palabras, el cineasta salmantino plasmó en sus películas su visión crítica de la vida. Cronista de su tiempo, el también director de La noche más larga, Tranvía a la Malvarrosa, La corte del faraón–-por la que conquistó la Concha de Plata al Mejor Director–, El love feroz, Colorín colorado, El vuelo de la paloma, Siempre hay un camino a la derecha, Pasodoble y Los muertos no se tocan, nene –su último filme, en el que adaptó la obra de Rafael Azcona, uno de sus buenos amigos–, participó en los libretos de Habla, mudita, Camada negra y El rey del río, dirigidas por Manuel Gutiérrez Aragón, y en Cómo ser infeliz y disfrutarlo, firmada por Enrique Urbizu.

Licenciado en Derecho y Sociología, García Sánchez (Salamanca, 1941) estaba acostumbrado a buscar películas de nuestra cultura y, a pesar de ser uno de los directores más representativos y reconocidos del cine español, aseguraba con humildad que buena parte de su éxito se lo debía a la suerte de haberse cruzado en su camino con “magníficos profesionales y magníficos amigos”. Esos buenos amigos –Rafael Azcona, Antonio Gamero, Ana Belén, Víctor Manuel, Juan Diego, Charo López, José Sacristán, Manolo Gutiérrez Aragón, Emilio Martínez-Lázaro, Borja Cobeaga, Fernando Méndez-Leite, María Barranco, Imanol Uribe, Fernando Trueba, Juan Gona, Tina Sainz y Manuel Vicent, entre otros muchos– alababan su inteligencia, su lúcida y perspicaz mirada, su socarronería y su buen humor. Todos coincidían en que rodar con él era aprender, pero también disfrutar. Para su hijo, el director de cine Víctor García León, tenía “una voracidad de amistad. Incluso con los que le caían mal, hacía por que le cayeran bien para trabajar con ellos”.

José Luis García Sánchez fue uno de los “recogememorias” del primer ciclo de la Memoria Colectiva del Cine Español, proyecto impulsado por la Academia del Cine que rescata los recuerdos de profesionales del cine español a través de la grabación de largas conversaciones con ellos.