“Marileidy”, desde 22 de octubre en cines.

En medio de una temporada invicta y uno de los momentos más extraordinarios de su carrera deportiva, la historia de Marileidy Paulino comienza un nuevo recorrido, esta vez en la pantalla grande. El 16 septiembre fue presentado oficialmente el tráiler y el póster de Marileidy, película de ficción inspirada en hechos reales sobre la vida de la campeona olímpica dominicana, que llegará a los cines de todo el país el próximo 22 de octubre.

El lanzamiento coincide con un año excepcional para Paulino. La velocista dominicana acaba de conquistar en Budapest el título de los 400 metros del World Athletics Ultimate Championship, alcanzando su duodécima victoria consecutiva en la distancia y manteniéndose invicta en todas las disciplinas en las que ha competido durante 2026.

Es precisamente detrás de esa sucesión de triunfos donde comienza la historia que propone Marileidy. La película busca acercar al público a la mujer detrás de la campeona, recorriendo sus orígenes, los desafíos y sacrificios que marcaron su camino, así como la resiliencia, disciplina y compromiso que la llevaron a convertirse en una de las grandes figuras del atletismo mundial.

“Presentar esta película precisamente en un momento en que Marileidy vive una temporada invicta tiene un significado muy especial. El mundo está viendo a una atleta extraordinaria, pero nosotros queremos que también conozca a la mujer detrás de cada victoria: de dónde viene, todo lo que tuvo que superar y la disciplina con la que construyó este camino. Marileidy nace para preservar esa historia y mostrar que detrás de una campeona hay una vida profundamente humana que puede inspirar a muchas generaciones”, expresó Jessica Hasbún, productora ejecutiva y general de la película.

La historia parte de los propios escritos y de las vivencias recogidas en el diario de Marileidy Paulino. A partir de ese material, el guionista Junior Rosario construyó un relato íntimo y sensible que traslada al cine episodios determinantes de su vida y permite conocer una dimensión que va más allá de las medallas y los récords.

La atleta dominicana Yisneidy Alcántara interpreta a Marileidy Paulino y, para asumir el personaje, atravesó un proceso especial de preparación física y actoral. La producción incorporó, además, atletas reales en distintas secuencias, una decisión que aporta autenticidad y credibilidad a las escenas de atletismo.

El elenco reúne también a Isaac Morantus, Suzette Reyes y Lia Lockhart, junto al actor cubano-colombiano Yarlo Ruiz, quien interpreta al entrenador cubano de Paulino.

El proyecto tiene sus raíces en la serie documental Quisqueyanos Valientes, creada en 2016 por Hasbún y Liria para retratar las historias de los atletas dominicanos de alto rendimiento.

La película es dirigida por Tito Rodríguez y representa el compromiso de contar, con sensibilidad, respeto y autenticidad, una historia profundamente dominicana.

“Llevar la vida de Marileidy al cine ha sido un desafío creativo y humano, pero también el privilegio de contribuir a preservar su legado e inspirar a las generaciones presentes y futuras”, afirmó Kelvin Liria.

George Lucas abre su Museo del Cine.

George Lucas lleva toda una vida creando universos. Ahora, el cineasta responsable de cambiar para siempre la ciencia ficción con Star Wars da un paso más allá de la gran pantalla para materializar uno de sus proyectos más personales: el Lucas Museum of Narrative Art.

El nuevo museo abrirá oficialmente sus puertas, en Exposition Park, Los Ángeles, después de años de planificación y de un largo camino hasta encontrar su ubicación definitiva. Fundado por Lucas junto a su esposa, la empresaria Mellody Hobson, nace con una premisa tan sencilla como ambiciosa: reivindicar el poder de las imágenes para contar historias.

Aunque resulta inevitable relacionar cualquier proyecto de George Lucas con una galaxia muy, muy lejana, quien espere encontrarse simplemente con un enorme museo dedicado a Star Wars se llevará una sorpresa. El universo cinematográfico del director está presente, por supuesto, pero es solo una pequeña parte de una colección que supera las 40.000 piezas. El recorrido conecta ilustración, pintura, cómic, fotografía, murales, escultura y cine para demostrar que la necesidad de contar historias a través de imágenes existe desde mucho antes de la llegada de Hollywood.

Las exposiciones inaugurales despliegan más de 1.300 obras en más de 30 galerías, con nombres que van desde Norman Rockwell, Frida Kahlo y Diego Rivera hasta figuras fundamentales del cómic como Jack Kirby. También hay espacio para Banksy, ilustraciones, carteles cinematográficos y, naturalmente, piezas vinculadas al imaginario de Lucas.

Entre los guiños para los seguidores de Star Wars aparecen personajes como Yoda y la princesa Leia, además de objetos cinematográficos y hasta un caza estelar de Naboo. Pero el objetivo es mucho más amplio: colocar en un mismo espacio aquello que tradicionalmente entendemos como “bellas artes” y expresiones procedentes de la cultura popular.

El continente resulta casi tan llamativo como el contenido. El edificio, diseñado por el arquitecto Ma Yansong y su estudio MAD Architects, ocupa alrededor de 27.900 metros cuadrados y aterriza en Exposition Park con una silueta orgánica y futurista que inevitablemente invita a pensar en una nave espacial.

Sin embargo, su inspiración mira más hacia la naturaleza que hacia el espacio. El diseño prescinde prácticamente de las líneas rectas y busca integrarse con el paisaje, elevándose sobre una gran plaza pública y rodeándose de un campus verde de más de cinco hectáreas, diseñado por Mia Lehrer y Studio-MLA.

En el interior, alrededor de 9.000 metros cuadrados están dedicados a exposiciones, a los que se suman dos salas de cine, biblioteca de investigación, espacios educativos, tienda, cafetería y restaurante. El resultado pretende ir más allá de la idea tradicional de museo para convertirse en un nuevo punto de encuentro cultural dentro de la ciudad.

Antes de su apertura al público, el museo vivió el pasado 19 de septiembre una noche inaugural a la altura de su fundador. El mundo del cine, el arte, la música y el entretenimiento se reunió en Los Ángeles para descubrir por primera vez el proyecto terminado.

Steven Spielberg, Oprah Winfrey, Samuel L. Jackson, Leonardo DiCaprio, Robert De Niro, Christopher Nolan, Michael B. Jordan, Kim Kardashian, Queen Latifah o Guillermo del Toro fueron algunos de los rostros que participaron en una celebración que convirtió Exposition Park en uno de los puntos de encuentro más exclusivos de Hollywood durante el fin de semana.

Pharrell Williams, acompañado por el coro Voices of Fire, fue además uno de los encargados de poner música a una velada que sirvió para celebrar no solo la apertura de un museo, sino también una forma de entender el arte. Y precisamente ahí se encuentra la verdadera personalidad del proyecto. Lucas y Hobson han querido borrar algunas de las fronteras que durante décadas han separado la cultura popular del arte considerado tradicionalmente como museístico.

Toronto 2026: los ganadores.

La película española La bola negra, de Javier Calvo y Javier Ambrossi, y la india Angh, de Theja Rio, se convirtieron en las principales ganadoras de la 51 edición del Festival Internacional de Cine de Toronto (TIFF), en un palmarés que también reconoció dos películas vinculadas con Palestina.

La bola negra obtuvo el Premio del Público, el galardón más emblemático del festival canadiense, mientras que Angh se hizo con el Platform Prize, el principal premio otorgado por un jurado en TIFF, que este año adquiere además una especial proyección internacional.

Por primera vez, el ganador del Platform Prize, cuando se trata de una película de habla no inglesa, obtiene acceso directo a la carrera por el Oscar a mejor película internacional, una vía de clasificación que TIFF comparte con otros cinco festivales internacionales.

El jurado, presidido por el argentino Pablo Trapero, destacó de Angh «su perspectiva refrescante, la fuerza de su realización y el retrato profundamente resonante de un mundo», además de la «visión, audacia y valentía» de Rio.

Al recoger el galardón, el cineasta recordó que procede de una pequeña localidad del noreste de India y agradeció que TIFF haya dado visibilidad a una película «que viene de una región indígena y habla una lengua tribal».

Rio dedicó además el premio a la gente de su lugar de origen, «donde los sueños no suelen hacerse realidad para mi pueblo».

Entre los premios con mayor proyección internacional, el de la crítica FIPRESCI fue para Ancestors, del irlandés David Turpin, mientras que el galardón NETPAC, dedicado al cine de Asia y el Pacífico, recayó en Thirteen in Gaza, del director palestino Hosam Abu Dan.

El jurado de NETPAC describió Thirteen in Gaza como una obra que, «ante un genocidio en curso», evita convertir el sufrimiento «en espectáculo o victimización» y ofrece imágenes de la vida en Gaza «en toda su complejidad».

Abu Dan, en un mensaje enviado desde Gaza, afirmó que para el equipo era «un gran honor» recibir el reconocimiento y celebró que «la voz de Gaza haya llegado» al festival y que la película haya permitido compartir «una historia humana» con el mundo.

Palestina también estuvo presente entre los reconocimientos del cine canadiense. The Black Box is Orange, de Yuula Benivolski, recibió una mención especial del jurado del Canadian Discovery Award.

El jurado destacó su utilización de imágenes de archivo y su tratamiento de lo que calificó como «la eliminación sistemática de las historias palestinas», combinando las dimensiones personal y política.

El premio principal del Canadian Discovery fue para Smudge the Blades, de Cody Lightning, mientras que Sunburn, de Serville Poblete, fue elegida mejor largometraje canadiense.

En las otras categorías del voto del público, Elsinore, de Simon Stone, ganó el premio internacional; Darlene Love: I Know Where I’ve Been, de Barry Avrich, el de documental, y Ladies and Gentlemen, Brian Mulroney, de Matthew Rankin, el de Midnight Madness.

Los premios de cortometrajes fueron para MAMMALIA, de Elia Kalogianni, como mejor corto internacional; Fight Kid, de Michael Del Monte, como mejor corto canadiense, e Into the Betaverse, de Varun Raman y Tom Hancock, en animación.

TIFF cerró una edición en la que proyectó 294 películas procedentes de 72 países y recibió a más de 800 invitados en 98 alfombras rojas. La próxima edición del festival se celebrará del 9 al 19 de septiembre de 2027.

SMARTFILMS Dominicana anuncia ganadores de segunda edición

Tras una exitosa jornada de dos días que congregó la participación de más de 1200 personas de todo el país, la segunda edición de SMARTFILMS SUMMIT FEST 2026 anunció los ganadores de esta entrega en un espacio en el que las historias hechas con un celular fueron las protagonistas.

Luego de una labor de tres meses que abarcó capacitaciones en 36 ciudades de la República Dominicana, con el actor colombiano Claudio Cataño, protagonista de la serie de Netflix Cien años de soledad, como invitado internacional, el Festival tuvo como ganadores los cortos Carpe Diem de Diego Pinales, con un premio de una beca completa para estudiar Producción de Cine y Multimedia en UNIBE, y Desandar de Alerick Jiménez, en la categoría Aficionado Induveca, con un premio de 400 mil pesos.

Además, Morir soñando de Yessy Lebreult, en la categoría Ruta Peliculera y una mención especial en Categoría Juvenil para Switch de Stiven Marte. El galardón de Mejor Actriz fue para Shanisse Rojas; Mejor Actor para Paul Ovalles; Smart Comedia para Amor a primera olla de Erick Moreta; Smart Drama para Mañana de Aníbal Báez; Fotografía para I Didn’t Mean To de Rayniel Solano; Afiche para Bonitas y al día de Lía Gil; Concepto Original para Embutidos sentimientos de Manuel Méndez; Premio del Público Igual que la primera vez de Caryoralin Brito; Guion para Albatroces de Lary Santos; Diseño de producción Atabey de Chester Mejía, y Esencia Induveca para Mamá de Stiven Marte.

La segunda edición del festival realizado por Evelyna Rodríguez y Danilo Reynoso refuerza así su apuesta por democratizar la creación cinematográfica y demostrar que las grandes historias no dependen necesariamente de grandes presupuestos, sino de una idea, una mirada y una herramienta que hoy está al alcance de millones de personas: el celular.

La agenda incluyó la participación de personalidades de la industria del cine y la televisión que aportaron sus conocimientos y perspectivas actuales a través de una agenda de dos días que estuvo más allá de la competencia cinematográfica, reuniendo a creadores, actores, realizadores, estudiantes, profesionales y nuevas voces alrededor de las transformaciones que vive el audiovisual.

Patricio Guzmán (1941-2026)

Con su característica voz pausada, el cineasta chileno Patricio Guzmán mostró como pocos el golpe que derrocó a Salvador Allende y la lucha por la memoria tras la dictadura, sobre todo con documentales como La batalla de Chile o Nostalgia de la luz.

Guzmán, que vivió en el exilio gran parte de su vida, especialmente en Cuba, España y Francia, donde residió hasta su muerte a los 85 años, abordó la historia chilena en la mayoría de los documentales que marcaron su filmografía.

El Ministerio de las Culturas de Chile destacó que Guzmán «construyó un legado que trascendió» las fronteras y «seguirá dialogando con las nuevas generaciones».

«El documental es una red que arrojas y sacas lo que te interesa. Gracias a este ejercicio se puede dar cuenta del estado de ánimo de un país», afirmó hace unos años el cineasta que vivía en París.

Una de sus primeras obras, la trilogía de La batalla de Chile, filmada entre 1972 y 1973, sobre el gobierno del socialista Salvador Allende y su derrocamiento en un golpe de Estado, sentó las bases de su cine.

El rodaje de estos tres filmes, considerados entre los grandes documentales políticos de la historia, se prolongó hasta el mismo día del golpe de Estado, el 11 de septiembre de 1973, que dio inicio a la dictadura de Augusto Pinochet (1973-1990).

Guzmán estuvo detenido dos semanas en el Estadio Nacional de Santiago y luego logró salir del país con el material que había grabado. En Cuba pudo montar las tres partes, y las dos primeras fueron presentadas en el Festival de Cannes.

En el exilio, siguió realizando documentales, como En nombre de Dios (1987) sobre el papel de la Iglesia católica chilena frente a la dictadura, o Salvador Allende (2004). 

«El documental siempre va a ser peligroso, entre comillas, porque cuenta la verdad, porque no tiene miedo. Siempre tendrá un costado subversivo y un costado marginal», dijo en otra ocasión.

Nacido en Santiago de Chile en 1941, en el seno de una familia más bien modesta, cursó estudios de Filosofía pero acabó dejándolos para ponerse a trabajar en el campo de la publicidad, donde descubrió el mundo audiovisual. A finales de los años 1960, tomó todos sus ahorros para viajar a Madrid y estudiar cine.

Su filmografía está marcada por una quincena de documentales, casi todos sobre la historia reciente de su país. 

«Todo creador tiene un tema obsesivo, que lo llena. Para algunos es una ciudad, una persona y, para mí, es la memoria de este país. No puedo avanzar si no recurro a ella. Es mi ventaja y mi limitación», aseguró el director.

En Nostalgia de la luz (2010), Guzmán reunió de forma poética e inusual a los científicos que observan las estrellas en el desierto de Atacama, en el norte de Chile, con las madres que remueven la tierra árida para encontrar los restos de sus desaparecidos.

Cinco años después, en El botón de nácar, viajó al sur del país y volvió a utilizar la metáfora, esta vez a través del mar, para dar voz a los indígenas de la Patagonia. 

«Tienes que filmar la sociedad y sus problemas sociales, políticos e ideológicos, pero desde el punto de vista de un poeta. Si no lo haces con sentido cinematográfico te queda un panfleto o una película que va a durar muy poco tiempo», comentó el cineasta.

Con La cordillera de los sueños (2019), que ganó el Ojo de Oro en Cannes al mejor documental, exploró los Andes como testigo inmutable de los años de represión.

Su infatigable labor contra la desmemoria se cerró con Mi país imaginario (2022) sobre el estallido social que sacudió a Chile en 2019.

«Un país que no tiene cine documental es como una familia sin álbum familiar». Hasta siempre, Patricio.

Fiesta del Cine de Roma 2026: Premio a Javier Bardem.

El actor español Javier Bardem recibirá el Premio a la Carrera de la vigésimo primera edición de la Fiesta del Cine de Roma, según han anunciado los organizadores de este certamen que tendrá lugar entre el 13 y el 25 de octubre.

El encargado de entregarle este reconocimiento será el cineasta italiano Paolo Sorrentino, autor de cintas como la oscarizada La gran belleza (2014), pero que nunca ha dirigido al español.

El festival romano otorgará su reconocimiento honorífico al protagonista de películas como No es país para viejos (2007), trabajo por el que ganó un Globo de Oro a mejor actor de reparto, por considerarle «uno de los intérpretes más importantes a nivel global».

Por su trabajo en esa película, Bardem ganó además el premio BAFTA del cine británico, el Oscar, el National Board of Review o el Critics Choice Award.

El actor español cuenta además con otras tres nominaciones a los premios de la Academia de Hollywood, por Ser los Ricardo (2022), Biutiful (2011) y Antes que anochezca (2001).

Y ha ganado el galardón a mejor actor de Cannes por Biutiful, dos copas Volpi de la Mostra de Venecia por Mar adentro (2004) y Antes que anochezca o siete premios Goya del cine español, entre otros reconocimientos.

En su filmografía hay películas como Vicky Cristina Barcelona (2008), Los lunes al sol (2002), El buen patrón (2021), Loving Pablo (2017) y Días contados (1994).

Recientemente ha participado en el Festival de Venecia con Búnker, de Florian Zeller, que protagoniza junto a su mujer, Penélope Cruz, y en Cannes con El ser querido, de Rodrigo Sorogoyen, filme que presentará en la XXI edición de la Fiesta del Cine de Roma.

Festival de Venecia 2026: los ganadores.

La película Woman Unknown, de la cineasta danesa May el-Toukhy, se llevó el León de Oro de la 83º edición del Festival de Cine de Venecia.

Con esta victoria, May el-Toukhy se convirtió en la octava mujer en obtener el León de Oro en la historia del festival. La cineasta fue además la única mujer en dirigir en solitario un largometraje dentro de la competencia oficial de este año.

“Para mí personalmente, Woman Unknown trata sobre el cuerpo femenino como un campo de batalla”, expresó El-Toukhy durante la ceremonia. “Al mismo tiempo, la película cuenta la historia de mujeres que no son vistas, invisibles y sin voz”.

La trama de la película se sitúa en el periodo posterior a la ocupación nazi en Dinamarca y sigue a una joven niñera y empleada doméstica próxima a contraer matrimonio con su empleador acaudalado, mientras oculta una relación íntima del pasado con un soldado alemán que amenaza su reputación.

El retrato poético sobre la clase y el trabajo del autor surcoreano Lee Chang-dong, Possible Love, obtuvo el León de Plata, gran premio del jurado, el galardón que distingue al segundo clasificado. Possible Love es la primera película de Lee en ocho años, tras su aclamado título de 2018 Burning.

“Vivimos en una época en la que el sentido del trabajo se desvanece y los vínculos humanos se rompen cada vez más”, declaró Lee al recibir el reconocimiento.

El documental NAZA, un sobrecogedor trabajo sobre las estrategias militares empleadas en la guerra de Gaza de los cineastas israelíes Yuval Abraham y Rachel Szor, recibió un premio especial del jurado que presidido por la cineasta Maggie Gyllenhaal.

La película se incorporó tarde a la sección oficial, a petición de sus autores, y también se estrenó avanzada la programación, pero su impacto se dejó sentir, tras su estreno recibió una ovación en pie sin precedentes que se prolongó durante unos 25 minutos.

Rodado de noche en las azoteas de Tel Aviv y en condiciones de máxima discreción durante tres años, NAZA recoge testimonios de 24 miembros de las fuerzas armadas israelíes, entre ellos oficiales de inteligencia y soldados, que aportan una visión sobre la guerra en Gaza y sobre lo que describen como la matanza sistemática de civiles palestinos.

La protagonista de Unknown Woman, Mathilde Arcel, se mostró visiblemente emocionada al recoger el premio a la mejor actriz, que dijo que pesaba mucho y decidió dejar en el suelo mientras hablaba.

"Este es mi primer papel protagonista en una película y mi primera vez en un festival de cine", dijo. "Estoy extremadamente honrada".

Por su parte, el actor estadounidense John Malkovich se adjudicó el galardón al Mejor Actor por su interpretación en la comedia negra Caballo Salvaje Nueve, lo que lo coloca en el centro de los comentarios para ganar el Oscar.

El director francés Stéphane Brizé ganó el premio al mejor guion por su drama corporativo 'A Good Little Soldier'.

A Malou Khebizi se le concedió el premio Marcello Mastroianni a la mejor intérprete emergente por su papel en A Place to Heal de Cédric Kahn, ambientada en una unidad de psiquiatría adolescente de un hospital público.