miércoles, abril 26, 2023

Meryl Streep: Premio Princesa de Asturias 2023.

La actriz estadounidense Meryl Streep, la intérprete más veces nominada al Oscar y a los Globos de Oro en la historia, ha sido distinguida este miércoles con el Premio Princesa de Asturias de las Artes 2023.

La emblemática y polifacética actriz, también reconocida por su papel activista de labores sociales, humanitarias, feministas y ecologistas, ha sido galardonada a lo largo de su extensa carrera con tres Premios Oscar -de un total de 21 nominaciones- por Kramer contra Kramer (1979), La decisión de Sophie (1982) y La dama de hierro (2011), y cuenta con nueve Globos de Oro, de un total de 32 nominaciones, además de dos Bafta de la Academia Británica.

El jurado ha ensalzado “la honestidad y la responsabilidad” de la actriz estadounidense a la hora de elegir sus trabajos “al servicio de narrativas inspiradoras y ejemplarizantes”, y “por dignificar el arte de la interpretación y conseguir que la ética y la coherencia trasciendan a través de su trabajo, con la virtud de subrayar que los seres humanos, y concretamente las mujeres, deben latir y destacar a partir de su singularidad, de su diferencia”.

La candidatura de Streep, la segunda actriz en ser galardonada con el Princesa de las Artes tras Nuria Espert en 2016, y la quinta si se incluyen a sus colegas de profesión Woody Allen (2002), Vittorio Gassmann (1997) y Fernando Fernán-Gómez (1995), fue propuesta por el director Pedro Almodóvar, que fue merecedor del mismo premio en 2006.

Streep (1949, New Jersey) inició su carrera cinematográfica en los años setenta y ha representado en sus más de sesenta películas algunos de los personas más recordados de la historia del séptimo arte.

Descendiente de una familia de judíos sefarditas, Streep es hija de una diseñadora gráfica y de un alto ejecutivo y estudió música, arte dramático y ópera en la Universidad de Yale.

Tras ser descubierta en la Escuela de Drama de Yale -donde disfrutaba de una beca de tres años- por el promotor teatral Joe Papp para su Public Theater de Nueva York, Streep, elogiada por la crítica teatral, representó obras de Shakespeare, Arthur Millar o Tennesse Williams.

En 1977, el cineasta Fred Zinnemann le ofreció un pequeño papel en Julia, que supuso su debut cinematográfico, pero fue su personaje de Inga Weis en la serie de TV Holocausto (1978) el que marcó su lanzamiento mundial y por el obtuvo el primer Emmy a la mejor actriz.

Ese mismo año protagonizó junto a Robert de Niro El cazador, de Michael Cimino, que le valió el Premio de la Crítica de Estados Unidos y su primera nominación al Oscar como mejor actriz de reparto.

Tras su colaboración en Manhattan, de Woody Allen (1979), logró su primer Oscar a la Mejor Actriz de Reparto por Kramer contra Kramer (1979), drama matrimonial que coprotagonizó junto a Dustin Hoffman.

Su primer papel como protagonista fue en La mujer del teniente francés (1981), por la que recibió un Bafta, el Globo de Oro a la Mejor Actriz y su primera nominación al Oscar como Mejor Actriz principal.

A esta película le siguió La decisión de Sophie (1982) por la que ganó el Oscar a la Mejor Actriz y el Globo de Oro a la Mejor actriz de drama.

Mejor actriz de los años ochenta para los críticos cinematográficos, esta década dejó muchas de sus mejores interpretaciones: Silkwood (1983), papel por el que fue nominada al Oscar; Memorias de África (1985), de Sydney Pollack, junto a Robert Redford y que le dio otra nominación al Oscar; Plenty (1985), de Fred Schepisi o Tallo de Hierro (1987) junto a Jack Nickolson, una soberbia interpretación por la que volvió a estar nominada al Oscar.

Su filmografía de los noventa incluye Postales desde el filo (1990), por la que sumó otra nominación al Oscar; La casa de los espíritus (1993), basada en la novela de Isabel Allende, o la romántica Los puentes de Madison (1995), dirigida y coprotagonizada por Clint Eastwood, y que le valió otra candidatura al Oscar. La década terminó con dos nominaciones más por Cosas que importan (1998) y Música del corazón (1999).

Por Las horas (2002) ganó el Oso de Plata a la mejor actriz, compartido con sus compañeras de reparto Nicole Kidman y Julianne Moore, y por El ladrón de orquídeas, 2002, ganó su cuarto Globo de Oro (mejor actriz secundaria) y una nueva nominada al Oscar en esa misma categoría.

En 2004 obtuvo su quinto Globo de Oro (mejor actriz de serie) por Ángeles en América y tres años después, por su emblemático papel de implacable editora de moda en El diablo viste de Prada, ganó su sexto Globo de Oro (mejor actriz de comedia) además de nueva candidatura al Oscar.

Streep sorprendió en 2008 en Mamma Mia!, al cambiar de registro, cantando y bailando sin parar y triunfando en la versión cinematográfica sobre el musical de teatro.

Además, se convirtió de forma magistral en la exprimera ministra británica Margaret Thatcher en La dama de hierro (2011), papel por el que ganó un buen número de premios como el Círculo de Críticos Cinematográficos de Nueva York a la mejor actriz, el Oso de Oro de Honor del Festival de cine de Berlín y su tercer Oscar, a la mejor actriz.

Premio honorífico Cecil B. DeMille a toda su carrera, que recogió en la gala de los Globos de Oro de 2017, la actriz cargó entonces contra el presidente Donald Trump, sin mencionarlo, por lo mal que trata “a Hollywood, la prensa y los extranjeros”.
La intérprete, activista de labores sociales, humanitarias, feministas y ecologistas, fue portavoz del Consejo para la Defensa de los Recursos Naturales.

El director de cine Pedro Almodóvar, quien propuso a Meryl Streep para el Premio Princesa de Asturias de las Artes, ha afirmado que “pocas actrices en la historia del cine americano poseen la versatilidad” de la galardonada.

Para Almodóvar, Streep cuenta con unos “amplísimos registros” con los que “domina todos los géneros”, desde la comedia, al drama o el musical, entre otros.

“Todo lo hace bien y todo lo hace con naturalidad y verdad”, ha dicho Almodóvar en una declaración difundida por la Fundación Princesa de Asturias, en la que ha destacado que se trata de “una dignísima portadora” del galardón, que el propio director manchego recibió en 2006 por la maestría de sus realizaciones.

martes, abril 25, 2023

Oscar 2024: agenda el 10 de marzo.


La 96 edición de los Oscar se celebrará el 10 de marzo de 2024 en el Teatro Dolby de Los Ángeles, anunció la Academia de Hollywood en un comunicado.

La gala se emitirá en directo en la cadena ABC “en más de 200 territorios de todo el mundo”, informó la entidad organizadora de estos premios de cine, los más famosos de la industria a nivel mundial.

Así, la ceremonia de 2024 volverá a ser acogida por la que ha sido su sede habitual desde 2001, a excepción de 2021 que tuvo lugar en la Union Station de Los Ángeles, por la pandemia de covid-19.

La Academia también informó que los filmes que quieran postularse a la próxima edición de los Óscar tendrán como fecha límite hasta el 15 de noviembre, mismo día en el que se desarrollarán los conocidos Governors Awards, que reconocen a aquellas personalidades que hayan contribuido “de forma profunda y duradera” al cine.

El anuncio de las cintas que entren la shortlist se hará el 18 de diciembre y, a partir de ahí, los miembros de la Academia contarán con cuatro semanas de margen para acabar desvelando el 23 de enero cuáles son los títulos, directores, actores y actrices nominados.

Mes y medio después, el 10 de marzo concretamente, se celebrará la 96 edición de los Óscar, que tendrá como antesala el tradicional almuerzo de los Oscar, previsto para el 12 de febrero.

Por su parte, los Premios Científicos y Técnicos de la Academia de Hollywood condecorarán el 23 de febrero a aquellas personas y empresas cuyas aportaciones innovadoras en el cine hayan permitido un desarrollo notable de la industria.

En el texto con el que la Academia comunicó las fechas principales en la carrera hacia el Oscar 2024, matizó que están “sujetas a cambios” debido a los meses que restan aún para la gala.

domingo, abril 23, 2023

Premios Platino 2023: los ganadores.

Ya se conocen los ganadores de los Premios Platino que se entregaron el pasado 22 de abril en Palacio Municipal IFEMA de Madrid.

La película argentina Argentina, 1985, de Santiago Mitre, y la española As Bestas, de Rodrigo Sorogoyen, se alzaron con las principales categorías, mientras que la argentina 1976, de Manuela Martelli, consiguió el Platino a la mejor ópera prima.

La categoría a Mejor Película Iberoamericana de Ficción se la llevó Argentina, 1985, filme que también consiguió: Mejor Actor (Ricardo Darín), Mejor Guion (Mariano Llinás y Santiago Mitre), Mejor Dirección de Arte (Micaela Saiegh) y el Platino al Cine y Educación en Valores. Además el filme consiguió el Premio Iberia del Público. 

En Mejor Dirección el ganador fue Rodrigo Sorogoyen por As Bestas, filme que también consiguió los Platino a: Mejor Interpretación Masculina de Reparto (Luis Zahera), Mejor Dirección de Montaje (Alberto del Campo) y Mejor Dirección de Sonido (Aitor Berenguer, Fabiola Ordoyo y Yasmina Praderas)

Como Mejor Comedia Iberoamericana de Ficción, ganó la española Competencia oficial, de Mariano Cohn y Gastón Duprat.

En la categoría de Mejor Interpretación Femenina ganó la española Laia Costa por Cinco lobitos, filme que también consiguió el Platino a Mejor Interpretación Femenina de Reparto (Susi Sánchez).

En el apartado a Mejor Película Documental la ganadora fue la coproducción cubano-española El caso Padilla, de Pavel Giroud.

La película boliviana Utama, de Alejandro Loayza Grisi, se llevó los Platino a Mejor Música Original (Cergio Prudencio) y Mejor Dirección de Fotografía (Bárbara Álvarez).

Finalmente, como Mejor Película de Animación fue reconocida la mexicana Águila y Jaguar: Los Guerreros Legendarios, de Mike R. Ortiz.

viernes, abril 21, 2023

Cannes 2023: estreno mundial de “Elementos”.

Los estudios de Pixar Animation están de vuelta en el Festival de Cine de Cannes el 27 de mayo para el estreno mundial de su nuevo largometraje Elementos.
Presentada Fuera de Competición, la película se estrenará en cines el 16 de junio en Estados Unidos y otros mercados.
Elementos es el cuarto largometraje de los estudios Pixar Animation que se presenta en la Sección Oficial, tras Up, Intensa Mente y Soul .
En la ciudad de Element City, el fuego, el agua, la tierra y el aire viven en la más perfecta armonía. Aquí residen Flam, una joven intrépida e ingeniosa de fuerte carácter, y Flack, un chico sentimental y divertido, bastante seguidor de corazón. Su amistad desafía las creencias de Flam sobre el mundo en el que viven...
Para Pete Docter, director creativo de Pixar, este regreso al Festival tiene un sabor especial. “Mientras dejamos nuestros miedos pandémicos para finalmente encontrarnos en nuestros estudios y trabajar juntos en sesiones de escritura, animación o intercambio de ideas, es una alegría y un honor ver a Pixar de regreso en la Croisette. Dirigida por el extraordinario narrador Peter Sohn, Elementos es divertida, llena de vida y, sinceramente, impresionante de ver. Fue creado para que el público lo experimente en la pantalla grande y estoy encantado de que tenga su estreno mundial en Cannes.”
Para dar vida a los personajes que habitan la increíble ciudad de Element City, Disney contó con los actores Adèle Exarchopoulos y Vincent Lacoste para que prestaran sus voces a los personajes de Flam y Flack en la versión francesa. Adèle Exarchopoulos encarna así a Flam -una joven intrépida e ingeniosa- mientras que Vincent Lacoste interpreta a Flack, un chico sentimental y entrañable que, a lo largo de la aventura, hará descubrir al joven impetuoso que la vida puede ser más “fluida”. de lo que parece. Para ambos, esta es su primera experiencia de doblaje. Las voces originales de los personajes son las de Leah Lewis (Flam) y Mamoudou Athie (Flack).
Thierry Frémaux, Delegado General del Festival de Cannes declara: “Durante muchos años, el Festival de Cannes ha acogido películas de animación, con obras de todo el mundo. Los estudios Pixar, con Up, dirigida por Pete Docter, hicieron historia en Cannes al inaugurar la 62ª edición del Festival en 2009. ¡Fue un gran recuerdo! Una vez más es un gran acontecimiento presentar la formidable Elementos para la “Última Sesión” de este 76º Festival de Cine de Cannes y cuestionar nuestras vidas de una manera tan fuerte como ligera.”
El Festival de Cine de Cannes se complace en dar la bienvenida a Pete Docter, al director Peter Sohn, a la productora Denise Ream y a los numerosos actores que han prestado sus voces a los personajes de la película, el 27 de mayo, en la escalinata del Palais des Festivals.

jueves, abril 20, 2023

Premios La Silla 2023: los nominados.


La Asociación Dominicana de Profesionales del Cine (Adocine) dio a conocer los nominados para la IX edición de sus Premios La Silla.

Estos son los nominados a Premios La Silla 2023:

Mejor Película     
1. Rafaela (Danilo Reynoso, Archie López, Honny Estrella) 
2. Perejil, (Rafael Elías Muñoz)
3. Carajita  (Ulla Prida / Alexandra Guerrero)
4. Una Película Sobre Parejas (Oriol Estrada / Natalia Cabral)
5. Jupia (Leticia Tonos / Julieta Rodríguez)        
        
Mejor Productor (es)                         
1. Danilo Reynoso, Archie Lopez y Hony Estrella-  Rafaela
2. Rafael Elías Muñoz -  Perejil
3. (Ulla Prida / Alexandra Guerrero) Carajita
4. (Julieta Rodríguez / Leticia Tonos) Jupia
5. (Oriol Estrada / Natalia Cabral) Una Película Sobre Parejas

 

Mejor Director

1. (Tito Rodríguez) Rafaela
2. (Silvina Schnicer/ Ulises Porra) Carajita
3. (José María Cabral) Perejil
4. (Tabare Blanchard) El App
5. (Oriol Estrada / Natalia Cabral) Una Película de Pareja

 

Mejor Guion                  
1. (Cristian Mojica) Rafaela
2. (Ulla Prida/ Silvina Schnicer/ Ulises Porra) Carajita
3. (José María Cabral/ Arturo Arango/ Xenia Riveri/ Nuri Duarte/ Alan González/ Joaquín Octavio González) Perejil
4. (Marcel Fondeur) La Otra Lucha
5. (Oriol Estrada / Natalia Cabral) Una Película Sobre Pareja

 

Mejor Dirección Cinematográfica
1. (Oliver Mota) Rafaela
2. (Frankie Báez) El App
3. (Jaime Gómez) La Otra Lucha
(Hernán Herrera) Perejil
4. (Francis Adames) La Broma de la Justicia

 

Mejor Edición
1. (Ramón Alfonso Peña) Rafaela
2. (Delfina Castagnino) Carajita
3. (Issac Morantus/Cristina Cots / Marcos Herrera)   La Otra Lucha
4. (Gina Giudicelli/ Leticia Tonos) Jupia
5. (Tabare Blanchard) El App

Mejor Dirección de Arte
1. (Ezequiel Reyna) Rafaela
2. (Mónica De Moya) Jupia
3. (Stephanie Smith) La Otra Lucha
4. (Ginna Ozuna)  Perejil
5. (Ginna Ozuna) El país de las Ultimas cosas

 

Mejor Diseño de Producción
1. (Wilhem Pérez)  Perejil
2. J (Mónica De Moya) Jupia
3. (Ezequiel Reyna)  Rafaela
4. (Wilhem Pérez)  El País de las Ultimas cosas
5. (Lorelei Sainz) La Encomienda

 

Mejor Diseño de Sonido        
1. (Franklin Hernández)  Rafaela
2. (Franklin Hernández)  Perejil
3. (Franklin Hernández/ Nahuel Palenque) Carajita
4. (Homer Mora) Una Película de Pareja
5. (La Nave Post Lab/ Ramón Osorio/Frank Rojas)  La Balada de los Cuervos

 

Mejor Musicalización
1. (Andrés Rodríguez) Carajita
2. (Federico López)   Rafaela
3. (Jorge Magaz) Perejil
4. (Mayobanex Rodríguez) La Balada de los Cuervos
5. (David Vásquez) El App

 

Mejor Canción (Tema principal)       
1. (“Tiro de Gracia” / Letra: William Liriano/ Intérprete: Pablo García)  La Otra Lucha
2. (“Melanoid”/ Letra: Radi Pina/ Intérprete: Radi Pina/Le Montro)  El APP
3. (“Vacía” / intérprete: Huellas Invisibles/ Cinthia Montero/ Letra: Frank Grullón)             Desaparecido
4.
Carajita (Canción: “G.Ton”/ intérprete: Jetones/ instrumental) Carajita

 

Mejores Efectos Especiales
1. (Jaime Castillo)  El País de las Últimas Cosas
2. (Jaime Castillo) Perejil
3. (Emil de La Paz/ Jaime Castillo) Rafaela
4. (Juan Pedro Rodríguez Valiente) Jupia
5. (La Visual Sonora) El App

 

Mejores Efectos Visuales
1. (La Visual Sonora) El APP
2. (Boat Visual Lab/ Tatú Studios)  El País de las Ultimas Cosas
3. (Lone Coconut Studio) Perejil
4. (Ricky Gluski (Lone Coconut)) Jupia
5. (Abraham Jerez/Héctor Mercado/Néstor Sánchez)   Rafaela

 

Mejor Maquillaje
1. (Aleja Flores)  Perejil
2. (Ana María Andrickson) Rafaela
3. (Aleja Flores)  La Otra Lucha
4. (Katherine Feliz) Carajita
5. (Gigi Jimenez) El App

 

Mejor Vestuario
1. (Gina Terc) La Otra Lucha
2. C (Natalia Aponte) Carajita
3. (Jennire Mena), Perejil
4. (Leandra Faña) Rafaela
5. (Alina Julia) El País de las Ultimas Cosas

 

Mejor Actor Principal             

1. (Manuel Raposo) Rafaela
2. (Ramon Emilio Candelario) Perejil
3. (Josue Guerrero) La Broma de la Justicia
4. (David Maler) Jupia
5. (Etoree D’Alessandro) La encomienda

 

Mejor Actriz Principal
1. Judith Rodríguez (Rafaela) 
2. Magnolia Núñez (Carajita), 
3. Cecile Van Welie (Carajita), 
4. Julieta Rodríguez (Jupia) 
5. Cyndie Lundy (Perejil)

 

Mejor Actor Secundario
1. Gerardo Mercedes (Rafaela), 
2. Esmailyn Morel  (Rafaela) 
3. Gerardo Mercedes (Balada de los Cuervos) 
4. Mario Núñez (La broma de la Justicia) 
5. Héctor Aníbal (La Otra Lucha)

 

Mejor Actriz Secundaria
1. Ruth Emeterio (La Otra Lucha) 
2. Lia Briones  (Perejil), 
3. Camila Santana (La Otra Lucha)
4. Marissabel Marte (Rafaela) 
5. Karina Noble (Jupia)

 

Mejor Direccón de Casting              
1. Mario Núñez (Rafaela) 
2. Katyuska Licairac  (Carajita) 
3. Mario Núñez (La Otra Lucha) 
4. Edna Lerebours / Joel Polanco  (Perejil) 
5.
Valerie Hernández Oloffson  (El País de las Ultimas cosas)

 

Mejor Diseño de Afiche o cartel       
1.
Maurice Sánchez/ Pardo Agency (Carajita),  
2. Angurria (Rafaela), 
3. Luis Miguel Molina (Perejil), 
4. Leonela Gardemont (Balada de los Cuervos)
5. Oriol Estrada (Una película Sobre Parejas

 

Mejor Documental
1. Victoria Apolinar  (Morena(s), 
2. Fernando Santos Díaz/ Tatiana Fernández  (Vals de Santo Domingo), 
3. Victoria Linares/ Wendy Muñoz (Lo que se Hereda),
4. Héctor Ulises Montas (Isla de dos Repúblicas)
5. (José Ramón Alamá/ Rafael Alamá) Diáspora

 

Mejor Comedia
1. Miguel García De la Calera / Francis Disla (El Indio)  (Caribe Todo Incluido)
2. Archie López (El brujo)
3. José Miguel Bonnetti  (Padre se Busca)
4. Roberto Ángel Salcedo (Super Familia)

 

Mejor Cortometraje
1. Mofle 
2. La otra naranja 
3. Bajo las olas 
4. Taita 
5. Hábitat

miércoles, abril 19, 2023

Cannes 2023: el afiche.

Costa Azul, 1 de junio de 1968.

La actriz Catherine Deneuve se encuentra en la playa de Pampelonne, cerca de Saint-Tropez, para el rodaje de La Chamade de Alain Cavalier, adaptación de la novela de Françoise Sagan. Interpreta a Lucile, que lleva una vida mundana y superficial, teñida de desenvoltura y gusto por el lujo. Su corazón latía frenéticamente, apresuradamente, apasionadamente.

Como la del amor al cine que celebra cada año el Festival de Cine de Cannes: escuchamos sus pulsos vivos y habitados resonando por todas partes. El corazón del 7º Arte, de sus artistas, de sus profesionales, de sus aficionados, de la prensa, late desbocado, al ritmo de la urgencia que impone su eternidad.

La actriz de piel de burro es una encarnación del cine, lejos de convenciones y decoros. Intransigente pero siempre cercano a sus convicciones, aunque eso signifique ir contra la corriente de los tiempos. Es musa de Jacques Demy a Agnès Varda o Luis Buñuel, de François Truffaut a Marco Ferreri o Manoel de Oliveira, de André Téchiné a Emmanuelle Bercot o Arnaud Desplechin. Sus colaboraciones figuran en el panteón de los grandes cineastas de ayer y de hoy.

Catherine es el enlace. Durante más de 60 años, la mayor estrella francesa nunca ha dejado de filmar, reinventarse, experimentar, osar contraempleos o primeras películas. Un ícono que nunca se detuvo y da vida a su arte. Deneuve encarna a su manera la riqueza del cine que el Festival quiere defender: cine de autor, pero también cine popular de calidad.

Cuatro años antes de 1968, Catherine Deneuve irradió Los paraguas de Cherburgo de Jacques Demy, que obtuvo la Palma de Oro en 1964. Al año siguiente, Repulsión de Roman Polanski fue coronada Oso de Plata en Berlín. Le siguieron La Vie de Château de Jean-Paul Rappeneau, Les Demoiselles de Rochefort de Jacques Demy y Belle de Jour de Luis Buñuel.

Será por tanto sólo un camino hacia la gloria, sembrado de obras maestras y compromisos que perfilarán el retrato de una estrella hacia el de una mujer de convicciones. Porque Catherine Deneuve es también co-firmante, en 1971, del “Manifiesto del 343” que pedía la legalización del aborto o, en 2018, de un texto colectivo en el que un centenar de mujeres rechazan, desde otro lado, “el puritanismo, la denuncia y toda justicia expedita”.

Catherine Deneuve es también la estrella de Indochine de Régis Wargnier que sigue siendo, hasta el día de hoy, la última ganadora francesa, en 1993, del Oscar a la mejor película internacional. En 1994, fue vicepresidenta del jurado de Clint Eastwood que honró Pulp Fiction de Quentin Tarantino. En 2000, Dancer in the Dark de Lars von Trier fue la segunda Palma de Oro de su filmografía. En 2005 también recibió la Palma de Honor y en 2008, bajo la presidencia de Sean Penn, el Premio Especial del 61 Festival a toda su carrera.

En 2016, Catherine Deneuve ganó el Premio Lumière que dedicó “a los agricultores”, sorprendiendo una vez más. Alegre, insolente y romántica, una joven de larga cabellera rubia sonríe confiada a su futuro. Es cierta magia la que encarna Catherine Deneuve, pura, incandescente ya veces transgresora. Es esta magia indescriptible la que resuena en el 76º Festival Internacional de Cine con este cartel atemporal. Para volver a contar el glorioso presente del cine y vislumbrar su futuro lleno de promesas.

Porque Catherine Deneuve es lo que el cine debería recordar ser: escurridiza, audaz, irreverente. Una evidencia. Una necesidad.

El afiche oficial de la 76ª edición del Festival de Cannes fue creado por Hartland Villa (Lionel Avignon, Stefan de Vivies) a partir de una foto de Jack Garofalo en el set de La Chamade, una película dirigida por Alain Cavalier con Catherine Deneuve, Michel Piccoli y Roger van Hool.

martes, abril 18, 2023

Cannes 2023: Semana de la Crítica.

La presidente del jurado de esta 62ª edición será la directora y guionista francesa Audrey Diwan. Su segundo largometraje, Happening, ganó el León de Oro en Venecia 2021. Con ella en el jurado de este año estarán el actor y coreógrafo alemán Franz Rogowski; Kim Yutani, directora de programación del Sundance; el director de fotografía portugués Rui Poças y la periodista india Meenakshi Shedde.

Esta 62ª edición inaugura con Ama Gloria, ópera prima en solitario de la directora francesa Marie Amachoukeli, ganadora de la Cámara de Oro por Party Girl, que codirigió con Claire Burger y Samuel Theis. Ofrece una película delicada e íntima sobre la profunda conexión entre Cléo, de 6 años, y Gloria, su niñera. Gloria debe dejar repentinamente a Cléo y regresar a Cabo Verde. Marie Amachoukeli transmite con increíble gracia despedidas crueles y desgarradoras, inundadas por la luz del sol de verano.

Tiger Stripes, el primer largometraje de la directora malaya Amanda Nell Eu, ofrece una visión nueva, ingeniosa y extravagante de la metamorfosis y la rebelión de los adolescentes. Una película de fantasía sorprendente y deliciosa que celebra el deseo de las mujeres jóvenes de soltarse en una sociedad que pretende disciplinarlas con firmeza. Sofía es una deportista que sueña con llegar a lo más alto, pero su sueño se convierte en pesadilla cuando se entera de que está embarazada. Un embarazo no deseado que no puede interrumpir legalmente ya que el aborto sigue siendo ilegal en Brasil. La cuenta regresiva ha comenzado y Sofía está decidida.

Con Levante, su primer largometraje, la directora brasileña Lillah Halla se enfrenta al conservadurismo que carcome a su país con una mirada unificadora y queer. Uno para todos, y todos para Sofía.

No hay que quedarse dormido al ver Sleep, el primer largometraje del director coreano Jason Yu. El ex asistente de dirección de Bong Joon-Ho firma una película sensacional mientras cuenta la historia de una joven pareja que lucha antes y después del nacimiento de su primer hijo. Un escenario cerrado: tres capítulos, dos protagonistas, un bebé que llora, un perro que ladra y un fantasma vagabundo: los ingredientes perfectos para una comedia terrorífica y endiabladamente efectiva.

En su película Le ravissement, la directora francesa Iris Kaltenbäck aborda hábilmente los problemas de una amistad muy estrecha e íntima entre dos mujeres y ofrece un fascinante thriller psicológico. Una primera película impresionante con un guión muy fino y delicadamente elaborado y un reparto impresionante: Hafsia Herzi, Nina Meurisse, Alexis Manenti y Younes Boucif.

Lost Country, el segundo largometraje del director serbio Vladimir Perisič, es una saga íntima y política ambientada en 1996 en Belgrado durante las manifestaciones estudiantiles contra el régimen de Milosevic. Un adolescente se debate entre sus propias convicciones y el amor por su madre, una política corrupta. Una película poderosa que revisa los cánones del drama clásico.

Inshallah a boy es la primera película jordana que se presenta en La Semaine de la Critique. La primera película de Amjad Al Rasheed es el retrato profundamente conmovedor de Nawal, una trabajadora social, viuda y madre de una niña, que lucha como un demonio por su independencia, interpretada por la actriz palestina Mouna Hawa. Imbuye a esta guerrera radiante y decidida con la seriedad de las más grandes heroínas de la historia del cine.

Un cuento de verano agridulce, Il pleut dans la maison es el primer largometraje de ficción de la directora belga Paloma Sermon-Daï. Manteniéndose libre de patetismo, nos cuenta la historia sin adornos de la relación entre hermanos que intentan permanecer juntos con su dignidad intacta mientras su casa se inunda y su cuenta bancaria se vacía. Dos maravillosos personajes, bellamente escritos e interpretados por los jóvenes Purdey y Makenzy Lombet.

Para terminar con broche de oro, La Semaine de la Critique presentará No Love Lost, el delicioso segundo largometraje de Erwan Le Duc. Una tragicomedia francesa con una visión peculiar y poética de las relaciones entre padres e hijos. Padre e hija, Nahuel Pérez Biscayart y Céleste Brunnquell, son inseparables. Un dúo irresistible que te hará reír en un abrir y cerrar de ojos.

viernes, abril 14, 2023

Judith Rodríguez estrena “Pies en la arena”.


La actriz dominicana Judith Rodríguez viajó recientemente a Puerto Rico para el estreno de la película Pies en la arena, del director Gustavo Ramos Perales, la cual protagoniza junto a Eduardo Martínez Criado.

La película narra la historia de Toña (Rodríguez), una mujer que escapa de una relación abusiva en República Dominicana, y de Gregorio (Martínez), un médico cubano que se queda atrapado en Puerto Rico sin opciones legales para regular su estatus. Enfrenta en su trama la violencia machista, situación tópica en estos momentos de la sociedad latina, que sufre en carne propia el personaje principal, que es lo que la empuja a huir de su país.

El filme se estrenó el 6 de abril en Puerto Rico y en mayo tendrá su estreno en la República Dominicana y será presentada en algunos festivales.

Pies en la arena traza un paralelismo entre una mujer que se está reconstruyendo y un país en reconstrucción. “Era la intención encontrar un lugar al que dos personas vienen a reconstruirse, y que está en reconstrucción. Es la vista externa de Puerto Rico, es como si yo tratara de verlo desde fuera, como lo ven los inmigrantes”, explicó Ramos Perales.

Judith por su lado amplió sobre su personaje: “Toña asume el control de su vida, de su cuerpo, de su ser y decide partir. Partir de una forma muy peligrosa porque irse en yola es un acto de coraje, porque tú te puedes morir en ese proceso de llegar a ese algo mejor, es como utópico incluso”.

La crítica desde ya ha favorecido la cinta, resaltando como aún con un bajo presupuesto se puede hacer un gran trabajo cinematográfico, y como Rodríguez es la gran revelación de la película para este mercado en el que recién se presenta su trabajo como actriz.

jueves, abril 13, 2023

Cannes 2023: la Selección Oficial.



El festival de cine más importante del mundo ha dado a conocer la lista de los filmes que competirán por la prestigiosa Palma de Oro.
Esta es la Sección Oficial de Cannes 2023:
JEANNE DU BARRY by MAÏWENN (Filme de apertura, fuera de competencia)
CLUB ZERO by Jessica HAUSNER
THE ZONE OF INTEREST by Jonathan GLAZER
FALLEN LEAVES by Aki KAURISMAKI
FOUR DAUGHTERS by Kaouther BEN HANIA
ASTEROID CITY by Wes ANDERSON
ANATOMIE D’UNE CHUTE by Justine TRIET
MONSTER by KORE-EDA Hirokazu
IL SOL DELL’ AVVENIRE by Nanni MORETTI
L’ÉTÉ DERNIER by Catherine BREILLAT
ABOUT DRY GRASSES by Nuri Bilge CEYLAN
LA CHIMERA by Alice ROHRWACHER
LA PASSION DE DODIN BOUFFANT by TRAN Anh Hun
RAPITO by Marco BELLOCCHIO
MAY DECEMBER by Todd HAYNES
JEUNESSE by WANG Bing
THE OLD OAK by Ken LOACH
BANEL E ADAMA by Ramata-Toulaye SY (OP)
PERFECT DAYS by Wim WENDERS
FIREBRAND by Karim AÏNOUZ
 
Sección “Una cierta Mirada”:
LE RÈGNE ANIMAL by Thomas CAILLEY (Filme de apertura)
LOS DELINCUENTES by Rodrigo MORENO
HOW TO HAVE SEX by Molly MANNING WALKER (OP)
GOODBYE JULIA by Mohamed KORDOFANI (OP)
THE MOTHER OF ALL LIES by Asmae EL MOUDIR
SIMPLE COMME SYLVAIN by Monia CHOKRI
THE BURITI FLOWER by João SALAVIZA, Renée NADER MESSORA
LOS COLONOS by Felipe GÁLVEZ  |  1st film
(THE SETTLERS)
OMEN by Baloji TSHIANI  |  1st film
THE BREAKING ICE by Anthony CHEN
ROSALIE by Stéphanie DI GIUSTO
THE NEW BOY by Warwick THORNTON
IF ONLY I COULD HIBERNATE by Zoljargal PUREVDASH  |  1st film
HOPELESS by KIM Chang-hoon  |  1st film
TERRESTRIAL VERSES by Ali ASGARI, Alireza KHATAMI
RIEN À PERDRE by Delphine DELOGET  |  1st film
LES MEUTES by Kamal LAZRAQ  |  1st film
 
Fuera de competencia:
INDIANA JONES AND THE DIAL OF DESTINY by James MANGOLD
COBWEB by KIM Jee-woon
THE IDOL by Sam LEVINSON
KILLERS OF THE FLOWER MOON by Martin SCORSESE
 
Proyecciones especiales
Pictures of Ghosts - Kleber Mendonça Filho
Anselm  - Wim Wenders
Occupied City - Steve McQueen
Man in Black - Wang Bing
 
Proyecciones de medianoche
Omar La Fraise - Elias Belkeddar
Kennedy - Anurag Kashyap
Acide - Just Philippot
Kennedy - Anurag Kashyap
Acide - Just Philippot

martes, abril 11, 2023

Globos de Oro 2024: 215 nuevos votantes.

Los Golden Globes anunciaron una importante expansión de los votantes que participarán en la 81ª edición de los premios Globos de Oro, con un total de 215 periodistas que viven fuera de Estados Unidos, los que sumados a los 95 miembros actuales que residen en ese país, forman un total de 310 votantes, número que supera la promesa de aumentar el tamaño y la diversidad de quienes deciden los nominados y ganadores en estos galardones.

Sobre el total general, un 25 por ciento se identifica como latino, un 14 por ciento como asiático, un 10 por ciento como negro y un 42 por ciento como blanco. Al menos un 17 por ciento de los votantes se identifican como LGBTQIA+.

“Hemos superado nuestra meta de alcanzar 300 votantes para la 81 edición de los Globos de Oro gracias a un extenso esfuerzo de reclutamiento global”, dijo en un comunicado Helen Hoehne, presidenta de la Asociación de la Prensa Extranjera de Hollywood (HFPA, por sus siglas en inglés). Luego agregó en dicho comunicado: “Estamos emocionados por el logro sin precedentes de construir un cuerpo de votación verdaderamente global en el que el 58 por ciento se identifica como étnicamente diverso”.

 “Los esfuerzos realizados para identificar, involucrar y reclutar activamente a votantes diversos son una clara evidencia del compromiso de los Golden Globes para cumplir con su promesa de expandirse y transformarse”, comentó en dicho comunicado Neil Phillips, director de diversidad de la HFPA. “Es una clara muestra de que, con el liderazgo correcto, asociaciones comunitarias efectivas y un enfoque firme, podemos lograr un notable y remarcable crecimiento en la diversidad”, agregó.

En total, de los 310 votantes de los Globos de Oro, 82 son de América Latina, de los cuales 51 se han sumado este año. Una mirada iberoamericana sube ese número a 87.

Para la 81 edición de los Globos de Oro, por la República Dominicana se integran: José D’Laura, Inés de los Santos, Emanuel Fabián Andújar, Máximo Jiménez, Francisco Maldonado y Víctor Piñeyro. El dominicano Rubén Peralta Rigaud pertenece a la HFPA desde hace unos años.

Varias organizaciones periodísticas latinoamericanas colaboraron en la búsqueda de nuevos votantes, entre ellas PIC, Periodistas Iberoamericanos de Cine; Abraccine, Asociación Brasilera de Críticos de Cine; la Asociación de Cronistas Cinematográficos de la Argentina; la Organización Cubana de la Prensa Cinematográfica; la Asociación de Críticos de Cine del Uruguay; ADOPRESCI, Asociación Dominicana de Prensa y Crítica Cinematográfica, y CBCine, Círculo Bogotano de Críticos de Cine. La International Cinephile Society también contribuyó a la búsqueda alertando a sus miembros latinoamericanos.

El criterio para que los votantes internacionales puedan participar incluye residir fuera de Estados Unidos y haber presentado colaboraciones sobre entretenimiento en medios escritos, de radio, televisión o internet como periodista o como fotógrafo. Las postulaciones fueron revisadas y calificadas por el Comité de Credenciales, compuesto principalmente por profesionales independientes del periodismo y el entretenimiento.
Los votantes residentes fuera de Estados Unidos deben seguir un riguroso código de conducta que también han aceptado los 95 miembros de la HFPA. Las biografías de los 
nuevos votantes internacionales con sus fotos y los medios con los que colaboran estarán disponibles muy pronto en el sitio web de los Globos de Oro, cuya 81 edición tendrá lugar el domingo, 7 de enero de 2024.

lunes, abril 10, 2023

Chantal Akerman: la testigo apasionada de todos los detalles.



(Vacaciones de Pascua es atreverme a descubrir un universo. Desde hace unos meses, todo apuntaba a que sería Chantal Akerman, tardíamente reconocida como una de las grandes cineastas y desconocida por la mayoría de los cinéfilos del mundo. Debo agradecer la complicidad de Teddy Ureña y Eriberto Cruz, por poner a mi alcance algunos de sus filmes.  –José)

 

Chantal Akerman tenía 15 años cuando asistió a ver un estreno cuyo título le llamó la atención: Pierrot Le Fou. Había oído vagamente sobre el “Cine de Autor”, pero ninguna película le había estremecido emocionalmente como lo hizo el filme del Maestro Jean-Luc Godard.

Años más tarde, aprendió con La Región Central (1971, Michael Snow) que no es necesario contar una historia para tener una experiencia emotiva y palpable en una sala de cine, que más allá de lo que se cuenta es más importante tener una narrativa que sirva de vehículo a las ideas que se proponen. Ese principio se convirtió en el eje sobre de todo lo que escribió y dirigió, y muy especialmente Jeanne Dielman (1975), filme recientemente elegido como la mejor película del cine en la prestigiosa encuesta de Sight & Sound.

Una encuesta que solo tenía tres títulos en el primer puesto: Ladrón de bicicletas (1952), Ciudadano Kane (1962, 1972, 1982, 1992 y 2002) y Vértigo (2012). Y ahora la joya de Chantal Akerman.

Al margen de discusiones estériles como que es un triunfo del nuevo feminismo y otros asuntos ajenos a su valor cinematográfico, Jeanne Dielman es una arriesgada propuesta que rescata la poética de la vida cotidiana, a partir de la observación precisa de los ritos ordinarios que nos convierten en sociedad. Levantarse y colar café, un ritual común a la mayoría, adquiere un sentido trascendente cuando se mira desde la óptica de Akerman, una que va más allá de su valor antropológico para adentrarse en el campo de recreación de la realidad mejorada, una maravillosa posibilidad del Séptimo Arte.

Pero, cuidado, que Akerman no cede un ápice en su propuesta estética: nunca mueve la cámara, todos son planos fijos, nada de cortar a los personajes por la mitad con acercamientos o zooms, ni crear elipsis innecesarias para acortar tiempos y distancias y hacer más “digerible” su filme. Lo que se proyecta es la vida tal y como sería si compartiéramos apartamento con Jeanne. La directora definía su perspectiva como “la testigo apasionada”.

Por supuesto, el recurso descoloca a gran parte de la audiencia, acostumbrada a que todo se lo expliquen (algún día escribiré mi desahogo sobre los diálogos del cine local), acentuando la incómoda sensación del voyeur que cumple su papel de vigilante sin ningún entusiasmo. Estamos obligados a observar a Jeanne y, si no salimos corriendo de la sala, surge el maravilloso espectáculo de lo cotidiano. Akerman logra lo inimaginable: dar visibilidad a quien limpia, cocina y ordena nuestras vidas, personas ninguneadas por nuestra educación misógina y patriarcal. Para los que llevan notas: todo el equipo técnico que trabajó en la película estaba compuesto por mujeres.

Pregunto: ¿pero acaso no es esa la parte que nos corresponde en el esquema de comunicación del cine? Somos los desconocidos que permanecemos incógnitos, protegidos por la oscuridad de la sala, y convertidos en curiosos observadores de la realidad en movimiento que produce el cine. Para colmo, escudados en nuestra falsa superioridad moral, juzgamos desde todas las perspectivas eso que vemos en pantalla.

En mayo de 1975, cuando Jeanne Dielman se presentó en la Quincena de Realizadores en Cannes, mucha gente, incluso culta, abandonó la sala gritando improperios. Akerman cuenta que hasta la escritora Marguerite Duras gritó “¡Esta mujer está loca!” (y esa sí sabe de sicología de personajes), pero superó su trauma cuando los representantes de varios festivales le pidieron su película para proyectarla.

Semanas después, The New York Times calificaba el filme como “la primera obra maestra del feminismo en la historia del cine”. En enero de 1976, el diario Le Monde puso la tapa al pomo proclamando que Jeanne Dielman era “la primera obra maestra rodada en femenino de la historia del cine”. A sus 25 años, Chantal Akerman entraba por mérito propio en la élite de las mejores realizadoras del mundo. Muchos años después, el crítico J. Hobermann la catalogaba como “la más importante directora europea de su generación”.

Que el pasado diciembre Jeanne Dielman lograra el puesto #1 como la mejor película del cine ha sorprendido a muchos diletantes de redes sociales. La mayoría no ha visto la película. Y los pocos que lo han intentado han caído en los brazos de Morfeo, noqueados por sus 200 minutos de oficios domésticos, velado sexo, claustrofóbico decorado y vuelta de tuerca irrevelable. Yo agradezco que me obligara a poner los sentidos en Akerman, una de las mejores. ¿Pondría la película dentro de mi Top 10 del cine? No, pero es indudablemente uno de los títulos que mejores discusiones pueden generar en torno a este arte que da sentido a nuestras vidas. Punto.

 

Documentales.

Además de su valiosa obra de ficción, Akerman cultivó el documental, un género que le permitía mucho más libertades narrativas y de exploración del lenguaje del cine. En Del este (1993), emprende un viaje desde el final del verano hasta el más crudo invierno por Europa del Este: desde Alemania oriental, pasando por Polonia y Ucrania, hasta instalarse en Moscú: un inventario de la vida en esos pueblos luego de la caída del muro de Berlín. “Si eso no es una obra maestra, arranca la palabra de tu diccionario”, señaló Stuart Klawans, de La nación.

El siguiente texto se redactó durante la concepción de Del este:

“Me gustaría hacer un gran viaje por Europa del Este mientras siga siendo el momento. Rusia, Polonia, Hungría, Checoslovaquia, la ex Alemania del Este, hasta Bélgica. Me gustaría filmar allí a mi manera documental, lindando con la ficción. Todo lo que me afecte.
Rostros, el final de las calles, los coches que pasan y los autobuses, las estaciones y las llanuras, las rías o los mares, los ríos o los arroyos, los árboles y los bosques.
Los campos y las fábricas y de nuevo los rostros, la comida, los interiores, las puertas, las ventanas, la preparación de la comida.
Mujeres y hombres, jóvenes y ancianos, que pasan o que se detienen, sentados o de pie, a veces incluso acostados.
Días y noches, la lluvia y el viento, la nieve y la primavera.
Y todo eso transformándose lentamente, a lo largo del viaje, los rostros y los paisajes.
Todos esos países, en plena mutación, que han vivido una historia común desde la guerra, todavía muy marcados por esta historia, hasta en los mismos pliegues de la tierra, donde ahora los caminos divergen.
Me gustaría registrar los sonidos de esta tierra, hacer que se sienta el paso de una lengua a otra, con sus diferencias, sus similitudes. Una banda de sonido no sincrónica, o sólo en algunos momentos.
Un río de voces diversas que transportan las imágenes.

Diría que tengo ganas de hacer una película allí, porque aquello me atrae. Me atrae desde hace mucho y terriblemente, más desde que he estado.

Decía: mientras siga siendo el momento.
¿El momento de qué, el momento por qué, antes de que la «invasión» occidental sea demasiado flagrante?
Como si hubiera un antes y un después, antes y después de la era glaciar o glacial. ¿El momento de la utopía realizada y el momento de la utopía estropeada o de otra utopía?”

En esa misma línea, la caravana de Akerman se trasladó a Estados Unidos, donde rodaron Sur (1999), una evocación de cómo el brutal asesinato de James Byrd Jr, en Jasper (Texas) se refleja física y mentalmente en el desolado paisaje de los campos en los cuales (supuestamente) ha desaparecido la esclavitud. Para entender el sur, es necesario inventariar sus miserias, las físicas y las del alma, acojinadas por una espiritualidad que supera cualquier imposible y le arranca el sonido de la tristeza a cualquier guitarra de blues. 

Por supuesto, saltaron la cerca y se fueron a México para rodar Del otro lado (2002), donde visualizamos una nota de amenaza en una valla en tierra de rancheros: “Detenga la migración criminal. Nuestra propiedad y nuestro ambiente está siendo destrozado por invasores”. Al igual que en los dos documentales anteriormente mencionados, Akerman pasea su cámara y retrata paisajes, esencias, gente, actitudes. De vez en cuando, se detiene a conversar y refresca alguna historia de inmigrantes coloniales, o de inmigrantes indocumentados como los miles que llegan hoy día a la frontera con Estados Unidos. El filme ganó Mención Especial en el Festival de Derechos Humanos de Nuremberg y figuró en el Top 10 de Cahiers du Cinema.

Finalmente, rescato del olvido Down There (2006), un trabajo en que Akerman viajó hasta Tel Aviv. Con esa precisión que la hace única para los detalles, Akerman filma casi todo desde un apartamento que no puede abandonar (como si fuera una palestina emplazada) sus raíces judías, su familia, su identidad. Las cortinas semitransparentes funcionan casi como mecanismo de tortura en este apartamento-prisión: podemos ver el exterior, pero se nos tiene prohibido disfrutarlo. Este filme ganó el Gran Premio del Jurado en Marsella. Las ideologías radicales nos han aislado mucho más que la pandemia del covid y contra ellas no hay vacunas.

Chantal Akerman, una judía sobreviviente de Auschwitz, fue una cineasta extraordinaria. Un día de octubre de 2015, mariposa con alas propias, Akerman cruzó los espejos en su vuelo, quizá a una Arcadia donde no nos separe el tiempo de las arenas, ni el humo de los prejuicios.

 

 

(P.D.: En el contexto europeo, la cinematografía belga no de las más significativas, pero ha dado grandes autores como Jacques Feyder y el documentalista Henri Stork. Más recientemente, Chantal Akerman y André Delvaux. Desde hace unos años, los hermanos Dardenne, Jaco van Dormael y Joachim Lafose.)

jueves, abril 06, 2023

Cannes 2023: “Jeanne du Barry”, filme inaugural.


Jeanne du Barry, dirigida por Maïwenn, protagonizada por Johnny Depp, abrirá la 76ª edición del Festival de Cannes y se proyectará en estreno mundial. El sexto largometraje de la directora francesa se presentará el martes 16 de mayo en la gran pantalla del Grand Théâtre Lumière, después de la ceremonia de apertura retransmitida en directo por France Télévisions y Brut. Jeanne du Barry se estrenará el mismo día en los cines franceses.

En Jeanne du Barry, la propia Maïwenn interpreta al personaje principal del mismo nombre junto con Johnny Depp, Benjamin Lavernhe, Melvil Poupaud, Pierre Richard, Pascal Greggory e India Hair. Contando la vida, el ascenso y la caída de la favorita del rey Luis XV, la película se estrenará en los cines franceses simultáneamente.

Jeanne Vaubernier, una joven de clase trabajadora hambrienta de cultura y placer, usa su inteligencia y encanto para subir los peldaños de la escala social uno por uno. Se convierte en la favorita del rey Luis XV que, desconociendo su condición de cortesana, recupera a través de ella su apetito por la vida. Se enamoran perdidamente. Contra todo decoro y etiqueta, Jeanne se muda a Versalles, donde su llegada escandaliza a la corte...

Directora, guionista, actriz y productora, Maïwenn dirigió su primer largometraje, Pardonnez-moi, en 2006. Su cine está imbuido de cierta realidad, inspirándose libremente en su propia vida para dar forma a sus personajes e intrigas. Búsqueda de identidad, autoconstrucción y familia en general: todos estos aspectos están en el centro de su obra.

En 2011, la directora ganó el Premio del Jurado en el Festival de Cannes por su primera selección en Competición, Polisse. Cuatro años más tarde, regresa en Sección Oficial con My King, que le valió a Emmanuelle Bercot, el premio a la Mejor Actriz.

La ceremonia de apertura del 76º Festival de Cannes será retransmitida en directo el martes 16 de mayo por France Télévisions y Brut. La tradicional “Operación de Apertura” en los cines franceses (ceremonia y película) se renovará esa misma noche con el apoyo de La Fédération Nationale des Cinémas Français y en colaboración con France Télévisions y Brut.

miércoles, abril 05, 2023

Andrés García (1941-2023)


El actor mexicano de cine y televisión Andrés García falleció a los 81 años después de varios meses de deterioro en su estado de salud.

"La Asociación Nacional de Actores lamenta profundamente el fallecimiento de nuestro compañero Andrés García. Nuestras condolencias a sus familiares, amigos y compañeros. Descanse en Paz", escribió la Asociación Nacional de Actores (Anda) a través de Twitter.

García fue un reconocido actor de telenovelas y de películas, de los llamados galanes, que nació en 1941 en Santo Domingo, República Dominicana, y aunque vivió en su país natal durante su infancia, sus padres emigraron a México y consiguió la nacionalidad mexicana.

Fue en México donde inició su vida actoral, durante su juventud, y trabajó en Acapulco, en el sureño estado de Guerrero.

Su papel más reconocido fue el de Pedro Navaja en la película del mismo nombre (1984). En 1967 había participado en la película Chanoc, filme que dio inicio a una prolífica carrera con cerca de un centenar de películas, pero también telenovelas mexicanas como El privilegio de amar o El cuerpo del deseo.

Aunque se desconoce la causa de su muerte, el actor había padecido enfermedades como cirrosis y leucemia. Incluso el actor había compartido videos a través de YouTube en los que relataba su estado de salud.

Organismos y compañeros de profesión expresaron sus condolencias a través de Twitter.

martes, abril 04, 2023

Clásicos de Semana Santa.

Desde los inicios del cine, los hechos que se conmemoran en la Semana Santa han inspirado numerosas películas. Louis Lumiére y Georges Hatot estrenaron en 1898 La vida y la pasión de Cristo y, desde entonces, innumerables filmes han tocado este tema.

Es buena época para recordar algunos filmes esenciales para Semana Santa.

Los 10 mandamientos (1956): escrita y dirigida por el mítico Cecil B. DeMille, dramatiza la historia bíblica de la vida de Moisés, interpretado por Chalton Heston.

Jesús de Nazaret (1977, Franco Zeffirelli): es una de las versiones que mayor aceptación ha tenido de todas las realizadas. A la precisión de Zeffirelli, se unió el talento de Robert Powell como Jesús.

La Pasión de Cristo (2004, Mel Gibson), filme que creó muchísima controversia por las crudas escenas de tortura, pero que fue aplaudida por millones, convirtiéndola en un gran éxito de taquilla. El actor James Caviezel interpretó el rol protagónico.

Jesucristo Superstar (1973, Norman Jewison): la película basada en el exitoso musical de Broadway escrito por Andrew Lloyd Webber y Tim Rice. Contó con las actuaciones de Ted Neeley como Jesús e Yvonne Elliman como María Magdalena.

La última tentación de Cristo (1988): vilipendiada, al igual que el personaje bíblico pocos comprendieron el sentido del filme de Martin Scorsese, basado en la novela homónima de Nikos Kazantzakis

El Mártir del calvario (1952, Miguel Morayta): es la más representativa de todas cuantas se han hecho en Latinoamérica. Rodada en México y protagonizada por el español Enrique Rambal.

Ben Hur (1959, William Wyler): costó en su momento 15 millones de dólares, el mayor presupuesto para una película en Hollywood. Recibió el respaldo del público y la crítica y consiguió 11 Oscars, una marca que se mantiene (compartida) hasta la fecha. 

En 2018, dos filmes vinculados al tema fueron estrenados: María Magdalena (Garth Davis), con Rooney Mara en el papel protagónico y Joaquin Phoenix como Jesús; y Pablo, al apóstol de Cristo (Andrew Hyatt), con James Faulkner (como Pablo) y Jim Caviezel (como Lucas).

lunes, abril 03, 2023

Ryuichi Sakamoto (1952-2023)

El reconocido músico y compositor japonés Ryuichi Sakamoto murió el pasado 28 de marzo a los 71 años a consecuencia de un cáncer colorrectal que sufría desde 2020, según confirmó su agencia.

“Mientras se encontraba en tratamiento para el cáncer descubierto en junio de 2020, Sakamoto siguió creando trabajos siempre que su salud lo permitía. Vivió con la música hasta el final”, señaló su agencia, commmons, en un comunicado.

Según la agencia y de acuerdo a los deseos del artista, el servicio funerario se habría celebrado con sus familiares cercanos, aunque no aportó mayores detalles y pidió que se respetara la privacidad de la familia.

“Ars longa, vita brevis. El arte es largo, la vida es corta”, destacó el texto de commmons como una de las frases favoritas del compositor.

El pianista, que sufrió un cáncer de garganta en 2014 del que logró recuperarse, confirmó a principios de 2021 que tenía un cáncer colorrectal, que se extendió a otros órganos en forma de metástasis.

Galardonado con un Oscar a la Mejor Banda Sonora Original por el filme El último emperador, Sakamoto se sometió a seis cirugías el año pasado, incluyendo una de 20 horas para tratar de eliminar un tumor primario en el recto y otros que se produjeron por la metástasis.

Sakamoto fue uno de los creadores japoneses más internacionales de su tiempo, con una obra compleja y que ha estado formada por varias etapas, desde su primer grupo de éxito, el experimental Yellow Magic Orchestra, hasta la creación de bandas sonoras.

En este apartado recibió numerosos premios y escribió la música de recordados títulos como Feliz Navidad Mr Lawrence (1983), en la que también actuó dando vida al comandante de un campo de prisioneros japonés durante la Guerra del Pacífico, Tacones lejanos (1991) o El renacido, (2015).

Su último concierto fue el pasado 11 de diciembre, en formato online para que sus fans de diferentes husos horarios pudieran escucharlo, y cuando su cáncer se encontraba ya en fase IV, por lo que muchos de sus seguidores pensaban que podía ser el último.

sábado, abril 01, 2023

“Killers of the Flower Moon”: Estreno Mundial en Cannes.


El Festival de Cannes se complace en dar la bienvenida a Martin Scorsese a la Croisette el próximo mes de mayo, donde recorrerá la escalera del Palais des Festivals junto a Leonardo DiCaprio, Robert De Niro, Lily Gladstone, Jesse Plemons, Cara Jade Myers, JaNae Collins, Jillian Dion, Tantoo Cardinal y otros miembros del reparto y el equipo de Killers of the Flower Moon.

La película se presentará el sábado 20 de mayo en el Grand Théâtre Lumière.

Killers of the Flower Moon, inspirada en el exitoso libro de David Grann y escrita por Eric Roth y Martin Scorsese, está ambientada en la década de los años 20 de Oklahoma e investiga los asesinatos en serie de los miembros de la comunidad Osage, que se habían enriquecido con el petróleo que había bajo sus tierras. Esta serie de violentos crímenes se conoce actualmente como el “Reino del Terror”.

Martin Scorsese, director, guionista, actor y productor, ha consagrado su vida al Séptimo Arte y el Festival de Cannes le ha acompañado en numerosas ocasiones. Recibió la Palma de Oro en 1976 por Taxi Driver, presentada en Competición. Después volvió con regularidad a la Selección oficial y ganó el Premio a la mejor dirección por After Hours, 10 años después del éxito de Taxi Driver

En 1998, presidió el jurado que concedió la Palma de Oro al director griego Theo Angelopoulos por La eternidad y un díaCuatro años más tarde, presidió el jurado de la Cinéfondation y de los Cortometrajes junto al director iraní Abbas Kiarostami.

Desde 1990, Martin Scorsese dirige la Film Foundation, una organización dedicada a la preservación, la protección y la transmisión del patrimonio cinematográfico mundial. Como tal, ha presentado numerosas películas en Cannes Classics.
El Festival de Cannes espera dar la bienvenida a Martin Scorsese y a todo su equipo de Killers of the Flower Moon en lo que promete ser un memorable paseo por la escalera de alfombra roja.