domingo, octubre 29, 2023

René Fortunato premiado en Turquía y distinguido en Roma

El cineasta René Fortunato conquistó el premio al mejor documental por su largometraje Caamaño. Militar a Guerrillero en el David Film Festival, celebrado del 28 al 30 de octubre en Estambul, Turquía.

La directora del festival Eylem Tok le comunicó a Fortunato, vía e-mail, la decisión del jurado encabezado por el cineasta turco Ranjbar Baher, de otorgarle el premio al mejor documental presentado en el festival, a la producción cinematográfica dominicana escrita y dirigida por él.

En la patria de Federico Fellini, el documental dominicano Caamaño. Militar a Guerrillero, obtuvo la distinción especial de entrar en la Selección Oficial del CINEMAGIA MOVIE AWARDS, 2023 celebrado en Roma, Italia, el 21 de septiembre y considerado un punto de referencia autorizado del cine independiente internacional.

Con el premio obtenido en Turquía suman dos los premios internacionales conquistados por el realizador cinematográfico dominicano René Fortunato en lo que va de año. El anterior le fue otorgado el pasado mes de junio en Lisboa, Portugal, donde conquistó el premio a la mejor película histórica del Festival de Cine Independiente celebrado en esa ciudad.

Al recibir el diploma que le acredita como ganador del premio, el cual le enviaron desde la capital de Turquía, Fortunato agradeció la distinción a los organizadores del festival y dijo que lo comparte con el equipo de profesionales que lo acompañaron en la realización del largometraje Caamaño.Militar a Guerrillero

Entre estos citó a Cristian Valerio, edición y postproducción, Gustavo Olivo, narración, Alex Mansilla, música original y Matty Vásquez en la producción ejecutiva.

También a René Alfonso, Miguel Susana, Eusebio Sánchez, Sulong Sang y a todas las personas que prestaron su colaboración desinteresada para hacer realidad el documental sobre la vida y acciones del coronel Francisco Alberto Caamaño Deñó.

Caamaño. Militar a Guerrillero es una producción del cine dominicano que se estrenó en varias salas de cine de Santo Domingo y Santiago el pasado 16 de febrero de 2023, permaneciendo en cartelera durante cuatro semanas.

Posteriormente fue proyectado gratuitamente en varios parques del interior del país, entre estos el parque Colón de Santiago, el parque Duarte de San Pedro de Macorís y el parque Independencia de Santo Domingo.

Matthew Perry (1969-2023)


El actor Matthew Perry falleció a los 54 años, según dijeron fuentes policiales a medios estadounidenses.

Perry alcanzó fama mundial gracias a su papel de Chandler Bing en la icónica serie televisiva Friends (1994-2004).

El actor fue encontrado inconsciente en su casa de Los Ángeles, en California, a donde acudió la policía después de las 4:00 p.m. hora local de este sábado tras recibir una llamada los servicios de emergencias por un ahogamiento, informó la cadena CBS.

Perry alcanzó el estrellato gracias a la serie Friends, una comedia sobre seis jóvenes neoyorquinos solteros que se adentran en la edad adulta que se estrenó en la cadena NBC en 1994 y estuvo en pantalla durante 10 temporadas.

La serie convirtió a Perry y a sus compañeros de reparto -Jennifer Aniston, Courteney Cox, Lisa Kudrow, Matt Leblanc y Matthew Schwimmer- en megaestrellas casi de la noche a la mañana.

Además de ‘Friends’, Perry apareció en series de televisión como Studio 60 on the Sunset Strip, Go On y The Odd Couple.

También participó en muchos otros programas de televisión a lo largo de los años, como ‘Boys Will Be Boys’, ‘Growing Pains’, ‘Silver Spoons’, ‘Charles in Charge’, ‘Sydney’, ‘Beverly Hills, 90210′, ‘Home Free’, ‘Ally McBeal’, ‘The West Wing’, ‘Scrubs’ y más.

Perry también llegó a la pantalla grande, participando principalmente en películas de comedia, como ‘Fools Rush In’, ‘The Whole Nine Yards’, ‘Three to Tango’, ‘The Kid’, ‘17 Again’, ‘Getting In’ y varias más. No obstante, permaneció fuera de escena por varios años.

viernes, octubre 27, 2023

Cine Dominicano en Festival de Huelva.

El Festival de Huelva de Cine Iberoamericano rinde homenaje al cine de la República Dominicana con un ciclo que repasará las producciones realizadas en el país caribeño que más han destacado en los últimos años. Un total de 12 títulos forman parte de esta selección, que podrán verse del 3 al 19 de noviembre a través de la plataforma Filmin. Este ciclo de cine dominicano viene a completar la programación previa Festival de Huelva al inicio de la edición, el 10 de noviembre, como son Cine de Verano, Cine Club o Ventana Cinéfila (Profestivales 21).

El ciclo dominicano se enmarca en el acuerdo firmado durante el pasado Festival de Cannes por la Dirección General de Cine (DGCine) de República Dominicana y el Festival de Huelva. El objetivo es fomentar las alianzas entre la industria audiovisual de España y República Dominicana, y realizar actividades cinematográficas durante las ediciones 49 (2023) y 50 (2024) del Festival de Huelva.

Forman parte del ciclo las producciones: Miriam miente, dirigida por Natalia Cabral y Oriol Estrada (2018), ganadora del Colón de Oro en la edición número 44 del Festival de Huelva; Perejil, de José María Cabral (2022), Premio del Público en Festival de Miami; Bantú Mama (2021), del director Iván Herrera, que concursó en 2021 en Huelva; Carpinteros, (2017, José María Cabral) Premio al Mejor Actor en el Festival de La Habana y seleccionada en Sundance; Jean Gentil (2010), codirigida por Laura Amelia Guzmán e Israel Cárdenas y distinguida con la Mención Especial del Jurado de la Mostra de Venecia; La hembrita (2023), también dirigida por Laura Amelia Guzmán e Israel Cárdenas (2023); Liborio (2021), del director Nino Martínez Sosa; Carajita (2021), codirigida por Ulises Porra y Silvina Schnicer, que recibió una Mención en el Festival de San Sebastián; Una película sobre parejas (2021), de Natalia Cabral y Oriol Estrada (República Dominicana, 2021); Cocote (2017), del realizador Nelson Carlo de los Santos, Leopardo de Oro de la sección Signs of Life de la 70ª edición del Festival de Locarno; Flor de azúcar (2016), de Fernando Báez Mella; y el cortometraje Mofle (2021), dirigido por Fernando Henríquez, seleccionado en el Festival Internacional de Cortos de Busán.

Además de este ciclo y en virtud del acuerdo firmado, cuatro proyectos cinematográficos de creadores dominicanos, en fase de desarrollo y financiación, visitarán la próxima 49 edición del Festival de Huelva, en búsqueda de coproducción española. Se trata de las producciones El sueño, de Victor Piñeyro; La mansa, de Karlina Veras; Maguana Racing, de Juliano Kunert; y Potspartum, de Yinna de la Cruz. Los cuatro proyectos serán presentados en un evento profesional, destinado a productores de cine, durante la celebración de la presente edición, entre el 10 y el 18 de noviembre.

jueves, octubre 26, 2023

“Colao 2”, desde el 30 de noviembre en cines.

Una de las comedias más esperadas del cine dominicano, Colao 2, está lista para su estreno en las salas de cine este 30 de noviembre, nuevamente bajo la dirección de Frank Perozo, protagonizada por Raymond Pozo y Miguel Céspedes, Nashla Bogaert y Manny Pérez, junto a los antagonistas de esta nueva historia, Karen Yapoort y Alejandro Nones.

Colao 2 cuenta la historia de Antonio (Manny Pérez), el humilde cafetero de Jarabacoa que se enamoró de Laura (Nashla Bogaert), una exitosa abogada capitaleña, quien tiene un nuevo proyecto para que su esposa no se desencante de él y de su nueva vida en el campo: “La ruta del café orgánico”. En el proceso de hacer realidad su nuevo proyecto, Rafael (Raymond Pozo) y Felipe (Miguel Céspedes), sus primos que vienen de visita a Jarabacoa, le proponen que presente el proyecto a uno de los hombres más ricos del pueblo, el problema es que para que este acceda a recibirlo, deben lograrlo a través de su hija Micaela (Karen Yapoort), exnovia de Antonio que ha regresado de Nueva York, lo que genera una cadena de situaciones.

“Sin duda, Colao representa uno de los pasos más importantes que he dado en el cine, por haber tenido la primera oportunidad de dirigir, a nivel personal, ha definido mucho mi carrera. El dirigir Colao 2 ha sido una lucha constante en tratar de superar la primera, sin sacrificar el estilo único que se logró en el 2017, manteniendo el respeto a la historia original y sus personajes. Son dos películas completamente diferentes, pero con la misma esencia, energía y emociones donde 6 años después los personajes tenían que evolucionar”, dijo Perozo.

En esta nueva historia, seis años después, con guion de Kendy Yanoreth y Miguel Alcántara, nos narra cómo la vida de los personajes se complica con múltiples situaciones familiares. Durante el encuentro se presentó el behind scenes oficial, así como la banda sonora compuesta por música muy variada de los cantantes Gabriel Pagán, Rafely Rosario, Nino Freestyle, Chelsy, así como una carga de música típica en un rol predominante en esta película con música de Krisppy, Raquel Arias y Banda Real; los nuevos talentos de Presidente Studios, Nikaury, Xavier y Mike Castro, así como la ganadora Yellow Tree, quienes también son parte de este soundtrack.

Con locaciones en su mayoría en Jarabacoa, Colao 2 cuenta con un importante y variado cast que incluye figuras del cine y los medios como Celinés Toribio, Shaylin Sosa, Chelsy, Nino Freestyle, Richard Douglas, Fidia Peralta y Tiby Camacho. También cuenta con apariciones especiales de Javish Germoso, El Nagüero, Radhamés Espíritu, Ivonne Peralta, Víctor Ramírez, Jose Matos, entre otros.

Colao 2 es una realidad gracias al apoyo de sus inversionistas, tales como la Cervecería Nacional Dominicana con su marca presidente, Altice, y Evergo, así como también al respaldo de las marcas patrocinadoras Crisol, Sirena, GBC, Milex, Helados Bon y Starburks.

Llegará el 30 de noviembre a los cines de República Dominicana, Puerto Rico e islas del Caribe, mientras que el 12 de enero de 2024 tendrá su estreno en Estados Unidos, Centroamérica y Canadá.

miércoles, octubre 25, 2023

“No me conoces”: la epifanía de Nashla Bogaert.

Todos somos extraños cuando nos miramos frente al espejo, sobre todo cuando las preguntas se generan desde los vacíos de nuestra identidad. No me conoces, debut como directora de Nashla Bogart, se pregunta, nos pregunta por el uno que se constituye en parte esencial de lo que somos, de lo que decimos que somos, de lo que queremos ser.

A propósito de Isla de plástico, ya me he referido a la travesura de Bogaert de abandonar su zona de confort como una de las actrices de mayor éxito de nuestro cine, para embarcarse en proyectos sembrados de desafíos. Ella ha sido clarísimo objeto del deseo desde Cristiano de la secreta (2009, Archie López), pasando por ¿Quién manda? (2013, Ronnie Castillo), hasta Colao 2 (2023, Frank Perozo), secuela de la exitosa comedia, próxima a estrenarse en cines.

Pues ahora nos presenta credenciales como directora y, de nuevo, sale airosa de la prueba. Lo curioso es que lo hace desde el documental y tratando un tema especialmente espinoso, especialmente doloroso: las negaciones desde las cuales se cimentan muchos aspectos de nuestra identidad.

Para los dominicanos, gentilicio que significa “propio de o relativo al amo” (?), nada más difícil que aceptarnos como producto de un crisol que conjugó (y sigue conjugando) todos los genes, todas las razas, todos los sueños premonitorios, todo el espanto realmaravilloso en este nuevo mundo, en este ámbito único que es el Caribe.

Por cuestionar, Bogaert lo cuestiona todo, comenzando por los inútiles libros de texto, escritos por los vencedores para ser usados como auténticas herramientas de enajenación y legitimación del “divide y vencerás”, a propósito de nuestras tonalidades de piel. En Dominicana, nada es absoluto, todo es relativo, y una cosa es si eres “popi” y otra muy distinta si eres “wawawá”.   

Con orgullo nos proclamamos “quisqueyanos”, otro gentilicio que hasta aparece en nuestro himno, sin percatarnos de que esa definición viene dada por los que llegaron de afuera y se corresponde más con la forma despectiva, colonial en que nos ven y definen los que, en su afán de exterminio, poco tienen que aportar: está estrechamente vinculada a una perspectiva limitante.

En su búsqueda de respuestas, Nashla lo apuesta todo y nos muestra su lado más vulnerable, más allá de la felicidad de las redes sociales y las alfombras rojas, esa “muchachita vieja” de San Francisco de Macorís que necesita reconciliarse con los obstáculos encontrados en su historia que, de alguna manera, es también nuestra historia, la de todos y todas los que sentimos esa insoportable levedad del ser, definida por el maestro Kundera hace muchos años.

No me conoces, inicia con un plano cenital de la Silla de Anacaona, centro geográfico de la isla, en la tierra de Liborio (el más guapo), y, de forma sutil, nos conduce a tientas por un pasadizo en el que nos orientan las voces de los que ya conocen el camino. No es casual que la mayoría sean artistas: el cineasta Boynayel Mota, el músico José Duluc, el actor Vicente Santos, la actriz y comunicadora (y sicóloga) Zoila Luna, la cantautora Xiomara Fortuna, el gestor Freddy Ginebra, y otros muchos que no menciono por cuestiones de espacio. Los artistas son los auténticos revolucionarios de cualquier época.

No me conoces deja en evidencia que somos una sociedad castrante y despersonalizadora, que hace trizas las ganas de ser una nación en pos de un subdesarrollo endémico, un “deja esa vaina así” que nos mantiene al borde del abismo desde tiempos inmemoriales y amenaza con perpetuarse si no asumimos la identidad como forma de resistencia y nos revelamos en nuestras posibilidades, sin miedos inculcados, ni prejuicios en el alma. Para rebelarnos, un imaginario poderoso que hace imperativo darle uso a nuestras alas, porque como escribiera el poeta Pedro Mir, nos coloca “en el mismo trayecto del Sol”.

No me conoces (2023). Dirección: Nashla Bogaert; Investigación: Johanné Gómez y Lía Briones; Fotografía y edición: Israel Cárdenas; Música: Carlos Zouain; Sonido: Franklin Hernánez; Entrevistas: José Duluc, Vicente Santos, Zoila Luna.

martes, octubre 24, 2023

Premios Gothan 2023: los nominados.

La temporada de premios ya comienza a tomar forma con el anuncio de las nominaciones a los Gotham Awards 2023, premios que tradicionalmente reconocían a las mejores películas independientes pero que este año cambiaron sus reglas.

En años anteriores, solo películas cuyo presupuesto fuera menor a $35 millones de dólares eran elegibles a los Premios Gotham. Sin embargo, debido a problemas financieros, para esta edición la organización decidió eliminar este tope presupuestario y permitir la participación de todo tipo de proyectos. A pesar de esto, algunos grandes estudios decidieron no participar en la justa: Oppenheimer Asesinos de la luna, por ejemplo, no fueron enviadas para consideración, pero Warner Brothers sí mandó Barbie.

Aunque los Gotham están lejos de ser premios determinantes en la carrera al Oscar, pueden ser un trampolín para que películas y actuaciones pequeñas empiecen a hacer ruido. Y fuera de la competencia y la temporada, las nominaciones a los Gotham son una buena oportunidad para darle visibilidad a películas o actuaciones pequeñas que suelen ser ignoradas pero que, en un mundo justo, deberían obtener mayor reconocimiento.

La película inglesa romántica británica All of Us Strangers lidera las nominaciones a los Gotham Awards 2023 con cuatro menciones: Mejor Película, Guion, Actuación y Actuación de Reparto. Este filme dirigido por Andrew Haigh ha gustado mucho en el circuito de festivales y este impulso de arranque podría ser clave para sus aspiraciones rumbo al Oscar, en particular las de Andrew Scott.

Con tres nominaciones están: Past Lives, A Thousand and One y The Zone of Interest. Algunas de las sorpresas más gratas fueron Passages en Mejor Película y Actuación, Reality en Mejor Película, Huesera en Mejor Dirección Revelación, Tótem en Mejor Película Internacional.

Estos son los nominados a los Gotham en cine:

-Mejor Película

Passages

Past Lives

Reality

Showing Up

A Thousand and One

-Mejor Documental

20 Days in Mariupol

Against the Tide

Apolonia Apolonia

Four Daughters

Our Body

-Mejor Película Internacional

All of Us Strangers

Anatomy of a Fall

Poor Things

Tótem

The Zone of Interest

-Mejor Actuación

Aunjanue Ellis-Taylor – Origin

Lily Gladstone – The Unknown Country

Greta Lee – Past Lives

Franz Rogowski – Passages

Babetida Sadjo – Our Father, the Devil

Andrew Scott – All of Us Strangers

Cailee Spaeny – Priscilla

Teyana Taylor – A Thousand and One

Michelle Williams – Showing Up

Jeffrey Wright – American Fiction

-Mejor Actuación de Reparto

Juliette Binoche – The Taste of Things

Penélope Cruz – Ferrari

Jamie Foxx – They Cloned Tyrone

Claire Foy – All of Us Strangers

Ryan Gosling – Barbie

Glenn Howerton – Blackberry

Sandra Hüller – The Zone of Interest

Rachel McAdams – Are You There God? It’s Me Margaret.

Charles Melton – May December

Da’vine Joy Randolph – The Holdovers

-Mejor Guion

Andrew Haigh – All of Us Strangers

Justine Triet & Arthur Harari – Anatomy of a Fall

Samy Burch – May December

Cristian Mungiu – R.M.N.

Jonathan Glazer – The Zone of Interest

-Mejor Dirección Revelación

Raven Jackson – All the Roads Taste of Salt

Georgia Oakley – Blue Jean

Michelle Garza Cervera – Huesera

Celine Song – Past Lives

A.V. Rockwell – A Thousand and One

“Golda”: brillante actuación de Helen Mirren.

Entre el 6 y el 25 de octubre de 1973 se llevó a cabo la guerra de Yom Kipur (o guerra del Ramadán), un conflicto que enfrentó a Egipto y Siria contra Israel por el control de los territorios del Sinaí y Altos del Golán. De eso se cumplen 50 años y, por los eventos diarios en la franja de Gaza, queda claro que poco hemos avanzado en la prioridad de entendernos.

Golda Meir, quien por entonces era la Primera Ministro de Israel, fue la figura central de aquellos eventos, conjuntamente con el presidente de Egipto Anwar Sadat y el Secretario de Estado norteamericano Henry Kissinger.

El filme Golda, dirigido por el israelí Guy Nattiv, recrea los inquietantes días de la guerra de Yom Kippur y cómo Meir jugó todas sus cartas como jefa del ejército y como negociadora, logrando convertir un revés de vigilancia en una victoria militar y diplomática.

El director del filme, Guy Nattiv, se ha ganado su espacio en el contexto internacional desde que ganó en 2019 el Oscar por su cortometraje Skin, así como otros 30 premios, incluyendo los festivales de San Petesburgo y HollyShorts.

Golda fue estrenada en el Festival de Berlín de este año y, de inmediato, se resaltó la extraordinaria actuación que lograba Helen Mirren, una de las mejores actrices del cine contemporáneo. En Berlín, Mirren recibió en Oro de Oro a la trayectoria en 2019. Hace unas semanas, recibió el premio a la trayectoria en el festival de Jerusalén.

Muchos recordarán que Mirren ya ganó el Oscar y el Globo de Oro por The Queen (2006, Stephen Frears), filme con el que ganó la Copa Volpi en Venecia. Pero hay que recordar también que ha ganado dos veces en Cannes: Cal (1984, Pat O’Connor) y La locura del rey Jorge (1995, Nicholas Hytner).

Como otras recientes películas basadas en hechos reales (ojo, no necesariamente son biopics), Golda muestra una gran actuación (que se ve apoyada en el maquillaje y vestuario) pero adolece de profundidad en su guion y otros departamentos solo llegan a los niveles básicos de la corrección. Pienso en filmes sobre figuras políticas como Darkest Hours (2017, Joe Wright) y The Iron Lady (2012, Phyllida Lloyd). Curiosamente, a Meir su estilo de liderazgo le ganó el mote de “la dama de hierro” de Israel, donde ha sido la única mujer en alcanzar esa importante posición.

Dos párrafos sobre “cine histórico”. Cito al especialista Robert Rosenstone: “los historiadores debemos considerar un modo diferente de mirar las películas históricas. Un modo basado en la idea de que el cine histórico es, en sí mismo, una forma de hacer historia, siempre y cuando entendamos “hacer historia” como el intento de dar sentido al pasado.”

“No debemos esperar que acierten con los hechos, o que presenten las diferentes caras de un problema, o que traten de manera imparcial todas las pruebas de un asunto o a todos los personajes o grupos que aparecen en una situación histórica, o que contextualicen histórica y detalladamente un acontecimiento. Debemos dejar de anhelar que las películas se conviertan en el espejo de una realidad desaparecida que nos muestren el pasado tal y como fue. Las “películas históricas de ficción” no son, ni serán, nunca “precisas”, de la misma manera que los libros (dicen ser), independientemente del número de asesores históricos que se consulten para trabajar en un proyecto y la atención que se preste a sus recomendaciones.”

Vuelvo a Golda. El filme arranca con las audiciones de la Comisión Agranat, creada especialmente para averiguar las fallas en las Fuerzas de Defensa, o sea, un juicio informal del que Meir fue absuelta de toda culpa, y se concentra los días de la guerra desde el cuartel general de la Primera Ministra, en permanente contacto con el frente de guerra. Muestra los aspectos estratégicos de la contienda y abandona las aristas que pueden servir para profundizar en la riqueza dramática del personaje. Sabemos que es una fumadora empedernida y que necesita pastillas para levantarse a la pesadilla diaria de gobernar. Sabemos de las presiones internas de sus compatriotas y las presiones externas de los Estados Unidos y del estrés que la mata como veneno. Pero eso es todo lo que sabemos.

Esos vacíos del guion los llena la actuación de Helen Mirren, absolutamente maravillosa en el timing de sus líneas, en sus gestos corporales, en la astucia que esconde en su mirada perdida. Un personaje que es un regalo de los dioses para cualquier actriz que asuma su oficio con la seriedad y parsimonia de Helen Mirren.

 

Golda (2023). Dirección: Guy Nattiv; Guion: Nicholas Martin; Fotografía: Jasper Wolf; Edición: Arik Lahav Leibovich; Música: Dascha Dauenhauer; Elenco: Helen Mirren, Liev Schreiber, Lior Ashkenazi.

sábado, octubre 21, 2023

Princesa de Asturias 2023: el discurso de Meryl Streep.


(Reproducimos las palabras de agradecimiento de Meryl Streep, la mejor actriz en la historia del cine, a propósito de recibir el Premio Princesa de Asturias 2023.)

“Estoy muy feliz de estar aquí esta tarde, de figurar entre estos destacados galardonados, en esta hermosa sala donde, si escuchamos, puede que oigamos el eco de las voces de muchos de nuestros héroes del siglo XX y de este joven siglo nuestro. Es difícil para mí hacerme a la idea de que estoy aquí. Una parte de mí sospecha que, como he representado a personas extraordinarias toda mi vida, ¡ahora me toman por una de ellas!

Pero estoy realmente agradecida por este reconocimiento al arte de actuar –el trabajo de mi vida– cuya esencia sigue siendo un misterio incluso para mí. ¿Qué es lo que hacen realmente los actores? El intangible don de metamorfosis del actor es lo que hace que sea difícil cuantificarlo o medirlo. ¿Qué importancia tiene para nosotros? ¿Qué valor? Sé por mí misma, que cuando veo una actuación que me llama especialmente la atención, puede permanecer dentro de mí durante días, a veces décadas. Cuando siento el dolor o la alegría de otra persona, o me río de sus disparates, siento como si hubiera descubierto algo veraz, me siento más viva y conectada. ¿Conectada a qué, exactamente? A otras personas, a la experiencia de ser otra persona. ¿Cuál es la magia de esta conexión? La empatía es el corazón palpitante del don del actor. Es la corriente que nos conecta, a mí y a mi propio pulso, con el de un personaje de ficción. Puedo hacer que su corazón se acelere, o calmarlo, según lo requiere una escena.

Y mi sistema nervioso, conectado por simpatía al suyo, lleva esa corriente hacia usted que está sentado en su butaca, y hacia la mujer sentada a su lado, y hacia su amiga, también. Todos sentimos que nos está pasando al mismo tiempo. Por supuesto, es más fácil estar conectado emocionalmente con la vida de personas parecidas a nosotros.

Pero siempre me he sentido impulsada también a comprender ese otro instinto, contraintuitivo, que nos lleva a interesarnos por los extraños; esa capacidad imaginativa que tenemos para seguir las historias de personas ajenas a nuestra tribu como si fueran nuestras. En mi trabajo, me han criticado por alejarme demasiado de mi propia “experiencia vivida”, por alejarme demasiado de mi propia “verdad” e identidad. Todos esos acentos, ¿ya saben?

¿Pero es una impostura? ¿Querer abrazar el mundo? ¿Querer vagar, preguntarse o tratar de ver a través de tantos ojos de distintos colores y experiencias? ¿Quién soy yo, una buena chica de clase media de Nueva Jersey, para atreverme a meterme en la piel de la primera mujer primera ministra del Reino Unido? ¿O de una superviviente polaca del Holocausto?¿O de la árbitra del buen gusto en el mundo de la moda? Un gran artista español, Pablo Picasso, dijo: “Imitar a los demás es necesario. Imitarse a uno mismo es patético”.

Y otra gran artista española, Penélope Cruz, dijo: “¡No puedes vivir tu vida mirándote a ti mismo desde el punto de vista de otra persona!”

Pues bien: persevero a pesar de los críticos... Porque creo que el trabajo de un actor es invadir, encarnar vidas que no son como la suya. Porque la parte más importante de nuestro trabajo es hacer que cada vida sea accesible y sentida por el público: que está sentado en un pequeño teatro de Málaga o por streaming en cualquier parte del mundo.

Una regla que se enseña a los actores en las escuelas de arte dramático es que no debes juzgar al personaje que estás interpretando. Juzgar te hace quedar fuera de sus vivencias. El compromiso que adquieres cuando te pones en su lugar es mirar el mundo desde el interior de su cabeza. ¡El público juzgará! Tú defiendes su causa lo mejor que puedes.

Cuando nacemos nos identificamos con los demás, sentimos empatía y una humanidad compartida porosa. Los bebés lloran sólo con ver las lágrimas de otra persona. Pero a medida que crecemos, nos ponemos a reprimir esos sentimientos y a suprimirlos para el resto de nuestras vidas; a suplantarlos a favor de la autoprotección o de una ideología, y a sospechar y desconfiar de los motivos de los demás. Así llegamos a este triste momento de la historia.

En la universidad, diseñé el vestuario para una producción de la obra atemporal de Lorca, La casa de Bernarda Alba. En ella, una de las hermanas, Martirio, grita: “Pero las cosas se repiten. Yo veo que todo es una terrible repetición.”

Lorca escribió su apasionado obra dos meses antes de su propio asesinato, en vísperas de otro cataclismo. Que pudiera ver desde tan alto, que mirara con tanta distancia los acontecimientos que tanto amenazaban su vida, es extraordinario. Que pudiera expresar, a través de Martirio, una sabiduría que no lo salvaría, pero que sería una advertencia para el futuro, es un regalo para nosotros. Actuar en una obra como esta es prestarles a los muertos una voz que los vivos pueden oír. Es el privilegio de un actor y es su deber.

El don de la empatía es algo que todos compartimos. La misteriosa capacidad de sentarnos juntos, extraños en un teatro o cine a oscuras, y experimentar los sentimientos de personas que no se parecen a nosotros ni suenan como nosotros, es una capacidad que todos deberíamos llevar dentro de nosotros al volver a la luz del día.

La empatía puede ser una forma radical de acercamiento y diplomacia, igualmente útil en otros ámbitos de actividad. En este nuestro mundo cada vez más hostil y volátil, espero que podamos hacer nuestra otra regla que se enseña a todos los actores: lo importante es escuchar.

Gracias por escucharme, y gracias de corazón por este gran honor.”

viernes, octubre 20, 2023

“Los asesinos de la luna”, excelente filme de Martin Scorsese.

Consulto el Instagram de Francis Coppola y me encuentro con la siguiente afirmación: “Martin Scorsese es una persona maravillosa y el más grandioso director vivo del mundo”. Este humilde cronista, fanático de ambos realizadores, no tiene más remedio que aceptarla como verdad absoluta.

A Scorsese lo tengo en la categoría de Maestro (así, con mayúsculas), el director que más sabe de Cine (así, con mayúsculas) y el que mejor retrata el lado oscuro del alma americana, lo afirmo por enésima vez. Todo eso confluye para hacer posible Los asesinos de la luna, su nuevo filme, llamado a liderar la próxima Temporada de Premios.

Consulto el Instagram de Martin Scorsese y me encuentro con la siguiente declaratoria de intenciones: “Los asesinos de la luna era una película que tenía que hacer, una historia que tenía que contar. El reinado del terror de los Osage es una verdadera tragedia estadounidense y el hecho de que la historia no fuera ampliamente conocida antes de la publicación del libro de David Grann, solo profundizó los sentimientos de traición, abandono y desconfianza en la Nación Osage. Nunca habría considerado hacer esta película sin la cooperación y confianza de la Nación Osage. Nos recibieron en Oklahoma y comenzamos una colaboración notable que nunca ha terminado. Quería hacer una película que nos perteneciera a todos, trabajando juntos. Espero haberlo logrado.”

El hombre blanco confrontó a las comunidades nativas de lo que hoy es Estados Unidos de la manera más brutal y salvaje que le fue posible. La Nación Osage no fue la excepción y puede afirmarse que, contra los Osage, el hombre blanco utilizó todas las triquiñuelas de su arsenal. Armados de su Santísima Trinidad del Pecado (licor, apuestas, sexo) fueron especialmente feroces porque, a diferencia de otras comunidades indígenas, los Osage lograron un cierto desarrollo como comunidad organizada y disfrutaban de sus riquezas.

Lamentablemente, sus tierras escupían petróleo (se les llamó “los millonarios rojos”) y eso desató las más insaciables ambiciones del hombre blanco. Los asesinos de la luna, como sugiere su título, narra la masacre que se llevó a cabo en los primeros años del siglo XX en Fairfax (Oklahoma) donde decenas de indígenas Osage fueron asesinados, dando lugar al asombro del presidente Calvin Coolidge, quien envió una brigada del recién creado Buró Federal de Investigaciones (FBI) a indagar, dada la absoluta incompetencia y complicidad de las autoridades locales. Los incidentes eran poco conocidos hasta la publicación del libro Killers of the Flower Moon: the Osage Murders and the Birth of the FBI, de David Grann, en que se basa Los asesinos de la luna.

Lo interesante es que Scorsese, apoyado en el sólido guion que ha coescrito junto a Eric Roth, se monta sobre la estética del western clásico (es un admirador del trabajo de los grandes: John Ford y Howard Hawks, entre otros) y uno que otro clásico contemporáneo (El Padrino) para construir un thriller neonoir de denuncia social, que nos mantiene al borde del asiento por tres horas y media, tiempo que se pasa sin que nos demos cuenta.

Scorsese devela la conspiración que orquestó William Hale, al mejor estilo Corleone, utilizando a su sobrino Ernest Burkhart para todo tipo de fechorías, incluso conquistar a Mollie, como parte de un plan para quedarse con las propiedades de su familia. En ese sentido, Los asesinos de la luna se sirve de una estructura casi shakesperiana para exponer tantas intrigas, lealtades y, más que nada, traiciones.

Como es costumbre, un Maestro como Scorsese mueve la cámara a su antojo, edita con ritmo trepidante y hasta se permite incluir, muy respetuosamente, una que otra creencia Osage en forma de metáfora visual que eleva su narrativa al más alto nivel estético: la muerte siempre es un búho que se aparece en el lecho de muerte y enterramos a los muertos con joyas y frutas, para que puedan sortear los obstáculos del camino que les toca emprender. Por supuesto, el hombre blanco profana las tumbas para robarse las joyas.  

Destacar las atmósferas logradas por el mexicano Rodrigo Prieto, uno de sus colaboradores habituales en la dirección de fotografía: El irlandés, Silencio, The Audition, El lobo de Wall Street; y la formidable edición de Thelma Schoonmaker, alma gemela artística de Scorsese.

De hecho, el filme integra elementos de la época del cine mudo, con carteles incluidos y cierra con la estética de las radionovelas, acaso merecidísimo homenaje a los artistas de los efectos Foley. No puedo decir todo lo que quiero.

 

Scorsese y su actor fetiche, Robert De Niro. Todo comenzó con: Mean Streets (1973). Luego llegaron: Taxi Driver (1976), New York, New York (1977), Toro Salvaje (1980), El rey de la comedia (1982), Goodfellas (1990), Cabo del miedo (1991), Casino (1995) y El irlandés (2019). Cuando dos cineastas con semejante talento colaboran, los milagros se hacen posibles.

Scorsese y su nuevo actor fetiche, Leonardo DiCaprio. Todo comenzó con Pandillas de New York (2002). Luego llegaron: El aviador (2004), Infiltrados (2006), La isla siniestra (2010) y El Lobo de Wall Street (2013). Cuando dos cineastas con semejante talento colaboran, los milagros se hacen posibles. Y ya conocemos que tendrá una próxima colaboración: The Wager, basada en otra novela de David Grann.

Scorsese y su nuevo descubrimiento: Lily Gladstone. Puestos a revisar: Scorsese ha sido artífice del nacimiento de muchas estrellas de Hollywood, desde la Jodie Foster de Taxi Driver, pasando por la Cate Blanchett de El aviador (2005), hasta la Margot Robbie de El lobo de Wall Street. Hoy todos solo tenemos elogios para esta nueva estrella.

Scorsese le ha brindado una brillante plataforma a su elenco y la Temporada de Premios los recompensará. A ellos y a todos los que han hecho posible uno de los mejores filmes de 2023: Los asesinos de la luna.

 

Los asesinos de la luna (2023). Dirección: Martin Scorsese; Guion: Eric Roth y Martin Scorsese; Fotografía: Rodrigo Prieto; Edición: Thelma Schoonmaker; Música: Robbie Robertson; Elenco: Robert De Niro, Leonardo DiCaprio, Lily Gladstone, Brendan Fraser.  

miércoles, octubre 18, 2023

“Diáspora”: la inagotable búsqueda de Héctor Valdez.

Todos somos fruto y semilla que nos dispersamos, por voluntad propia o imposición del destino, a lo largo y ancho del planeta. En ese proceso, dejamos una huella, absorbemos realidades y nos transformamos en nuevos hombres y mujeres.

Diáspora, nueva propuesta de Héctor Valdez, nos sumerge en esa corriente de agua de mar que busca respuestas a los anacrónicos libros de texto, siempre incompletos porque han sido escritos desde la negación de la memoria, al amparo de los anacoretas de siempre. Siempre lo mismo: la historia la escriben los vencedores y lo que cuentan es lo que conviene a sus intereses.

Como buen trabajo documental, Diáspora nos presenta algunas respuestas, pero más importante aún, nos llena de preguntas. Las respuestas vienen dadas a partir de varios de los elementos comunes de todos los que emigran: la nostalgia, la música (que también incluye la oralidad) y los bailes de la madre tierra, vía los testimonios de algunos artistas, esos seres supremos que superan obstáculos y censuras, dictaduras y silencios y que, de alguna manera, se constituyen por sí mismos en ejemplos de migración enriquecedora.

Las palabras de artistas como Orlando Menicucci, Ada Balcácer, Julia Álvarez y Rey Andújar (entre otros muchos) conforman un material absolutamente necesario de conocer y valorar en el justo sentido de los logros alcanzados por ellos y por otros como Juan Luis Guerra y Michel Camilo, estos últimos incluidos en el libro que se ha editado recientemente, como obra complementaria al audiovisual.

Todos somos fruto y semilla, inagotables. En ese sentido, enriquecemos con nuestro adn los cuatro puntos cardinales y buscamos responder a las cuestiones esenciales, desde lo que conocemos de nuestra propia cultura y lo que reconocemos como importantes influencias de los que han ido llegando con los tiempos: este Caribe insular es mucho más que taínos, españoles y africanos.

Diáspora es ese necesario inventario de todo cuanto nos han aportado los que han llegado desde muy lejos y de todo lo que hemos llevado a otras tierras, empujados por las mismas historias de mudanzas y acarreos. Nos regocija que se siente la maduración como director de Valdez, que sabe imprimirle un buen pulso al relato. Se siente una nitidez conceptual de lo que se quiere contar, de lo que se retrata y cómo se retrata. Valdez presta especial atención a los detalles y la composición de cada cuadro de su filme, nos hace cómplices de su viaje y sus descubrimientos.

Diáspora construye un discurso que nos conduce a una epifanía inexpugnable: somos, a pesar de todos los pesares, mucho más dignos de los que nos han hecho creer, mucho más rebeldes y expresivos que nuestros antepasados y también podemos enarbolar la cultura como fórmula de resistencia y rebelión. ¡Enhorabuena! Ya era necesario.

 

Diáspora (2022). Dirección: Héctor M. Valdez; Guion: Gilberto Amado y Héctor Valdez; Fotografía: Llano; Edición: Gilberto Amado; Música: Sergio Jiménez Lacima; Elenco: Babacar Mbow, Orlando Menicucci, Ada Balcácer, Julia Álvarez, Rey Andújar.

martes, octubre 17, 2023

Disney celebra sus 100 años con cortometraje.


El gigante del entretenimiento Disney cumplió 100 años y para celebrarlo los estudios de la compañía estadounidense han compuesto un cortometraje de nueve minutos por el que desfilan todos sus entrañables personajes.

Desde el ratoncito Mickey hasta la princesa Elsa, pasando por el capitán Garfio, más de 500 héroes de Disney cobran vida en esta declaración de amor al estudio de animación.

Titulada Érase una vez un estudio, esta obra divertida y conmovedora combina imágenes digitales, dibujos a mano y tomas reales.

Fruto de dos años de trabajo, muestra a 543 personajes provenientes de 85 largometrajes y cortometrajes.

Todos ellos salen de los cuadros exhibidos en los pasillos de las instalaciones estadounidenses del grupo, para hacerse una foto de familia, después de la salida de los empleados. 

“Fue como armar el rompecabezas más grande de tu vida”, resume Trent Corey, codirector de esta proeza artística y tecnológica que involucró a más de cien personas, así como a antiguos animadores y 40 actores que regresaron a los platós especialmente para la ocasión.

“Queríamos que todos los personajes se parecieran y tuvieran exactamente la misma voz que en sus películas originales”, agrega el cocreador Dan Abraham.

Es un homenaje también a la animación tradicional, que fue reemplazada definitivamente por la 3D en 2011, con la película Winnie the Pooh.

“De los 543 personajes de la película, aproximadamente 450 están dibujados a mano”, con lápiz en papel, señala el dibujante Eric Goldberg, quien supervisó la parte en 2D de la película.

“No recuperamos nada de películas existentes”, ya sea en 3D o 2D, “así que técnicamente fue difícil”, concede.

La película rinde homenaje también a los aproximadamente 70 años de trayectoria del animador Burny Mattinson, fallecido en febrero, y al compositor de Mary Poppins, Richard Sherman, quien, a sus 94 años, revisitó la canción favorita de Walt Disney, Alimentar a los pajaritos.

“¡Todos querían estar involucrados!”, asegura Dan Abraham.

Conciertos, exposiciones, fiestas... el gigante del entretenimiento está multiplicando las celebraciones por su centenario, cuyo punto culminante será el estreno en noviembre de la película Wish, inspirada en los clásicos de Disney.

El 16 de octubre de 1923 es el día en que Walt Disney y su hermano Roy -que habían fundado los Disney Brothers Studios en un garaje de Hollywood- firmaron un contrato de distribución decisivo para sus “Alice comedies”, cortometrajes que seguían a una niña real en un mundo animado.

El ratón Mickey surgió más tarde, en 1928, como respuesta al control que obtuvo Universal sobre los derechos de su predecesor, Oswald el conejo afortunado, un personaje que cayó en el olvido.

La empresa californiana ha adquirido Pixar, Star Wars y Marvel en el siglo XXI y mantiene plataforma streaming Disney+.

lunes, octubre 16, 2023

Michael Caine se retira de la actuación.

Michael Caine, una de las mayores leyendas de la historia del cine, ha anunciado su retiro a los 90 años de edad. El anuncio lo hizo durante una entrevista con la BBC, declarando que “no paro de decir que me voy a jubilar. Pues ya lo estoy”.

El ganador en dos ocasiones del Oscar a mejor actor de reparto por Hannah y sus hermanas en 1987 y Las normas de la casa de la sidra en 1999, ha llegado a estar nominado cuatro veces más en su carrera al premio de mejor actor por sus papeles en Alfie (1967), La Huella (1973), Educando a Rita (1984) y El americano impasible (2002). Desde los años 60 y hasta la década de los 2000 estuvo al menos una vez por década nominado a un premio Oscar, una muestra de su excelencia como actor.

Caine ha estado en más de 150 las películas a lo largo de su carrera, participando también en televisión e incluso videojuegos. Su última película es The Great Escaper, junto a la también leyenda del cine británico Glenda Jackson, fallecida este pasado mes de junio al poco de finalizar el rodaje. Una película basada en hechos reales y que cuenta la historia de un veterano de la Segunda Guerra Mundial que se escapa de su residencia para asistir en Francia a las celebraciones del 70 aniversario del Día D.

Caine comenzó su carrera como actor en los escenarios a principios de la década de 1950, antes de debutar en el cine en 1956. Originalmente llamado Maurice Joseph Micklewhite Jr., adoptó el nombre artístico Caine de la película El motín del Caine (1954) y lo volvió legal.

Ha interpretado a agentes secretos, playboys, aventureros, maestros y asesinos; encarnó al espía británico Harry Palmer en cinco películas y su fama llegó después de su primera etapa en ese papel.

Sus personajes divertidos también le dieron mucha fama, y la siguiente gran oportunidad llegó en 1966, cuando se puso en la piel de un chofer promiscuo en la comedia romántica Alfie.

Junto a Sean Connery, protagonizó The Man Who Would Be King, un filme de aventuras de John Huston del año 1975 e interpretó a un periodista en Vietnam en la adaptación de Graham Greene The Quiet American, de 2002.

Para las nuevas audiencias, Caine ha sido Alfred, el fiel mayordomo de la trilogía Batman de Christopher Nolan, y ha estado en otras películas del director inglés como Inception, Dunkerque y Tenet.

Caine fue nombrado Comandante de la Orden del Imperio Británico en 1993 y Caballero en el año 2000. Sus habilidades actorales y su dedicación al arte de la actuación lo han convertido en un referente para generaciones de actores y amantes del cine.

sábado, octubre 14, 2023

Carlos Pumares (1943-2023).

Carlos Pumares, uno de los mitos más recientes del periodismo especializado en cine en España, murió a la edad de 80 años, tal y como anunció su familia en la cuenta de Twitter del comunicador. “Descanse en paz el más grande de los grandes del cine en España. Siempre fue, y desde hoy será, Polvo de Estrellas”, escribieron desde el perfil.

A pesar de que su formación fue totalmente distinta a la que luego fue su profesión -estudió Ciencias Físicas-, su pasión por el séptimo arte le hizo conectar directamente con el mundo de la comunicación. Colaboró con La Clave, de RTVE, debatiendo sobre distintas películas hasta que, en 1980, le surgió la gran oportunidad de presentar Polvo de Estrellas, el primer programa radiofónico dedicado exclusivamente al cine.

Rápidamente se convirtió en un éxito en la época y, pese a la cancelación del formato años más tarde, siguió vinculado al sector tanto en la televisión en Crónicas marcianas, pasando por la prensa escrita en el diario La Razón y por las cadenas autonómicas en Aragón TV. Una de sus frases más célebres fue “Sí, buenas noches. ¿Dígame?”, casi siempre entonada de forma desapacible.

Tanta era su pasión por la gran pantalla que no dudó en traspasarla para formar parte de ella. Apareció en FBI: Frikis Buscan Incordiar y en Torrente 3, además de ser el guionista de La casa de las chivasSeparación Matrimonial y El extraño amor de los vampiros. Finalmente, terminó colaborando también con la televisión de entretenimiento y llegó a aparecer en Sálvame y en Mira quién salta.

El comunicador nacido en Portugalete publicó también más de una decena de libros, entre los que se encuentran El secreto de Tristán Bantam: Cita en BahíaEl matrimonio perfectoTan cerca y tan lejos o El chalet de los geranios. Incluso llegó a ser protagonista de una biografía publicada en 2006 por Iván Reguera y Juan José Aparicio.

viernes, octubre 13, 2023

“The Eras Tour”, de Taylor Swift, desde ya en cines.

A través de la plataforma de Caribbean Cinemas de proyección de contenidos y eventos Cinema Events On The Big Screen, llega el concierto The Eras Tour, de la cantante Taylor Swift, con varias funciones en los días: 13, 14, 15, 19, 20, 21 y 22 de octubre, los boletos ya están disponibles para diversas tandas. Este exclusivo concierto se presentará desde el viernes 13 de octubre en más de 8,500 cines en 90 países, incluyendo a República Dominicana.

Las funciones se llevarán a cabo en once cines a nivel nacional, entre las que se incluyen las salas CXC con sonido Dolby Atmos de los cines Downtown Center, Galería 360 y Megaplex-10, así como en Cinemacentro Cibao, en la Plaza Internacional (Santiago).   

Además, para los seguidores de Taylor Swift más fieles, Caribbean Cinemas tendrá disponible el vaso y bucket de palomitas coleccionable en los cines donde se presentará el concierto. Los combos con el vaso de 32 onzas y el bucket de 85 onzas estarán disponibles desde este fin de semana. 

La gira de Swift, que comenzó en marzo, rompió récords en términos de asistencia e ingresos y la demanda para ver el concierto en cines se produce después de que muchos consumidores no pudieran conseguir entradas para ver The Eras Tour en vivo.  

The Eras Tour ha establecido un nuevo récord de recaudación en pre-venta para cines, superando los $100 millones de dólares.

Para más información y compra de boletos a través de nuestra App y página web www.caribbeancinemas.com

jueves, octubre 12, 2023

“0+”, desde el 12 de octubre en cines.

La película dominicana producida por Pop Entertainment, 0+ (Seropositivo), llega a las salas de cine de todo el país este jueves 12 de octubre, tras una gala premier encabezada por sus protagonistas y productores, Evelyna Rodríguez y Danilo Reynoso.

La obra cinematográfica de ficción, cuyo estreno oficial se llevó a cabo en Argentina, es un drama erótico inspirado en hechos reales protagonizado por Evelyna Rodríguez, Danilo Reynoso y Victorio D’Alessandro, bajo la dirección del argentino Bruno Musso, guion de Junior Rosario, y filmado entre Puerto Plata y Buenos Aires.

“Para nosotros es motivo de gran alegría y orgullo que 0+ finalmente llegue a territorio dominicano, luego por su recorrido por los mercados de España y Argentina. Es hermoso ver cómo se fusionan el tango y la bachata para contar una historia real, cruda, pero a la vez hermosa y esperanzadora; esperamos que el público la haga suya, se emocione y replique su vocación contra todo tipo de discriminación”, comentaron Rodríguez y Reynoso.

El filme narra la historia de dos dominicanos prósperos y residentes en Buenos Aires, Argentina, en los años 90, quienes viven las consecuencias del rechazo, prejuicio e ignorancia luego de ser diagnosticados con el VIH-SIDA.

0+ se une a la cartelera de producciones estrenadas por POP Entertainment como: La familia Reyna (2016), ganadora de 25 premios nacionales e internacionales, Guayabo (2021), ganadora del premio del público en España, y Rafaela (2022), estrenada en el festival de Cine de La India y ganadora de unos 12 premios nacionales e internacionales.

miércoles, octubre 11, 2023

“La Soga 3: Venganza”, desde el 19 de octubre en cines.

La tercera entrega de la película dominicana La Soga 3: Venganza llegará a las salas de cine del país el próximo 19 de octubre, bajo la dirección y producción de Manny Pérez.

Escrita y protagonizada por el actor dominicano, la película cuenta con las actuaciones de Félix Germán, Wilson Ureña, Anderson García, Ana Lapointe, Brenda Sánchez, Nelson Javier, Jordi Veras y Francisco Vásquez.

Trata del regreso a la República Dominicana del sicario “La Soga”, bajo un contexto políticamente turbulento, en busca de venganza. Armado con una memoria USB con los nombres de toda una red de corruptos, “La Soga” se embarca en un viaje clandestino donde rápidamente descubre que no debe confiar en nadie y decidido a revelar la verdad y hacer pagar a los responsables.

Originario de Baitoa, una de las locaciones del filme, Manny Pérez ha tenido una exitosa carrera como actor en Estados Unidos, donde ha participado en filmes como: Washington Hights (2002, Alfredo Rodríguez de Villa), Bella (2006, Alejandro Monteverde), El cantante (2006, León Ichaso) y Sonido de libertad (2023, Alejandro Monteverde); así como en series de la talla de: Luke Cage, Shots Fired, The Blacklist y Law & Order: Special Victims Unit. 

Siempre presente en el cine dominicano, Pérez ha tenido roles estelares en filmes como: El rey de Najayo (2012, Fernando Báez), Veneno (2018, Tabaré Blanchard) y Colao (2017, Frank Perozo), cuya secuela se estrena el próximo 30 de noviembre.

La Soga 3 fue filmada en marzo de 2022 en Santiago y Baitoa, y cuenta con la dirección de fotografía de Joseph Rodríguez y música de Carlos Martin Carle.  

Cabe destacar que La Soga 2, anterior entrega de la saga con la que Pérez debutó como director, está siendo transmitida en Estados Unidos, siendo la primera película dominicana en estrenar vía Unimax y Univisión, disponible a través de la plataforma Vix.

Además de proyectarse para el público dominicano, La Soga 3 tendrá un estreno en el teatro United Palace y, a partir del 12 de diciembre, estará vía streaming en plataformas con la distribuidora Freestyle Digital Media abarcando desde Apple TV hasta Amazon Prime.