María Castillo será reconocida en Paseo del Cine Downtown

Caribbean Cinemas y Downtown Center anunciaron la inmortalización de la actriz, directora y productora María Castillo en la quinta edición del Paseo de las Estrellas del Cine Dominicano, este 11 de noviembre.

Con más de cinco décadas de carrera, María Castillo es una de las figuras estelares de las artes escénicas dominicanas en cada una de sus múltiples vertientes que, además, incluye el rol de maestra.

Con un paso notorio y destacado en el cine, incluye en su trayectoria títulos por participación en El Padrino II, Pantaleón y las Visitadoras, Pasaje de Ida, Para Vivir o morir, Miriam miente y El proyeccionista, entre otras.

Su mayor aporte al cine dominicano se encuentra en la cantidad de actrices y actores sobresalientes en la pantalla dominicana que ha formado con sus enseñanzas del método de Stanislavski, en el cual se especializó en la academia más importante de Rusia, creada por el mismo maestro.

Cabe destacar que el Paseo del Cine cuenta con una junta honorífica compuesto por personalidades ligadas a la industria, los cuales ya se reunieron y seleccionaron las cuatri figuras que se van a homenajear. Estos son miembros de DGCine, Ministerio de Cultura, ProDominicana, Acroarte, Adopae, Adopresci y representantes de Downtown Center, quienes han seleccionado a los reconocidos de esta entrega.

Premios Gotham 2025: los nominados.

Una batalla tras otra lidera con comodidad en los Premios Gotham, el evento que inaugura cada año la temporada de premios de cine. La película de Paul Thomas Anderson suma seis nominaciones a pesar de la ausencia de Leonardo DiCaprio y Sean Penn. 

Oliver Laxe es uno de los cinco directores nominados, aunque Sirat se ha quedado fuera de la categoría internacional. Si pudiera te daría una patada sumó cuatro nominaciones, por tres de Un simple accidente y No hay otra opción, las cintas internacionales más nominadas.

Los nominados fueron seleccionados por comités de críticos de cine, periodistas, programadores de festivales y comisarios cinematográficos. Jurados independientes, compuestos por escritores, directores, actores, productores, editores y otros profesionales de la industria, determinarán a los ganadores.

Los ganadores se darán a conocer en una gala que se celebrará el 1 de diciembre en Nueva York.

Esta es la lista completa de nominados:

-Mejor Película

'Bugonia'

'East of wall'

'Familiar touch'

'Hamnet'

'Si pudiera te daría una patada'

'Lurker'

Una batalla tras otra

'Sorry, Baby'

'The testament of Ann Lee'

'Train dreams'

 

-Mejor Dirección

Mary Bronstein por 'Si pudiera te daría una patada'

Jafar Panahi por 'Un simple accidente'

Kelly Reichdhart por 'The mastermind'

Paul Thomas Anderson por 'Una batalla tras otra'

Oliver Laxe por 'Sirat'

 

-Mejor Película internacional

'Un simple accidente'

'No queda opción'

'Nouvelle Vague'

'Resurrection'

'Sound of falling'

 

-Mejor Interpretación protagonista

Jessie Buckley por 'Hamnet'

Lee Byung-hun por 'No hay otra opción'

Rose Byrne por 'Si pudiera te daría una patada'

Sopé Dìrísù por 'My father's shadow'

Ethan Hawke por 'Blue Moon'

Jennifer Lawrence por 'Die my love'

Wagner Moura por 'El agente secreto'

Josh O'Connor por 'The mastermind'

Amanda Seyfried por 'The testament of Ann Lee'

Tessa Thompson por 'Hedda'

 

-Mejor Interpretación de reparto

Benicio del Toro, por 'Una batalla tras otra'

Jacob Elordi, por 'Frankenstein'

Inga Ibsdotter Lilleaas por 'Valor sentimental'

Indya Moore por 'Father mother sister brother'

Wunmi Mosaku por 'Los pecadores'

Adam Sandler por 'Jay Kelly'

Andrew Scott por 'Blue Moon'

Alexander Skarsgård por 'Pillion'

Stellan Skarsgård por 'Valor sentimental'

Teyana Taylor por 'Una batalla tras otra'

 

-Mejor Interpretación revelación

A$AP Rocky por 'Del cielo al infierno'

Sebiye Behtiyar por 'Preparation for the next life'

Chase Infiniti por 'Una batalla tras otra'

Abou Sangaré por 'La historia de Souleymane'

Tonatiuh por 'El beso de la mujer araña'

 

-Mejor Dirección revelación

Constance Tsang por 'Blue Sun Palace'

Carson Lund por 'Eephus'

Sarah Friedland por 'Familiar touch'

Akinola Davies Jr. por 'My father’s shadow '

Harris Dickinson por 'Urchin'

 

-Mejor Guion adaptado

Park Chan-wook, Lee Kyoung-Mi, Jahye Lee, Don McKellar por 'No hay otra opción'

Paul Thomas Anderson por 'Una batalla tras otra'

Harry Lighton por 'Pillion'

Martyna Majok por 'Preparation for the next life'

Clint Bentley, Greg Kwedar por 'Train dreams'

 

-Mejor Guion original

Mary Bronstein por 'Si pudiera te daría una patada'

Jafar Panahi por 'Un simple accidente'

Kleber Mendonça Filho por 'El agente secreto'

Eva Victor por 'Sorry baby'

Louise Peter, Mascha Schilinski por 'Sound of falling'

 

-Mejor Película documental

'2000 Meters to Andriivka'

'BLKNWS: Terms & Conditions'

'My Undesirable Friends: Part I – Last Air in Moscow'

'The perfect neighbour'

'Put your soul on your hand and walk'

Premios Goya 2026: Luis Tosar y Rigoberta Bandini, presentadores.

Los Premios Goya 2026 ya tienen presentadores. El actor Luis Tosar y la cantante, compositora y actriz, Rigoberta Bandini, se subirán al escenario del Auditori Forum CCIB de Barcelona el próximo 28 de febrero para conducir la gala de la 40 edición.

El presidente de la Academia, Fernando Méndez-Leite, desveló la dupla elegida para ponerse al frente de los próximos Premios Goya. En un encuentro con los medios, Luis Tosar y Rigoberta Bandini resaltaron la “ilusión” y la “responsabilidad” con la que afrontan esta ceremonia y el “honor” de compartir juntos este reto, en el que esperan dejar su huella personal.

“Nos apetece que la gala sea dinámica, divertida y que proyecte lo que hacemos en nuestras películas”, declaró Tosar, que avanzó que la gran noche del cine español será un reflejo “de ese dinamismo y diversidad que hay en nuestro cine” y que, por supuesto, teniendo lugar en Barcelona no dejarán pasar la ocasión “de celebrar el cine catalán”.

A ambos les une la pasión por la interpretación y también por la música. “Los dos tenemos ganas de cantar, obviamente la música tenemos ganas de que esté”, confirmó Rigoberta Bandini sobre las propuestas que han puesto sobre la mesa en las primeras conversaciones creativas. “En Galicia saben que tengo un alma cabaretera, ojalá podamos explotar nuestros talentos por ahí”, le secundó Tosar.

Conscientes de que la gala es un show y un espectáculo televisivo de máxima audiencia, los presentadores apostaron por un formato, “que te haga reír y empatizar y que pueda conectar el que está al otro lado de la pantalla”, en palabras de la catalana, que cree que el espectador “agradece la naturalidad y la honestidad”. En este sentido, descartaron “encarnar cosas que no somos, no somos cómicos” y la artista señaló que quiere “jugar a favor de mi personaje y ser conscientes de qué podemos ofrecer”.

Comprometidos con aportar su granito de arena en lo creativo, tras las primeras conversaciones con el equipo de dirección de la gala, se mostraron felices de formar parte de este “trabajo colectivo”. Tosar confesó que sí se había proyectado presentando los Goya y que hubo tentativas anteriores, pero esta 40 edición ha sido la definitiva; mientras que para la catalana «este sueño no había computado, pero ahora que me ha venido, me voy a sumergir. Yo hasta ahora me había obsesionado con las actuaciones y ahora tengo que ver las galas no solo desde el punto de vista musical».

Ante la exposición mediática que supone presentar unos Goya, tienen claro qué sensación les quedará cuando se termine la ceremonia. “Si has trabajado duro, las críticas no te duelen. Obviamente no puedes gustar a todo el mundo, pero si nos dejamos la vida en que sea la gala que queremos hacer, desde la honestidad y nuestro trabajo, estaremos satisfechos”, afirmó Bandini. “No es una decisión fácil, pero partiendo de esta premisa inamovible, uno tiene que disfrutarlo al máximo”, corroboró el actor gallego.

Luis Tosar ha estado nominado 11 veces a los Premios Goya y lo ha ganado en tres ocasiones: un Goya a Mejor Actor de Reparto por Los lunes al sol y dos a Mejor Actor Protagonista por Te doy mis ojos y Celda 211. Es imposible imaginar un año de cine español sin una película interpretada por el prolífico actor gallego, ni una gala de los Goya sin su presencia como nominado o colaborando en la gala. El año pasado participó en el Bienvenidos que abrió la ceremonia, junto a Miguel Ríos.

La relación entre la cantante y compositora Rigoberta Bandini (alter ego de Paula Ribó) y el cine es muy estrecha. Logró el Goya a Mejor Canción Original en 2024 por Yo solo quiero amor, tema para la película Te estoy amando locamente, y el año pasado actuó en la ceremonia versionando El amor. La artista también es una reconocida actriz de doblaje y ha prestado su voz a numerosos personajes en series infantiles, filmes de animación y a actrices como Emma Stone, Shailene Woodley y Elle y Dakota Fanning.

Caribbean Cinemas reconocerá a 4 figuras del Séptimo Arte en el “Paseo del Cine Downtown”

Reforzando su compromiso con Séptimo Arte de la República Dominicana, Caribbean Cinemas y Downtown Center realizarán la quinta edición del Paseo de las Estrellas del Cine Dominicano, en la cual serán homenajeados cuatro talentos de la industria local el próximo 11 de noviembre.

El Paseo del Cine Downtown es un bulevar con estrellas ubicado en la explanada frontal del centro comercial Downtown Center en el sector de Bella Vista. Un espacio destinado como un homenaje a grandes profesionales del cine dominicano por su pasión, dedicación y entrega en cada uno de los proyectos de los que han participado.

Cabe destacar que el Paseo del Cine cuenta con un directorio honorífico compuesto por personalidades ligadas a la industria, los cuales ya se reunieron y seleccionaron las cuatro figuras que se van a homenajear. Estos son miembros de DGCine, Ministerio de Cultura, ProDominicana, Acroarte, Adopae, Adopresci y representantes de Downtown Center, quienes han seleccionado a los reconocidos de esta entrega.

Las entregas pasadas reconocieron el trabajo y trayectoria de Luisito Martí (póstumo), Raymond Pozo, Miguel Céspedes y Manny Pérez, en el 2016; María Montez (póstumo), Cheddy García, Archie López y Agliberto Meléndez, en 2017; Fernando Báez (póstumo), Nashla Bogaert y Frank Perozo en el 2018, así como de Pericles Mejía (póstumo), Judith Rodríguez, Manolo Ozuna, Laura Amelia Guzmán y Leticia Tonos, en 2023.

“Sugar Island”: el drama del batey.

El colonialismo que los imperios de Europa implantaron en América como método de explotación del hombre por el hombre ha dejado huellas imborrables en nuestra forma de ver y entender el mundo. De eso hace más de 500 años y todavía hoy se perciben esos mandatos de esquemas señoriales.

Sugar Island es el poderoso drama que ha construido Johanné Gómez Terrero que pone en evidencia lo poco que se ha avanzado en ese esquema de explotación vinculado a la producción de azúcar. Ayer eran negros esclavos, hoy son haitianos (o descendientes de haitianos) que no tienen quien los defienda de las injusticias históricas, de la indiferencia de los gobiernos, de la insoportable levedad de sus vidas.

Sugar Island, como era de esperarse, se desarrolla en un batey. Un batey que es igual a todos: se respira injusticia y desesperanza por todas partes y se constituye un espacio que construye su propio círculo de miseria, inexpugnable y mortal, por los siglos de los siglos.

Por supuesto, en el batey confluyen muchos universos: el de los dueños de todo, bastante preciso en sus metas de producción; el de los dueños de nada, los sobrevivientes que se ilusionan con conseguir su libertad; el del mundo de los misterios, siempre presentes para alimentar todo tipo de esperanzas, en deidades como Santa Marta, poderosa y protectora.

Gómez Terrero mezcla con una sabiduría poco habitual en nuestro cine estos universos y hasta se permite la licencia poética de recrear un grupo de poesía coreada en donde existió Boca de Nigua, uno que destacó por sus terribles condiciones. Lo interesante es que estos insertos no rompen con la narrativa dramática, necesaria para involucrarnos en el drama que se describe en Sugar Island. Un logro cinematográfico que destaca entre otras virtudes del filme.

El personaje central es Makenya (magnífica actuación de Yelidá Díaz), a través de cuya mirada percibimos el drama del batey como un entorno asfixiante. Ella es hija de una haitiana que nunca ha tenido documentos y un dominicano que solo puso el espermatozoide campeón y desapareció como por arte de magia. Si su madre es indocumentada, ella tampoco puede conseguir algún documento que le permita existir para el estado. El problema es que ha quedado embarazada, lo que implica punto final para su adolescencia y puntos suspensivos para su futuro.

Makenya acompaña a su abuelo cañero en sus protestas para que se reconozcan sus derechos cuando la mecanización del corte de caña amenaza con dejarlos en medio de la nada, sin nada material, como verdaderos desechos humanos inservibles para el sistema. Esa lucha contra los que lo controlan todo, a lo sumo será victoria pírrica, pero la dignidad y el decoro nunca han tenido precio.

Sugar Island puede verse, entonces, como un inventario de injusticias históricas en esta isla de azúcar, pero con una atractiva puesta en escena, producto del pulso y la sensibilidad con la que Gómez Terrero cuenta sus historias. Bastaría recordar sus anteriores trabajos: Bajo las carpas (2014) y el inquietante documental Caribbean Fantasy (2016), uno de los más auténticos trabajos que hemos visto sobre marginalidad.

Sugar Island debutó en la sección Venice Days del Festival de Venecia 2024, donde consiguió una mención de honor de la Fundación FAI, y desde entonces ha tenido un exitosísimo recorrido por festivales: Festival de Puerto Rico (mejor película), Festival de Marseille (premio mejor película y premio a la mejor actriz), Festival de Tokio (premio a la mejor dirección). Festival de Lima (premio a la mejor dirección), Festival de Taipei (gran premio del jurado), Fsetival de La Habana (premio Coral a la contribución artística), Festival de Málaga (Biznaga de Plata a la mejor fotografía), por solo mencionar algunos. Y merece, por mérito propio, figurar entre los mejores filmes dominicanos de los últimos años.

 

Sugar Island (2024). Dirección: Johanné Gómez Terrero; Guion: Johanné Gómez Terrero y María Abenia; Fotografía: Alván Prado; Edición: Raúl Barreras; Música: Jonay Armas; Coach de actores: Vicente Santos; Elenco: Yelidá Díaz, Juan María Almonte, Francis Cruz, Génesis Piñeyro.

“Sugar Island”, por Dominicana, en la “lista corta” a por el Goya Mejor Película Iberoamericana.

La Academia Española de Cine ha anunciado los títulos de los 15 largometrajes que competirán por la nominación a los Premios Goya 2026 en la categoría de Mejor Película iberoamericana.

Entre las prenominadas se encuentran: Sugar Island, de Johanné Gómez Terrero, enviada por Dominicana, Belén, de Dolores Fonzi, enviada por Argentina; La misteriosa mirada del Flamenco, de Diego Céspedes, que representa a Chile; o Un poeta, de Simón Mesa Soto y presentada por Colombia.

El resto de títulos que completan la lista de aspirantes a estar en la nominaciones –que previsiblemente se anunciarán al final de la primera quincena de enero–, son Bajo las banderas, el sol, dirigida por Juanjo Pereira (Paraguay); Banzo, de Margarida Cardoso (Portugal); Cuadrilátero, de Daniel Rodríguez Risco (Perú); El extraordinario viaje del Dragón, de Kaori Flores Yonekura (Venezuela); La piel del agua, de Patricia Velásquez (Costa Rica); La Virginia de los bolivianos, de Juan-Cristóbal Ríos (Bolivia); Los ahogados, de Juan Sebastián Jácome (Ecuador); Manas, de Marianna Brennand (Brasil); No nos moverán, de Pierre Saint Martin Castellano (México); Perros, de Gerardo Minutti Bonilla (Uruguay) y Querido Trópico, de Ana Endara (Panamá).

Festival de Londres 2025: los ganadores.

El BFI London Film Festival (LFF) cerró su 69ª edición con la proyección de 100 Nights of Hero, de Julia Jackman, y la entrega de los premios oficiales. El reconocimiento mayor fue para Lucrecia Martel por Nuestra tierra, que obtuvo el galardón a Mejor Película en la competencia oficial.

La película, primer largometraje documental de la realizadora argentina, aborda el asesinato del líder indígena Javier Chocobar en Tucumán y las consecuencias de la apropiación sistemática de territorios originarios. El jurado destacó su “profunda empatía y rigor cinematográfico y periodístico”, subrayando que Martel ofrece “un retrato para y sobre una comunidad indígena, otorgándole la justicia que los tribunales les negaron”.

El Premio Grierson al Mejor Documental fue para The Travelers, de David Bingong, centrado en la travesía de un grupo de migrantes cameruneses que arriesgan sus vidas cruzando el mar desde Marruecos hacia España. El propio director, también migrante, aporta una mirada íntima sobre la crisis humanitaria que enfrenta África y Europa.

La ópera prima premiada fue One Woman One Bra, de la cineasta keniana Vincho Nchogu, que narra la lucha de una mujer por conservar las tierras de su familia. El jurado elogió su habilidad para “moverse entre múltiples registros narrativos” y el uso del humor como vehículo de reflexión social.

En la categoría de cortometrajes, el premio recayó en Coyotes, de Said Zagha, historia de una médica palestina enfrentada a la violencia cotidiana en un puesto militar. El jurado destacó su “control narrativo” y su “capacidad para abrir una ventana silenciosa al miedo en contextos de ocupación”.

Además, el documental Always, del chino Deming Chen, recibió una mención especial por su retrato lírico de un joven poeta en el ámbito rural.

La edición 2025 del LFF concluyó con la premiere británica de 100 Nights of Hero, segunda película de Julia Jackman, adaptación del cómic de Isabel Greenberg. El elenco incluye a Emma Corrin, Nicholas Galitzine, Maika Monroe, Amir El-Masry, Richard E. Grant y Charli XCX.

Ganadores del BFI London Film Festival 2025
Mejor Película (Official Competition): Nuestra tierra, dirigida por Lucrecia Martel (Argentina)
Mejor Documental (Grierson Award): The Travelers, dirigida por David Bingong (Camerún)
Mejor Ópera Prima (Sutherland Award): One Woman One Bra, dirigida por Vincho Nchogu (Kenia)
Mejor Cortometraje (Short Film Award): Coyotes, dirigida por Said Zagha (Palestina)
Mención Especial del Jurado (Documental): Always, dirigida por Deming Chen (China)

Premios Platino 2026: 9 de mayo de 2026 en la Riviera Maya.

La Entidad de Gestión de Derechos de los Productores Audiovisuales (EGEDA) y la Federación Iberoamericana de Productores Cinematográficos y Audiovisuales (FIPCA), anunciaron la décima tercera edición de Premios PLATINO, galardón que reconoce, el talento, la creatividad y la diversidad de la industria iberoamericana.

En esta ocasión y con el apoyo de la Federación de Academias del Cine Iberoamericano (FIACINE) la celebración se llevará a cabo el 09 de mayo del 2026 en Xcaret, Riviera Maya en México, ampliando sus categorías con doce nuevos premios para 23 países iberoamericanos. 

En el ámbito cinematográfico, la nueva edición incorporará tres reconocimientos que ponen en valor disciplinas esenciales para la creación audiovisual: el Premio PLATINO al Mejor Diseño de Vestuario, el Premio PLATINO a los Mejores Efectos Especiales y el Premio PLATINO al Mejor Maquillaje y Peluquería. 

Por su parte, las producciones seriadas verán ampliado su espectro de galardones con la incorporación de nuevas distinciones que abarcan aspectos tanto técnicos como artísticos. Entre ellas se encuentran los reconocimientos a la Mejor Serie de larga duración para aquellas con más de 26 capítulos, a la Mejor Música Original, a las mejores direcciones de Montaje, Arte, Fotografía y Sonido, así como los premios al Mejor Diseño de Vestuario, a los Mejores Efectos Especiales y al Mejor Maquillaje y Peluquería en miniserie o teleserie.

Con esta ampliación, los Premios PLATINO refuerzan su compromiso con la promoción y el reconocimiento de todas las áreas que intervienen en la creación audiovisual, desde las más visibles hasta aquellas que, desde la técnica y el arte, contribuyen de manera decisiva a la excelencia de las producciones iberoamericanas.

En coherencia con los acuerdos establecidos con las cadenas que retransmiten la ceremonia, la organización ha diseñado un nuevo esquema de celebración que busca optimizar la estructura del evento y potenciar su atractivo televisivo. La entrega de los premios se desarrollará en dos eventos complementarios. Por un lado, la gala televisada reunirá las categorías:  Mejor Película Iberoamericana de Ficción, Mejor Película Documental, Mejor Película de Animación, Mejor Comedia, Mejor Ópera Prima, Mejor Dirección, Mejor Guión, las interpretaciones femeninas y masculinas en cine y series, la Mejor Miniserie o Teleserie de Ficción o Documental, Mejor Creador en Miniserie o Teleserie, Mejor Serie de larga duración y el Premio de Honor del Cine Iberoamericano.

Por otro lado, el resto de categorías serán anunciadas previamente a la Gala en un formato que se desarrollará en los próximos meses dando el protagonismo y reconocimiento a los ganadores.

Este nuevo formato permitirá reducir la duración de la ceremonia a aproximadamente dos horas, en lugar de las casi tres actuales, adaptándose a un formato televisivo ameno y dinámico sin renunciar a la visibilidad ni al protagonismo de ninguno de los profesionales reconocidos. En total, se entregarán 36 premios que abarcan todas las áreas del audiovisual iberoamericano, desde las categorías creativas hasta las técnicas.

Con esta renovación, los Premios PLATINO reafirman su propósito de celebrar el talento, la creatividad y la diversidad de la industria iberoamericana, al tiempo que se adaptan a las nuevas dinámicas televisivas y a los estándares internacionales de las retransmisiones en directo.

“Una batalla tras otra”, otra joya de Paul Thomas Anderson.

Paul Thomas Anderson es uno de los directores más estimulantes de Hollywood. No todo el mundo puede presumir en su filmografía títulos como Magnolia (1999), El hilo fantasma (2017) y Licorice Pizza (2022), por solo mencionar tres de mis favoritas.

América es una distopía con dos claros grupos en conflicto: una supremacía blanca, cuyo brazo político ocupa actualmente la Casa Blanca, y los French 75, unos rebeldes confundidos por hipnóticas ideologías, que justifican moralmente su “revolución”. Atrapados en el fuego cruzado, están los indocumentados de cualquier parte que llegan ilusionados por el Sueño Americano. Ese es el escenario que describe Vineland, la novela de Thomas Pynchon que Anderson ha adaptado de manera magistral. Recordemos que escritor y director ya tenían una previa colaboración, Puro vicio (2014), un filme que merece ser revisitado por quienes la han visto y por aquellos que nunca la oyeron mencionar.

Para entender la acidez del universo Pynchon, uno de sus personajes se llama Perfidia Beverly Hills. Para entender la acidez del universo Anderson: el título del filme cita la declatoria del grupo revolucionario The Weather Underground.

Una batalla tras otra sobresale por el formidable elenco que la protagoniza, empezando por tres ganadores del Oscar: Leonardo DiCaprio (El renacido), Sean Penn (Río místico, Milk) y Benicio del Toro (Traffic). Junto a ellos, brilla con luz propia la debutante Chase Infiniti, llamada a convertirse en una actriz de primer orden. DiCaprio sobresale con un personaje que es pura paranoia huyendo de sus enemigos y embarcado en la búsqueda de su hija adolescente, antes de que caiga en manos del enemigo. Con un sobretodo a cuadros, de alguna manera nos recuerda a Jack Nicholson en alguna película de Kubrick. Y ese no es el único guiño cinematográfico que Anderson se permite: también hay encuadres de El Padrino y otros clásicos. Penn, construye un personaje tan poderoso como las armas de fuego que maneja a la perfección. Del Toro siempre crea personajes únicos, como su senséi que cita a Juan Luis Guerra: “Tranquilo, Bobby, tranquilo”.

Anderson saca la mejor partida a su maravilloso elenco y formula un formidable ejercicio de realización cinematográfica: hay una persecución de autos en carretera desierta que nos remite al mejor Hitchcock. No hay que guardarse elogios, Una batalla tras otra es un filme que puede calificarse de excelente en todos los aspectos técnicos: fotografía, edición, musicalización (que incluye el Perfidia, del trío Los Panchos). En varios segmentos, es un thriller de acción con todas las de la ley.

Pero no olvidemos que es un filme de Paul Thomas Anderson y su especialidad es diseccionar con sentido crítico su sociedad, con humor negro como aderezo. En un mundo donde nada es lo que parece, Anderson se permite reflexionar sobre aspectos de nuestro diario vivir que hemos convertido en cosas “normales”: la despiadada persecución contra los indocumentados, por ejemplo, cuando se violan todos sus derechos humanos.

Nueva vez, Anderson nos sumerge en una atmósfera que cuestiona nuestra percepción de América, esa que fue la tierra de ir a pescar sueños y ahora es una pesadilla hostil que maltrata a quienes ilusiona.

Una batalla tras otra es una de las mejores películas de 2025 y uno de los principales títulos para la Temporada de Premios.

 Una batalla tras otra (2025). Dirección y guion: Paul Thomas Anderson, basado en la novela “Vineland”, de Thomas Pynchon; Fotografía; Michael Bauman; Edición: Andy Jurgensen; Música: Jonny Greenwood; Elenco: Leonardo DiCaprio; Sean Penn, Benicio del Toro, Chase Infiniti.

Carta de Woody Allen para Diane Keaton.

 (Woody Allen es uno de los pocos cineastas que defino como “imprescindible”. La reciente muerte de Diane Keaton, su musa y protagonista de Annie Hall, uno de mis filmes favoritos, lo ha motivado a escribir esta carta, que testimonia una de las más bellas historias de amor del siglo XX.) 

Es gramaticalmente incorrecto decir “la más única”, pero todas las reglas de la gramática —y supongo que de cualquier otra cosa— quedan anuladas cuando se habla de Diane Keaton. No hubo ni habrá nadie como ella: su rostro y su risa iluminaban cualquier lugar al que entrara.

Vi por primera vez su belleza espigada en una audición y pensé: si Huckleberry Finn fuera una joven hermosa, sería Keaton. Recién salida del condado de Orange, voló a Manhattan para actuar, consiguió trabajo como encargada del guardarropa y fue contratada para un pequeño papel en el musical Hair, en el que finalmente obtuvo el rol principal.

Mientras tanto, David Merrick y yo estábamos haciendo audiciones en el teatro Morosco para mi obra Sueños de un seductor. Sandy Meisner daba una clase de actuación y le habló a Merrick de una actriz prometedora que era increíble. Ella vino, leyó para nosotros y nos dejó boquiabiertos. Un pequeño problema era que parecía más alta que yo, y no queríamos que eso influyera en los chistes. Como dos chicos de escuela, nos pusimos espalda con espalda en el escenario del Morosco para medirnos. Por suerte éramos de la misma altura, y Merrick la contrató.

Durante la primera semana de ensayos no cruzamos palabra. Ella era tímida, yo era tímido, y con dos tímidos las cosas pueden volverse bastante aburridas. Finalmente, por casualidad, hicimos una pausa al mismo tiempo y terminamos comiendo algo rápido en un local de la Octava Avenida. Ese fue nuestro primer momento de contacto personal. El resultado fue que me pareció tan encantadora, tan hermosa, tan mágica, que empecé a dudar de mi cordura. Pensé: ¿puede uno enamorarse tan rápido?

Cuando la obra se estrenó en Washington D.C., ya éramos amantes. Por entonces le mostré mi primera película en privado y la preparé para lo que, según yo, era un desastre total, un fracaso absoluto. Ella vio Take the Money and Run que era muy divertida y muy original. Esas fueron sus palabras. Su éxito demostró que tenía razón, y desde entonces nunca volví a dudar de su juicio. Le mostré cada película que hice después de eso y llegué a preocuparme solo por su opinión.

Con el tiempo, empecé a hacer películas para una sola espectadora: Diane Keaton. No leía ninguna crítica y solo me importaba lo que ella pensara. Si le gustaba, consideraba la película un éxito artístico. Si no estaba del todo entusiasmada, intentaba usar sus observaciones para reeditarla y lograr algo que la dejara más conforme. Para entonces ya vivíamos juntos, y yo veía el mundo a través de sus ojos. Tenía un enorme talento para la comedia y el drama, pero también sabía bailar y cantar con emoción. Además, escribía libros, hacía fotografía, collages, decoraba casas y dirigía películas. Y, sobre todo, era una persona divertidísima.

A pesar de su timidez y de su personalidad modesta, tenía una confianza absoluta en su propio criterio estético. Ya fuera al criticar una de mis películas o una obra de Shakespeare, aplicaba el mismo nivel de exigencia. Si creía que Shakespeare se había equivocado, no importaba cuántos lo alabaran: ella seguía su propia impresión y no dudaba en criticar al Bardo.

Su sentido de la moda era, por supuesto, digno de admiración. Sus combinaciones vestimentarias rivalizaban con los inventos de Rube Goldberg: armaba conjuntos que desafiaban la lógica, pero siempre funcionaban. Con los años, su estilo se volvió más elegante.

Durante los pocos años que vivimos juntos, me enseñó muchísimo. Por ejemplo: antes de conocerla, nunca había oído hablar de la bulimia. Íbamos a los partidos de los Knicks y luego a Frankie and Johnnie’s a comer un bife. Se devoraba un sirloin, patatas, cheesecake de mármol y café. Luego, al llegar a casa, a los pocos minutos estaba tostando waffles o preparando un enorme taco de cerdo. Yo me quedaba ahí, atónito. Aquella actriz delgada comía como Paul Bunyan. Años después, cuando publicó sus memorias, habló de su trastorno alimentario; pero en ese momento yo solo podía pensar que nunca había visto a nadie comer así exceptuando un documental sobre ballenas.

Un detalle interesante: pese a su genio y su sensibilidad para el arte y el teatro (coleccionaba pinturas y fue una de las primeras en apreciar a Cy Twombly), Diane Keaton era una pueblerina, una chica sencilla. Debería haberlo notado desde el principio. Cuando empezamos a salir, yo la miraba a los ojos, a la luz de las velas, y le decía lo hermosa que era. Ella me miraba fijo y respondía: “¿Honest Injun?” (“¿De verdad, honesto piel roja?”). ¿Quién habla así, salvo alguien de una comedia de Our Gang?

Y luego estuvo la vez que me llevó a conocer a su familia por Acción de Gracias en su casa del condado de Orange: su madre y su padre, su hermana y su hermano, la abuela Keaton y la abuela Hall (¿abuela?), y un hombrecito extraño y desconocido que había conseguido el pavo gratis gracias a su sindicato. Después de la cena y de hablar de ferias y ventas de garaje, despejaron la mesa, repartieron monedas y todos, incluso yo, nos sentamos a jugar al póker de centavos. Jugábamos five-card stud y seven-card stud, pero las apuestas eran con monedas pequeñas. En ese tiempo yo era un gran aficionado al póker, acostumbrado a partidas grandes y jugadores disciplinados, así que ahí estaba yo, apostando y faroleando, intimidando a la abuela Hall y a la abuela Keaton por fondos de diez centavos. Keaton, la hija actriz, jugaba y apostaba con ferocidad, como si cada mano valiera mil dólares. Terminé siendo el gran ganador, con unos 80 centavos. No creo que las abuelas hayan querido volver a invitarme: pensaron que las estaba estafando.

Ese era el mundo de Keaton, su gente, su origen. Era asombroso que aquella hermosa chica de pueblo llegara a convertirse en una actriz premiada y en un ícono de la moda sofisticada. Tuvimos unos años personales maravillosos, y finalmente ambos seguimos caminos distintos. Por qué nos separamos solo Dios y Freud podrían explicarlo.

Ella siguió saliendo con hombres fascinantes, todos más interesantes que yo. Yo seguí intentando hacer esa gran obra maestra con la que aún sigo luchando, la última vez todavía lo intenté. Le bromeaba diciendo que terminaríamos como Norma Desmond y Erich von Stroheim: ella la estrella, yo su chofer. Pero el mundo se redefine constantemente, y con la muerte de Keaton se redefine una vez más.

Hace unos días, el mundo era un lugar donde existía Diane Keaton. Ahora es un mundo en el que no. Por lo tanto, es un mundo más gris. Aun así, quedan sus películas. Y su gran risa todavía resuena en mi cabeza.

Drew Struzan (1947-2025)

Puede que no reconozca su nombre, pero Drew Struzan fue el talentoso artista detrás de innumerables carteles icónicos de películas, desde la trilogía original de Star Wars y Regreso al Futuro o Blade Runner.

El icónico artista de carteles de cine Drew Struzan, quien dibujó y pintó la infancia de los amantes del cine, ha fallecido a los 78 años. Su familia ha revelado que ha muerto a causa del Alzhéimer que padecía.

"Drew era una fuerza de la naturaleza. Como un torbellino, no podía ser detenido, domado ni manipulado. Su poder nunca menguaba. Esta enfermedad le quitó el aliento. Ya no podía hablar su idioma en voz alta. Respetamos esa tenacidad, su capacidad de mantener encendida la llama interior que seguía ardiendo".

"Todos los días nutría su interés revisando las pinturas de aquellos a quienes siempre admiró. Van Gogh. Gauguin. Cézanne. Los impresionistas que lucharon diligentemente contra el status quo. Fue un honor para nosotros nutrir ese brillo. Por favor, tómate un momento para reflexionar sobre lo que te aportó. La vida debe estar llena de amor y belleza".

Entre las innumerables imágenes icónicas dibujadas y pintadas a mano que Struzan creó se encuentran los pósters originales de Star Wars, así como la trilogía de Regreso al Futuro, Blade Runner y los carteles de Indiana Jones.

Otras películas de renombre que utilizaron su arte incluyen Los Goonies, The Thing, Cadena Perpetua, E.T., Un Príncipe en Nueva York y Hellboy.

Tras completar el cartel de Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal, Struzan anunció su retiro en septiembre de 2008.

Salió de su retiro en 2012, cuando colaboró con Mondo para una portada de La Torre Oscura de Stephen King. En 2015, diseñó el cartel para el documental Batkid Begins: The Wish Heard Around The World y Star Wars: El Despertar de la Fuerza.

Su último cartel fue en enero de 2019, cuando diseñó tres carteles separados para la trilogía Cómo Entrenar a tu Dragón.

Diane Keaton (1946-2025)

La actriz estadounidense Diane Keaton, ganadora del Óscar en 1978 por su papel en Annie Hall, falleció en California a los 79 años, anunció un portavoz de la familia.

Keaton debutó en Hollywood con Amantes y otros extraños, en 1970. 

Su extensa filmografía incluye un papel en El Padrino, donde interpretó a la esposa de Al Pacino, y numerosos éxitos de Woody Allen, con quien mantuvo una gran amistad tras haber sido durante mucho tiempo su compañera, musa y actriz favorita. 

Su papel protagónico en la comedia romántica del director neoyorquino Annie Hall le valió el Premio de la Academia a la Mejor Actriz en 1978. 

Ganadora de dos Globos de Oro por Annie Hall (1978) y Something Gotta Give (2004), recibió otras 7 nominaciones por filmes como: Looking for Mister Goodbar, Reds (1982), Baby Boom (1988) y Manhattan Murder Mistery (1994). 

La actriz continuó actuando hasta mucho más allá de sus 70 años.

Destacó su participación en El club del libro, en 2018, donde interpretó a una jubilada, así como en Mejor que nunca, en 2019. 

En una entrevista con la prensa tras el estreno de Mejor que nunca, Keaton declaró que no pensaba en la vejez ni en la jubilación. 

«Y si nadie me vuelve a llamar para filmar, tengo un montón de aficiones que me apasionan y que ocupan mi tiempo», declaró. 

Siendo soltera y madre de dos hijos adoptados, también afirmó no arrepentirse de nada, incluida su vida personal. 

«Creo que soy una de las pocas mujeres solteras de mi edad que ha hecho películas sin casarse. ¿Quizás soy una anomalía?», bromeó la actriz, quien ha mantenido romances de larga duración con estrellas como Warren Beatty y Al Pacino. 

La actriz nació en 1946 con el nombre de Diane Hall, en Los Ángeles, un 5 de enero.

Le sobreviven sus dos hijos, Dexter y Duke.

En su último papel cinematográfico, en 2024, Diane Keaton coprotagonizó Campamentos de verano, con Kathy Bates y Alfre Woodard. 

 

Academia de Cine Europeo: Liv Ullmann, Premio a la Trayectoria.

Con motivo de la 38.ª edición de los Premios de Cine Europeo, el 17 de enero de 2026, y en reconocimiento a su singular contribución al mundo del cine, la Academia de Cine Europeo se complace en entregar a Liv Ullmann el premio EUROPEAN LIFETIME ACHIEVEVEMENT por su destacada trayectoria como actriz, directora y guionista.

Nacida en Tokio, Liv Ullmann creció en Canadá antes de mudarse a Noruega con su madre y su hermana. Tras su formación actoral, se unió finalmente al conjunto del Teatro Nacional Noruego en Oslo y ya era una actriz reconocida cuando conoció a Ingmar Bergman a mediados de los años 60. Trabajar con el director sueco, y junto a figuras como Bibi Andersson, Erland Josephson y Max von Sydow, le brindó a Liv Ullmann fama y reconocimiento internacional.

Ella es la actriz muda Elisabet Vogler en Persona (1966), la ex violinista Eva Rosenberg en Shame (1968) que le valió un premio Guldbagge sueco, y Maria, que visita a su hermana moribunda en Gritos y susurros (1972 que ganó un premio especial italiano David di Donatello.

En Escenas de un matrimonio (1974) interpreta a la esposa, Marianne, por la que fue nominada a un BAFTA y ganó un David di Donatello a la mejor actriz extranjera. Por su papel como la psiquiatra Jenny Isaksson en Face to Face (1976) fue nominada a un Oscar y un BAFTA.

En Sonata de otoño (1978), interpreta a una esposa, madre y cuidadora dedicada que, tras siete años de separación, invita a su madre, una pianista de fama mundial, a visitarla. Su actuación le valió otro David di Donatello italiano a la Mejor Actriz Extranjera. 

Ullmann también trabajó con Jan Troell en La tierra nueva (1972) y Los Emigrantes (1971), por las que fue nominada al Óscar, y con Mauro Bolognini en Despedida de Moscú (1987), por la que recibió otro David di Donatello.

La primera película de Liv Ullmann como directora fue Sofie (1992), sobre la vida de una mujer judía en Copenhague entre 1886 y 1907, con Karen-Lise Mynster, Erland Josephson y Ghita Nørby. A esta le siguieron una adaptación de la gran epopeya histórica de la premio Nobel Sigrid Undset, Kristin Lavrandatter (1995), ambientada en la Noruega del siglo XIV, y Confesiones privadas (1996). Esta última, escrita por Ingmar Bergman, retrataba un matrimonio fallido y protagonizada por Pernilla August y Max von Sydow.

“Frankenstein” recibirá el Premio Gotham Vanguard.

Frankenstein, la nueva película de Guillermo del Toro, recibirá el Premio Vanguardia en la 35ª ceremonia anual de premios Gotham Film Awards el 1 de diciembre en Cipriani Wall Street en la ciudad de Nueva York.

El Vanguard Tribute se creó para reconocer películas pioneras que traspasan los límites del cine a través de decisiones artísticas valientes. El evento honrará al cineasta junto con las estrellas de Frankenstein, Oscar Isaac y Jacob Elordi, por reimaginar la novela clásica de Mary Shelley.

Isaac interpreta al científico torturado Victor Frankenstein, quien se embarca en una búsqueda impulsada por su ego para traer nueva vida a este mundo, lo que resulta en la creación de Frankenstein, interpretado por Elordi.

«Frankenstein de Mary Shelley ha cautivado al público durante más de 200 años, y la adaptación épica de Guillermo del Toro nos recuerda por qué esta historia continúa perdurando», dijo en un comunicado Jeffrey Sharp, director ejecutivo del Gotham Film & Media Institute.

Sharp continuó: «Guillermo, Oscar y Jacob han creado algo realmente impresionante: una película que honra el legado literario y al mismo tiempo explora audazmente preguntas profundas sobre lo que significa ser humano. Su colaboración encarna la combinación de creatividad, talento y visión que el Gotham aspira a celebrar».

Mia Goth también protagoniza la película como Elizabeth, una devota hija, hermana y eventualmente esposa de Victor. Christoph Waltz se une al reparto, interpretando a Henrich Harlander, un rico fabricante de armas que financia los experimentos de Victor.

Del Toro tiene una larga trayectoria con The Gotham, habiendo sido homenajeado en 2006 con el director Alfonso Alfonso Currón y Alejandro González Iñárritu.

Isaac ha sido nominado tres veces por Gotham a Mejor Actuación. Elordi está siendo reconocido por Gotham por primera vez.

El escritor húngaro Laszló Krasznahorkai, Premio Nobel de Literatura 2025

Monólogos enfebrecidos, brotes de esquizofrenia dulces y humorísticos, suicidas kafkianos, reverendos bebedores, pandillas de adolescentes que son como manadas de lobos, demonios como de Bulgakov, paisajes distópicos como de Jodorowski y Moebius... De ese material están hechas las historias de László Krasznahorkai, el escritor húngaro que ha recibido el premio Nobel de Literatura 2025 que concede la Academia Sueca.

La candidatura al Nobel de László Krasznahorkai la presentó el escritor noruego Jon Fosse, ganador del premio en 2023. En conversación con la prensa, Fosse se ha declarado "muy contento de que Krasznahorkai haya recibido el Nobel". "En realidad, solo he leído una de sus novelas, Y Seiobo descendió a la Tierra, pero esa novela me causó una gran impresión y es una de las mejores novelas que he leído en muchos años. Sin duda leeré más novelas suyas, ya lo tenía planeado, y ahora tengo aún más ganas de hacerlo. Es una elección realmente acertada de la Academia Sueca", ha dicho Fosse.

Por su parte, el fallo del jurado del Nobel de Literatura se ha referido a la "obra convincente y visionaria que, en medio del terror apocalíptico, reafirma el poder del arte", según declaró Mats Malm, secretario permanente de la Academia Sueca.

Algunos datos sobre László Krasznahorkai. Nació en 1956, en el año de la invasión soviética sobre Hungría. Su primera novela, Tango satánico (1985) sólo apareció en el crepúsculo de ese edad de plomo, pero su formación estuvo marcada por ella. Aquel debut era una política-ficción que jugaba con la idea de un estado socialista que se derumbaba y se convertía en una distopía delirante llena de borrachos llenos de ironía y de antiguos informantes paranoicos a los que visita el diablo, nada menos. Tango satánico apenas tiene 300 páginas en su edición española, pero se convirtió en una película en blanco y negro de siete horas dirigida por Béla Tarr que ha queddo para la historia como uno de los sietemiles del cine europeo.

László Krasznahorkai contó en 2018, que Tarr ya le presionaba para filmar su novela cuando aún no la había terminado y que él lo rehuía. «Al final, me convenció. O le convencí yo a él, más bien. Siempre acabábamos haciendo la película que yo quería, pero con las ideas que él no sabía que tenía», dijo entonces el nuevo Nobel. "Recibimos mucha presión del gobierno comunista para no llevar adelante un proyecto tan crítico. Para que Béla no se matase, seguí escribiendo novelas y prometiéndole que le ayudaría a llevarlas al cine»..

En 1987, en vísperas de la caída de Berlín, László Krasznahorkai, se fue becado a Alemania y empezó una larga vida de escritor desterrado. La siguiente novela del Nobel de Literatura 2025, Melancolía de la resistencia (1989), amplió el territorio del escritor húngaro. Si Tango satánico era un texto básicamente expresionista, Melancolía de la resistencia tenía más que ver con el surrealismo, con la cultura popular y las verbenas, con el humor dadaísta, con el realismo mágico y con la fascinación por la música barroca. El punto de partida era el mismo, un mundo de plomo y deshumanizado en el que el más fuerte impone su ley. Los ciudadanos de Krasznahorkai son como ratoncitos que pelean por escalar en la rueda del estatus del Partido, hasta que un circo llega a su pueblo y abre las grietas que desvelan lo absurdo de su vida.

De nuevo, Béla Tarr filmó a Krasznahorkai e hizo una película de culto. Las armonías Werckmeister, cuyo título alude a Andreas Werckmeister, un compositor y teórico del siglo XVII que aparece en el quicio de la novela como una obsesión sacada de la historia del arte.

El hilo de Werckmeister lleva hasta Guerra y guerra, porque en su corazón también aparece un tesoro del pasado. György Korin un sacerdote bebedor y suicida, trabaja en soledad en un archivo en el que descubre un manuscrito que relata la campaña de guerra de cuatro hermanos. Con ese hallazgo, Korin entra en un tren fantasmagórico que lo deja abandonado en medio de una estepa vacía. Y allí lo asalta una banda de adolescentes atracadores que se convertirán en su coro griego.

Las novelas de Krasznahorkai son así, complejos engranajes como de relojería construidos con historias que se insertan en otras historias, que remioten a la gran literatura del siglo XX y a la tradición del carnaval y la cultura popular. Sus escenarios son solitarios, casi lunares, y sus personajes están al borde de la locura, pero también son chistosos y dulces. Hablan del absurdo cósmico pero también son zafios y graciosos.

"En realidad, yo no quería ser escritor; no quería ser nada", dijo Krasznahorkai en una entrevista que apareció publicada en 2024. "Siendo todavía muy joven rompí la relación con el mundo burgués del que provengo y descendí hacia las personas que vivían en lo más bajo de la sociedad e hice lo que hacían ellos: hice trabajos físicos. Todo eso sólo duró unos años, pero marcó profundamente mi vida futura. Después comencé a escribir un libro y luego, como no lo consideré perfecto, escribí otro y así sucesivamente. Y al final aquí estoy ". Ese año, el escritor húngaro había recibido el el Premio Formentor en las manos. "No puedo entregarlo a quienes corresponde: al príncipe Mishkin, a Josef K., a Don Quijote".

Krasznahorkai, tantas veces descrito como posmoderno, se explica a través de tres personajes clásicos en la literatura europea. Sus textos, en el fondo, son austeros, casi minimalistas para lo complejas que son sus historias.

El escritor húngaro sucede en el premio a la surcoreana Han Kang, que el año pasado fue la inesperada receptora del reconocimiento de literatura más importante del año. Los anteriores ganadores fueron Jon Fosse (2023), Annie Ernaux (2022) y Abdulrazak Gurnah (2021).