Lo mejor de 2020, según la NSFC.

La Sociedad Nacional de Críticos de Cine (NSFC, por sus siglas en inglés) ha seleccionado lo mejor del cine visto en USA durante el 2020.

Fundada en 1966, la NSFC se diferencia de otras asociaciones similares en que sus miembros son propuestos y elegidos por un comité y, habitualmente, representan a medios con su espacio propio en el mundo de la comunicación: The New Yorker, The Wall Street Journal, The Boston Herald, etc.

El pasado año fueron de los primeros en reconocer la calidad de Parásitos y siempre ha tenido espacio para los nuevos talentos y el cine independiente. Filmes como The Rider (2018), Lady Bird (2017), Moonlight (2016), Spotlight (2015) y Adiós al lenguaje (2014), forman parte de su historial de premiados.

Esta es la lista con lo mejor de 2020, según la NSFC:

– Mejor película: Nomadland de Chloé Zhao 

– Mejor dirección: Chloé Zhao por Nomadland 

– Mejor actor: Delroy Lindo por Da 5 Bloods 

– Mejor actriz: Frances McDormand por Nomadland 

– Mejor actor de reparto: Paul Raci por Sound of Metal

– Mejor actriz de reparto: Maria Bakalova por Borat 2 

– Mejor guion: Eliza Hittman por Nunca, casi nunca, a veces, siempre  

– Mejor fotografía: Joshua James por Nomadland  

– Mejor documental: Time de Garrett Bradley

- Mejor Película Extranjera: Collective (Rumania, Alexander Nanau)

Premios Film Heritage:

-Film Comment, fundada en 1962 (actualmente en receso) y la más importante revista americana de cine.

-Brattle Theatre en Cambridge, MA, por mantenerse desde 1953 proyectando cine de arte.

Los monstruos de Universal disponibles de forma gratuita.

Los Universal Monsters han logrado mantenerse por décadas como unas de las figuras más importantes en la historia del cine de horror y, dicho sea de paso, la cultura popular, marcando a generaciones de cineastas que se han visto marcados e influenciados por la estética tan especifica en estas producciones.

Aquellos que deseen experimentar de nuevo estas icónicas cintas o que deseen adentrarse por primera vez en ellas están de suerte, pues YouTube pondrá a disposición de los cinéfilos un canal en las que algunas de las producciones más emblemáticas estelarizadas por grandes estrellas del ayer como Bela Lugosi y Boris Karloff estarán disponibles. 

A partir del día 15 de enero, una selecta gama de producciones estará disponible de manera completamente gratuita durante una semana, presentando a quien guste la posibilidad de comprar una copia digital con un precio de promoción especial.

Drácula (1931) y The Mummy (1932) estarán disponibles a partir del día 15. El 16 se sumarán Frankenstein (1931) y The Bride of Frankenstein (1935), cerrando el día 17 con una función triple: The Invisible Man (1933), The Wolf Man (1941) y la comedia de horror Abbott and Costello Meet Frankenstein (1948). 

Luego del fracaso comercial y taquillero que resultó The Mummy en 2017, cinta en la que Tom Cruise además de actuar ejerció como productor, Universal Pictures habría abandonado completamente sus planes de realizar el Dark Universe, el cual pretendía construir un universo compartido con algunos de sus monstruos clásicos.

Nombres como Johnny Depp, Russell Crowe y Javier Bardem estaban involucrados en proyectos que fueron inmediatamente cancelados. El siguiente proyecto, un reboot de Bride of Frankenstein, habría sido enteramente pospuesto y, hasta el momento, se cree que ha sido descartado. 

El estudio habría renovado el interés por estos personajes gracias al gran éxito de The Invisible Man el año pasado, aunque abandonarían la ambición de crear un universo expandido para centrarse en reboots modernos independientes entre sí.

Karyn Kusama habría sido fichada para una nueva versión de Drácula, mientras que el guionista David Koepp mantiene en desarrollo su propia versión de Bride of Frankenstein, además de que Leigh Whannell ya está desarrollando un reboot de The Wolf Man con Ryan Gosling como protagonista.

“Liborio” tendrá su estreno mundial en Rotterdam.

El largometraje Liborio, tendrá su estreno mundial en la competencia principal del Festival Internacional de Cine de Rotterdam, a celebrarse del 1 al 7 de febrero de 2021.

El Festival de Rotterdam es el primer gran festival del año de los llamados Clase A y es uno de los mercados más importantes de la industria audiovisual internacional. Esta edición que celebra su 50 aniversario, tendrá a la película dominicana compitiendo por el tigre que da nombre a la prestigiosa Tiger Competition.

Liborio es la ópera prima del dominicano Nino Martínez Sosa, bajo la producción de Fernando Santos Díaz y en coproducción con Puerto Rico y Qatar. La película es un acercamiento autoral a la comunidad que se generó alrededor de la figura de Olivorio Mateo y al mito que surgió con su muerte. 

Liborio es interpretado por el destacado actor Vicente Santos, acompañado de Karina Valdez, Ramón Emilio Candelario, Fidia Peralta, Anderson Mojica y el norteamericano Jeffrey Holsman, quien interpreta al capitán Williams.

Nino Martínez Sosa estudió cine en la EICTV de Cuba y luego emigró a España, donde comenzó una extensa carrera como cineasta. Ha trabajado en diferentes países, en numerosas producciones multipremiadas. 

Los productores se han asociado con Pluto Film, compañía alemana que se encargará de las ventas internacionales y desean agradecer el apoyo recibido con la Ley de Cine de la empresa BHD León, así como también a Autohaus, Banco Ademi, Motor Crédito, Grupo Cometa, La Innovación y Ravi Caribe.

La película ha recibido el apoyo de desarrollo y producción del Fondo Iberoamericano Ibermedia y del concurso público anual del Fondo de Promoción Cinematográfica (FONPROCINE) de la DGCine, más el fondo de posproducción del Doha Film Institute.

Las 80 películas mejor dirigidas, según DGA.

El Gremio de Directores de USA (DGA, por sus siglas en inglés) está de cumpleaños. Para celebrar su 80 aniversario, la organización ha escogido las películas mejor dirigidas de la historia.

En la encuesta han participado 2.189 miembros del gremio que han escogido un total de 80 películas. Los directores que más películas tienen en la lista son: Stanley Kubrick (5), Steven Spielberg (4) y Alfred Hitchcock (4). Llama la atención que entre todas las películas, sólo hay una dirigida por una mujer: En tierra hostil, de Kathryn Bigelow.
Esta es la lista de las 80 películas mejor dirigidas, según DGA:
1. El Padrino (Francis Ford Coppola 1972)
2. Ciudadano Kane (Orson Welles 1941)
3. Lawrence de Arabia (David Lean 1962)
4. 2001: Una Odisea en el Espacio (Stanley Kubrick 1968)
5. Casablanca (Michael Curtiz 1942)
6. El Padrino: Parte II (Francis Ford Coppola 1974)
7. Apocalypse Now (Francis Ford Coppola 1979)
8. La Lista de Schindler (Steven Spielberg 1993)
9. Lo que el viento se llevó (Victor Fleming 1939)
10. Goodfellas (Martin Scorsese 1990)
11. Chinatown (Roman Polanski 1974)
12. El Mago de Oz (Victor Fleming 1939)
13. Toro Salvaje (Martin Scorsese 1980)
14. Tiburón (Steven Spielberg 1975)
15. ¡Qué bello es vivir! (Frank Capra 1946)
16. Dr. Strangelove (Stanley Kubrick 1964)
17. Cadena Perpetua (Frank Darabont 1994)
18. El Graduado (Mike Nichols 1967)
19. Guerra de las galaxias (George Lucas 1977)
20. Blade Runner (Ridley Scott 1982)
21. La Ley del Silencio (Elia Kazan 1954)
22. Pulp Fiction (Quentin Tarantino 1994)
23. E.T. (Steven Spielberg 1982)
24. Annie Hall (Woody Allen 1977)
25. Salvar al Soldado Ryan (Steven Spielberg 1998)
26. Los Siete Samurai (Akira Kurosawa 1954)
27. La Naranja Mecánica Stanley Kubrick 1971)
28. En Busca del Arca Perdida (Steven Spielberg 1981)
29. Vértigo (Alfred Hitchcock 1958)
30. El crepúsculo de los dioses (Billy Wilder 1950)
31. Matar a un ruiseñor (Robert Mulligan 1962)
32. Psicosis (Alfred Hitchcock 1960)
33. Centauros del Desierto (John Ford 1956)
34. Forrest Gump Robert Zemeckis 1994)
35. Cantando bajo la lluvia (Stanley Donen, Gene Kelly 1952)
36. 8 ½ (Federico Fellini 1963)
37. El Tercer Hombre (Carol Reed 1949)
38. Los mejores años de nuestras vidas (William Wyler 1946)
39. La Ventana Indiscreta (Alfred Hitchcock 1954)
40. El puente sobre el río Kwai (David Lean 1957)
41. Con la muerte en los talones (Alfred Hitchcock 1959)
42. Atrapado sin salida (Milos Forman 1975)
43. Sonrisas y Lágrimas (Robert Wise 1965)
44. Taxi Driver (Martin Scorsese 1976)
45. Titanic (James Cameron 1997)
46. El Resplandor (Stanley Kubrick 1980)
47. Amadeus (Milos Forman 1984)
48. Doctor Zhivago (David Lean 1965)
49. West Side Story (Jerome Robbins, Robert Wise 1961)
50. Some Like It Hot (Billy Wilder 1959)
51. Ben-Hur (William Wyler 1959)
52. Fargo (Ethan Coen, Joel Coen 1996)
53. El Silencio de los inocentes (Jonathan Demme 1991)
54. El Apartmento (Billy Wilder 1960)
55. Avatar (James Cameron 2009)
56. En Tierra Hostil (Kathryn Bigelow 2008)
57. El Tesoro de Sierra Madre Madre (John Huston 1948)
58. Birdman  (Alejandro G. Iñárritu 2014)
59. Eva al Desnudo (Joseph L. Mankiewicz 1950)
60. El Cazador (Michael Cimino 1978)
61. Pozos de Ambición (Paul Thomas Anderson 2007)
62. El Golpe (George Roy Hill 1973)
63. Pandilla Salvaje (Sam Peckinpah 1969)
64. Alien (Ridley Scott 1979)
65. Rocky (John G. Avildsen 1976)
66. El Conformista (Bernardo Bertolucci 1970)
67. Gandhi (Richard Attenborough 1982)
68. El Ladrón de Bicicletas (Vittorio De Sica 1948)
69. Cinema Paradiso (Giuseppe Tornatore 1988)
70. Brazil (Terry Gilliam 1985)
71. Las uvas de la ira (John Ford 1940)
72. Todos los hombres del presidente (Alan J. Pakula 1976)
73. Barry Lyndon (Stanley Kubrick 1975)
74. Sed de mal (Orson Welles 1958)
75. Érase una vez en América (Sergio Leone 1984)
76. Sin Perdón (Clint Eastwood 1992)
77. Sospechosos habituales (Bryan Singer 1995)
78. Network (Sidney Lumet 1976)
79. Rashomon (Akira Kurosawa 1950)
80. Once Upon a Time in the West (Sergio Leone 1968)

2021: una larga lista de estrenos para Hollywood.

Hollywood tiene una lista de estrenos que tendrá que programar a lo largo del 2021. Si la vida siguiera siendo analógica, torres y torres de celuloide se amontonarían en sus almacenes esperando el momento de llegar a los cines.

Ahora la realidad es digital, pero el problema es el mismo: La pandemia obligó a posponer la gran mayoría de superproducciones de 2020, que deberán buscar su hueco en un 2021 muy esperado por los cinéfilos.

No Time To Die, la última aventura de James Bond aplazada desde la primavera pasada, la cuarta entrega de Matrix, el debut de Lebron James en la secuela de Space Jam, la nueva versión de Dune y el regreso de Wes Anderson son solo algunos de los estrenos planeados para el nuevo año, una temporada que nace bajo una gran incertidumbre y en la que nadie sabe cuándo será seguro volver a abarrotar los cines.

¿Veremos la nueva “West Side Story” en el cine o en nuestras casas? La revisión del mítico musical podría tener asegurada su proyección en la gran pantalla porque no se estrenará hasta diciembre, pero el camino no está igual de despejado para No Time To Die (abril), Black Widow (mayo), Fast and Furious 9 (mayo) o Jurassic World: Dominion (junio).

Para arrojar un poco de luz en este laberinto, Warner Bros. ha sido el estudio más rápido en mover ficha, pues a lo largo de 2021 y hasta que el coronavirus dé tregua todas sus películas se estrenarán a la vez en cines y en “streaming”. Un golpe prácticamente mortal para las salas con el que se ha asegurado que dará salida a sus filmes.

Hasta ahora ningún estudio, salvo Netflix, se había atrevido a estrenar al mismo tiempo una superproducción en cines e internet. Se respetaba escrupulosamente la famosa “ventana de distribución” en la que las cintas esperaban tres meses antes de llegar al mercado doméstico. Pero el pasado 25 de diciembre todo cambió: Disney y Pixar lanzaron directamente por la plataforma Disney+ Soul, una de las películas de animación del año, y Warner Bros. estrenó Wonder Woman 1984 por HBO Max.

La estrategia de los primeros fue puntual, la de los segundos supuso la inauguración del método por el que HBO Max acogerá todas las películas del estudio en 2021: “Godzilla vs. Kong”, “In the Heights”, “Space Jam: A New Legacy”, “The Suicide Squad”, “Dune” y “Matrix 4”, entre otras.

El mismo día que lleguen a los cines, estarán disponibles en el servicio de “streaming” durante 30 días. Lo curioso es que, ya comenzado el 2021, HBO Max sigue siendo un producto exclusivo de EE.UU. que tiene previsto inaugurarse en Europa y Latinoamérica a lo largo del año, pero ya se ha garantizado una promoción descomunal para robar algo de mercado a Netflix.

En la otra cara de la moneda está Disney. El gigante del entretenimiento ha sido menos drástico y sigue apostando fuerte por los cines. De momento solo ha estrenado Mulan y Soul a través de Disney+. Y por la primera había que pagar 30 dólares como cargo extra. Su próxima película, “Raya and the Last Dragon”, seguirá el modelo de “Mulan” en marzo y a partir de ahí ya se analizará el resultado.

De momento, los fanáticos de Marvel verán Black Widow (mayo) y The Eternals (noviembre) en el cine, según los planes de la compañía. También la visita de Pixar a la Riviera Italiana con Luca (junio) y el viaje a Colombia de Encanto (noviembre) mantienen su estreno exclusivo en la gran pantalla. Lo mismo que el Jungle Cruise (julio) de Dwayne Johnson y Emily Blunt

Plataformas sí, plataformas no, la obsesión de Hollywood por dar nueva vida a sus clásicos seguirá intacta. En 2021 llegará una nueva versión de West Side Story bajo la dirección de Steven Spielberg y no será la única joya del séptimo arte que se renovará.

Tras “Blade Runner 2049”, Denis Villeneuve volverá a los clásicos de la ciencia-ficción con una nueva Dune protagonizada por Timothée Chamalet, Zendaya, Oscar Isaac, Jason Momoa, Javier Bardem y Charlotte Rampling.

Incluso Tom Cruise regresará a “Top Gun” más de 30 años después de su estreno con una secuela de la película ochentera por antonomasia, con Maverick.

Y fuera de “remakes” aún quedará espacio para continuaciones de sagas como “Ghostbusters”, “Jurassic World”, “Fast and Furious”, “Matrix”, “Minions”, “James Bond” y “Tomb Raider”.

Más allá del circuito comercial, en febrero será el turno de Frances McDormand con “Nomadland”, cinta que ha recibido los halagos de los críticos que ya la han visto y que suena como favorita para los Oscar.

“The Kings Man” llegará en marzo mientras aún no hay fecha para volver a adentrarse en los universos pintorescos de Wes Anderson con “The French Dispatch”, aunque probablemente será antes de que el “biopic” sobre Elvis Presley de Baz Luhrmann arrebate el protagonismo en otoño.

Nunca, casi nunca, a veces, siempre: excelente filme de Eliza Hittman.

Autumn tiene 17 años y está embarazada. Está absolutamente convencida de que quiere interrumpir su embarazo y para eso debe viajar desde Pensilvania hasta Nueva York. Esta es la poderosa premisa que presenta la guionista y directora Eliza Hittman en Nunca, casi nunca, a veces, siempre, su tercera película y uno de los mejores títulos indies de 2020.

De hecho, el filme debutó en el Festival de Sundance, donde consiguió el Premio Especial del Jurado. Semanas más tarde, en el Festival de Berlín se alzó con el Oso de Plata del Gran Premio del Jurado. Aparece en casi todas las listas (incluyendo la de Pedro Almodóvar) como uno de los mejores filmes del año y, de seguro, conseguirá varios trofeos en la próxima Temporada de Premios.

Es simple: Hittman ha construido un drama desgarrador de la traumática experiencia del aborto para una adolescente que apenas consigue comunicarse con su mamá. De su papá, no tenemos la menor pista, brilla por su ausencia. Para ello, la directora ha empleado recursos mínimos: prácticamente dos adolescentes permanecen en pantalla todo el tiempo (sobretodo Sidney Flanigan, anoten su nombre para cuando lleguen las nominaciones) que se reparten el peso dramático del filme, el peso del secreto compartido y el peso del viaje hasta las entrañas de la Gran Manzana, en un ejemplo de extraordinaria sororidad, expresada en eternos apretones de manos.

Este viaje no es una fiesta. No hay postales de Central Park, ni la Quinta Avenida. Nueva York es una ciudad fría, oscura, sucia, deprimente que se engulle a estas víctimas abandonadas a su propia suerte, entre los vagones del subway. Frente al mínimo calor que proviene del confort de una ciudad pequeña, se opone la metrópolis que nos despersonaliza, en la que somos un número de seguridad social y en la que nadie ofrece nada a cambio de nada.

Hittman persigue a sus protagonistas, pero no las acosa. Nos convierte en testigos excepcionales de la indiferencia con la que se pasean entre túneles, entre rutas hacia ninguna parte, ese duro camino de la desesperanza tan brutal como inexpugnable.

Hittman tampoco se permite juicios morales: simplemente denuncia la inequidad del sistema de salud de Estados Unidos, cuyos funcionarios son muy amables y competentes, pero tienen la terrible tarea de hacer las preguntas pertinentes, cuyas devastadoras respuestas se enmarcan en las opciones que describe el título. No quiero imaginarme lo que será en Dominicana, en donde permanecemos en la Edad Media con relación a ese tema. Es la virtud del cine independiente: como no hay ninguna major cuidando su cuantiosa inversión ante el temor de que el filme sea rechazado por el gran público (o que el tema no resulte de su agrado) e incluso deben aparecer en la lista de prohibidos de los sectores más conservadores de esa nación.

A lo largo del filme se respira un aire a Cinema Verité que, por supuesto, está alejado del despropósito fílmico de Hollywood. Este filme está hecho con la intención de mostrar una realidad que no resulta placentera para nadie. Para eso se necesita el valor y la osadía de desafiar los estándares de “lo soportable” para Hollywood. Por supuesto, no se trata de mostrar, se trata de “hacer sentir” y Hittman cumple a plena cabalidad con su propuesta.

Nunca, casi nunca, raras veces, siempre es un filme que no permite la indiferencia como respuesta. O lo amas o lo odias. Pero, más allá de las subjetividades de cada quien, abre las posibilidades para conversar sobre uno de los problemas más terribles que enfrentan las jóvenes del siglo XXI.

Voy más lejos: Nunca, casi nunca, raras veces, siempre es una de esas películas destinadas a crecer conforme pasa el tiempo. Destinada a ser debatida (y comprendida en toda su extensión) tan pronto nos recuperamos del estupor. El problema es que mucha gente tarde años en ese proceso.

Pero nadie, absolutamente nadie puede rebatirle que es uno de los mejores títulos del pandémico 2020.

 

Nunca, casi nunca, raras veces, siempre (2020). Dirección y guion: Eliza Hittman; Fotografía: Hélène Louvart; Edición: Scott Cummings; Música: Julia Holter; Elenco: Sidney Flanigan, Talia Ryder, Théodore Pellerin.

TENET, lo nuevo de Christopher Nolan.

De entrada, debo admitir que Christopher Nolan me parece uno de los directores contemporáneos más estimulantes de ver, dada la riqueza visual de su particular estética.

Nolan es lo más cercano que puedo imaginar a hacer cine de autor patrocinado por Hollywood. TENET, por ejemplo, costó $200 millones de dólares y sus propios productores admiten que no entienden muy bien algunos detalles de su línea argumental.

Eso no es nuevo en Nolan. De hecho, TENET completa una trilogía sobre percepciones, sueños y paradojas. Todo comenzó con El Origen (2010), continuó con Interestelar (2014) y ahora TENET, filme que se consideró como el as bajo la manga de los exhibidores para que el público regresara masivamente a las salas de cine.

El problema está en que Nolan no cede un ápice en sus maravillosos delirios y juega con las posibilidades dramáticas de eso que llamamos “realidad” y nuestra “percepción de la realidad”, que puede ser muy distinta. Como es un concepto tan debatible, creemos firmemente en nuestra percepción. Esa es la brecha que aprovechan los magos profesionales y los buenos cineastas como Nolan.

El director de la mejor trilogía de Batman (superhéroe al que le dio una profundidad sicológica nunca antes explorada, al igual que a Joker) se confiesa un fanático de las películas de James Bond. Así como considera que El Origen aporta una nueva perspectiva al género heist (o sea, de “robos”. De hecho, ellos no extraen una idea, sino que la plantan en el subconsciente de su víctima), se planteó TENET como un filme de “espías”, aunque creo que la fisicidad de su personaje sin nombre, lo acerca mucho más al Ethan Hunt de Misión Imposible.

Lo básico del conflicto lo hemos visto decenas de veces: un antagonista ruso quiere acabar con el mundo y tiene en su poder un algoritmo para lograrlo. Lo nuevo es el enfoque: Nolan echa mano al concepto de la Entropía de las cosas (Física Cuántica, señores): en el universo todo es energía que se transforma.  El algoritmo del villano puede causar la inversión de la entropía del mundo, lo que crearía un caos entre dos tiempos y dos realidades.

Si pusiste cara del Chavo del Ocho al leer esto, Nolan le echa leña al fuego e introduce la Paradoja del Abuelo: si retrocedieras en el tiempo y mataras a tu abuelo, ¿cómo habrías nacido para hacerlo? No hay respuestas a esa pregunta: es una paradoja.

Para los más acuciosos: ya Nolan jugó con esa posibilidad dramática en su excelente Memento (2000): el guion del filme está escrito a contra corriente de la lógica de causa y efecto. Primero vemos el efecto (alguien tiene una herida en la mano) y luego la causa (vemos cómo ese personaje se hizo la herida).

Volvamos al concepto de la “realidad” y lo que percibimos de ella: si disparamos una bala hacia una pared para probar su resistencia al proyectil, obtenemos un resultado que está enteramente fundamentado en nuestra percepción. Pero, desde la perspectiva del proyectil con su entropía invertida, es salir de la pared para ser capturado de manera perfecta en la recámara de la pistola.

Nolan parte de que creemos en esa posibilidad: de nuestra complicidad depende disfrutar o no el filme. Y, como es su costumbre, hace de su idea un festín visual y sonoro para disfrute sus fanáticos. De hecho, que el filme se llame TENET, un palíndromo (¡ay, Médem!), ya nos sugiere que los eventos del filme pueden también discurrir en ambas direcciones.

(Puestos a buscar significados, Tenet es el nombre de la organización que contrata a nuestros personajes y también la palabra central de un acertijo encontrado en una ciudad destruida por el volcán Vesubio.)

Nolan rueda escenas completas en acción revertida, un principio que conoce cualquier estudiante de cine porque forma parte de los ejercicios habituales de fotografía y casi siempre resulta divertido de ver: alguien camina y, de la nada, surge un suéter que le calza de manera perfecta su cuerpo. Esa es la versión simple: cuando es un ejército de hombres, incluidos helicópteros, entonces estamos en la zona Nolan. Claro, con complicaciones: el Protagonista (así es como se hace llamar su personaje) viaja en el tiempo y puede duplicarse a sí mismo.

La idea de viajar en el tiempo no es nueva: desde el ciborg de Terminator (1984), pasando por el carro de McFly en Volver al futuro (1985), hasta los Avengers sobrevivientes que le dan su merecido a Thanos, el incomprendido.

Nolan sustenta sus viajes en el tiempo con algún breve diálogo porque tiene muy claro que, para disfrutar TENET, es necesario prescindir de todo lo que tiene vinculación científica y entregarnos a la poderosa composición de sus imágenes y a la música de Göransson, reciente ganador del Oscar por la música para Black Panther. Porque de eso se trata: Nolan nos entrega uno de los thrillers de acción mejor logrados de los últimos años.

 

TENET (2020). Dirección y guion: Christopher Nolan; Fotografía: Hoyte van Hoytema; Edición: Jennifer Lame; Música: Ludwing Göransson; Elenco: John David Washington, Robert Pattinson, Elizabeth Debicki.

Cine en Navidad: clásicos de ayer y hoy.

Por ser la época más especial del año, la Navidad ha inspirado filmes que, gracias al respaldo del público, se han convertido en clásicos.

En ese contexto, ¡Qué bello es vivir! (1946, Frank Capra) ocupa un lugar indiscutible como el filme navideño preferido por varias generaciones. Protagonizado por James Stewart y Donna Reed, este clásico ocupa el #1 en la lista de “películas más inspiradoras” del Instituto Americano del Cine.

Del Maestro Capra solo diré que ganó en 3 ocasiones el premio Oscar. 

En segundo lugar, uno de los títulos más encantadores del cine: Milagro en la Calle 34 (1947, George Seaton). Ha perdurado tanto en el gusto popular, que tuvo su nueva versión en el 1994, dirigida por Les Mayfield.

Esta aventura protagonizada por el mismísimo Santa Claus (Oscar al actor de reparto para Edmund Gwenn) es ideal para reflexionar en familia sobre lo que representa este regordete personaje con barbas y sonora sonrisa: el mejor regalo es algo en qué creer.

El tercer puesto es para la historia de Charles Dickens, A Christmas Carol, que ha tenido decenas de adaptaciones al cine y la televisión pero, sin duda, la hecha por Brian Desmond-Hurst en 1951 destaca como la mejor realizada.
Damos un salto hasta los filmes navideños contemporáneos y nos encontramos con El Grinch (2000), dirigida por Ron Howard y protagonizada por Jim Carrey, que ganó el Oscar al mejor maquillaje. Como está basada en el famoso libro de Dr. Seuss no es de extrañar que se haya establecido como la más taquillera de las películas navideñas.

Le sigue Mi pobre angelito (1990), dirigida por Chris Columbus y protagonizada por Macaulay Culkin y que, con sus $476 millones de dólares recaudados se mantuvo por 11 años como la campeona de las taquillas en Navidad.
Para completar esta lista de recomendaciones, Santa Clause (1994), magnífica comedia dirigida por John Pasquin y protagonizada por Tim Allen. Una fórmula ganadora por necesidad: Allen es uno de los mejores comediantes de USA. El filme tuvo su segunda parte en 2002.

Cualquiera de la lista (y otras que pueden añadirse) es ideal para verla en familia esta Navidad. Porque de eso se trata: compartir y creer en el milagro de la Navidad. Creer en que podemos ser mejores. Creer en que el mundo puede ser mejor para todos.

Lo mejor de 2020, según Almodóvar.

El español Pedro Almodóvar es, sin dudas, uno de los grandes cineastas contemporáneos. Un extraordinario director de actrices (y guionista de sus historias) y una de las mentes más lúcidas del mundo de hoy.

Como todo buen cineasta, ama al Cine, ese que se escribe con mayúscula. Lo ama y lo demuestra con cada cosa que hace: desde los cientos de charlas y conferencias que dicta, con su asistencia a los principales festivales de cine, con su apoyo militante a las salas de cine, esos maravillosos templos para soñar en soledad.

Desde hace unos años, Almodóvar publica su lista con las mejores películas que ha visto desde enero a diciembre. Esa lista se me antoja un referente más serio que muchas que circulan en los medios. La cultura cinematográfica de Almodóvar es impresionante y su devoción por el Séptimo Arte es indiscutible.

Y, para los que somos sus fanáticos, una lista absolutamente imprescindible para evaluar este y cualquier otro año cinematográfico.

Esto es lo mejor de 2020, según Almodóvar:

1. First Cow de Kelly Richard

2. The Devil All the Time de Antonio Campos

3. Another Round de Thomas Vintenberg

4. Swallow de Carlo Mirabella-Davis

5. Ya no estoy aquí de Fernando Frías

6. Little Joe de Jessica Hausner

7. Nunca, casi nunca, a veces, siempre de Eliza Hittman

8. La pintora y el ladrón de Benjamin Ree

Lo mejor de 2020, según los Críticos de Los Ángeles.

Fundada en 1975, la Asociación de Críticos de Los Ángeles (LAFCA, por sus siglas en inglés) cada año ha seleccionado lo mejor de los filmes estrenados en esa ciudad, emblemática porque aloja a Hollywood, la Meca del cine americano.

La LAFCA premia tanto a los filmes recientes como a aquellas personalidades que han tenido una destacada trayectoria. Así, nombres como John Huston, Orson Welles y Billy Wilder han recibido el premio a toda su carrera.

También han instaurado el premio a la Nueva Generación que han ganado, en su momento, figuras como: Martin Scorsese y Jodie Foster (1976), Sean Penn, Pedro Almodóvar y Leonardo DiCaprio.

Conjuntamente con los críticos de New York, esta asociación es la que tiene mayor peso específico sobre la comunidad de Hollywood y su lista cada año gana terreno en relación con los posibles ganadores del Oscar.

Esta es la lista de lo mejor de 2020, según LAFCA:
– Mejor película: Small Axe de Steve McQueen 

– Mejor dirección: Chloé Zhao por Nomadland  

– Mejor actor: Chadwick Boseman por Ma Rainey’s Black Bottom 

– Mejor actriz: Carey Mulligan por Promising Young Woman 

– Mejor actor de reparto: Glynn Turman por Ma Rainey’s Black Bottom

– Mejor actriz de reparto: Youn Yuh-jung por Minari 

– Mejor guion: Emerald Fennell por Promising Young Woman 

– Mejor montaje: Yorgos Lamprinos por The Father 

– Mejor fotografía: Shabier Kirchner por Small Axe 

– Mejor diseño de producción: Donald Graham Burt por Mank 

– Mejor música: Trent Reznor y Atticus Ross por Soul

– Mejor Película Extranjera: Beanpole de Kantemir Balágov 

– Mejor documental: Time de Garrett Bradley

– Mejor película de animación: Wolfwalkers de Tomm Moore y Ross Stewart

-Premio Nueva Generación: Radha Blank por The 40-Year-Old-Version

Premio a la Trayectoria: Hou Hsiao-Hsien y Harry Belafonte

Premio al Legado (primera vez): Norman Lloyd.
Premio Douglas Edwards al Cine Experimental: Her Socialist Smile de John Gianvito.

Berlín 2021: edición virtual de la Berlinale.

El Festival Internacional de Cine de Berlín, evento programado para realizarse entre el 11 y 18 de febrero de 2021 en la capital alemana, fue pospuesto para llevarse a cabo entre el 1 y 5 de marzo, en modalidad virtual.

En un comunicado de prensa, los organizadores aseguran que se ha descartado completamente la celebración en persona.

La decisión responde al aumento progresivo de casos de coronavirus en Alemania, lo que también llevó a las autoridades a instaurar estrictas medidas en el periodo de fiestas de fin de año.

El evento paralelo a la muestra, el European Film Market (EFM), seguirá los mismos pasos.

Si bien en un momento la organización del festival barajó la idea de postergar la Berlinale para abril de 2021, finalmente fue descartada debido a que las instituciones públicas alemanas que lo financian, temen arriesgar los cerca de 30 millones de euros de inversión ante la incertidumbre de tal fecha.

Otro de los motivos citados es que las salas de cines en Europa reabrirán a partir de primavera y, ante la llegada hipotética de estrenos de taquilla, prefieren no arrendar sus recintos para el festival.

Anualmente, la Berlinale recibe películas de un centenar de países. En su edición 2020, fue uno de los pocos países que siguió con el evento de su modalidad habitual. Sin embargo, esto se dio previo a la primera ola de la pandemia.

Para junio de 2021 esperan celebrar un festival con público, aunque no habrá muchas estrellas de cine. “Esperamos invitar a los directores y habrá algunas estrellas, pero estará dirigido al público y no a la prensa internacional”, dijo la directora Mariette Wissenbeek. Cuando el encuentro como antes no es posible, el festival tiene que encontrar otras maneras de existir, afirman los organizadores.

Tradicionalmente, Berlín es el primer escaparate para los estrenos mundiales de calidad y ha consolidado su posición como uno de los tres principales festivales de cine del mundo, conjuntamente con Cannes y Venecia.

Lo mejor de 2020, según el Círculo de Críticos de Cine de New York.

El Círculo de Críticos de Cine de New York, es la institución más prestigiosa de su tipo en Estados Unidos. Está formado por 47 críticos de prensa escrita y digital de New York y fue fundada en 1935, la más antigua de su tipo en Estados Unidos.

A pesar de que la propia organización se presenta como alternativa al Oscar, a lo largo de los años han coincidido muchas veces: 31 de 85 ocasiones ha sido la misma mejor película.

El NYFCC ha dado a conocer su selección de lo mejor de 2020.

Esta es la lista completa:

-Mejor Película: First Cow, de Kelly Reichardt.

-Mejor Directora: Chloé Zhao por Nomadland

-Mejor Actor: Delroy Lindo por Da 5 Bloods

-Mejor Actriz: Sidney Flanigan por Never Rarely Sometimes Always

-Mejor Actor de reparto: Chadwick Boseman por Da 5 Bloods

-Mejor Actriz de reparto: Maria Bakalova por Borat 2

-Mejor Guion: Eliza Hittman por Never Rarely Sometimes Always

-Mejor Fotografía: Shabier Kirchner por Small Axe.

-Mejor Filme Animado: Wolfwalkers, de Tomm Moore y Ross Stewart.

-Mejor Película Extranjera: Bacurau, de Kleber Mendoca y Juliano Dornelles

-Mejor Documental: Time, de Garrett Bradley.

-Mejor Ópera Prima: The 40-Year-Old Version de Radha Blank.

“Pepe, la imaginación en el tercer cine” gana el World Cinema Fund

Pepe, la imaginación en el tercer cine, próxima película del realizador dominicano Nelson Carlos De los Santos, va abriendo nuevos horizontes al cine dominicano. El proyecto ha ganado el World Cinema Fund + ACP 2020, convirtiéndose en la primera co-producción entre un país africano y el Caribe hispanoparlante, pero sobre todo en ser de los 3 proyectos inaugurales de esta nueva colaboración que surgió a inicio del 2020. WCF + ACP ofrece una oportunidad de financiamiento adicional para proyectos de las regiones Caribe, frica y Pacifico, duplicando y triplicando el fondo tradicional del WCF.

El legendario World Cinema Fund, del Festival Internacional de Berlín, en conjunto con la Fundación Federal para la Cultura y en cooperación con el Instituto Goethe, el Ministerio de Relaciones Exteriores y los productores alemanes decidieron que, de 163 proyectos de 48 países diferentes, Dominicana sea uno de los 12 ganadores.

Pepe, la imaginación en el tercer cine, producida por Monte y Culebra, con el apoyo del Instituto Tecnológico de Santo Domingo (Intec), es una co-producción Dominicana-Colombiana-Namibia- Alemana que ya cuenta con los fondos de escritura del Hubert Bals, Holanda, y el Fondo de Desarrollo del Programa Ibermedia.  Las empresas dominicanas de servicios cinematográficos Lone Coconut, Kcettes Pro, Pulpo Post y BKT Financial Advisory se han sumado como aliadas.

Pepe, es una fábula decolonial que recrea un hecho histórico. El hipopótamo asesinado en el 2009 en Puerto Berrio, Colombia. El primero en desterrarse de la manada salvaje que se formaría luego de que en 1981 Pablo Escobar trajera ilegalmente a tres de ellos, para su zoológico personal. Hoy son aproximadamente sesenta y cinco y la única manada salvaje fuera de África.

De Los Santos revive a Pepe, y nos hace escuchar su fantasma. Una voz que nos recordará la historia del Caribe entre tristezas y epifanías. Una historia llena de otras historias, serias, juguetonas, auténticas y falsas, definitivamente llenas de peleas de machos, dictaduras, y de seres que han muerto, al igual que Pepe, sin saber nunca dónde realmente estaban.

National Film Registry: la selección de 2020.

 

El Registro Nacional de Películas de la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos, ha dado a conocer las seleccionadas de 2020.

Estos 25 filmes son escogidos por su importancia cultural, histórica y estética, e incluyeron nueve películas dirigidas por mujeres: desde la ganadora del Oscar, The Hurt Locker (2008, Kathryn Bigelow) hasta Losing Ground (1982, una de las primeras películas dirigidas por una directora negra, Kathleen Collins). Las demás son: Suspense (1913, co-dirigida por Lois Weber), Bread (1918, Ida May Park), With Car and Camera Around the World (1929, Aloha Wanderwell), Outrage (1950, Ida Lupino), Illusions (1982, Julie Dash), The Devil Never Sleeps (1994, Lourdes Portillo) y Mauna Kea: Temple Under Siege (2006, co-dirigida por Joan Lander).

“La selección de una película para el National Film Registry reconoce su importancia para el cine estadounidense y el patrimonio cultural e histórico de la nación”, dijo la bibliotecaria Carla Hayden. “Nuestra historia de amor con las películas es un testimonio de su poder perdurable para iluminar, inspirar e informarnos como individuos y como nación en general. Tener la tarea de seleccionar solo 25 cada año es desalentador porque hay muchas películas excelentes que merecen este honor”.
Abarcando el período de 1913 a 2010, las películas nombradas para el registro de este año incluyen éxitos de taquilla de Hollywood, documentales, películas mudas, animación, cortometrajes y películas caseras e independientes.

Las selecciones de 2020 elevan el número de películas en el registro a 800, que es una pequeña fracción de la gran colección de imágenes en movimiento de la Biblioteca de 1,6 millones de artículos.
Los filmes seleccionados son:
1. Suspense (1913)
2. Kid Auto Races at Venice (1914)
3. Bread (1918)
4. The Battle of the Century(1927)
5. With Cara and Camera Around the World (1929)
6. Cabin in the Sky (1943)
7. Outrage (1950)
8. The Man with the Golden Arm (1955)
9. Lilies of the Field (1963)
10. A Clockwork Orange (1971)
11. Sweet Sweetback’s Baadasssss Song (1971)
12. Wattstax (1973)
13. Grease (1978)
14. The Blues Brothers (1980)
15. Losing Ground (1982)
16. Illusions (1982)
17. The Joy Luck Club (1993)
18. The Devil Never Sleeps (1994)
19. Buena Vista Social Club (1999)
20. The Ground (1993-2001)
21. Shrek (2001)
22. Mauna Kea: Temple Under Siege (2006)
23. The Hurt Locker (2008)
24. The Dark Knight (2008)
25. Freedom Riders (2010)

Lo mejor de 2020, según los Críticos de Boston.

Desde 1981, la Sociedad de los Críticos de Cine de Boston (BSFC, por sus siglas en inglés) ha seleccionado y publicado la lista de lo más sobresaliente del cine en esa ciudad.

Con cada entrega, la lista de la BSFC gana más prestigio como una de las mejores referencias para la Temporada de Premios.

Esto es lo mejor de 2020, según los Críticos de Boston:

Mejor Película: Nomadland, de Chloé Zhao.

Mejor Director: Chloé Zhao por Nomadland.

Mejor Actor: Anthony Hopkins por The Father

Mejor Actriz: Sidney Flanigan por Never Rarely Sometimes Always

Mejor Actor de reparto: Paul Raci por Sound of Metal

Mejor Actriz de reparto: Youn Yuh-jung por Minari

Mejor Guion: Charlie Kaufman por I’m Thinking of Ending Things

Mejor Cinematografía: Joshua James Richards por Nomadland

Mejor Documental: Collective

Mejor Filme Internacional: La Llorona, de Jayro Bustamante.

Mejor Filme Animado: La Casa Lobo de Cristóbal León y Joaquín Coziña

Mejor Edición (awarded in memory of Karen Schmeer): Robert Frazen por I’m Thinking of Ending Things

Mejor Director Debutante (awarded in memory of David Brudnoy): Florian Zeller, The Father

Mejor Elenco: Ma Rainey’s Black Bottom.

Mejor Música Original: Emile Mosseri, Minari