Festival de Cannes 2012: los ganadores

A pesar de la lluvia, el público abarrotó el Grand Théâtre Lumière para conocer de primera mano el palmarés del 65to. Festival de Cannes, entregado a Amor, de Michael Haneke.

El director austriaco repite la victoria que consiguió en 2009 con La cinta blanca y suma así su nombre a la lista de ganadores de la Palma de oro por partida doble que componían hasta ahora Francis Ford Coppola, Shoei Imamura, Bille August, Emir Kusturica y los hermanos Dardenne.

El presidente del jurado, Nanni Moretti, ha destacado la contribución fundamental de la pareja de actores protagonista para la consecución de este premio. Jean-Louis Trintignant y Emmanuelle Riva, quienes no recibieron ningún premio directamente.

El jurado ha decidido otorgar su Gran Premio al compatriota de su presidente, Matteo Garrone, por su Reality. Se trata de la segunda ocasión que el director napolitano consigue este reconocimiento del Festival de Cannes: la primera vez lo hizo con Gomorra.

La comedia dirigida por Ken Loach The Angels’ Share se ha alzado con el premio del jurado. Loach, ganador de la Palma de oro en 2006, suma así su tercer premio en total en la Croisette.

El cineasta mexicano Carlos Reygadas ha conseguido, a su vez, el premio al mejor director por Post Tenebras Lux, una película coproducida por Francia, Alemania y los Países Bajos, entre otros.

El excelente actor danés Mads Mikkelsen subió al escenario entre los atronadores aplausos del público para recoger su premio a la mejor interpretación masculina por su papel en The Hunt, de su compatrota Thomas Vinterberg. Las jóvenes Cosmina Stratan y Cristina Flutur, por su parte, ganaron ex aequo el galardón a la mejor actriz por su trabajo en Beyond The Hills. Su director, el rumano Cristian Mungiu, ya había recogido minutos antes el premio al mejor guion.

De entre las 25 óperas primas que optaban a la Cámara de oro, Beasts Of The Southern Wild, dirigida por el estadounidense Benh Zeitlin y presentada en la sección Un Certain Regard, terminó llevándose el premio. La película habría participado probablemente en la competición oficial si no hubiera sido porque ya se había presentado previamente en el Festival de Sundance, donde ganó el Gran Premio.

La Palma de oro al mejor cortometraje ha ido a parar al turco L. Rezan Yesilbas por Silence.

Los vengadores, nuevo miembro del Club 400.

Hasta el pasado 17 de mayo, sólo 11 películas habían conseguido sobrepasar la suma de US$400 millones de recaudación en taquillas en Estados Unidos.

En esa fecha, Los vengadores (Joss Whedon) consiguió su ingreso a este elitista club. Cuando escribo estas líneas, su total es de US$472 millones y todavía sumará unos cuantos votos, digo dólares. Con esa cantidad es la cuarta película de mayor recaudación en la historia del cine.

En la cima, Avatar (2009), la justificación de James Cameron para el advenimiento de la nueva tecnología del 3D. Este filme engrosó US$760.5, sólo en taquillas.

Le sigue otra de Cameron, Titanic (1997), la que en su estreno consiguió US$600 millones y este mismo año, con su re-lanzamiento en 3D, apenas sumó unos míseros US$56 millones más.

En el tercer puesto, El caballero de la noche (2008), la reinvención de Christopher Nolan de la saga sobre Batman, alcanzó unos US$533.

Bajando a la quinta posición, La guerra de las galaxias (1977), la religión que fundó George Lucas y que le permitió agenciarse unos US$461 millones.

Le sigue Shrek 2 (2004, Andrew Adamson y Nelly Asbury), que arrancó carcajadas a todos, incluyéndome, y les permitió a sus productores reírse a carcajadas con sus US$436 millones.

En el séptimo puesto, E.T. (1982), el clásico dirigido por Steven Spielberg que consiguió US$434 millones y a la que muchos señalan como la película más vista del cine. Pero esa es harina de otro costal.

La amenaza fantasma (1999, George Lucas), con sus US$431 millones se ubica en la octava posición, mientras Piratas del Caribe 3 (2006, Gore Verbinski) tocó su botín de US$423 millones.

Otro filme de animación, Toy Story 3 (2010, Lee Unkrich) se ubica en la décima posición con US$414 millones y otro superhéroe, El Hombre Araña (2002, Sam Raimi) en el puesto once con US$403 millones.

Cerrando la lista (por el momento) está Transformers 2 (2009, Michael Bay) con sus US$402 millones.

Los filmes más taquilleros de Hollywood

Con todo el verano cinematográfico por delante, se hace necesario hacer una revisión del listado de los filmes más taquilleros de Hollywood, dadas las altas posibilidades de que algunos de los que se estrenen pasen a formar parte del mismo.

Recordar, por ejemplo, que sólo 11 películas han conseguido sobrepasar la extraordinaria suma de US$400 millones.

En la cima, Avatar (2009), la justificación de James Cameron para el advenimiento de la nueva tecnología del 3D. Este filme engrosó US$760.5, sólo en taquillas.

Le sigue otra de Cameron, Titanic (1997), la que en su estreno consiguió US$600 millones y este mismo año, con su re-lanzamiento en 3D, apenas sumó unos míseros US$56 millones más.

En el tercer puesto, El caballero de la noche (2008), la reinvención de Christopher Nolan de la saga sobre Batman, alcanzó unos US$533.

Le sigue La guerra de las galaxias (1977), la religión que fundó George Lucas y que le permitió agenciarse unos US$461 millones.

El quinto lugar es para Shrek 2 (2004, Andrew Adamson y Nelly Asbury), que arrancó carcajadas a todos, incluyéndome, y les permitió a sus productores reírse a carcajadas con sus US$436 millones.

La amenaza fantasma (1999, George Lucas), con sus US$431 millones se ubica en la sexta posición, mientras Piratas del Caribe 3 (2006, Gore Verbinski) tocó su botín de US$423 millones.

Otro filme de animación, Toy Story 3 (2010, Lee Unkrich) se ubica en la novena posición con US$414 millones y otro superhéroe, El Hombre Araña (2002, Sam Raimi) en el puesto diez con US$403 millones.

Cerrando la lista (por el momento) está Transformers 2 (2009, Michael Bay) con sus US$402 millones.

Este mismo año, a Los juegos del hambre (Gary Ross) se le acabó la estamina al llegar a los US$381 recaudados. Aunque sigue en cartelera, dudamos mucho que logre su ingreso al Club 400.

El fenómeno del momento, Los vengadores (Joss Whedon) tiene cuando escribo estas líneas unos US$257 y ha impuesto nuevos récords de recaudación para sus primeros días. Lleva mejor trayectoria que filmes como El caballero de la noche, pero de superhéroes está lleno el verano y no precisamente con buenas intenciones.

El árbol de la vida, Obra Maestra de Terrence Malick

Hace casi un año, informábamos sobre la Palma de Oro otorgada al filme El árbol de la vida en el Festival de Cannes.

Terrence Malick es un perfecto anacoreta, que me genera más simpatías de las que puedo confesar. Por contrato, una cláusula lo libera de dar entrevistas y/o aparecer en público para promover sus filmes. Es el único cineasta activo de Estados Unidos que nunca da entrevistas.

Pero, al margen de sus excentricidades, es un cineasta excepcional, un verdadero poeta de la imagen que despierta encendidas pasiones: o se le ama o se le odia, con igual intensidad.

El árbol de la vida no escapa a este debate: ha dividido la crítica en donde se ha presentado y en Cannes el público abucheó el filme.

Yo creo que es una Obra Maestra este filme de Malick, que exige total atención y entrega del espectador a la visión panteísta del mundo y su historia. En efecto, Malick dice mucho sin palabras y deja dicho más de lo vemos.

Desde su mismo inicio, Malick plantea el drama que quiere desarrollar: todos debemos decidir nuestras vidas entre dos sendas, a saber: la Naturaleza (fuerte, física, cruel, representada por el padre (Brad Pitt) o la Gracia (tierna, amorosa, espiritual, representada por la madre (Jessica Chastain). De la diferente mezcla/influencia de estos dos elementos se forjan las diferentes personalidades de sus hijos, del futuro de sus hijos.

Pero esa familia texana (padre, madre, tres hijos) de finales de los cincuenta que Malick utiliza como universo muestral, nos lleva a preguntas más profundas sobre la condición humana, el de dónde venimos, el qué somos, los orígenes de nuestros sentimientos.

Ese viaje al mismísimo Big Bang que dio origen a todo lo que conocemos, es lo que deja a muchos absortos, alelados ante tanta filosofía fílmica, ante tanta lucha de luz y sombras, de emociones y existencialismo.

En este punto hay que dejar claro que Malick se plantea el menor uso posible de (d)efectos digitales y que muchas de esas imágenes han sido logradas gracias al ingenio de su equipo de colaboradores. A manera de anécdota de rodaje: hizo correr a Chastain y su equipo varias cuadras para hacer la toma en que una mariposa se posa en sus manos.

El carácter revolucionario de su cine (hablo en términos estrictamente dramáticos) siempre le granjea algunos nuevos enemigos. Esos filmes carentes de historias lineales, absolutamente experimentales, meditativos, preñados de reflexiones, son instantáneamente odiados por, digamos, los fans de Twilight.

Pero nadie puede negar la maestría de sus propuestas, la experiencia sensorial que significa apreciar el cine de Terrence Malick.

Verano USA 2012: palomitas, refrescos, aliens y superhéroes.

Lo sabemos: hordas de adolescentes atormentados por sus hormonas asaltarán las salas, se pasarán todo el tiempo chateando a través del bb, devorarán los cubos de palomitas de maíz, chuparán como sanguijuelas gigantes los vasos de refrescos, gritarán excitados ante la pirueta del protagonista. En fin, toda una fiesta.

Ha llegado el verano cinematográfico de Estados Unidos con el filme Los Vengadores, en el que Marvel Comics ha juntado algunos de sus héroes consagrados en filmes anteriores: Ironman, Capitán América (lo descongelaron, los descarados), Hulk, Thor, la Viuda Negra, Ojo de Halcón y Nick Furia.

Que debutará en el primer puesto no lo duda nadie (en Dominicana, más de 70,000 personas la vieron en sus primeros 4 días), lo que falta por conocer son los números que va a acumular este filme que arranca este viernes 4 en Estados Unidos.

Estos son los títulos más importantes del resto del verano, por la fecha en que serán estrenados en USA.

Mayo 11: Sombras tenebrosas. No sé si debo, nueva vez, puntualizar mi admiración por la obra de Tim Burton, o por el talento de Johnny Depp. También era adicto a la serie.

Mayo 18: Battleship: nueva vez la tierra se ve amenazada y un valiente marine, Alexander Skargard, nos salvará de la invasión.

Mayo 25: Men in Black 3: vuelve los guardianes del universo, Will Smith y Tommy Lee Jones. Justin Bieber, Lady Gaga y Tim Buton, son alienígenas, ¡lo sabía!

Junio 1: Blancanieves y el cazador, para ver si Kristen Stewart es capaz de atraer audiencias, cuando no es la Bella que suspira por el pálido vampiro.

Junio 8: Prometheus, dirigida por Ridley Scott, el mismo que puso el peplum de moda con Gladiador.

Junio 15: That’s my Boy: creo que la nueva comedia escatológica de Adan Sandler, le comerá los caramelos a Rock of Ages, protagonizada por Tom Cruise.

Junio 22: Valiente, es la propuesta de Disner-Pixar para el verano, ¿necesita alguna recomendación?

Junio 29: G.I. Joe: Retaliation, filme de acción protagonizado por Channing Tatum y Dwayne Jonhson.

Julio 6: El asombroso hombre araña: Marc Webb dirige la nueva entrega del héroe, a estrenarse durante el fin de semana más taquillero del año.

Julio 13: Ice Age 4, arrastrará los niños que nos hemos divertido de lo lindo con sus primeras tres entregas.

Julio 20: El caballero de la noche asciende, nueva entrega de la saga de Batman, bajo la dirección de Christopher Nolan. La pregunta lógica es si superará los $533 millones de la anterior.


Julio 27: Neighborhood Watch, comedia en la Ben Stiller nos defiende de una invasión alien.

Agosto 3: The Bourne Legacy, es otra de las sagas con nueva entrega durante el verano.

Agosto 10: The Campaign: Will Ferrer y Zach Galifianakis, no puede ser otra cosa que agradable comedia.

Agosto 17: The Expendables 2: vuelven Sylvester Stallone y Jean-Claude Van Damme a patear traseros, ¿qué otra cosa pueden hacer?

Agosto 24: Premium Rush es sobre un policía que persigue un cartero por todo Manhattan. Participa la dominicana Dania Ramírez.

Agosto 31: Lawless, historia del bajo mundo del crimen durante la Gran Depresión, que se perfila como una de las candidatas al Oscar.

Septiembre 7: The Cold Light of Day con Henry Cavill (la nueva estrella de Hollywood), Bruce Willis y Sigourney Weaver tratará de recoger algunas migajas del pastel que habrán devorado, también como adolescentes, los superhéroes y aliens.

Shame: el oscuro veneficio del sexo sin amor

Hace cuatro años, el británico Steve McQueen (no lo confundan con el actor americano protagonista de Papillón (1973), dejó boquiabierto a medio mundo con Hunger, su filme debut.

Tanto, que fue ganador del Premio Carl Foreman (*) de los Bafta como el más prometedor debutante y de la Cámara de Oro en el Festival de Cannes a la Mejor Opera Prima.

En ese filme sobre un prisionero del IRA (Ejército Republicano de Irlanda) quedaba evidenciado que nacía un director de cine al que le gusta mirar de frente lo que otros evitan, un realizador que no se anda con rodeos cuando se trata de acercarse a la realidad de las cosas. Como nota adicional, habría que señalar el impacto que causaba la actuación de Michael Fassbender.

Este tándem se ha reunido de nuevo para ofrecernos Shame, valiente película sobre un yuppie infeliz y adicto al sexo, analfabeto sentimental, cuya soledad se ve alterada por la intempestiva llegada de su hermana, una desorientada mujer cuyo pasado triste ha dejado marcas en sus muñecas y, aún así, es capaz de interpretar la versión más dulce que he escuchado de New York, New York. Una esplédida Carey Mulligan, quien viene demostrando su potencial desde An Education (2009, Lone Scherfig).

Nueva vez, Michael Fassbender logra una actuación sobresaliente, esta vez premiada con la Copa Volpi del Festival de Venecia. Sin duda, un papel que exige mucho compromiso por parte del actor, mucho coraje para encarnar un personaje tan a la deriva.

McQueen ofrece en Shame una amplia mirada al mundo del personaje protagonista (el filme es una sucesión de planos secuencias), atrevida porque ve más allá de lo que el cine habitualmente muestra, cruzando la frontera del corte de la cámara y desafiando la censura victoriana que todavía nos rige, en pleno siglo XXI, provocando alguna incomodidad en los más mojigatos.

Sexo en el apartamento y esa masturbada humedad que se queda entre las sábanas, no hace sino abonar más la soledad que oxida los resortes de su alma.

Cyber sexo ¿existirá alguna expresión de soledad más triste que el sexo online? Además del latente peligro de que la computadora se infecte con un virus, está la evidencia incapacidad de comunicar la necesidad de un beso, de un abrazo, de un aliento.

Sexo por dinero. Primero es pagar en efectivo para no dejar huellas (sólo los políticos y pastores estúpidos sucumben a la trampa). Como en cualquier performance, el tiempo es oro. Un trueque insensible de sudor y semen por monedas que es pura acrobacia física.

Sexo en la oficina. Para quienes evitan ligar trabajo y placer no hay problemas. El problema aparece ante la total negación a la posibilidad de soñar en pareja, de creer en el mito del amor eterno, o del amor sin apellidos que nos regala la ilusión del complemento. Ese veneno psíquico, por supuesto, tiene consecuencias físicas: impotencia que no curan las pastillas de la vergüenza y que lo hunde más en su oscuro veneficio.

Shame es la respuesta a quienes dudan de lo inútil del sexo sin amor, pero además un formidable ejercicio fílmico de Steve McQueen, uno de los más brillantes nuevos realizadores.

(*) Carl Foreman fue un notable guionista americano perseguido por el infame Joseph McCarthy, que se vió obligado a emigrar a Inglaterra.

Shame (2011). Dirección: Steve McQueen; Guión: Steve McQueen y Abi Morgan; Fotografía: Sean Bobbitt; Música: Harry Scott; Elenco: Michael Fassbender, Carey Mulligan.

Cannes 2012: los filmes latinoamericanos

Latinoamérica tiene varios representantes en el Festival de Cannes, el más prestigioso encuentro mundial del Séptimo Arte, que este año se celebra del 16 al 27 de mayo.

El brasileño Walter Salles peleará por la Palma de Oro con su película En el Camino, entre los nominados también está Post Tenebras Lux del mexicano Carlos Reygadas, quien ya obtuvo un premio en el año 2007.

También hay otro mexicano que llega a Cannes. Michel Franco participa con Después de Lucía en la sección Una cierta Mirada, donde figuran otras películas de Cuba, Argentina y Colombia.

El argentino Pablo Trapero ya ha participado en otras ediciones del Festival de Cannes, y este año vuelve con su film Elefante Blanco. Un largometraje coproducido por Argentina y Francia y con Ricardo Darin como protagonista.

Colombia estará presente en la figura de Juan Andrés Arango, quien participa con su película La Playa. También está representada Cuba con 7 días en la Habana, film colectivo dirigido por siete directores y formado por siete partes distintas.

Jaque Mate, lo nuevo de José María Cabral.

Jaque Mate es lo que los americanos llaman un solo vehicle, es decir, un vehículo para el lucimiento exclusivo de su actor principal, Frank Perozo.

Y que bueno que así sea, porque a Perozo le hemos visto crecer y desarrollarse como actor, y no sólo se necesita un personaje que le sirva de plataforma para consolidar su carrera: también hay que poseer el talento y Perozo ha dado una irrefutable demostración de que lo tiene.

No hay una escena en Jaque Mate que no esté conducida por su personaje, ya sea en cámara o en ausencia. Eso nos plantea un problema de desbalance con relación a los demás personajes/actores: no están al mismo nivel.

A José María Cabral, el joven director de Jaque Mate, le conocemos de varios cortos que se han causado verdadero furor online y es indudable que, en su formación, se ha alimentado de los géneros del cine americano. Cabral exuda más thriller por cuadro que cualquier otro realizador dominicano y deja claro que maneja el oficio de hacer cine.

Y que bueno que así sea: hace falta sangre nueva, que traiga nuevos aires al cine que se hace en nuestro país, para que sea más Cine Dominicano.

Jaque Mate ha tenido una excelente acogida por parte del público. Y que bueno que así sea. Porque se demuestra una vez más que cuando se oferta un producto con un mínimo de dignidad cinematográfica, el público le brinda su respaldo y sale satisfecho de la sala. Eso asegura permanencia en este largo y tortuoso camino de nuestro cine.

Si algo le hace falta al filme es contundencia en su cierre dramático: pone al personaje en Jaque, pero no le da Mate, sin motivos aparentes...un momento... ¿Van a hacer la segunda parte?.

JAQUE MATE (2011). Dirección: José María Cabral; Guión: César León López y José María Cabral; Fotografía: Hernán Herrera; Música: Sergio Marte; Sonido: Franklin Hernández; Elenco: Frank Perozo, Adrián Mas, Sharlene Taulé, Sergio Carlo.

Festival de Cannes 2012: las candidatas.

Gilles Jacob y Thierry Frémaux, máximos responsables del Festival de Cannes, han hecho pública la lista de filmes que se exhibirán en la 65ta. edición del más prestigioso festival de cine del mundo, que este año será del 16 al 27 de mayo.

El nuevo trabajo de Wes Anderson, “Moonrise Kingdom”, que participará en la Sección Oficial, será el filme encargado de inaugurar el Festival, mientras que la cinta de Claude Miller, “Thérèse Desqueyroux”, que se exhibirá fuera de competición, ha sido la elegida para poner el broche final al certamen.

A continuación, la lista completa de los títulos que competirán por la Palma de Oro.



Sección Oficial

-Moonrise Kingdom (Wes Anderson)

-Vous n'avez encore rien vu (Alain Resnais)

-Rust and Bone (Jacques Audiard)

-On The Road (Walter Salles)

-Holy motors (Leos Carax)

-Cosmopolis (David Cronenberg)

-The Paperboy (Lee Daniels)

-Killing Them Softly (Andrew Dominik)

-Reality (Matteo Garrone)

-Amour (Michael Haneke)

-In another country (Hong Sang-soo)

-Taste of money (Im Sang-soo)

-Lawless (John Hillcoat)

-Like Someone In Love (Abbas Kiarostami)

-The Angels' Share (Ken Loach)

-In the fog (Sergei Loznitsa)

-Beyond the Hills (Cristian Mungiu)

-The Hunt (Thomas Vinterberg)

-Paradise (Ulrich Seidl)

-Après la bataille (Yousry Nasrallah)

-Mud (Jeff Nichols)

-Post Tenebras Lux (Carlos Reygadas)

Akira Kurosawa: Sensei del Cine Japonés

(Vacaciones de Pascua es ya sinónimo de Buen Cine. Este año, retorno como buen alumno a Kurosawa, gracias a quien descubrí las vueltas de tuerca. Debo agradecer la cinéfila solidaridad de Pedro Estrella, Teddy Ureña y José Enrique Tavárez.     -José)

El 1 de septiembre de 1923, un potente terremoto sacudió Japón. Fue una fecha marcada en la historia de la estupidez humana: xenófobos de Tokio masacraron cientos de coreanos a quienes culparon por la tragedia. Al día siguiente, Akira Kurosawa, un niño de apenas 13 años, perdió para siempre el miedo y ganó el asombro, uno de las claves para el éxito de sus filmes.


Con frecuencia he escuchado señalar a Kurosawa como “el más occidental de los directores japoneses”, mientras que a Yazujiro Ozu lo catalogan como “el más oriental de los realizadores de Japón.”

No sé si eso invalida a uno o prestigia a otro, pero lo cierto es que Kurosawa vivió su vida dedicado al cine: 30 filmes, apreciados en todo el mundo y con un innegable impacto en posteriores generaciones de cineastas, desde Steven Spielberg hasta Martin Scorsese, pasando por George Lucas.

Kurosawa debutó como director con Sugata Sanchiro (1943), sobre las angustias de un estudiante de jujitsu que también debe aprender satori (la calma que deviene de la aceptación de las leyes de la naturaleza) y a controlar las pasiones que le despierta la hija de su maestro. Quedó evidenciado el nacimiento de un gran realizador.


El séptimo filme de Kurosawa, Drunken Angel (1947), supuso su encuentro con Toshiro Mifune (a quien convertiría en su actor-fetiche) y analiza la extraña relación entre un Yakuza tuberculoso, su médico (el ángel del título) y su amante. Rodada durante la ocupación militar americana, Kurosawa enfrentó las siempre estúpidas reglas de la censura gringa en esta crítica al bajo mundo de la mafia japonesa, a esa sociedad en la que todo está podrido y ahogamos las penas en alcohol, mientras asistimos a un puticlub llamado Bolero (acaso lejano predecesor del Club Silencio que nos mostró David Lynch).

En 1950, Rashomón le confirmó como realizador de alcance internacional, al ganar el León de Oro del Festival de Venecia.

Kurosawa siempre se manejó como el Sensei de su universo, el Maestro de la técnica que, desde Los siete samuráis (1954) rodaba las escenas de acción con tres cámaras, con tres perspectivas diferentes, que creaban en la edición, la ilusión de tres veces el tiempo de batalla. Con ella ganó el León de Plata en el Festival de Venecia.

Por cierto, Los siete samuráis es uno de los cuatro filmes que Steven Spielberg ve antes de comenzar un nuevo proyecto. El compadre de Spielberg, George Lucas, encontró su fuente de inspiración en La fortaleza escondida (1958, Oso de Plata en el Festival de Berlín) para su exitosa saga Star Wars.

Con Yojimbo (1961), nueva vez en colaboración con Mifune, sentó las bases dramáticas sobre las que se construirían los más sonados éxitos del spaghetti-western, a partir del héroe desconocido que llega de ninguna parte, pero que maneja convenientemente las intrigas entre bandos rivales. Kurosawa hace uso perfecto de la vuelta de tuerca en su narración, al tiempo que muestra imágenes tan impactantes como el perro que se pasea con una mano en su hocico, lejana predecesora para otro filme de David Lynch.

Nadie ha hecho llover tanto y tan hermoso en el cine como Kurosawa. “Realmente te gusta la lluvia” –le dijo John Ford en cierta ocasión. “Realmente has visto mis películas”, le contestó. Ambos también compartían un inmenso aprecio por los caballos, pero el Sensei los hizo protagonizar más escenas que nadie.

Si lo desea comprobar, tres títulos extraordinarios de Kurosawa: Dersu Uzala (195, Oscar Mejor Película Extranjera), Kagemusha (1980, Palma de Oro en el Festival de Cannes) y Ran (1985), filmes que alcanzan una madurez estética y expresiva, sencillamente excepcionales.

Pocos directores de cine alcanzan el onirismo logrado en Sueños (1990), colección de viñetas con los efectos especiales de la ILM (sí, la de George Lucas) al servicio de la imaginación poética del Maestro japonés. La pesada carga de angustia (por los cuadros de Van Gogh, por los duraznos, por los soldados caídos), de complejidad sicológica de estos sueños no impide para nada que sean reconocidos como propios, en su sentido más universal, como posibles, en su sentido más metafísico.

En 1990, la Academia de Hollywood, reconoció al Sensei del cine japonés con su Oscar honorífico “por los logros cinematográficos que han inspirado, deleitado, enriquecido y entretenido a audiencias de todo el mundo y han influenciado a cineastas a nivel global”. Como suele pasar con el Oscar, se quedaron cortos.

Ministerio de Cultura celebra centenario de María Montez

El Ministerio de Cultura ha organizado un amplio programa de actividades para conmemorar en junio próximo el centenario de la actriz María Montez, quien conquistó Hollywood en la década de los cuarenta y se ganó el título de "La Reina del Technicolor".

Montez, cuyo verdadero nombre era María África Gracia Vidal, nació el 6 de junio de 1912 en Barahona y falleció en París el 7 de septiembre de 1951, al parecer, de un ataque al corazón mientras se bañaba.

Hija de un diplomático español y una dominicana, Montez se destacó en películas de aventuras como "Las mil y una noches" (1942), "La salvaje blanca" (1943), "La reina de cobra" (1944) y "Sudán" (1945), entre otras.

Para conmemorar su centenario, una comisión nombrada el año pasado por el Gobierno celebrará una serie de actividades, que iniciaron en marzo con un ciclo de cine en la Cinemateca Dominicana, donde se proyectaron ocho películas protagonizadas por la actriz.

La agenda continuará el próximo 10 de abril con la inauguración de un ciclo de conferencias sobre la vida y obra de María Montez que se desarrollará en escuelas, colegios y centros culturales, así como en el Comisionado Dominicano de Cultura en Nueva York y en el Instituto de Cultura Puertorriqueña de San Juan, Puerto Rico.

En tanto, el 19 de abril se inaugura, en el marco de la XV Feria Internacional del Libro de Santo Domingo, la Exposición Homenaje a María Montez, que permanecerá durante toda la cita literaria, que culminará el 6 de mayo.

A principios de junio la citada muestra se trasladará a Barahona, en julio al Palacio Consistorial de Santiago y posteriormente a Nueva York, según el programa elaborado por dicho Ministerio y la Comisión para el Centenario de María Montez.

Durante la Feria Internacional del Libro también se realizará un coloquio sobre la vida de la actriz dominicana y una conferencia magistral a cargo de su biógrafa y compatriota, Margarita Vicens de Morales.

El programa incluye, además, la celebración del 1 al 9 de junio del montaje teatral "María Montez, la Reina del Technicolor", con la actriz dominicana residente en EE.UU. Dalia Davi, que se celebrará en el Teatro Nacional de Santo Domingo y en el Gran Teatro del Cibao, en Santiago.

La agenda continuará con la exhibición del 1 de junio al 30 de agosto de una exposición en la Galería de Arte Público del Parque Independencia, en la capital.

El Ministerio de Cultura subrayó en su comunicado que este evento "se considera desde ya el homenaje abierto más importante de todo el programa del centenario".

El 6 de junio, aniversario de la actriz, se realizarán simultáneamente dos oficios religiosos en Santo Domingo y Barahona, mientras que en la noche tendrá lugar un concierto de gala de la Orquesta Sinfónica Nacional el auditorio de Centro Universitario Regional del Sur de su ciudad natal.

El mismo día, en Santo Domingo, se inaugurará la Gran Colectiva de Diseñadores en honor a Montez en la Galería Nacional de Bellas Artes, la cual se extenderá hasta el 15 de agosto.

El programa en honor a la actriz también incluye un desfile de moda en la explanada exterior del Palacio de Bellas Artes, con la participación de diseñadores locales y extranjeros.

Asimismo, la puesta en circulación de una edición popular de la biografía de María Montez, la emisión de un sello postal en su honor y la colocación de un busto de la actriz en la Plaza de la Cultura Juan Pablo Duarte.

Bitácora de la Muestra de Cine 2012

Santiago de los Caballeros es un color, un olor, un sabor que llevo conmigo dondequiera que voy.

Nueva vez acudo al llamado de la Muestra Internacional de Cine de Santo Domingo. Serán días de filmes y encuentros, de tragos furtivos y discusiones interminables, de compartir con gente que adoro y que aman al Cine, ese arte con mayúsculas que define nuestras vidas. Gente que, contra viento y marea y a costa de su propia cordura, organiza esta fiesta anual para el alma y los sentidos.

Mis íntimos se burlan de mi kit-de-superviviencia: una foto digital del Monumento, la memoria de los latidos de las mujeres que amo, la solidaridad de sus cinéfilos, el recuerdo del pregonar de una marchanta.

Dejo instalada una Red Provincial de Solidaridad que me alienta, vía llamadas y mensajes de texto, cuando me faltan fuerzas. Prometo sobrevivir.

Noche Inaugural:

Edgar Ramírez llenó cada fotograma de Saluda al Diablo de mi parte (Juan Felipe Orozco) con una presencia escénica que espanta, y no sólo por el inexpugnable destino de su personaje, como Colombia, víctima y verdugo de la violencia irracional, más allá de la comprensión y los límites dramáticos lógicos. Ya arribaron Benito Zambrano, quien trae consigo a La voz dormida, y Pedro Zurita, uno de los miembros del jurado. En el momento de la conversación, Marlon Soto, también miembro del jurado, ha dejado clara su profunda admiración por Kurosawa. Creo que tengo resuelto el problema de la escogencia de mi cineasta para las Vacaciones de pascua.

Día 1:

Con la llegada de Senel Paz, Rebeca Chávez y Frank Baiz Quevedo se completa el equipo  que tendrá la tarea de evaluar la Sección Oficial. Una breve charla sobre Calidad de Vida con Pedro Zurita reconforta. Es bueno saber que no somos los únicos que pensamos que el mundo puede y debe ser un mejor planeta, sin tanto estrés, sin tantas frivolidades, sin tanta renuncia. Para la hora del postre, era evidente la química entre sus miembros: habemus veredictus.

En la sala de cine, Francisca Gavilán llena toda la pantalla con la sensibilidad de su extraordinaria actuación en Violeta se fue a los cielos (Andrés Wood). No sólo es la voz dolorosa que grita en vez de cantar las penas de la gente olvidada, es también la mujer que ama y sufre, que se siente incomprendida por todos, emprendedora pero ingenua, genial y neurótica, con una historia a cuestas que reclama odiar las matemáticas y amar los remolinos.
A segunda hora, el registro de José Coronado en No habrá paz para los malvados (Enrique Urbizu)) es completamente distinto pero igual de sobresaliente: un policía a la deriva que aplica su propia justicia cuando no le sirve su cubata con Anís del mono. Con un arranque verdaderamente explosivo la historia comienza a hurgar los bajos mundos para estremecernos con la certeza de que el mal está mucho más cerca de lo que queremos creer y, en cualquier momento, estalla delante de nuestras narices y a costa de nuestras inocencias.
  
Día 2: Como felinos, hemos hecho un reconocimiento al territorio de caza y supervivencia: desde temprano identificamos los supermercados cercanos donde aprovisionarse de lo necesario. Al grupo se suman dos talentosas mujeres: Tania Hermida, quien mañana presenta su En el nombre de la hija, y Cynthia Wiesner, destacada distribuidora de filmes.

En la sala, Rosita (Jan Kidawa-Blonski) mostraba la kafkiana atmósfera represiva en la Polonia de finales de los 60 y como los organismos de ¿inteligencia?, como es frecuente, se ensañaron contra los artistas y escritores. A segunda hora, la venezolana El rumor de las piedras (Alejandro Bellame) mostraba el lado feo de Caracas, esos barrios de miseria e inseguridad que son campo de cultivo para malandros. Potente  drama de denuncia social que devela un círculo vicioso de violencia y desesperanza, de esa pobreza material y espiritual que está robando el futuro a nuestros jóvenes. 

Día 3:

Con la excusa argumental de encaminar a los compañeros cubanos hasta la Zona Colonial, Pedro Zurita y quien suscribe hemos llegado de un saltito al Barrio Chino, en donde Zurita ha sentido el llamado de sus ancestros y se ha sentido como en casa. Ha resultado ser un viaje de exploración gastronómica en el que no ha faltado el chequeo al menú de los restaurantes con comida china (de verdad) y con comida china (de San Francisco).

En la sala, la chilena La mujer de Iván (Francisca Silva) urga el lado oscuro de una relación, de difícil definición, entre hombre de 40 y chica de 15. Una fina línea separa deseo de miedo en cautiverio, de amor desatado y ansías de libertad, de límites morales y respeto de pareja.

A segunda hora, Tania Hermida ha encantado al auditorio con En el nombre de la hija, una finísima disección de la sociedad ecuatoriana de los 70, desde la perspectiva de unos niños, sus padres progresistas y sus abuelos conservadores. Es una lucha ideológica personal, familiar y social en la que la identidad juega un papel fundamental.

Cerramos la noche con la brasileña ¿Cómo olvidar? (Malu de Martinoa), agridulce comedia de una lesbiana de 35 años luchando por superar la depresión provocada por la ruptura con su pareja.

Día 4:


Con la excusa argumental de sacar a pasear a Jan Kidawa-Blonski, volvimos a pasear a la Calle Del Conde, a desandar las rutas de la conquista y a darle a conocer la cerveza Presidente. Ya se siente como en casa y, según me ha dicho, un sitio en donde la gente baila cuando camina.

En la sala, El gato desaparece (Carlos Sorín), sobrio drama sobre una pareja que intenta reconstruir su relación luego de que el marido sufriera una crisis nerviosa que lo llevó a un internamiento en una clínica siquiátrica. A segunda hora, la sala repleta ha visto expectante a Piel (Ari Maniel Cruz), sobre una boricua brechera que se obsesiona con las prácticas sexuales de sus vecinos en Manhattan, una haitiana y un tíguere dominicano. Mucho de ese sentido de pérdida de quienes abandonaron la isla, muchas bachatas para ahogar las penas.



Día 5:


Con la excusa argumental de mostrar el camino de las calorías a Alberto Ramos, hemos vuelto a inventariar los supermercados de Naco. En función de los productos en góndolas, Pedro Zurita nos dictaba una cátedra de recetas.

Acabadita de llegar, fue programada la El viaje del Director de Recursos Humanos (Eran Riklis) para complacencia de quienes no tenían una opción válida para arrancar la tarea. Una comedia negra que se llegó precedida por su cosecha de premios de la Academia de Cine de Israel, entre ellos Mejor Película, pero que va a necesitar de una recomendación de ascenso.

A segunda hora, Benito Zambrano estremeció la sala para con su contundente La voz dormida, un soberbio drama sobre uno de los aspectos más oscuros y menos conocidos de la guerra civil española: el maltrato a las mujeres encarceladas, vinculadas o no al movimiento izquierdista. Con una elaborada reconstrucción de los hechos, a partir de la novela de Dulce Chacón, se muestra las vejaciones que sufrieron miles de mujeres durante los primeros de la dictadura de Francisco Franco.


Día 6:


Visitar la Zona Colonial es un ritual que se cumple como iniciación con cada nuevo invitado que se suma. Para la ocasión, Luis Jiménez en persona se prestó como guía para Linithd Aparicio y Hernán Jiménez en un recorrido que llegó hasta Villa Consuelo y Villa Juana e incluyó una parada obligatoria en el Palacio del Yaniqueque, delicia gastronómica que elogiaron los visitantes, mientras analizaban una bachata de Anthony Santos.

En el cine, la alemana La enfermedad del sueño (Ulrich Köhler) se mostró como un denso drama sobre el desgaste físico y mental de un médico alemán en Camerún. Un poco más rebuscada de lo que hubiese deseado, pero igual de interesante y sincera.

A segunda hora, el costarricense Hernán Jiménez nos presentó su filme El regreso, agridulce comedia que habla de esa difícil adaptación a la vida cotidiana e infuncional de nuestros países, desde sus oficinas públicas hasta sus familias, cuando se ha vivido en el extranjero.




Día 7:


Entre los temas varios que se discutieron en la sobremesa: la verdad de las mentiras de las noticias, el mito de la muerte de Trujillo, la aldea global del internet y cómo hacer para cenar todas las noches en Dolce Italia.

En el cine, El Cairo Exit (Hesham Issawi) ha construido una historia de amor a la Romeo y Julieta pero en Egipto: la adolescente Amal es de una familia copta (egipcios que profesan el cristianismo) está embarazada de Tarek, su novio musulmán. Suficiente como para desatar una guerra familiar que puede llevar a muchas liberaciones.

A segunda hora, Melancolía (Lars Von Trier), presentada fuera de competencia, llenaba todas nuestras expectativas, desde la magnífica actuación de Kirsten Dunst (premiada en Cannes) hasta las oníricas secuencias que logra Von Trier con pulso de Maestro. Una descarga muy emotiva de personajes en contraste, de fatalismo poético, de una propuesta estética que dejó anonadado a más de uno que chateaba con su bb.



Día 8:

Aprovechando la salida de Jan Kidawa-Blonski y Hernán Jiménez, les hemos acompañado la mitad del camino para la ritual visita al Mercado de la Mella en el que expertos en la materia trataron de vendernos brebajes para solucionar cualquier problema que se pueda imaginar. Desde ahí hasta el malecón para sentir la brisa del mar, pero un aguacero tropical nos sorprendió en el intento: nada que una jumbo Presidente no pudiera resolver.

En el cine, estuvimos junto a Ian Padrón, quien presentó su Habanastation, postulada por Cuba al Oscar, ante un público que, militantemente, desafió un aguacero de burriquitos aparejaos para estar presenta en la sala.

Simultáneamente, Pájaros de papel (Emilio Aragón) abordaba el duro acoso de los falangistas para con los artistas de vodevil en los años de la guerra civil española. Una revista de variedades que son almas solitarias que se convierten en familia por ese inexpugnable lazo que teje el destino.

A segunda hora, la productora Linithd Aparicio ha presentado su filme Postales colombianas (Ricardo Coral-Dorado), una poderosa denuncia del caso de los falsos positivos, personas de los barrios populares y zonas rurales de Colombia asesinadas por el ejército, a los que luego hacían pasar como guerrilleros.




Día 9:


Me divierte la percepción de nuestros invitados sobre las elecciones dominicanas como si fuera un problema familiar: que si Papá, que si Mamá, y les ha resultado particularmente curioso el hecho de que financiamos los partidos políticos. Ummm (tengo una idea)…

En el cine, Silencio en El Paraíso (Colbert García) muestra el drama de los falsos  positivos en Colombia desde la perspectiva del barrio, con sus muchedumbres y pobreza, con sus colores y riqueza, con su gente trabajadora agobiada por las extorsiones: del ejército, las guerrillas, del gobierno. Y encima le matan sus mejores hijos en una guerra que se ha hecho tan, pero tan larga.

Luego, la iraní Nader y Simin, una separación (Ashgar Farhadi) ha significado una formidable demostración de exposición dramática en un filme construído con precisión para irnos llevando de la mano, hipnotizados, por la aventura de contar. Farhadi, va desenrrollando las tramas de su historia como alfombra persa y dosifica nuestro saber, de manera que encontramos una nueva pista en cada escena, a partir de la cual cambia nuestra historia, en un juego encantador que hace de su filme una joya a estudiar por muchos años.

Día 10:
Lista de ganadores de la "Ciguapa de Oro" en la Muestra Internacional de Cine de Santo Domingo:

Competencia Internacional

Mejor Película: La voz dormida

Mejor Director: Benito Zambrano

Mejor Actor: Andrzej Sewerin (Rosita, Polonia)

Mejor Actriz: Magdalena Boczarska (Rosita, Polonia)

Mejor Fotografía: Frank Griebe (Tres, Alemania)

Mejor Guión: Ignacio del Moral y Benito Zambrano por La voz dormida (basado en la novela homónima de Dulce Chacón)



Competencia Latinoamericana
Mejor Película: Violeta se fue a los cielos (Chile)

Mejor Director: Andrés Wood por Violeta se fue a los cielos

Mejor Actor: Christian González por El rumor de las piedras (Venezuela)

Mejor Actriz: Francisca Gavilán por Violeta se fue a los cielos

Mejor Fotografía: Armando Salazar por En el nombre de la hija (Ecuador)

Mejor Guión: Eliseo Altunaga, Andrés Wood, Guillermo Calderón y Rodrigo Bazaes por Violeta se fue a los cielos
Premio SIGNIS: La voz dormida (Benito Zambrano)

Mejor Opera Prima ¿Quién sino nosotros? (Alemania)

Premio Mazola del público: Refugio en la tormenta (Elías Acosta)

El Rey de Najayo: el Cine Dominicano avanza.

Desde antes de su estreno, El Rey de Najayo, ya tiene un espacio ganado en la historia de cine en Dominicana: posee el Permiso único de rodaje 001, es decir, es la primera película dominicana rodada al amparo de la Ley de Cine. Una ley que habrá de consolidar en forma definitiva la industria del cine en Dominicana y permitirá aumentar en cantidad y calidad la producción de filmes en el país.
Ya comenzamos a ver beneficios colaterales de la Ley de Cine: ha estimulado el debut de un veterano en las lides audiovisuales, aunque parezca una contradicción. En efecto, es el primer largometraje para el talentoso Fernando Báez.

El Rey de Najayo se enmarca en el campo de la denuncia social, siempre tan necesaria, y ese es otro de los aspectos a destacar: enfrentar la creencia de que sólo las comedias pueden funcionar en las taquillas.

Protagonizada por el carismático baitoero Manny Pérez y presentando a populares figuras de la televisión como Luz García (también debutando en cine) y Sergio Carlo, el filme posee condiciones de sobra para que le guste al público.

Con una correcta puesta en escena, hay que mencionar el sobresaliente trabajo de Peyi Guzmán, su director de fotografía, aunque en uno que otro momento permite que el preciosismo distraiga la atención del espectador, verbigracia, cuando el niño Julián deambula confundido y nos recuerda la escena de Gladiador.

El libreto se inspira en hechos reales que todos conocemos y se debilita cuando se torna episódico (el capítulo de las gafas en el juzgado) o sus personajes se pierden en diálogos aleccionadores o asumen posturas morales que no contribuyen nada en términos dramáticos y los hacen menos creíbles.

La presencia protagónica de Manny Pérez permite hacer una comparación lógica con La Soga y descubrir que la estructura dramática es muy parecida: un niño que presencia el asesinato de su padre, planifica su venganza y hace justicia con sus propias manos. Es injusta la comparación: para la ocasión el rango dramático del personaje Julián es mucho mayor y Manny Pérez lo desarrolla en cada aspecto.

Sin duda, El Rey de Najayo es un paso de avance en el desarrollo del Cine Dominicano y merece el respaldo de todos.

La Muestra de Cine es un banquete de Buen Cine

La fecha: del 15 al 24 de marzo; el lugar: Fine Arts de Novo Centro; La misión posible: disfrutar del banquete con lo mejor del Cine que nos trae la XIV Muestra Internacional de Cine de Santo Domingo.

Este año, la Muestra tiene como país Invitado de Honor a Colombia y para la gala de apertura se presentará Saluda al diablo de mi parte, obra de dos fanáticos del cine, los hermanos Juan Felipe y Carlos Esteban Orozco, así como el cortometraje dominicano Mi abuelo, dirigido por Albert Xavier.

El banquete de Cine Colombiano.

Además de Saluda al diablo de mi parte, Colombia presenta otros títulos como Silencio en el paraíso, de Colbert García; Postales colombianas, de Ricardo Coral; y la formidable Karen llora en un bus, de Gabriel Rojas.

El banquete de la Sección Oficial.
-“Rosita” (Polonia).
-“La enfermedad del sueño” (Alemania)
-“No habrá paz para los malvados” (España), ganadora de 6 Premios Goya.
-“Route Irish” (Ken Loach, Reino Unido),
-“Salve” (Irán).
-“Tan fuerte, tan cerca” (USA)
-“Tres” (Alemania)
-“El viaje del director de recursos humanos” (Israel)
-“La voz dormida” (Benito Zambrano, España), ganadora de 3 Premios Goya.

El banquete de la competencia latinoamericana.

-“Como olvidar” (Brasil)
-“En el nombre de la hija” (Ecuador)
-“El gato desaparece” (Argentina), ganadora del Premio Especial del Jurado del Festival de Cine Iberoamericano de Huelva.
-“El regreso” (Costa Rica)
-“El rumor de las piedras” (Venezuela)
-“Saluda al diablo de mi parte” (Colombia); y
-“Violeta se fue a los cielos” (Chile), ganadora del Festival de cine Iberoamericano de Huelva con Colón de Plata.

El banquete de la Sección Opera Prima

-“Las acacias” (Argentina)
-“A tiro de piedra” (México)
-“Burros” (México)
-“La hora cero” (Venezuela)
-“Habanastation” (Cuba)
-“Medianeras” (Argentina)
-“La mujer de Iván” (Chile)
-“Piel” (Puerto Rico)
-“¿Quien sino Nosotros?” (Alemania)
-“Silencio en el paraíso” (Colombia)
-“Trabajar cansa” (Brasil) y
-“Zoom Hunting” (Taiwán).

El banquete de la Sección Informativa

-“El Cairo Exit” (Egipto)
-“18 días” (Egipto)
-“El día que no nací” (Alemania)
-“El Inquisidor” Chile
-“Karen llora en el bus” (Colombia)
-“Mil cretinos” (Ventura Pons, España)
-“Con amor o sin amor” (Colombia-España)
-“Pájaros de papel” (España)
-“Postales colombianas” (Colombia)
-“Primos” (España)
-“Refugio de la tormenta” (Elías Acosta, USA); y
-“Bautismo” (Polonia).

El banquete de Presentaciones Especiales.

-“Melancolía” (Lars Von Traer, Dinamarca)
-“Nader & Simin, una separación”, de Asghar Farhadi, ganadora del Premio Oscar.
-“Pan negro” (Agustí Villalonga, España), ganadora de 9 Premios Goya, incluyendo Mejor película, director y actriz.
-“Afinidades”, escrita, dirigida y actuada por los actores cubanos Jorge Perugorría y Vladimir Cruz.


El banquete del Panorama del Cine Dominicano.

-“La lucha de Ana”, de Bladimir Abud.
-“Los rostros detrás de las muñecas” de Freddy Vargas.
-“Mi abuelo” de Albert Xavier.
-“El mundo es algo chico, librado” y “Papá está en el cielo”, ambos de Francisco Rodríguez.
-“Los amos”, de Jorge Núñez.
-“La abertura” de Ronny Sosa.
-“Un pasaje de vuelta” de Robert Lizardo
-“Distancia focal” de Luís Daniel Núñez.

JURADOS

Sección oficial
El jurado de la sección oficial está compuesto por el productor, director y actor Pedro Zurita; por el narrador y guionista Senel Paz; por la directora Rebeca Chávez; el escritor y guionista Andrés Baiz; y el crítico Hildebrando Hidalgo.

Opera Prima
Este jurado esta conformado por el cineasta Marlon Soto, el crítico Orlando Santos, y la actriz Judith Rodríguez.

Jurado Signis
El jurado de la Asociación Católica Mundial para la Comunicación estará conformado por: el italiano Antonio Urrata y los dominicanos Isaías Ortiz y Violeta Lockhart.

Hugo: una carta de amor de Martin Scorsese.

Martin Scorsese es el gran Maestro de la dramaturgia cinematográfica contemporánea: ha visto y apreciado más cine que cualquier otro de sus colegas.

Un libro como La invención de Hugo Cabret, abierto homenaje del estadounidense Brian Selznick a George Meliés, el primer gran dramaturgo que tuvo el cine, ha sido escrito sólo para que Martin Scorsese lo convierta en película. Y lo haga con la perfección de Maestro que amerita la situación y con el amor de cinéfilo hacia el arte más importante del siglo XX.

Hugo es una carta de amor sin precedentes en la historia del cine: en el momento en que se anuncia la desaparición del celuloide como medio de trabajo (anoten: en par de años, todas las proyecciones serán digitales) reconocer a los pioneros del cine y, entre ellos, al grandioso George Meliés. Resulta sintomático que se lanza el mismo año en que Kodak se declara en quiera y su nombre desaparece del Teatro en que entregan el Academy Award.

Scorsese se vale de la mejor nueva tecnología actual, el 3D digital, para volver a la raíz, a ese París de los años 20, en que dos jovencitos descubren la magia de los sueños cuando asisten a la proyección de Safety Last (1923, Harold Lloyd) y su genial escena colgando de un reloj, clonada en plan homenaje en Hugo.

Nueva vez (¿Déja vu?) asistimos a las proyecciones del nuevo invento de los Lumière en las que el público salía corriendo de la sala al ver La llegada del tren. En esa capacidad de asombro (intacta hasta nuestros días) reside la magia del Cine como fábrica de sueños.

Scorsese nos brinda el sueño en 3D digital. Lo lamentable es volver a esta realidad de almas gemelas perdidas en el neón, castigadas a 40 años de (di)vagar entre la estupidez, incapaces de alcanzar su happy ending: una bendición sólo posible en el universo de las películas.



HUGO (2011). Dirección: Martin Scorsese; Guión: John Logan, basado en la novela “La invención de Hugo Cabret” de Brian Selznick; Fotografía: Robert Richardson; Música: Howard Shore; Elenco: Asa Butterfield (Hugo), Chloë Grace Moretz (Isabelle), Ben Kingsley (Meliès), Sacha Baron Cohen (policía).

Oscar 2012: mis pronósticos

La desvisto con parsimonia. Una sonrisa pícara me ilumina el rostro: yo sé que ella sabe. Fuera lencería. Mis dedos cabalgan su cuerpo y convocan sudores adolescentes. Cómplices en nuestro mundo, nada importa lo que digan los demás.
Tranquilos. Se trata de mi bola de cristal.
Reviso que no haya sido hackeada, confirmo mis claves, actualizo su software.
Quiero saber los ganadores de la próxima entrega del Academy Award.
Debo ingresarle una fecha y un evento de 5 letras: 26 de febrero, Oscar y ¡zas!.
Estos son los resultados que arroja (los comentarios entre paréntesis son de mi absoluta responsabilidad. Aclaración pertinente: no son las candidaturas que quiero que ganen, sino las que creo van a ganar):

Mejor Película: El Artista (Hollywood ha sucumbido al encanto de este filme y razones no le faltan: es una carta de amor al Cine. Punto)

Mejor Director: Michel Hazanavicious por El Artista (El único que puede interponerse en su camino es Martin Scorsese, pero ya tiene su premio reciente por The Departed).

Mejor Actor: Jean Dujardin por El Artista (El único que puede interponerse en su camino es George Clooney, pero ya tiene su premio reciente por Syriana).

Mejor Actriz: Viola Davis por Historias cruzadas (En la América de Obama, de nuevo lo Black is beautiful.)

Mejor Actor de reparto: Christopher Plummer por Beginners (¡Ya era tiempo!)

Mejor Actriz de reparto: Octavia Spencer por Historias cruzadas (En la América de Obama...)

Mejor Guión Original: Woody Allen por Medianoche en París (De las pocas películas inteligentes del año, ¿ofendí a alguien?)

Mejor Guión Adaptado: Alexander Payne y Nat Faxon por Los descendientes (Payne es uno de los mejores dialoguistas del negocio.)

Mejor Película de Animación: Rango (Auténtico homenaje cinéfilo al Western, dicen que el único género auténticamente americano.)

Mejor Película Extranjera: A separation (El régimen iraní ha desatado toda su intolerancia contra sus cineastas. El filme de Asghar Farhadi es perfecto para que Hollywood muestre solidaridad con sus colegas).

Vuelve el Festival “Mujeres en cortos”: cine con un sexto sentido.

Mujeres en cortos no es más que el fruto de una iniciativa del cineasta Abel Rodríguez en la intención de impulsar la trayectoria de las cineastas dominicanas en proceso de formación, y de residentes extranjeras, que realizan o han realizado cortometrajes inéditos, a través de un evento que les permita exponer su talento ante un público cautivo que respalde su obra.

El festival se propone, entre otras cosas: provocar el entusiasmo en futuros/as cineastas, construir el público cinéfilo del futuro del cine dominicano, difundir la cultura cinematográfica dominicana en los numerosos puntos del país y fuera del mismo y el desarrollo de la industria cinematográfica en República Dominicana, capaz de crear un ente económico que beneficie nuestra sociedad.

Para la edición de este año, Mujeres en cortos honrará la figura eximia de la actriz dominicana María Montez, en conmemoración de su natalicio centenario. También, los cineastas masculinos tendrán una ligera participación en la Sección de hombre y se ampliarán los renglones a premiar a diez categorías:

-MEJOR CORTOMETRAJE DE FICCIÓN

-MEJOR CORTOMETRAJE DOCUMENTAL

-MEJOR GUIÓN CORTOMETRAJE DE FICCIÓN Y DOCUMENTAL

-MEJOR CINEMATOGRAFÍA

-MEJOR MONTAJE

-MEJOR INTERPRETACIÓN MASCULINA EN ROL PROTAGÓNICO

-MEJOR INTERPRETACIÓN FEMENINA EN ROL PROTAGÓNICO

-MEJOR CARTEL PARA UN CORTOMETRAJE DE FICCIÓN O DOCUMENTAL

-MEJOR CORTOMETRAJE PREMIO DE FICCIÓN O DOCUMENTAL, PREMIO DEL PÚBLICO

-MEJOR CORTOMETRAJE SECCIÓN HOMBRES EN CORTOS


Mujeres en cortos se llevará a cabo en la Cinemateca Dominicana, los días 8, 9, 10 y 11 de marzo.

Oscar 2012: los nominados

Mejor Película:

-El Artista (Thomas Langmann).

-Los Descendientes (Jim Burke, Alexander Payne y Jim Taylor).

-Extremely Loud & Incredibly Close (Scott Rudin).

-The Help (Brunson Green, Chris Columbus y Michael Barnathan).

-Hugo (Graham King y Martin Scorsese).

-Medianoche en París (Letty Aronson y Stephen Tenenbaum).

-Moneyball (Michael De Luca, Rachael Horovitz y Brad Pitt).

-El árbol de la vida

-Caballo de guerra (Steven Spielberg y Kathleen Kennedy).



Mejor Director:

-Michel Hazanavicius (El artista).

-Alexander Payne (Los Descendientes).

- Martin Scorsese (Hugo).

-Woody Allen (Medianoche en París).

- Terrence Malick (El árbol de la vida).



Mejor Actor:

-Demián Bichir por A Better Life.

-George Clooney por Los Descendientes.

-Jean Dujardin por El Artista.

-Gary Oldman por Tinker Tailor Soldier Spy (El Topo).

-Brad Pitt por Moneyball



-Mejor Actor de Reparto:

-Kenneth Branagh por "My Week with Marilyn"

-Jonah Hill por "Moneyball"

-Nick Nolte por "Warrior"

-Christopher Plummer por "Beginners"

-Max von Sydow por "Extremely Loud & Incredibly Close"



Mejor Actriz:

-Glenn Close por "Albert Nobbs"

-Viola Davis por "The Help"

-Rooney Mara por "La chica con el dragón tatuado"

-Meryl Streep por "The Iron Lady"

-Michelle Williams por "My Week with Marilyn"







Mejor Actriz de Reparto:

-Bérénice Bejo in "The Artist"

-Jessica Chastain in "The Help"

-Melissa McCarthy in "Bridesmaids"

-Janet McTeer in "Albert Nobbs"

-Octavia Spencer in "The Help"



Mejor Filme Animado:

-A Cat in Paris (Alain Gagnol & Jean-Loup Felicioli).

-Chico & Rita (Fernando Trueba & Javier Mariscal).

-Kung Fu Panda 2 (Jennifer Yuh Nelson).

-Gato con Botas (Chris Miller).

-Rango (Gore Verbinski).



Dirección de Arte:

-El Artista Production Design: Laurence Bennett; Set Decoration: Robert Gould

-Harry Potter 7-Parte 2 P.D.: Stuart Craig; Set Decoration: Stephenie McMillan

-Hugo Production Design: Dante Ferretti; Set Decoration: Francesca Lo Schiavo

-Medianoche en París P. D.: Anne Seibel; Set Decoration: Hélène Dubreuil

-Caballo de guerra Production Design: Rick Carter; Set Decoration: Lee Sandales



Mejor Cinematografía:

-Guillaume Schiffman (El Artista)

-Jeff Cronenweth (La chica del dragón tatuado)

-Robert Richardson (Hugo)

-Emmanuel Lubezki (El árbol de la vida)

-Janusz Kaminski (Caballo de Guerra)



Diseño de vestuario:

-Lisy Christl por "Anonymous"

-Mark Bridges por "El Artista"

-Sandy Powell por "Hugo"

-Michael O'Connor por "Jane Eyre"

-Arianne Phillips por "W.E."



Mejor Documental:

-Hell and Back Again (Danfung Dennis y Mike Lerner)

-If a Tree Falls: A Story of the Earth Liberation Front Marshall Curry y Sam Cullman

-Paradise Lost 3: Purgatory (Charles Ferguson y Audrey Marrs)

-Pina (Wim Wenders y Gian-Piero Ringel)

-Undefeated (TJ Martin, Dan Lindsay y Richard Middlemas)



Mejor Corto Documental:

-"The Barber of Birmingham: Foot Soldier of the Civil Rights Movement" (Robin Fryday y Gail Dolgin)

-"God Is the Bigger Elvis" Rebecca Cammisa y Julie Anderson.

-"Incident in New Baghdad" James Spione.

-"Saving Face" Daniel Junge y Sharmeen Obaid-Chinoy.

"The Tsunami and the Cherry Blossom" Lucy Walker y Kira Carstensen.



Mejor Edición:

-Anne-Sophie Bion y Michel Hazanavicius (El Artista).

-Kevin Tent (Los Descendientes)

-Kirk Baxter y Angus Wall (La chica con el dragón tatuado)

-Thelma Schoonmaker (Hugo)

-Christopher Tellefsen (Moneyball)



Mejor Filme Extranjero:

-"A Separation" (Asghar Farhadi, Irán)

-"Bullhead" (Michael R. Roskam, Bélgica)

-"Footnote" (Joseph Cedar, Israel)

-"In Darkness" (Agnieszka Holland, Polonia)

-"Monsieur Lazhar" (Philippe Falardeau, Canadá)



Mejor Maquillaje:

-"Albert Nobbs" Martial Corneville, Lynn Johnston y Matthew W. Mungle

-"Harry Potter 7 -Parte 2" Edouard F. Henriques, Gregory Funk y Yolanda Toussieng

-"The Iron Lady" Mark Coulier y J. Roy Helland



Mejor Música:

-John Williams por "Las aventuras de Tintín"

-Ludovic Bource por "El Artista"

-Howard Shore por "Hugo"

-Alberto Iglesias por "Tinker Tailor Soldier Spy"

-John Williams por "Caballo de guerra"



Mejor Canción Original:

-"Man or Muppet" ("The Muppets" Música y Letra: Bret McKenzie)

-"Real in Rio" ("Rio" Música: Sergio Mendes y Carlinhos Brown Letra: Siedah Garrett)



Mejor Corto Animado:

-"Dimanche/Sunday" Patrick Doyon

-"The Fantastic Flying Books of Mr. Morris Lessmore" William Joyce y Brandon Oldenburg

-"La Luna" Enrico Casarosa

-"A Morning Stroll" Grant Orchard and Sue Goffe

-"Wild Life" Amanda Forbis and Wendy Tilby



Mejor Corto:

-"Pentecost" Peter McDonald y Eimear O'Kane

-"Raju" Max Zähle y Stefan Gieren

-"The Shore" Terry George y Oorlagh George

-"Time Freak" Andrew Bowler y Gigi Causey

-"Tuba Atlantic" Hallvar Witzø













Mejor Edición de Sonido:

-"Drive" Lon Bender y Victor Ray Ennis

-"La chica del dragón tatuado" Ren Klyce

-"Hugo" Philip Stockton y Eugene Gearty

-"Transformers 3" Ethan Van der Ryn y Erik Aadahl

-"War Horse" Richard Hymns and Gary Rydstrom



Mejor Mezcla de Sonido:

-"The Girl with the Dragon Tattoo" David Parker, Michael Semanick, Ren Klyce y Bo Persson

-"Hugo" Tom Fleischman y John Midgley

-"Moneyball" Deb Adair, Ron Bochar, Dave Giammarco y Ed Novick

-"Transformers 3" Greg P. Russell, Gary Summers, Jeffrey J. Haboush y Peter J. Devlin

-"Caballo de guerra" Gary Rydstrom, Andy Nelson, Tom Johnson y Stuart Wilson



Mejores Efectos Visuales:

-"Harry Potter 7 Parte 2" Tim Burke, David Vickery, Greg Butler y John Richardson

-"Hugo" Rob Legato, Joss Williams, Ben Grossman y Alex Henning

-"Real Steel" Erik Nash, John Rosengrant, Dan Taylor y Swen Gillberg

-"Rise of the Planet of the Apes" Joe Letteri, Dan Lemmon, R. Christopher White y Daniel Barrett

-"Transformers 3" Scott Farrar, Scott Benza, Matthew Butler y John Frazier



Mejor Guión Adaptado:

-Alexander Payne y Nat Faxon & Jim Rash por "Los Descendientes"

-John Logan por "Hugo"

-George Clooney, Grant Heslov y Beau Willimon por "The Ides of March"

-Steven Zaillian y Aaron Sorkin. Story by Stan Chervin por "Moneyball".

-Bridget O'Connor & Peter Straughan por "Tinker Tailor Soldier Spy".



Mejor Guión Original:

-Michel Hazanavicius por "El Artista".

-Annie Mumolo & Kristen Wiig por "Bridesmaids".

-J.C. Chandor por "Margin Call"

-Woody Allen por "Medianoche en París"

-Asghar Farhadi por "A Separation".

Oscar 2012: Irán y otros 8 países por el Oscar Película Extranjera.

Aunque será el próximo martes 24 de enero cuando se anuncien las candidaturas al Oscar, hace unas semanas que se inició el proceso de pre-selección.

En el caso de la Mejor Película Extranjera, un codiciado Oscar al que fueron postuladas 63 películas en representación de igual número de países, ya se hizo una primera ronda de eliminatorias y sólo quedan 9 candidatas.

Esta vez ningún país Iberoamericano ha logrado pasar a segunda ronda y el filme iraní A Separation (2011, Asghar Farhadi) luce invencible entre las favoritas que serán observadas por sendos comités en New York y Los Angeles este fin de semana, antes de que se de a conocer los nominados.

La batalla no será fácil: se enfrentan filmes ya reconocidos como Pina (el documental en 3D deWim Wenders, Alemania) y Footnote (Joseph Cedar, Israel).

La lista la completan: Bullhead (Michael R. Roskam, Bélgica), Monsieur Lahzar (Philippe Falardeau, Canadá), Superclásico (Ole Christian Madsen, Dinamarca), Omar Killed Me (Roschdy Zem, Marruecos), In Darkness (Agnieszka Holland, Polonia) y Warriors of the Rainbow: Seediq Bale (Wei Te-sheng, Taiwán).

Drive: formidable film noir postmoderno.

Film noir es un término usado por el crítico Nino Frank para describir un tipo de cine que se hizo en Hollywood entre 1940 y 1950, cuyo referente es El halcón maltés (1941, John Huston), y que ha tenido una enorme influencia hasta nuestros días.

Como prueba de lo que digo, esta semana tenemos en cartelera Drive (El conductor), filme dirigido por el sueco Nicolas Winding Refn, la visión nórdica aplicada a un género típicamente americano.

Lo primero que hay que destacar es la correctísima escogencia del elenco, encabezado por un Ryan Gosling brillante, enigmático, distante, como dictan las reglas del género: las motivaciones los personajes son difíciles de establecer con precisión.

Destaco además de Gosling, uno de los aspectos más sobresalientes de su talento: la extraordinaria química que hace con sus co-protagonistas: Carey Mulligan (la dama en aprietos que requiere Drive); Michelle Williams (en la excepcional Triste San Valentín); Kirsten Dunst (en All The Good Things) y hasta Emma Stone (en Loco, estúpido amor).

Las reglas del género requieren que nuestros protagonistas se vean arrastrados por acontecimientos reñidos con la moral y, sin embargo, seguir teniendo nuestra simpatía. En Drive, nuestro conductor-sin-nombre se ve involucrado en un tormentoso triángulo amoroso que lo lleva a desafiar al establishment mafioso de Los Angeles. Probablemente no aprobamos las cosas que hace, pero queremos que les salgan bien: se difumina la frontera entre buenos y malos.

Para que califique como postmoderno, el filme debe jugar a las posibilidades de su propio drama. Esto se puede graficar con la escena del ascensor, incluído el efectivo uso del ralenti: nuestro protagonista se decide por un primer beso de relación prohibida y luego aniquilar el latente peligro de muerte, representado por el bandido de turno. Se viola una regla dramática y, sin embargo, disfrutamos lo ilógico del momento.

Finalmente, se disfruta el formidable uso como contrapunto de las canciones incluídas en la banda sonora, perfecto acompañamiento para las imágenes de neón de Los Angeles, donde no existen las verdades absolutas, donde todo es relativo.

Drive (2011). Director: Nicolas Winding Refn; Guión: Hossein Amini, basado en la novela de James Sallis; Fotografía: Newton Thomas Sigel; Música: Cliff Martínez; Elenco: Ryan Gosling, Carey Mulligan, Ron Perlman, Albert Brooks.  

Ganadores de los Globos de Oro 2012

Mejor Película (Drama): Los Descendientes (Alexander Payne).



Mejor película (Comedia o musical): El artista (Michel Hazanavicius).



Mejor Actor (Drama): George Clooney (Los Descendientes)



Mejor Actor (Comedia /Musical): Jean Dujardin (El artista).



Mejor Actor secundario: Christopher Plummer (Principiantes).



Mejor Director: Martin Scorsese (Hugo).



Mejor Actriz (Drama): Meryl Streep (La Dama de Hierro).



Mejor Actriz (Musical /Comedia): Michelle Williams (Mi semana con Marilyn).



Mejor Actriz secundaria: Octavia Spencer (The Help).



Mejor Guión – Película: Medianoche en París (Woody Allen).

Mejor Película de Animación: Las aventuras de Tin-Tin (Steven Spielberg)



Mejor Película Extranjera: A Separation (Asghar Farhadi, Irán).


Mejor Música: Ludovic Bource (El artista).

Lo mejor del 2011 en Santiago

En un mundo ideal, tendría que convocar a todo el Círculo de Cine de Santiago por toda una semana de deliberaciones a un resort para escoger los mejores estrenos del 2011 en los cines de la Ciudad Corazón.

Pero, ay Corazón, los estrenos han sido muy pálidos y me han dejado como adolescente esperando que un vampiro le chupe la sangre y el alma, y la ame por toda la eternidad.

Debemos agradecer al que inventó el dvd, por salvarnos de la muerte por deshidratación cinematográfica.

En un mundo ideal, las cosas fueran distintas. Pero no hay Paz en el Medio Oriente, ni salud en Africa, ni petróleo en Charco Largo.

Y, en Santiago, solamente hemos presenciado (en funciones regulares, a lo largo de una semana) diez películas recomendables en los últimos doce meses.

Aclarado este punto, el mejor filme en Santiago fue Medianoche en París, que también gana para Woody Allen, el renglón de Mejor Director.

Javier Bárdem es una fácil selección como Mejor Actor por su formidable interpretación en Biutiful, al igual que Natalie Portman como Mejor Actriz, por su labor en El cisne negro.

El resto de los estrenos, en estricto orden de exhibición, es como sigue:

-Biutiful (Alejandro González-Iñárritu)

-El discurso del Rey (Tom Hooper)

-Rango (Gore Verbinsky)

-Temple de acero (Joel y Ethan Coen)

-La hija natural (Leticia Tonos)

-El cisne negro (Darren Aronofsky)

-Dos hermanos (Daniel Burman)

-Agua para elefantes (Francis Lawrence)

-El juego de la fortuna (Bennet Miller)