“Nieta de mi abuela”, desde 7 de mayo en cines.

El documental Nieta de mi abuela, dirigido por Tatiana Fernández Geara y producido por Wendy P. Espinal, tendrá su estreno oficial este jueves 7 de mayo en Downtown Center en Santo Domingo, además en los cines de Santiago, San Francisco de Macorís y Puerto Plata. 

La película se estrena en el país tras un premiado recorrido por festivales internacionales en donde ha obtenido: Mejor Documental (New York Latino Film Festival), Mejor Guion (Festival de Trieste), Premio del Público (Chicago Latino Festival), Mención de Honor (Festival Monde en Vues, Guadalupe).

El documental nace de una súplica expresada por la abuela de Tatiana antes de fallecer: “No te quedes sola como yo.” Como mujer soltera de 40 años, llena de preguntas sobre qué significa “quedarse sola”, Tatiana explora la vida de su abuela Teresa Pichardo, una mujer imponente, dueña del icónico Cine Carmelita de San Francisco de Macorís, quien se divorció tres veces y desafió los cánones de la sociedad dominicana de la época. La cineasta empieza un recorrido que la lleva por archivos familiares, películas antiguas y cientos de cartas construyendo (o intentando deconstruir) una historia sobre el amor, las expectativas sociales y la soledad.

“Mientras más me metía en los archivos familiares, más claro me quedaba que, como mujeres, sigue habiendo una presión social muy fuerte para vernos casadas y con hijos, como si toda nuestra identidad se basará en parejas y bebés”, dice Tatiana. “Una mujer divorciada tres veces en los años 60 era cuestionable, pero hoy en día también lo es una que nunca se ha casado. ¿Qué tan difícil puede ser deconstruir lo que he aprendido sobre lo que una mujer debe o no debe ser?”.

El filme ganó el renombrado fondo de desarrollo de Chicken & Egg Films Research and Development Grant, al igual que los premios FONPROCINE para producción y posproducción de documental, este último gracias al apoyo del estudio Pulpo Post. Recibió además el apoyo de inversionistas privados gracias a la Ley de Cine. Se grabó en San Francisco de Macorís, Cabarete y Santo Domingo, además de Italia e Inglaterra.

Éste es el tercer largometraje de Tatiana Fernández Geara, a través de su casa productora Cine Carmelita. Sus primeras dos películas fueron Nana (2015) y Vals de Santo Domingo (2021). Esta última fue reconocida con una mención de honor en el Festival Internacional de Cine en Guadalajara. 

Con este estreno nacional, Nieta de mi abuela se presenta al público dominicano como una obra que invita a la reflexión sobre la identidad femenina, las relaciones afectivas y los legados familiares, desde una mirada honesta y profundamente personal.

Las nuevas reglas del Oscar.

La Academia de Hollywood anunció cambios en la normativa de los premios más populares del cine que endurecen la postura en torno a la inteligencia artificial (IA) y permiten además que los actores puedan ser nominados por varios papeles en la misma categoría.

La junta directiva informó en un comunicado que de cara a la próxima edición se reservará el derecho «de solicitar más información sobre la naturaleza del uso y la autoría humana» en proyectos realizados con IA generativa.

También decretó que las únicas interpretaciones que podrán optar a los premios Oscar de actuación serán aquellas acreditadas en los créditos de la película y realizadas por personas con su consentimiento.

En la categoría a mejor actor, el organismo cinematográfico amplió a «varias interpretaciones en la misma categoría» la nominación de los intérpretes, siempre y cuando «se ubiquen entre los cinco primeros puestos en la votación, lo cual coincide con los logros en otras categorías de premios», precisó.

Otra categoría que sufre un importante cambio es la del Oscar a la Mejor Película Internacional. Hasta el momento, solo los países (o regiones) podían enviar cintas para competir en los premios a través de comités de selección previamente aprobados; a partir de este año, las películas en una lengua distinta del inglés podrán entrar en consideración de la Academia -es decir, formar parte de la llamada 'longlist' de los Oscar- si ganan el máximo premio de una lista muy selecta de festivales: el Oso de Oro del Festival de Berlín, Mejor Película en el Festival de Busán, la Palma de Oro del Festival de Cannes, el Gran Premio del Jurado de la sección World Cinema en el Festival de Sundance, el Platform Award del Festival de Toronto y el León de Oro del Festival de Venecia.

La Academia emitió nuevas directrices en este renglón, indicando que solo considerará una película por país o región, elegida por un comité de selección local aprobado por el organismo de los premios. «La película figurará como nominada en lugar del país o la región, y el premio será recibido por el director en nombre del equipo creativo», agregó el escrito.

La edición 99 de los premios Oscar se celebrará el próximo 14 de marzo de 2027 en el teatro Dolby de Los Ángeles y se transmitirá en directo por ABC.

Cannes 2026: el Jurado.

Como se anunció previamente, el jurado del 79º Festival de Cannes estará presidido por el director, guionista y productor surcoreano Park Chan-wook . Le acompañarán la actriz y productora estadounidense Demi Moore , la actriz y productora irlandesa-etíope Ruth Negga , la directora y guionista belga Laura Wandel , la directora y guionista china-americana Chloé Zhao, el director y guionista chileno Diego Céspedes , el actor marfileño-americano Isaach De Bankolé , el guionista escocés Paul Laverty y el actor sueco Stellan Skarsgård .

El jurado tendrá el honor de otorgar la Palma de Oro a una de las 22 películas en competición, después de Tan solo un accidente, de Jafar Panahi , presentada por el jurado de Juliette Binoche, en 2025. Los ganadores se anunciarán el sábado 23 de mayo en la ceremonia de clausura del más importante festival de mundo.

 

Park Chan-wook

Visceral, subversivo, barroco: el cine de Park Chan-wook se define por su audacia en todos los sentidos: en su narrativa, su estilo y su postura moral. Sin embargo, nunca se aparta de un mensaje social simbólico ni de su público, al que sumerge en mundos oscuros e inquietantes para emprender viajes que son, a ratos, aterradores, estimulantes, eróticos… o todo a la vez. Todo comenzó en Cannes con Old Boy, que ganó el Gran Premio en 2004. Desde entonces, casi todas sus películas seleccionadas en la Competencia le han valido un lugar en la lista de ganadores: Thirst (Premio del Jurado 2009), The Handmaiden (2016), Decision to Leave (Premio al Mejor Director en 2022). Con una obra marcada por la venganza, plasmada en la trilogía Sympathy for Mister Vengeance, Old Boy y Lady Vengeance, y por la influencia de Hitchcock, perceptible desde Stoker (2013) hasta su reciente No Other Choice (2025), su trabajo encarna el ADN del cine coreano contemporáneo: libre de convenciones, orientado al público, ambicioso y deliberadamente provocador, sofisticado sin ser excesivamente intelectual.

 

Demi Moore.

La actriz, productora y autora de bestsellers del New York Times, nominada al Premio de la Academia, Demi Moore, protagonizó recientemente La Sustancia (Premio al Mejor Guion, Festival de Cannes 2024), dirigida por Coralie Fargeat. Su actuación le valió premios como el Globo de Oro, el Premio del Sindicato de Actores (SAG) y el Premio de la Crítica, además de nominaciones a los premios BAFTA y de la Academia. Recientemente regresó para la segunda temporada de la exitosa serie Landman, que ha sido renovada para una tercera temporada. Próximamente aparecerá en I Love Boosters, dirigida por Boots Riley, que ya ha recibido excelentes críticas iniciales, y protagonizará Strange Arrivals de Roger Ross Williams junto a Colman Domingo. Moore apareció anteriormente en la segunda temporada de Feud: Capote vs. The Swans y es ampliamente conocida por sus icónicas actuaciones en Ghost, A Few Good Men, Una propuesta indecente y GI Jane.

 

Chloé Zhao.

Chloé Zhao es una escritora, directora, editora y productora nacida en Pekín que ha dejado su huella en la historia del cine mundial. Dirigió su ópera prima, Songs My Brothers Taught Me (2015), que atrajo la atención en festivales como Sundance y Cannes, y dos años después, The Rider, que obtuvo un gran éxito de crítica. Posteriormente, dirigió la película Nomadland, que ganó dos premios Oscar a la Mejor Película y a la Mejor Dirección, y el largometraje Eternals para Marvel Studios. En 2025, recibió varios premios por Hamnet (incluido el de Mejor Película Dramática en los Globos de Oro y el de Mejor Película Británica en los BAFTA) y se convirtió en la segunda mujer en ser nominada dos veces al Oscar a la Mejor Dirección. Fundó la productora Book of Shadows en 2023 y Kodansha Studios en 2025.

Adolfo Aristarain (1943-2026).

El director y guionista Adolfo Aristarain, que falleció a los 82 años en su Buenos Aires natal, deja como legado una extensa y laureada filmografía labrada fundamentalmente en Argentina y España, con exitosos títulos como Un lugar en el mundo y Martín (Hache).

Aristarain, nacido el 19 de octubre de 1943 en la capital argentina, tuvo interés desde su infancia por la literatura y el cine.

Se inició en el séptimo arte como montador y sonidista en Río de Janeiro y luego como ayudante de producción en Buenos Aires, para luego, a comienzos de la década de 1960, dar sus primeros pasos como asistente de dirección.

En 1967 se mudó a Madrid y regresó en 1974 a Buenos Aires, donde continuó trabajando como asistente de dirección de realizadores como Vicente Aranda, Daniel Tinayre y Sergio Renán.

Su primera película como director llegó en 1978, La parte del león, de la que también escribió el guion, filme protagonizado por Julio de Grazia, Luisina Brando y Fernanda Mistral.

Sus largometrajes -once en total-, rodados en Argentina y España, incluyen títulos de gran éxito, como Tiempo de revancha (1981), Un lugar en el mundo (1992), Martín (Hache) (1997) y Roma (2004), su último filme.

Reconocidos actores, como Juan Diego Botto, Cecilia Roth, José Sacristán y Federico Luppi trabajaron bajo las órdenes de Aristarain, que se consideraba un admirador de directores estadounidenses como John Ford y John Huston.

En 1992 su filme Un lugar en el mundo fue nominado a un Óscar como mejor película extranjera, largometraje que ese mismo año ganó un Goya.

En 2002 otro de sus filmes, Lugares comunes, se alzó con un Goya al mejor guion adaptado.

Fue además reconocido con varios premios en el Festival de Cine de San Sebastián y con galardones Cóndor de Plata en Argentina.

«Mis películas tenían un objetivo claro, que era muy visible en La parte del león o en Tiempo de revancha: atacar al capitalismo, que es un sistema que considero salvaje. Hoy pienso lo mismo, este sistema nos destruye sin la más mínima piedad y hay que cambiarlo», dijo en 2013.

Aristarain fue miembro de la Academia de Cine de España y vicepresidente de la organización Directores Argentinos Cinematográficos (DAC).

En 2003 le fue otorgada la nacionalidad española, en mérito a su aporte a la cultura iberoamericana.

Hace un par de años, reveló en una entrevista que alguna vez planeó filmar una película sobre el músico argentino Astor Piazzolla, un proyecto que descartó luego de que en 2019 se sometiera a un operación del corazón.

«El cine es un oficio despiadadamente traidor para quien lo ejerce. Aunque uno intente esconder lo que uno es, tarde o temprano el director desnuda su alma sin quererlo en primer plano. El cine que uno hace es lo que uno es», definió Aristarain en 2024, al recibir la Medalla de Oro de la Academia de Cine de España.

Cannes 2026: el afiche.

Treinta y cinco años después del estreno mundial de Thelma y Louise, película de Ridley Scott, el 20 de mayo de 1991 en Cannes, ellas regresan como heroínas del cartel oficial.

Estas dos luchadoras inolvidables cambiaron el rumbo de los acontecimientos y rompieron estereotipos cinematográficos y políticos; encarnaron la libertad absoluta y una amistad inquebrantable; mostraron el camino hacia la emancipación cuando esta se vuelve crucial. Recordarlas hoy significa celebrar el progreso alcanzado, sin olvidar el trabajo que aún queda por hacer.

Con una camiseta blanca de tirantes y una pose despreocupada, Louise clava su mirada en la nuestra, desafiándonos con los ojos. Con un revólver en el bolsillo trasero, Thelma escudriña el horizonte tras sus gafas oscuras. Ambas van sentadas con orgullo en un Ford Thunderbird descapotable de 1966. Bajo el sol de Arkansas, en una América desierta, se lanzan a la carretera, escapan, huyen —de la existencia, de la sociedad, de los hombres que las maltratan— para forjar su propio camino.

Los temas vanguardistas de 1991 impregnaban Thelma & Louise y siguen resonando con fuerza hoy en día. Para plasmarlos, el Festival de Cannes eligió esta imagen en blanco y negro de una película vibrante que celebra la vida y la eterna lucha por la libertad de ser uno mismo.

Hace treinta y cinco años, las dos protagonistas de la primera road movie feminista protagonizada íntegramente por mujeres se lanzaron a la aventura, impulsadas por un viento de libertad que soplaba a sus espaldas. Se convirtieron en iconos inmortales. Hoy, están ante nosotros. Y contemplamos su legado.

Luis Puenzo (1946-2026)

 

El director, guionista y productor argentino Luis Puenzo, ganador del primer Óscar en la historia del cine argentino por la película La historia oficial (1985), murió a los 80 años, confirmó la Sociedad General de Autores de Argentina (Argentores).

“Con profundo pesar despedimos al destacado guionista, director, productor y socio de nuestra entidad Luis Puenzo, quien falleció en la ciudad de Buenos Aires, a los 80 años. Desde Argentores enviamos nuestras condolencias a sus familiares, amigos y colegas en este difícil momento”, señaló la entidad en un comunicado.

El reconocimiento internacional llegó con La historia oficial, que dirigió y coescribió junto a Aída Bortnik, que abordaba el robo de niños y niñas durante la última dictadura militar argentina y fue protagonizada por Norma Aleandro y Héctor Alterio.

El filme obtuvo múltiples galardones y obtuvo el Oscar a la Mejor película extranjera en 1986, el primero en la historia del cine argentino.

Puenzo y Bortnik recibieron también la nominación al Óscar en la categoría de mejor guion original, y la película fue premiada en el Festival de Cannes, ganó el Globo de Oro a Mejor película en lengua no inglesa y obtuvo el premio Cóndor de Plata de la Asociación de Cronistas Cinematográficos de la Argentina.

Continuó su carrera de director y guionista con títulos como Gringo viejo (1989), adaptación de la novela del escritor Carlos Fuentes, una producción internacional que contó con las actuaciones de Jane Fonda, Gregory Peck y Jimmy Smits, ambientada en los años de la revolución mexicana.

Además, adaptó el guion y dirigió La peste (1992), basada en la novela homónima de Albert Camus, encabezada por William Hurt, Robert Duvall y Raúl Juliá; y La puta y la ballena (2004), largometraje rodado entre Argentina y España, protagonizado por Leonardo Sbaraglia y Aitana Sánchez-Gijón.

“Milly: la reina del merengue”, nuevo filme de Leticia Tonos.

Leticia Tonos Paniagua es una de nuestras cineastas más talentosas. Bastaría revisar algunos títulos de su filmografía: La hija natural, Cristo Rey y Mis 500 locos para comprobar su enorme talento y su audacia de probar con diversos géneros cinematográficos.

Milly Quezada no solo es la reina del merengue: es una de las más dignas representantes de la mujer dominicana de cualquier época, perfecto ejemplo de superación personal frente a los obstáculos de quienes emigraron a New York en los convulsos años 60, sin ceder un ápice en sus principios y sus creencias.

Estas dos mujeres extraordinarias han hecho posible Milly: reina del merengue, filme mitad biopic, mitad musical que llega a la cartelera luego de su estreno en el Festival de Cine Global y su recorrido por los Festivales de Panamá y Miami.

La exitosa carrera como merenguera de Milly Quezada es conocida por varias generaciones que han bailado y cantado su música. Milly: reina del merengue nos presenta también lo que la cámara no capta, lo que el público desconoce: los fracasos, las lágrimas, la resiliencia detrás de cada éxito discográfico, detrás de cada fiesta multitudinaria, de cada estatuilla recibida.

Milly Quezada recibió el Gran Soberano de Acroarte en 1998, como reconocimiento a una carrera que también se ha visto premiada con el Latin Grammy y el Premio a la excelencia de The Latin Recording Academy.

Milagros Quezada Borbón llegó siendo una niña al Washington Heights de mediados de la década 60 y tuvo que enfrentarlo todo: una vieja cultura paternal que le asignaba papeles muy específicos como mujer (nada de tongonearse en una tarima), una nueva cultura que no siempre era hospitalaria y el deseo natural de la niña Cuquita de convertirse en la mujer Milly, contando con muy poco estímulo de su entorno más íntimo. Es en ese momento cuando la fe en ti mismo obra maravillas y descubres tu propia voz.

Para contar (y cantar) esta historia se necesitaba no solo de la sororidad de Quezada (productora ejecutiva del filme) y de Tonos (guionista y directora): era necesario encontrar a alguien que fuera capaz de encarnar toda la fuerza y la vulnerabilidad, la determinación y las caídas del personaje. Aquí aparece el primer acierto del filme: Sandy Hernández quien, en su primer protagónico, logra una actuación asombrosa.  

Hernández luce formidable en su papel como Milly, con su rostro, su cuerpo y su propia voz al servicio de los propósitos dramáticos que, en varias ocasiones, nos sacuden por dentro. Unas veces de pura empatía con el personaje que atraviesa una crisis, otras como expresión de la alegre dominicanidad que albergamos en nuestros corazones.

Ese es el gran logro de Milly: reina del merengue: al margen de la excelencia de la puesta en escena, la fotografía, el vestuario y la edición, nos conmueve en lo más íntimo, nos enciende una chispa interior con tanta desbordante alegría quisqueyana, sobre todo para quienes vivimos los años dorados del merengue, convocando todos los recuerdos al compás de Volvió Juanita.

Por supuesto, el filme también funciona como inventario de los obstáculos que enfrenta cualquier inmigrante dominicano a New York, atraídos por la propaganda del Sueño Americano o por las inseguridades que se generan en los muchos desgobiernos que nos han azotado.

Por supuesto, un filme basado en la vida de una merenguera que ha sembrado tantas alegrías en varias generaciones, es un obvio inventario de muchos de los éxitos merengueros de las últimas décadas y un sincero y necesario reconocimiento a una mujer que ha logrado el éxito y es un referente de decencia, una absoluta dama del escenario, quien solo necesitó mostrar su talento y ejercer su maravillosa capacidad para conectar con su público, la misma que todavía la mantiene posicionada en el gusto popular.

En una época en que los medios destilan ejemplos execrables, se hace invaluable un filme como Milly: reina del merengue y su contundente alegato: la trascendencia viene como recompensa a quienes no trafican con su dignidad.

 

Milly: reina del merengue (2026). Dirección: Leticia Tonos; Guion: Leticia Tonos y Junior Rosario; Fotografía: P. J. López: Edición: Juanjo Cid; Música: Luichy Guzmán y Allan Leschhorn; Elenco: Sandy Hernández, Juan Carlos Pichardo, Jalsen Santana, Nicole Padrón, Cindy Galán.

Luis Brandoni (1940-2026)

Luis Brandoni, uno de los más grandes actores argentinos, conocido por éxitos como La tregua, La odisea de los giles o La Patagonia rebelde, falleció este lunes a los 86 años tras haber sufrido hace unos días un accidente doméstico, se informó.

Nacido en Buenos Aires en 1940, Brandoni comenzó su carrera como actor en televisión y participó después en grandes éxitos del cine argentino. Acababa de estrenar Parque Lezama, de Juan José Campanella, adaptación de la obra de teatro homónima, en Netflix.

El actor, que acababa de cumplir 86 años este sábado, también se encontraba preparando la segunda temporada de Nada, una serie para Disney+ en la que compartió escenas con Robert De Niro, según recoge el diario Clarin.

Desde el anuncio de su muerte, se han sucedido las condolencias. Entre ellas, la del secretario de Cultura argentino, Leonardo Cifelli, quien afirmó que «Brandoni fue mucho más que un actor extraordinario: fue un emblema de nuestra identidad cultural».

«Supo retratar como pocos el alma argentina y fue un referente cuyo compromiso con su oficio lo convirtió en ejemplo para colegas y futuras generaciones -añadió-. Su talento, su vocación y su integridad seguirán siendo parte viva de nuestra cultura».

El productor de cine Axel Kuschevatzky, que trabajó con él en varias ocasiones, compartió un mensaje en su perfil de Instagram en el que asegura que «Luis Brandoni fue único, y es imposible imaginar el cine argentino sin él. Su figura atraviesa algunas de las películas más importantes de nuestro ADN cultural de los últimos 55 años. Trabajé con él cinco veces, y compartir tiempo a su lado siempre fue memorable».

La actriz Graciela Borges dijo también en Instagram: «Vas a estar siempre en mi corazón», mientras que Soledad Silveyra, que compartía escenario junto a Bradoni en ‘¿Quién es quién?’, la obra que se tuvo que suspender tras su caída, lamentó la desaparición del actor.

«Sos el último de los grandes en irse. Siempre con tu recuerdo. Día muy triste para la cultura», señaló.

Según dijo el productor teatral Carlos Rottemberg, Brandoni fue «un defensor de la cultura argentina. Después de 48 años de amigo, puedo decir que por un lado uno tiene el dolor que tiene que tener y por el otro gratificar que Brandoni vivió todo lo que él quiso vivir», agregó.

También lamentó su muerte la Asociación Argentina de Actores con un mensaje en la red X: «Acompañamos con respeto a sus familiares y seres queridos en este momento de dolor. Su sólida labor interpretativa en cine, teatro y televisión lo consolidó como una reconocida figura de la escena nacional».

Nathalie Baye (1948-2026)

La actriz francesa Nathalie Baye, conocida por haber sabido encarnar todo tipo de papeles a las órdenes de prestigiosos directores como François Truffaut, Xavier Dolan, Bertrand Blier o Claude Chabrol, falleció a los 77 años de edad, anunció su familia a medios locales.

Ganadora de cuatro César del cine francés, uno de los rostros más populares de la gran pantalla francesa, Baye falleció este viernes en su domicilio parisiense, tras una larga enfermedad que había sufrido durante el último año.

Polifacética hasta el final de su carrera, la actriz se caracterizó por atreverse con todo tipo de papeles, del drama a la comedia, pero también por su huida del estrellato, pese a que durante cuatro años fue la pareja del mediático ‘rockero’ Johnny Hallyday, con quien tuvo una hija, la también cineasta Laura Smet.

Tras efectuar estudios de danza en Mónaco y Nueva York, la joven nacida en un pueblo de Normandía el 6 de julio de 1948, regresó a París con 18 años para aprender interpretación y tras una carrera en el teatro llamó la atención de Truffaut, que le otorgó un papel preponderante en La noche amemricana, trampolín hacia su éxito.

A partir de ese éxito, se multiplicaron los papeles en la gran pantalla, de la mano de Claude Sautet (Mado), Marco Ferreri (La dernière femme), Maurice Pialat (La gueule ouverte), entre otros, además de una nueva colaboración con Truffaut en El hombre que amaba a las mujeres.

Ganadora del César el mejor papel secundario en 1981 y 1982, la consagración le llegó al año siguiente cuando ganó el de mejor actriz por Un étrange affaire, de Pierre Granier-Deferre.

Un cuarto premio le llegaría ya en la madurez por Le petit liutenant, de Caroline Vaudieu, en 2006.

Nathalie Baye dejó también tomas de posición en temas políticos, algunos más de consenso, como su apoyo a la lucha contra el cambio climático, otros más polémicos como cuando en 2023 firmó junto a otros artistas una columna en apoyo a Gérard Depardieu, acusado de abusos sexuales, por los que posteriormente fue condenado.

En mayo regresa el Festival de Cine “HECHO EN RD”

Como parte de la tradición de la industria cinematográfica del país, regresa este año el Festival de Cine Fine Arts “Hecho en RD”, esta vez a realizarse en Caribbean Cinemas Downtown Center, estrenando nueva sede, la cual acogerá una amplia propuesta de proyectos locales que van desde películas hasta cortometrajes, charlas y conversatorios.

Para esta ocasión en el mes de mayo, la sexta edición del festival reafirma el crecimiento del cine nacional en diferentes vertientes, abarcando una programación 100% dedicada a producciones dominicanas, celebrando nuevas historias y creaciones de gran impacto, así como creando un espacio de apoyo a los cineastas y actores del país.

Próximamente se darán a conocer más detalles sobre la programación y actividades.

Asimismo, el festival presenta el Premio del Público, una iniciativa que brinda a los asistentes la oportunidad de elegir la mejor película o documental, participando mediante votación en línea a través de festivaldecinefinearts.com. Como incentivo adicional, los votantes podrán optar por atractivos premios sorpresa.