Premios Spirit 2023: los ganadores.

El filme Todo en todas partes al mismo tiempo lideró los galardones de los Premios Spirit de cine independiente al ganar todas las categorías en las que estaba contemplada, en una ceremonia que se asume como antesala del Oscar. 

La película de Daniel Kwan y Daniel Sheinert que retrata la transformación de una madre de familia llena de problemas a una heroína que atraviesa por un sinfín de multiversos, continúa su camino como la favorita de la Temporada de Premios. 

La cinta triunfó en las siete categorías en las que competía: mejor película, mejor actuación, mejor actuación secundaria, mejor actuación revelación, mejor edición, mejor guion y mejor dirección.

“Esto es demasiado gracias a todos aquellos que hacen películas independientes raras, esas películas cambian mi vida, gracias a los financiadores por creer en estas películas locas”, dijo Scheinert al recibir el premio más importante. 

Conocidos como “los Oscar del indie”, los Spirit solo reconocen a películas cuyo presupuesto esté por debajo de los 30 millones de dólares, una cifra bastante baja para los estándares de los estudios de Hollywood. 

Además, también debieron de haber sido programados en al menos un festival de cine independiente como Sundance, Tribeca, Toronto o el New Directors/New Films.

Esta fue la primera edición en la que los galardones se celebraron con categorías de interpretación neutras en cuanto al género y fue la actriz Michelle Yeoh la triunfadora entre los diez artistas nominados a mejor actuación. 

La victoria de la cinta de Kwan y Scheinert en estos galardones y los reconocimientos a mejor película que esta ha recibido en otras ceremonias más, afianzan las predicciones de su triunfo en los Oscar.

De los siete premios a los que aspiraba Tár, en la que Todd Field retrató un caso de abuso de poder perpetuado por una directora de orquesta, solo se hizo del galardón a mejor fotografía para Florian Hoffmeister. 

Asimismo, el filme de Sarah Polley Women Talking recibió el premio Robert Altman, y en su discurso el elenco resaltó lo emocionante que fue hacer una película llena de “mujeres maravillosas”.

La película Aftersun, de Charlotte Wells, se alzó con el premio a mejor ópera prima y en el ámbito documental, la cinta All The Beauty And the Bloodshed fue la ganadora. 

El galardón a mejor película internacional se lo llevó la cinta paquistaní Joyland, de Saim Sadiq, y el premio a mejor guion de ópera prima fue para Emily the Criminal, de John Patton Ford. 

El evento fue presentado por el cómico Hasan Minhaj, quien junto a la actriz Aubrey Plaza se encargó de decir los chistes más ácidos de la ceremonia que no fue televisada y solo fue retransmitida por la plataforma de Youtube. 

“Mi país imaginario”: nuevo documental de Patricio Guzmán.

En octubre de 2019, más de un millón de personas salieron a protestar en las calles de Santiago de Chile por más democracia, por una vida más digna, una mejor educación, un mejor sistema de salud y una nueva constitución. Independientemente de los motivos, semejante explosión social es música para los ojos y los oídos de cualquier documentalista. Y Patricio Guzmán es uno de los mejores de Latinoamérica.

Guzmán estuvo al lado de Salvador Allende en los eventos de su elección como presidente y el posterior golpe de estado encabezado por Pinochet. Logró salir al exilio y salvar una copia de La batalla de Chile (1975-1979), trilogía que lo dio a conocer en todo el mundo. Las desgarradoras imágenes del bombardeo al Palacio de la Moneda logradas por Guzmán, deben estar entre las más difundidas del cine latinoamericano.

Desde el exilio, Guzmán ha construido una sólida carrera como documentalista teniendo a Chile como tema central. A partir de su capacidad creativa y su memoria, hemos conocido y viajado por el Chile de su infancia y su adolescencia y que, al primer asomo de la primavera, tuvo que abandonar.

En años recientes, Guzmán ha logrado otra trilogía excepcional: Nostalgia de la luz (2010, Premio mejor documental en Guadalajara y Miami, Premio TFCA), El botón de nácar (2015, Premio del Jurado Ecuménico y Mejor guion en Berlín y Platino al mejor documental) y La cordillera de los sueños (2019, Ojo de Oro en Cannes y Goya a Mejor Película Iberoamericana). Estos documentales son canvas en que Guzmán se permite a sí mismo reflexionar sobre ciencia, metafísica y política, en una mezcla que resulta absolutamente novedosa, íntima y maravillosa.  

El estallido social de octubre de 2019 le brindó a Guzmán una oportunidad única: conciliar el Chile de sus sueños y su memoria, con el Chile que daba indicios de despertar. En medio de las bombas, del gas lacrimógeno, de las baldosas convertidas en armas, de los excesos, ahí estuvo Guzmán con su cámara buscando el sentido de todo aquello.

Hablando de excesos, la policía de Sebastián Piñera estrenó un método para infundir terror: disparaba sus balines a los ojos de los manifestantes y se cuentan por cientos los que sufrieron lesiones en la vista, algunos quedando completamente ciegos. Debe ser que molesta que la gente se dé cuenta de los cuentos que se han inventado a lo largo de tantos años. Debe ser que molesta que el pueblo quiera abrir los ojos para ver todo lo que han ocultado.

En Mi país imaginario, Guzmán se fija en los pequeños grandes detalles: ningún político ni personalidad llamó al pueblo a lanzarse a las calles, todo fue pura espontaneidad; nadie era líder del movimiento ni había nada que negociar: las demandas tenían años en espera de los ciegos y sordos; muchos se sintieron en el centro de la Historia, ese inexpugnable llamado que solo ocurre una vez en la vida, cuando se cree posible construir tu propio destino.

Y, como es usual, una experiencia aleccionadora: los más, siempre debemos reclamar a los menos todas las deudas pendientes. Son muchas. Pero para eso tenemos el porvenir.

Mi país imaginario (2022). Dirección y guion: Patricio Guzmán; Fotografía: Samuel Lahu; Edición: Laurence Manheimer; Música: José Miguel Miranda, Miguel Miranda, José Miguel Tobar.

“El castigo”, intenso plano secuencia de Matías Bize.

Una de las acrobacias más difíciles de lograr en el mundo del cine es el llamado “plano secuencia”, es decir, una toma en que la cámara no deja de filmar y que se constituye en sí mismo en una unidad sintáctica en el discurso cinematográfico. Por la perfecta coreografía que exige de todo el equipo (actores, director de fotografía, director de arte, etc) hacer un buen plano secuencia es un logro muy difícil de conseguir para cualquier director. Basta con que, al minuto 7 (por ejemplo), un actor se pierda en sus líneas o un técnico olvide ajustar el lente, o un vecino entre por accidente y lo arruine todo. Es empezar desde cero.

El reto adquiere matices verdaderamente dramáticos cuando en vez de un plano secuencia insertado en un filme con su edición típica (siempre se cita al plano secuencia de Goodfellas (1990, Martin Scorsese) como el mejor del Cine), en un plano secuencia que se extiende todo el filme, es decir, un filme de una sola toma.

Muchos lo han hecho e incluso, han sobrevivido al intento. Dos filmes nos vienen a la memoria como parte de los mejores: El arca rusa (2002, Alexander Sokurov), trescientos años de historia rusa condensados en 87 minutos, y Time Code (2000, Mike Figgis), locura que además sumó al desafío que eran cuatro historias simultáneas y que los personajes pasaban de un cuadro a otro en la pantalla. O un clásico contemporáneo como Birdman (2014, Alejandro G. Iñárritu), que simula un plano secuencia.

La larga introducción sirve para presentarles El castigo, la nueva película del chileno Matías Bize que está rodada en un único plano secuencia. Bize cautivó a medio mundo con su segunda película, En la cama (2005, Espiga de Oro en Valladolid), en la que asumió el reto dramático de no sacar a sus personajes de la cama durante los 85 minutos del filme.

De hecho, su ópera prima, Sábado (2003, Premio Rainer Werner Fassbinder en Mannheim), está rodada en un único plano secuencia, por lo que podemos afirmar que El castigo es una vuelta a sus orígenes como cineasta y sus preocupaciones estéticas.

La premisa de El castigo es insuperable: la pareja de Ana y Mateo decide castigar a su hijo abandonándolo un par de minutos en el bosque pero, cuando regresan por él, Lucas ha desaparecido.

Para sacar mayor provecho a la situación, Bize cuenta con colaboradores de lujo: la inmensa Antonia Zegers y el no menos eficiente Néstor Cantillana. Ellos cargarán con todo el peso dramático del filme durante los intensos 80 minutos de proyección, en los que deben construir un arco dramático creíble y orgánico para sus personajes, siempre partiendo de una coreografía en la que el timing entre ambos, debe ser perfecto. Bize añade la presencia de Catalina Saavedra (¿la recuerdan en La nana (2009, Sebastián Silva) y el bosque pasa a ser, más que un escenario, otro personaje que juega un papel esencial en la trama: añade fisicalidad: en unas horas todo estará muy oscuro y muy frío, y las probabilidades de que Lucas aparezca vivo se reducirán al mínimo.

A lo largo de ese crescendo dramático, Ana y Mateo nos mostrarán el lado oscuro de su corazón, las heridas que laceran sus almas, todas las lesiones que les han provocado sus renuncias, todo el odio que se acumula en años de matrimonio frente a una cámara que lo filma todo, que no oculta nada y que nos cautiva en su parsimonioso ballet.

Bize estuvo presentando El castigo en el Festival de Cine Global de Santo Domingo. Allí confesó que logró sentirse satisfecho con la séptima toma de la película, la misma que se presenta en todo el mundo. Ese hecho habla de la madurez que ha alcanzado como cineasta que nunca teme enfrentarse a los retos de hacer Buen Cine.

 

El castigo (2022). Dirección: Matías Bize; Guion: Matías Bize y Coral María Cruz; Fotografía: Gabriel Díaz; Edición: Luis Barros; Música: Gustavo Pomeranec; Elenco: Antonia Zegers, Néstor Cantillana, Catalina Saavedra.

“Renacer”, desde el 23 de marzo en cines.

La productora Pop Entertainment anunció el estreno de su nuevo proyecto, Renacer, un documental que narra la historia del nadador paralímpico dominicano Patricio López, rodado con el apoyo de Asociación Cibao de Ahorros y Préstamos. 

Durante un encuentro, Evelyna Rodríguez y Danilo Reynoso, de Pop Entertainment, ofrecieron los detalles del audiovisual que cuenta la historia del nadador paralímpico, quien actualmente es uno de los 10 mejores competidores de América en varios tipos de nados. 

Escrito y dirigido por Tito Rodríguez, Renacer está traducido en su totalidad en lengua de señas, la pieza de 75 minutos llegará el próximo 23 de marzo a las salas de Caribbean Cinemas. 

Yara Hernández, gerente de Comunicaciones y Sostenibilidad de la ACAP, expresó que “es conocido que, en la Asociación Cibao, desde el 2019 trabajamos en el fomento de un enfoque inclusivo por medio de programas que impulsan la cultura institucional, con una visión orientada a establecer un diseño para todos, que asegure la accesibilidad física, comercial y la inclusión laboral de las personas con discapacidad, en igualdad de oportunidades”.

Cabe destacar que tras su proyección en las salas de cine, ACAP lo llevará de forma gratuita durante un año, vía los centros culturales y universidades del país de las distintas ciudades y provincias en las que la Asociación Cibao tiene presencia comercial.
Danilo Reynoso, productor y director de Pop Entertainment, manifestó que “queremos que más personas conozcan y se inspiren a través de esta historia; Patricio es un ejemplo, no solo para los atletas en condiciones especiales, sino para cualquier ser humano”. 

En este sentido, Evelyna Rodríguez, productora ejecutiva, dijo que “tenía una deuda con la comunidad sorda con la que vengo trabajando hace 7 años, y este documental era perfecto para dar un mensaje verdadero sobre inclusión”. 

Patricio López ha participado en los Juegos Parapanamericanos de Lima 2019, Juegos Paralímpicos Tokio 2020, y en este 2023 busca asegurarse un puesto en los 50 metros pechos, el 150 combinado y los 200 metros libres para el Mundial Paralímpico, así como los tiempos reglamentarios para clasificar en los próximos Panamericanos en Chile, y de ahí a los Juegos Paralímpicos de París 2024.

“Bantú Mama”, premiada en los NAACP Awards

El pasado 24 de febrero, en la ciudad de Los Ángeles y durante la entrega número 54 de los NAACP Image Awards, Bantú Mama, de Iván Herrera, se convirtió en la primera película dominicana en ganar el galardón “Outstanding International Motion Picture” (Mejor Película Internacional) de esos premios.

El NAACP Image Awards es una ceremonia anual de premios presentada por la Asociación Nacional para el Avance de las Personas de Color (NAACP), que celebra los logros destacados y las actuaciones de las personas afrodescendientes en el cine, la televisión, el teatro, la música y la literatura. Es similar a otros premios, como los Oscar y los Grammys.
Otros ganadores de la noche incluyen a la actriz Angela Bassett (Wakanda Forever), la directora Gina Prince-Bythewood (The Woman King) y la leyenda del rap, Cliff ‘Method Man’ Smith, entre otros.
Explorando con una perspectiva diferente las identidades de los descendientes de la diáspora africana, Bantú Mama cuenta la historia de Emma, una mujer franco-camerunesa que huye de un arresto por tráfico de drogas en la República Dominicana. Encuentra refugio con tres niños que viven solos en Capotillo, el barrio más peligroso de Santo Domingo. Al convertirse en su protegida y su figura materna, su destino cambiará inexorablemente. 

Distribuida por Ava DuVernay’s Array Releasing, Bantú Mama está disponible en Netflix desde noviembre de 2022 en América del Norte, el Reino Unido, Australia y Nueva Zelanda.

Escrita por Iván Herrera y la actriz francesa Clarisse Albrecht, quien también la protagoniza, Bantú Mama se estrenó en el SXSW en 2021 y se presentó internacionalmente en numerosos festivales de cine (BFI London Film Festival, Fespaco, Durban International Film Festival). Los productores son Herrera, Albrecht, Franmiris Lombert y Nicolas LaMadrid.

Cannes 2023: Ruben Östlund, Presidente del Jurado.

50 años después de su compatriota Ingrid Bergman, el director sueco Ruben Östlund , dos veces Palma de Oro, presidirá el Jurado de la 76 edición del Festival de Cine de Cannes, que se celebrará del 16 al 27 de mayo.

“Estoy feliz, orgulloso y honrado de que se me confíe el honor de presidir el Jurado del Festival de Cine de Cannes este año. Ningún otro lugar del mundo despierta tantas ganas de cine cuando se levanta el telón de una película en Competición. Qué suerte estar allí con estos finos conocedores que son los asistentes al festival de Cannes. Creo sinceramente que la cultura del cine atraviesa un momento crucial. El cine es único. Lo compartimos. Ver juntos exige más de lo que se muestra e intensifica la experiencia. Nos trae algo tan diferente a esta dopamina secretada por el desplazamiento de pantallas individuales ”, declaró el futuro presidente Ruben Östlund cuando se anunció su nombramiento.

En tan solo 6 largometrajes, el cineasta ha tenido dos selecciones en Un Certain Regard, por el que ganó el Premio del Jurado en 2014, antes de entrar en Competición. Apenas aparece allí, se le otorga dos veces la Palma de Oro. Primero por The Square (2017), luego por su próxima película, El triángulo de la tristeza, galardonada el año pasado.

Tras estudiar cine en Gotemburgo, en 2004 dirigió su primer largometraje, The Guitar Mongoloid. Al borde del documental, el cineasta describe los destinos cruzados de personajes marginales en una ciudad ficticia que parece estar equivocada en Gotemburgo. El humor como herramienta de descripción sociológica ya se está manifestando.

Su próximo cortometraje, Escena autobiográfica número 6882, contiene todos los ingredientes de su obra por venir, que se afirman en Happy Sweden, largometraje seleccionado para Un Certain Regard en 2008. Su cámara está colocada a una buena distancia para observar mejor el comportamiento humano: pequeñas debilidades y los grandes sesgos provocados por la dinámica de grupo se diseccionan hasta la incomodidad.

Dos años después, Incident by a Bank ganó el Oso de Oro al mejor cortometraje en la 60ª edición de la Berlinale al escudriñar las reacciones de los transeúntes ante el atraco a un banco. Su tercer largometraje, Play (2011), presentada en Cannes, en la Quinzaine des Réalisateurs, describe el acoso entre distintas bandas de jóvenes, y suscita un amplio debate en la sociedad sueca cuando se estrena.

En Fuerza mayor (2014), presentada en Un Certain Regard, esta situación toma el cariz de una avalancha donde un padre prefiere refugiarse antes que salvar a sus hijos y a su mujer: ¿cómo asumir las secuelas, con la mala fe y el miedo de perder la cara? Este es el tema que el director estudia con feroz acidez. Ruben Östlund cava así el surco de una provocativa dialéctica que es su firma: una situación inicial enmarca un examen sociológico donde los bajos instintos de nuestra humanidad son tamizados a través de un humor corrosivo.

En 2017, en The Square, pone en ficción una experiencia artística que realizó en su país natal. La película discute brillantemente los límites del espacio público, el arte y nuestra parte animal. Finalmente, en 2022, El triángulo de la tristeza narra un crucero atrapado en una tormenta que baraja, en una gran algarabía nauseabunda, las cartas de la lucha de clases en nuestras sociedades occidentales, por lo que es un cine sin concesiones ni pretensiones, que llama incesantemente al espectador a cuestionarse a sí mismos y al arte a reinventarse continuamente, que el Festival de Cannes saluda invitando a Ruben Östlund a la Presidencia del Jurado.

Se convierte así, después de Francis Ford Coppola y Emir Kusturica, en el tercer cineasta dos veces premiado en convertirse en Presidente del Jurado, y el primero en asumir este cargo al año siguiente de su coronación.

“Como presidente, concluye Ruben Östlund, recordaré a mis colegas del jurado el papel del cine. Una buena película también conecta con la experiencia colectiva, estimula la reflexión y da ganas de discutirla. ¡Así que vamos a ver películas juntos!”.

Premios Soberano 2022: los nominados en CINE.

La Asociación de Cronistas de Arte (Acroarte) anunció a los nominados a la entrega número 38 de los Premios Soberano 2022, galardones que reconocen lo mejor del arte y la cultura nacional y máxima distinción artística que se celebra en la República Dominicana.

Para esta edición, se suman cuatro categorías nuevas para reconocer a los artistas más destacados del año pasado en distintas expresiones que gozan del aplauso y la admiración del público y el reconocimiento de la crítica especializada. Por primera vez, la labor de las actrices y los actores que enarbolan la bandera dominicana en Hollywood y otras industrias internacionales, será premiada en el apartado Actor y/o actriz en el extranjero.

Este año, en esta categoría figura un selecto grupo de talentos con una trayectoria establecida como Zoé Saldaña, así como también Juani Feliz, Dasha Polanco, Jorge Lendeborg Jr., y Mario Peguero.

Los nominados en el renglón CINE son:

A “Mejor drama” están nominadas: Perejil (de José María Cabral), Bantú Mama (de Iván Herrera), Una película sobre parejas (de Natalia Cabral y Oriol Estrada), Carajita (de Silvina Schinner y Ulises Porra) y Rafaela (de Tito Rodríguez).

A “Mejor Director” los nominados son: José María Cabral (por Perejil), Natalia Cabral y Oriol Estrada (por Una película sobre parejas), Francisco (Tito) Rodríguez (por Rafaela), Iván Herrera (por Bantú Mama) y Hans García (por La otra lucha).

A “Mejor actor” están nominados: Ramón Emilio Candelario (por Perejil), Richard Douglas (por Carajita), Manuel Raposo (por Rafaela), Panky Saviñón (por La App) y Luis José Germán (por Jupía)

Las nominadas a “Mejor actriz” son: Judith Rodríguez (por Rafaela), Julietta Rodríguez (por Jupía), Camila Issa (por La Boya) y Magnolia Núñez (por Carajita).

Finalmente, a “Mejor comedia” están nominadas: La trampa (de Frank Perozo) y El brujo (de Archie López).

Los ganadores de la edición 38 de los premios de Acroarte se conocerán en una ceremonia que se llevará a cabo el 22 de marzo en el Teatro Nacional, bajo la producción artística de Alberto Zayas.

Premios SAG 2023: los ganadores.

Los Premios SAG son los predictores más fuertes de las categorías de actuación en los Oscar, y también pueden ser determinantes en la categoría de Mejor Película. Esto se debe a que un gran número de miembros de la rama de actuación de la Academia también pertenecen al SAG.

En los últimos 10 años, 8 ganadores del SAG a Mejor Actor también ganaron el Oscar. Ese mismo número se repite en las categorías de Mejor Actriz y Mejor Actor de Reparto. La estadística es aún mejor en Mejor Actriz de Reparto, pues 9 de las últimas 10 ganadoras del SAG también obtuvieron la estatuilla dorada: la única anomalía fue Emily Blunt (A Quiet Place), quien no fue nominada ese año al Oscar (que se llevó Regina King por If Beale Street Could Talk).

Los Premios SAG 2023 han definido la carrera al Oscar en todas las categorías de actuación, y prácticamente aseguraron la victoria de Todo en todas partes al mismo tiempo en Mejor Película.

La primera sorpresa llegó con la victoria de Jamie Lee Curtis en Mejor Actriz de Reparto para meterse de lleno en la disputa por el Oscar. Jamie tiene el SAG y su divertido y emotivo discurso de aceptación de seguramente le dará un empujoncito clave.

Después, Ke Huy Quan se consolidó como favorito absoluto a Mejor Actor de Reparto: ya ganó el Globo, Critics’ Choice y SAG. Su más cercano perseguidor rumbo al Oscar es Barry Keoghan (Los espíritus de la isla), ganador del BAFTA y quien probablemente tendrá el apoyo de votantes europeos.

Con sus victorias en los Globos de Oro, Critics’ Choice y BAFTA, Cate Blanchett (TÁR) parecía segura para ganar el Oscar, pero ahora tenemos muchas dudas porque Michelle Yeoh fue la gran vencedora de Mejor Actriz en los SAG. Su emotivo discurso de aceptación seguro ayudará en su candidatura.

El favorito de audiencias, Brendan Fraser (The Whale), obtuvo el SAG a Mejor Actor y justo a tiempo porque parecía que Austin Butler (Elvis) comenzaba a rebasarlo en la carrera. El Oscar está entre ellos dos, pero el SAG convierte a Fraser en el favorito.

Finalmente, Todo en todas partes al mismo tiempo obtuvo el SAG 2023 a Mejor Elenco, premio que asegura que tendrá muchísimo apoyo de la rama de actuación en la votación de Mejor Película en los Oscar. Y si combinamos eso con que acaba de ganar el importantísimo PGA y es la líder de nominaciones en los Oscar, entonces parece que esa categoría está cerrada.

Berlín 2023: los ganadores.

El documental francés Sur l'Adamant, de Nicholas Philibert, ha ganado el Oso de Oro de la Berlinale.

La película Roter Himmel, dirigida por el alemán Christian Petzold, ha ganado el Oso de Plata Gran Premio del Jurado.

El Oso de Plata del Jurado ha sido el portugués Joao Canijo, por Mal Viver, mientras que el Oso de Plata al mejor director ha sido para el francés Philippe Garrel, por Le Grand Chariot.

La película española Samsara, dirigida por Lois Patiño, ha recibido el premio especial del Jurado de la sección Encounters, dedicada a las nuevas voces del cine. El cineasta ha dado las gracias a todo el equipo que lo ha acompañado durante cinco años de proyecto y ha subrayado que Samsara es un filme que celebra la diversidad cultural entre Laos y Zanzíbar y ha invitado al público a cerrar los ojos durante quince minutos para abrirlos con mayor profundidad.

En tanto, la realizadora salvadoreña Tatiana Huezo se ha llevado el premio a la mejor dirección en la sección Encounters por su película El Eco, distinguida asimismo con el galardón al mejor documental. Huezo ha dado las gracias a toda la gente que ha creído en ella y ha dicho que el documental “es un camino de amor y de fe”.

La película argentina Adentro mío estoy bailando, de Leandro Koch y Paloma Schachmann, ha ganado el premio a la mejor ópera prima.

El filme cuenta la historia de Leandro, realizador de vídeos en bodas judías, que creció en el seno de la comunidad judía de Buenos Aires. En una de estas bodas conoce a la clarinetista klezmer Paloma, y se inventa que está haciendo un documental sobre este tema solo para poder pasar tiempo con ella.

Este documental le lleva hasta el triángulo fronterizo de Ucrania, Rumanía y Moldavia en busca de melodías klezmer y tras la pista de un patrimonio cultural en peligro de desaparición.

Palmarés completo de Berlín 2023:

Oso de Oro: Sur l'Adamant, de Nicholas Philibert (Francia, Japón)
Oso de Plata Gran Premio del Jurado: Roter Himmel, de Christian Petzold (Alemania)
Oso de Plata Premio del Jurado: Mal viver, Joao Canijo (Portugal)
Oso de Plata a la mejor dirección: Philippe Garrel, por Le grand Chariot (Francia)
Oso de Plata a la mejor interpretación protagonista: Sofía Otero, por 20.000 especies de abejas, de Estíbaliz Urresola (España)
Oso de Plata a la mejor interpretación de reparto: Thea Ehre, por Bis ans Ende der Nacht -Till the End of the night, de Chistopher Hochhäusler (Alemania)
Oso de Plata al mejor guión: Music, de Angela Schanelec (Alemania, Francia, Serbia)
Oso de Plata a la contribución artística: Disco Boy, de Giacomo Abbruzzese (Francia, Italia, Polonia, Bélgica)
Premio al mejor film de Encounters: Here, de Bas Devos (Bélgica)
Premio a la mejor dirección de Encounters: El eco, de Tatiana Huezo (México)
Premio Especial del Jurado de Encounters: Samsara, de Lois Patiño (España)
Premio al mejor documental: El eco, de Tatiana Huezo (México)
Premio a la mejor ópera prima: Adentro mío estoy bailando, de Leandro Koch y Paloma Schachmann (Argentina)
Oso de Oro al mejor cortometraje: Les chinilles, Michelle y Noel Keserwany (Francia)
Oso de Cristal de la sección Generation 14Plus: Adolfo, de Sofía Auza (México)

Premios principales de los jurados independientes:

Premio Federación Internacional de la Crítica de Cine (FIPRESCI): The survival of Kindness, Rolf de Heer (Australia)
Premio Teddy al mejor documental: Orlando, ma biographie politique, de Paul B. Preciado (Francia)
Premio Gilde del Cine Artístico y Teatral: 20.000 especies de abejas, de Estíbaliz Urresola (España)
Premio del Jurado Ecuménico: Tótem, de Lila Avilés (México)
Premio de los lectores de Berliner Morgenpost: 20.000 especies de abejas, de Estíbaliz Urresola (España)
Premio de los lectores de Tagesspiegel: Orlando, ma biographie politique, de Paul B. Preciado (Francia)
Premio CICAE, sección Forum: El rostro de la medusa, de Melisa Liebenthal (Argentina).

Premios César 2023: los ganadores.

Pacifiction, el exótico thriller del español Albert Serra rodado en la Polinesia francesa, se adjudicó dos de los nueve premios César a los que aspiraba este viernes, en una gala en la que la gran triunfadora fue La Nuit du 12 y en la que As Bestas, de Rodrigo Sorogoyen, ganó en Mejor Película Extranjera.

La 48ª edición de los galardones más importantes de la industria francesa del cine, que no se olvidó de hacer un pequeño homenaje a Jean-Luc Godard y que tuvo incluso una aparición sorpresa de Brad Pitt para entregar el César de Honor al director David Fincher, encumbraron al drama policial La Nuit du 12 como la Mejor Película del año y a su realizador, Dominik Moll, como Mejor Director.

Esta cinta, basada en la muerte sin resolver de una joven, sumó un total de seis estatuillas entre sus diez nominaciones, superando a otras favoritas, como la comedia “L’Innocent”, de Louis Garrel, o la propia “Pacifiction”.

Los triunfos de la película de Serra fueron para Benoît Magimel como Mejor Actor y para la fotografía de Artur Tort. Ambos, al recibir sus premios, elogiaron la libertad que Serra les da en su trabajo, muy abierto a la improvisación en el momento.

El César a Mejor Película Extranjera quedó en manos españolas y fue para Rodrigo Sorogoyen con As Bestas, que competía con la belga “Close” (Lukas Dhont), la sueca “Boy from Heaven” (Tarik Saleh), la polaca “EO” (Jerzy Skolimowski) y la también sueca “Triangle of Sadness” (Ruben Östlund).

“Gracias por dejarnos ser una pequeña parte del cine francés”, dijo el realizador originario de Madrid desde el escenario.
Posteriormente, en declaraciones a la prensa, afirmó que ya era un “sueño” haber estado nominado con películas tan buenas.

Afirmó, de hecho, que casi se “sentía un poco mal” por competir, porque, tras el éxito de los últimos Goya, le parecía demasiado “ambicioso” ganar también en Francia.

“Ahora que ya lo hemos conseguido es como una guinda perfecta, no podría haber mejor final, mejor colofón que ganar el césar, increíble”, expresó Sorogoyen, que acudió a la gala junto a la guionista Isabel Peña.

Esta 48ª ceremonia de los César vino precedida de un mensaje protagonizado por Juliette Binoche (nominada, pero sin premio), que en tono solemne para recordar el primer aniversario de la invasión rusa de Ucrania, anunció que la gala estaría dedicada al pueblo ucraniano.

Esta edición había sido criticada por la escasa presencia de mujeres en las grandes categorías, la de mejor película y dirección. Al recoger el galardón a la realización novel por “Saint Omer”, Alice Diop, reivindicó a la nueva generación de directoras francesas y avisó de que no están de paso ni son una “moda”.

“Memoria” o el balance del cosmos de Apichatpong Weerasethakul.

En 2010, el tailandés Apichatpong Weerasethakul ganó la Palma de Oro con El Tío Boonmee que recuerda sus vidas pasadas, un filme que dejó desconcertados a gran parte de quienes lo vieron en el Festival de Cannes. Y que, trece años después, sigue dejando en un mar de confusiones a quienes lo intentan reducir a una estructura de simple lógica. La estrategia de Weerasethakul es provocar los sentidos a su máximo nivel, apelar a un universo de sensaciones, lejanas de la racionalidad que nos imponen los encasillamientos.

Ante el cine de Weerasethakul no hay alternativas: o te rindes al placer lúdico de las imágenes en movimiento (con sus sonidos) o el desconcierto te habita de manera irremediable.

Esto aplica perfectamente para Memoria, filme que se estrenó en Cannes, donde consiguió el Premio del Jurado. Meses después, la revista Cahiers du Cinema la consideró la mejor película del año. Como deben suponer, este filme de culto crea inmediatamente fanáticos incondicionales y detractores inclementes (si terminan la proyección), aquellos cinéfilos que bostezan al terrible minuto 7.

La premisa de Memoria es, de alguna manera, sorprendente: a Jessica, una botánica británica establecida en Colombia, la despierta una noche un sonido como de otro mundo. Entonces, ella emprende un viaje hasta el corazón de la selva en busca del origen de este ruido que solo ella parece oír.

Como espectadores, acompañamos al personaje en cada una de las etapas de ese viaje y, sin quererlo, la cobijamos con nuestra empatía, por cuanto ella cada vez entiende menos y no solo es un problema de idioma: casi infructuosamente intenta comunicarse en español con alguien que pueda brindarle orientación con su problema sensorial, desde un brillante técnico de sonido hasta una sicóloga que parece un anticuado manual de autoayuda.

El reto dramático del filme no es solo lograr que seamos compañeros en el recorrido de la protagonista, sino hacernos sentir su propia desazón ante un fenómeno que no tiene explicación lógica. Es importante acotar que, en la Colombia contemporánea, todavía el ruido de cualquier estruendo dispara las alarmas de mucha gente que no ha sanado de la violencia. Triste comentario social para el país de lo real maravilloso y las mariposas de Mauricio Babilonia.

Es aquí donde la memoria del cosmos, ese gran disco duro que todo lo archiva, juega un papel esencial: de alguna manera, todos estamos conectados: somos como antenas emisoras y receptoras de todos los recuerdos, de todas las sensaciones, de todas las emociones de todo cuanto puede considerarse vivo, en materia o espíritu.

Semejante reto no hubiese llegado a buen puerto si Weerasethakul no contara con una colaboradora de lujo: la actriz Tilda Swinton, esa andrógina belleza que, desde hace unos años nos viene brindando actuaciones estupendas: Edward II (1991, Copa Volpi en Venecia), Orlando (1992, Premio David de Donatello), Michael Clayton (2008, Oscar y Bafta a mejor actriz de reparto), We Need To Talk About Kevin (2011, Premio del Cine Europeo y NBR a la mejor actriz). Por Memoria ha recibido el Premio Sant Jordi a la mejor actriz de 2023.

Cuando su personaje deambula por Colombia en busca de respuestas, Swinton hace galas de un dominio absoluto del lenguaje corporal, de la evidente fragilidad de su cuerpo y la perfecta simetría de su rostro. Como espectadores, sentimos pánico por las puertas que puede abrir ese personaje y, sin embargo, no podemos abandonarla a su suerte. Ese es el gran mérito de Memoria, más allá de explicaciones racionales a sus eventos dramáticos.

Si quieres explicaciones, las palabras del director: “Escribí una carta de presentación como los recuerdos que vienen con la película. La carta termina con “quizás fue otra respuesta”. Ha sido una cura para el síndrome de la cabeza explosiva con la que comenzó la idea de la película, así como la cura para mi insomnio”.

Lo dicho: Memoria te provoca más allá de lo que perciben tus sentidos. Es un llamado a las interioridades del alma. Una impresionante conexión con el otro, que somos nosotros mismos.

 

Memoria (2021). Dirección y guion: Apichatpong Weerasethakul; Fotografía: Sayombhu Mukdeeprom; Edición: Lee Chatametikool; Música: César López; Elenco: Tilda Swinton, Daniel Giménez Cacho, Jeanne Balibar, Juan Pablo Urrego.

Festival de Málaga 2023: la Sección Oficial.

El 26 Festival de Málaga se celebrará del 10 al 19 de marzo con una programación que acogerá más de 200 audiovisuales entre todas sus secciones (largometrajes de ficción, documentales, cortometrajes, series de televisón, etc) y una gran variedad de contenidos y actividades paralelas para todos los públicos.

Juan Antonio Vigar ha desgranado los contenidos de esta nueva edición del Festival de Málaga, cuya alfombra roja recuperará ya del todo su formato habitual, reuniendo ante la puerta del Teatro Cervantes a medios de comunicación, público y las grandes estrellas del cine en español, así como en la calle Larios, gran seña de identidad del certamen.

La Sección Oficial incluirá 22 películas, 20 de ellas a concurso (12 españolas y 8 latinoamericanas), ya que las películas de inauguración y clausura están fuera de concurso. A ellas hay que sumar 17 películas (11 españolas y 6 latinas) en sección Oficial no competitiva bajo el nombre de Málaga Premiere, en un conjunto de trabajos que ha razonado Vigar “merecen ser vistos y ganar el aplauso del público, aunque no puedan competir por las limitaciones en número de la propia Sección Oficial”.

Alguien que cuide de mí de Elvira Lindo y Daniela Fejerman inaugurará el Festival, que clausura Como Dios manda de Paz Jiménez, ambas fuera de concurso.

A las españolas ya anunciadas 20.000 especies de abejas, de Estíbaliz Urresola, Bajo terapia de Gerardo Herrero, Una vida no tan simple de Félix Viscarret, junto a las latinas Empieza el baile, de la argentina Marina Seresesky y El castigo, del chileno Matías Bize, se suman las españolas: Matria, de Álvaro Gago; Tregua(s), de Mario Hernández; Els Encantats, de Elena Trapé; Las buenas compañías, de Silvia Munt; Sica, de Carla Subirana; El fantástico caso del Golem, de Juan González y Fernando Martínez (Burnin’ Percebes); Unicorns, de Alex Lora; La desconocida, de Pablo Maqueda y La llegada, de Alejandro Rojas y Juan Sebastián Vásquez).

Respecto a la participación de películas latinoamericanas, el Festival de Málaga ha seleccionado Rebelión de José Luis Rugeles (Colombia y Argentina); Saudade fez morada aquí dentro, de Haroldo Borges (Brasil); Zapatos rojos, de Carlos Eichelmann (México e Italia); Desperté con un sueño, de Pablo Solarz (Uruguay y Argentina); Las hijas, de Katia G. Zuñiga (Panamá y Chile) y La pecera, de Glorimar Marrero (Puerto Rico y España).

El jurado de la Sección Oficial a concurso estará formado el director Manuel Gutiérrez Aragón (presidente); el comunicador Gonzalo Miró; la actriz argentina Julieta Zylberberg; la directora del Festival de Cine de Santiago de Chile (Sanfic), Gabriela Sandoval, y el director de cine uruguayo Pablo Stoll. 

Además, tendrá Zonazine, una apuesta por el nuevo cine que cumple ya 21 años, con ocho películas de acentuado sentido autoral y muy novedosas narrativamente. Son cuatro españolas (Matar cangrejos, de Omar Razzak; La última noche de Sandra M, de Borja de la Vega; Julia, de Hugo Martínez; y Tierra de nuestras madres, de Liz Lobato) y cuatro latinoamericanas: Diógenes, de Leonardo Barvuy (Perú/Colombia); La bruja de Hitler, de Virna Molina y Ernesto Ardito (Argentina); Sean Eternxs, de Raúl Perrone (Argentina) y El año que nací, de Daniel González y Alberto Amieva (Costa Rica).

Festival de Miami: Premio de Honor para Nicolas Cage.

El actor estadounidense Nicolas Cage recibirá el 5 de marzo un premio concedido por la revista Variety durante la próxima edición del Festival de Cine de Miami, informó la organización del evento.

El intérprete acudirá a Miami durante la edición 40 del festival, que se celebrará desde el 3 hasta el 12 de marzo, para recibir el premio Variety Legend & Groundbreaker Award, que se le concederá en reconocimiento a su trayectoria.

“Año tras año, Nicolas Cage demuestra ser un actor de gran variedad, que exhibe un poder dramático y un gran entusiasmo cómico, lo que hace que su trabajo sea sorprendente, encantador y conmovedor”, dijo en un comunicado Steven Gaydos, vicepresidente ejecutivo global de contenido de Variety.

“La definición misma de una leyenda”, aseveró por su parte la directora de programación del festival, Lauren Cohen, sobre el ganador de un Óscar en 1996 a mejor actor por Leaving Las Vegas, entre otros galardones, y de quien resaltó que es “una superestrella mundial y un ícono de culto”.

“Todos en todo el mundo están familiarizados con su personalidad inimitable y su presencia”, añadió.

Cage se sumará al mexicano Diego Luna y al compositor estadounidense Nicholas Britell, encargado de la partitura de la galardonada cinta Moonlight, quienes también serán reconocidos con premios especiales en este festival, organizado por la universidad Miami Dade College (MDC).

La programación del Festival de Cine de Miami está compuesta este año por más de 140 producciones de diversos géneros provenientes de 30 países, entre largometrajes, cortos y documentales, e incluye más de una decena de estrenos mundiales, 3 estrenos en Norteamérica y 7 en Estados Unidos.

La 40 edición de este festival albergará el estreno mundial del documental Patria y Vida, con el que Beatriz Luengo, cantante, compositora y actriz española, debuta como directora y que gira en torno a la canción del mismo nombre que se erigió en el himno de las protestas de 2021 en Cuba.

Luengo participará en la proyección del documental en este festival, al que también acudirá el actor Ray Romano para presentar en persona su estreno detrás de las cámaras, Somewhere in Queens.

El largometraje español As Bestas, de Rodrigo Sorogoyen, que acaba de triunfar en los premios Goya del país ibérico, y lo último del inglés Stephen Frears, The Lost King, son algunas de las cintas destacadas del festival.

“El triángulo de la tristeza”: la lucha de clases, según Ruben Ostlund.

A juzgar por los premios recibidos en Cannes, el sueco Ruben Ostlund es uno de los mejores cineastas contemporáneos. Con Fuerza mayor (2014) consiguió el Gran Premio del Jurado en “Una cierta mirada”, mientras que ha logrado sendas Palmas de Oro con The Square (2017, además de 6 Premios de Cine Europeo, incluyendo mejor película y el Goya a la mejor película europea) y El triángulo de la tristeza (2022, además de 4 Premios de Cine Europeo, incluyendo mejor película).

La lista de los realizadores que han ganado dos veces la Palma de Oro: el sueco Alf Sjoberg (1946 y 1951), el norteamericano Francis Coppola (1974 y 1979), el danés Billy August (1988 y 1992), el serbio Emir Kusturica (1985 y 1995), el japonés Shohei Imamura (1983 y 1997), los belgas Luc y Jean-Pierre Dardene (1999 y 2005), el austríaco Michael Haneke (2009 y 2012), el inglés Ken Loach (2006 y 2016) y, ahora, Oslund. No quiero poner a Ostlund al mismo nivel que los Maestros citados, pero algo tiene su cine que conquista a los Jurados.

Mucho humor. Se puede decir que satírico, porque el humor de Ostlund se basa en la observación de la conducta humana frente a ciertos estímulos, desde una perspectiva cercana a la sociología. El triángulo de la tristeza, por ejemplo, puede verse como una lección de lucha de clases que arranca carcajadas a los espectadores, ya sea por los excesos gráficos de Oslund, ya sea por la carga satírica de esas imágenes.

En el mundo de las pasarelas, el “triángulo de la tristeza” se refiere a la zona de la frente entre las cejas, que hace que nuestras caras se vean tristes o alegres según lo solicitan las agencias de publicidad. Carl, un modelo de ropa (la regla es: alegres para las marcas como HM, tristes y enigmáticos para Balenciaga) y Yaya (una influencer con la cabeza hueca que aspira a convertirse en esposa-trofeo de quien puede pagarle sus extravagancias).

Con semejantes personajes, Ostlund construye el primer acto de su tragicomedia en que parte de una verdad poco difundida: el modelaje es uno de los pocos oficios en el mundo en que las mujeres ganan el doble y más que sus colegas masculinos. Esa razón de pesos (o más bien, euros) es lo que provoca la negación en Carl de asumir su papel de proveedor “natural” al pagar una cena. Siente su masculinidad socavada por la autosuficiencia de Yaya, cuyo ego es infinitamente superior. Las discusiones entre ambos son de las mejores situaciones que hemos visto en el cine reciente.

En su condición de influencers, son invitados a un yate de lujo, junto a un grupo de millonarios, que es la premisa de El triángulo de la tristeza. Luego de una noche de tormenta, en la que Ostlund reduce a los comensales a puro vómito y excrementos (divertidísimo, para los mansos y humildes de espíritu), la aparición de unos piratas posmodernos concluye con el naufragio en una isla desierta, cuyos eventos conforman el tercer acto.

En medio de la tormenta, hemos sido testigos de una discusión maravillosa entre el capitán del yate, que resulta ser un norteamericano marxista (que no comunista) y un millonario ruso (sí, resultado de la industria de los excrementos), entre tragos de champaña, transmitida en vivo por los altoparlantes de la embarcación. Esa es la dialéctica de la comedia.

La praxis llega cuando los pocos sobrevivientes se encuentran en la playa y no poseen la formación para sobrevivir en medio de tantas precariedades. Ostlund hace un guiño bíblico (?) y siembra, en medio de la playa, un arca naranja (obvio, mucho más pequeña que la de Noé) que contiene agua Perrier y pretzels…y también a Abigail, la encargada de limpieza en el yate, que sabe que le ha llegado su turno para jugar a ser diosa.

Abigail (personaje extraordinario para la filipina Dolly de Leon, que le permite robarse el tercer acto) no cobrará diezmo, tendrá nuevas formas de cobrar impuestos. Por ejemplo, un Rólex te compra el derecho de pasar la noche en el arca, protegido del viento y los peligros que encierra la isla. No todos tienen un Rólex, pero todos tenemos con qué pagar.

Como mujer pobre, Abigail está mentalmente preparada para sobreponerse a las adversidades y sabe cómo hacerlo. Su capacidad para pescar, desescamar el pez y conocimiento para cocinarlo, le permite organizar la tribu a su antojo y semejanza. El hambre es también una herramienta de dominación y ella lo sabe. Ya lo sabía Buñuel, en la época de El ángel exterminador. Como es de esperarse, aparecerán los tránsfugas de siempre, los trepadores sociales y hasta seremos testigos de la naturaleza del oligarca que, cuando el mar le devuelve el cadáver de su amante, tiernamente la despoja de sus joyas.

Pero, ojo, en El triángulo de la tristeza nadie está a salvo de la crítica de Ostlund y no hay concesiones para nadie: ni para los personajes que pueden generar alguna empatía (los discapacitados para hablar, reducidos a una sola frase: “In den Wolken!”), ni para el público que puede exasperarse con algunas situaciones, ni para los que esperan un Happy End, esa tóxica tradición de Hollywood.

El triángulo de la tristeza (2022). Dirección y guion: Ruben Ostlund; Fotografía: Fredrik Wenzel; Edición: Mikel Cee Karlsson y Ruben Oslund; Música: Mikkel Maltha; Elenco: Charlbi Dean, Harris Dickinson, Zlatko Buric, Dolly de Leon, Woody Harrelson.

Bafta 2023: los ganadores.

El filme épico de la Primera Guerra Mundial Sin novedad en el frente se llevó el premio a mejor película, además de otros seis galardones durante la ceremonia de los BAFTA celebrada en Londres. También se llevó los premios de mejor guión adaptado, mejor película de lengua no inglesa y mejor director para Edward Berger, entre otros.

Con sus siete premios, la película de Netflix batió el récord de los BAFTA a la mayor cantidad de premios que recibe un filme de habla no inglesa.

Los espíritus de la isla estuvo entre los otros grandes ganadores de la noche. Los actores irlandeses Kerry Condon y Barry Keoghan ganaron como mejor actriz y actor de reparto, mientras que la película fue elegida filme británico del año.

La película biográfica de Elvis, de Baz Luhrmann, fue otra gran ganadora, llevándose a casa cuatro premios: mejor casting, diseño de vestuario, maquillaje y peluquería, y mejor actor principal.

Austin Butler, quien interpreta al legendario cantante, dijo en su discurso de aceptación: “Esto es verdaderamente extraordinario. Para mis compañeros nominados, estoy asombrado de ustedes. Estoy muy agradecido por todos estos momentos que hemos podido pasar juntos.”

Esta es la lista de los ganadores del Bafta 2023:

Mejor película: Sin novedad en el frente

Mejor película británica: Los espíritus de la isla

Mejor director: Edward Berger por Sin novedad en el frente

Mejor actriz: Cate Blanchett por Tár

Mejor actor: Austin Butler por Elvis

Mejor actriz de reparto: Kerry Condon por Los espíritus de la isla

Mejor actor de reparto: Barry Keoghan por Los espíritus de la isla

Revelación británica (de un escritor, director o productor): Aftersun (Charlotte Wells)

Mejor película de habla no inglesa: "Sin novedad en el frente"

Mejor documental: "Navalny" (Daniel Roher)

Mejor película animada: "Pinocchio" (Guillermo del Toro)

Mejor guion original: Martin Mcdonagh por Los espíritus de la isla

Mejor guion adaptado: "Sin novedad en el frente"

Mejor banda sonora: "Sin novedad en el frente"

Mejor casting: "Elvis"

Mejor cinematografía: "Sin novedad en el frente"

Mejor diseño de vestuario: "Elvis"

Mejor edición: "Todo en todas partes al mismo tiempo"

Mejor diseño de producción: "Babylon"

Mejor estrella emergente (votado por el público): Emma Mackey

Mejor maquillaje y peinado: "Elvis"

Mejor sonido: "Sin novedad en el frente"

Mejores efectos visuales: "Avatar: El camino del agua"

Mejor cortometraje británico: An Irish Goodbye

Mejor cortometraje británico animado: The Boy, the Mole, the Fox and the Horse