Premios Goya 2023 se entregarán en Sevilla.

El presidente de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España, Mariano Barroso, y el alcalde de Sevilla, Antonio Muñoz, han anunciado que la capital andaluza acogerá la ceremonia de los 37 Premios Goya en el primer trimestre de 2023.

“La Junta Directiva del Academia de Cine ha designado la ciudad de Sevilla como sede oficial de los próximos Premios Goya 2023. Tenemos un recuerdo excelente de la gala que hicimos en Sevilla. Allí empezamos a descentralizar las actividades de la Academia. En Sevilla también constatamos el cariño de la gente por nuestro cine. Estoy seguro que será una gran gala”, ha manifestado el presidente de la Academia, que ha recordado “la apuesta que hace la ciudad andaluza por el cine español y europeo y la cultura. Es la tercera ciudad en número de académicos, tras Madrid y Barcelona, y Andalucía tiene una industria audiovisual cada vez más relevante”, ha recalcado.

El alcalde de Sevilla, Antonio Muñoz, agradeció a la Academia “que vuelva a confiar en Sevilla, especialmente en este año en el que los Premios Goya van a contribuir de forma decisiva al proceso de recuperación tras la pandemia y van a suponer un impulso al posicionamiento de Sevilla como referente cultural a nivel nacional. La ciudad se va a volcar de nuevo con el cine y volveremos a demostrar que Sevilla es cultura, y que esa es una de nuestras principales señas de identidad”, ha declarado Muñoz, para quien el regreso de los Goya a Sevilla en el 2023 será “un éxito garantizado”.

Los Goya regresan a la capital hispalense, que en 2019 acogieron la exitosa ceremonia de entrega de estos premios en la que fue la segunda vez en la historia de la institución que los galardones se celebraban fuera de Madrid.

La extraordinaria cosecha de cine español de este año se festejará en la que fue la primera ciudad de la itinerancia de los Goya, donde, como antesala a la gala, tendrán lugar una serie de actividades –encuentros con actores y cineastas, exposiciones, proyecciones de películas nominadas, photocall en el Ayuntamiento–, que culminarán en la que será la gran noche del cine español.

En un próximo acto, que tendrá lugar en Sevilla, se comunicarán detalles sobre los Goya 2023.

Cannes 2022: los ganadores.

La sátira social Triangle of Sadness recibió la Palma de Oro del Festival de Cine de Cannes, que en su 75a edición le otorgó al director Ruben Ostlund uno de los premios más prestigiosos del cine por segunda ocasión. El cineasta sueco ya había ganado el máximo honor de Cannes por su película anterior, The Square, en 2017.

“Queríamos que después de la función, la gente saliera del cine junta y tuviera de qué hablar”, dijo Ostlund. “Todos estamos de acuerdo en que lo que hace único al cine es que lo vemos juntos. Así que tenemos que guardar algo de lo que hablar, pero también divertirnos y entretenernos”.

El segundo premio del jurado, el Grand Prix, se repartió entre el tierno drama infantil de Lukas Dhont Close y la adaptación de Claire Denis A Stars at Noon de Denis Johnson.

El festival reconoció al astro coreano Song Kang Ho como mejor actor por su trabajo en Broker del director japonés Hirokazu Kore-eda, sobre una familia coreana que busca un hogar para un bebé abandonado.

“Me gustaría agradecer a todos aquellos que aprecian el cine coreano”, dijo Song, quien coprotagonizó la película ganadora de la Palma de Oro hace tres años, Parásitos, de Bong Joon Ho.

El premio a la mejor actriz fue para Zahra Amir Ebrahimi por su interpretación de una periodista en Holy Spider de Ali Abbasi, un thriller de crímenes reales sobre el asesinato en serie de trabajadoras sexuales en la ciudad religiosa iraní de Mashhad. Violenta y gráfica, Holy Spider no se tuvo autorización de rodarse en Irán y, en cambio, se hizo en Jordania. Al aceptar el premio, Ebrahimi dijo que la película muestra “todo lo que es imposible mostrar en Irán”.

Los ganadores fueron seleccionados por un jurado de nueve miembros presidido por el actor francés Vincent Lindon.

El Premio del Jurado se dividió entre el relato de amistad The Eight Mountains, de Charlotte Vandermeersch y Felix Van Groeningen, y EO, del director polaco Jerzy Skolimowski, sobre el viaje de un burro a través de una despiadada Europa moderna.

“Me gustaría agradecer a mis burros”, dijo Skolimowski, quien usó seis burros en la realización de la película.

El cineasta sueco-egipcio Tarik Saleh se llevó el premio al mejor guion por Boy from Heaven, un thriller ambientado en la mezquita de Al-Azhar en El Cairo.

El premio a la mejor ópera prima, la Cámara de Oro, fue para Riley Keough y Gina Gammell por War Pony, un drama sobre la reserva indígena Pine Ridge de Dakota del Sur realizado en colaboración con ciudadanos oglala lakota y sicangu lakota de las tribus oglala sioux y rosebud sioux.

La ceremonia puso fin a un festival que intentó resucitar por completo el gran espectáculo anual de Francia, que en 2020 fue cancelado por la pandemia y que tuvo multitudes modestas el año pasado. Este año Cannes también se desarrolló en el contexto de la guerra en Ucrania, que provocó protestas en la alfombra roja y un diálogo sobre el propósito del cine en tiempos de guerra.

El año pasado, el thriller francés Titane se llevó el premio, convirtiendo a la directora Julia Decournau en la segunda mujer en alzarse con el trofeo. En 2019, Parásitos, triunfó en Cannes antes de hacer lo mismo en los Oscar.

Este año, las producciones de Hollywood más grandes en Cannes: Elvis, Top Gun: Maverick y Three Thousand Years of Longing se proyectaron fuera de competencia. Sin embargo, su presencia ayudó a restaurar algo del esplendor del evento.

“Rafaela”, desde el 26 de mayo en cines

El filme Rafaela se estrenó en las salas de cines desde el pasado jueves 26 de mayo, con la distribución de Caribbean Cinemas.

Rafaela es una película dirigida por Tito Rodríguez (La familia Reyna), escrita de Cristian Mojica (Azul magia) y producida por Danilo Reynoso (La familia Reyna), la cual cuenta la historia de una joven del barrio Capotillo de Santo Domingo y líder de una pandilla de delitos menores quien, en medio de un mundo cada vez más violento, busca su identidad y la oportunidad de tener un futuro más esperanzador, para ella y los suyos.

El elenco de la película está encabezado por Judith Rodríguez, quien interpreta al personaje central “Rafaela”, junto a otros grandes actores de la talla de Manuel Raposo, Gerardo “El cuervo” Mercedes, Hony Estrella, Esmailyn Morel, Luinis Olaverría, Anderson Mojica, entre otros, quienes conforman un grupo de primera línea para entregar una obra representativa del cine criollo.

Bajo la producción ejecutiva Archie López, Hony Estrella y Edward Díaz, esta historia que retrata los círculos de violencia y miseria de nuestros barrios marginados, tuvo su estreno mundial en el Festival Internacional de Cine de La India, considerado uno de los más importantes del mundo, luego de ganar el concurso Primera Mirada del Festival Internacional de Cine de Panamá, evento donde tuvo su premier latinoamericana en 2021, y recientemente se presentó en Athens International Film and Video Festival, en Ohio.

Rafaela, cuya historia original parte de un cortometraje escrito hace más de 10 años por la misma Judith Rodríguez, es una propuesta de la productora Destiny’s Films, en asociación con Pop Entertainment, Mentes Fritas y Panamericana de Producciones, bajo los incentivos de la Ley de Cine 108-10 y la distribución de Caribbean Cinemas.

Ray Liotta (1954-2022)

Ray Liotta, actor famoso por interpretar al mafioso Henry Hill en Goodfellas (1990, Martin Scorsese) y al beisbolista Shoeless Joe Jackson en Field of Dreams (1989, Phil Alden Robinson), ha fallecido a los 67 años.

Un oficial en el Instituto Nacional de Ciencias Forenses de República Dominicana, que no estaba autorizado a hablar con medios de comunicación, confirmó la muerte de Liotta y dijo que sus restos fueron llevados a la morgue Cristo Redentor.

Algunos medios estadounidenses citaron a representantes de Liotta quienes dijeron que falleció mientras dormía en un hotel de República Dominicana, donde estaba filmando una nueva película, Aguas peligrosas.

Lorraine Bracco, quien interpretó a Karen Hill en Goodfellas, tuiteó que estaba “completamente destruida por escuchar esta noticia sobre mi Ray. Puedo estar en cualquier parte del mundo y la gente viene y me dice que su película favorita es Goodfellas. Siempre me preguntan cuál es la mejor parte de hacer esa película y mi respuesta siempre ha sido la misma... Ray Liotta”.

“Perejil”, lo nuevo de José María Cabral.

En octubre de 1937, el dictador Rafael Trujillo ordenó la matanza de los ciudadanos haitianos asentados en la zona fronteriza de República Dominicana. Cegados por la xenofobia, sus cortesanos más cercanos convencieron al Jefe de la peligrosidad de la invasión haitiana y miles de haitianos perdieron la vida en una de las masacres más brutales de nuestra historia. Para la limpieza étnica utilizaron el primitivo método de obligarlos a decir “perejil”, cuya correcta pronunciación permitía diferenciar quién sobrevivía y quién no.

José María Cabral, uno de nuestros mejores cineastas, nos recrea en su nuevo filme, Perejil, algunos de los elementos de esta tragedia ocurrida en 1937 y cuyas heridas permanecen sin cicatrizar hasta nuestros días.

Con Perejil, Cabral continúa una línea de denuncia social que acentuó a partir de Carpinteros (2017) y continuó el pasado año con Hotel Coppelia, sin olvidarnos de su aporte a la creación de una conciencia medioambiental con Isla de plástico (2019).

El río Dajabón (renombrado como “Masacre” en recordatorio a las contiendas que protagonizaron los bucaneros y españoles en la zona) reparte miseria a ambos lados de la frontera que marca con su cauce. Ni los haitianos, ni los dominicanos que viven a sus orillas han conseguido apropiadas condiciones de vida, pero persisten en el intento. Ni los unos ni los otros quieren problemas, pero han sido víctimas desde entonces de los que siembran miedos para su propio beneficio.

Para adentrarnos en ese mundo de zozobra, Cabral se vale de dos excelentes talentos: Cyndie Lundy y Ramón Emilio Candelario (recientemente premiado como mejor actor en el Festival Fine Arts “Hecho en RD”). Ellos nos conducen, a través de su historia de amor, por los avatares que deben enfrentar cada día, entre la miseria más rampante y la incierta esperanza de un futuro mejor.

En efecto, la historia de Marie y Frank conquista la empatía del público. Lo mejor: lo hace sin sobresaltos, más allá de los típicos prejuicios, condición imprescindible para que, cuando la tragedia hace presencia, el interés del público se mantenga en el porvenir de los protagonistas, a pesar de la tétrica contabilidad de la masacre: varios miles de muertos. Ese logro se evidencia en el Premio del Público que Perejil consiguió en el Festival de Miami.

Técnicamente, Perejil evidencia una factura impecable. Es decir, en términos formales, la realización evidencia indudables méritos: la dirección de fotografía, la dirección de arte, la edición y otros apartados de la producción.

El pero de esta crónica viene dado por los diálogos “explicativos” de algunos personajes que no contribuyen a la veracidad del drama, porque revelan los planes de la dictadura (dudamos que un asunto de esa magnitud se manejara con los bajos estamentos militares de entonces) o los intentos por describir la situación de “tensión” en la frontera, cuando las imágenes de confraternidad entre nacionales de los dos países muestran otra realidad.   

En su declaratoria de intenciones, Cabral especifica: “Como director, quería contar esta historia desde la perspectiva de una familia; en particular, desde el punto de vista de una madre. No hay nada más valioso en la vida que la familia, y verse separado de ellos por el racismo y las órdenes xenófobas de un gobierno despótico, deben contarse entre las más dolorosas experiencias que le pueden pasar a cualquier ser humano”.

Perejil logra eso y mucho más: apuesta por abrir las puertas para un diálogo sincero, necesario entre naciones. El primer paso, que se hace impostergable, para un entendimiento con más puentes y menos muros. 

Perejil (2022). Dirección: José María Cabral; Guion: José María Cabral, Arturo Arango, Xenia Rivery, Nurielis Duarte, Alán González y Joaquín Octavio González; Fotografía: Hernán Herrera; Edición: Nacho Ruiz Capillas; Música: Jorge Magaz; Elenco: Cyndie Lundi, Ramón Emilio Candelario, Lía Briones, Attabeyra Encarnación.  

La Academia restablece requisitos para optar al Oscar

 La Academia de Hollywood decidió restablecer los requisitos para optar al Oscar de cara a su próxima edición, tras la remisión de la pandemia, informó la organización en un comunicado.

Según esta resolución consensuada por la Junta de Gobernadores de dicha institución, todas las películas que aspiren a conseguir una estatuilla el año que viene deberán haberse estrenado antes del 31 de diciembre de 2022, tanto en salas como en plataformas digitales.

En el segundo caso los filmes estrenados en “streaming’ que quieran acceder a la carrera por los Oscar 2023 deberán haber contado obligatoriamente con una distribución comercial de siete días consecutivos en salas de cine físicas, con al menos tres proyecciones por jornada.

Con el cierre de los cines del condado de Los Ángeles a mediados de marzo de 2020, la Academia modificó su calendario y permitió en las últimas dos ediciones la candidatura de producciones estrenadas únicamente vía “streaming” y disponibles durante los 60 días posteriores a su lanzamiento.

La Academia de Hollywood explicó en su comunicado que la “vuelta a la normalidad” ha traído consigo un aumento del número de áreas metropolitanas en las que puede estrenarse un filme que ambicione la estatuilla.

Tradicionalmente, para este requisito solo computaban aquellas cintas exhibidas en cines del condado de Los Ángeles, pero desde este año son igualmente válidas las presentadas en estas seis áreas metropolitanas de EE. UU.: el condado de Los Ángeles; la Ciudad de Nueva York; el Área de la Bahía; Chicago, Illinois; Miami, Florida; y Atlanta, Georgia, y se aplican a las categorías de entrada general, así como a las categorías de documental y cortometraje.

Otras reglas son: en la categoría Música (canción original), no se pueden presentar más de tres canciones de una misma película.

Para la categoría de Sonido, los productores deberán poner sus películas a disposición de los miembros de Sound Branch para que las vean, particularmente cuando la fecha de estreno sea posterior a la apertura del ciclo de votación preliminar.

Cualquier solicitud de circunstancias especiales con respecto a los nominados elegibles debe recibirse antes de la fecha límite de inscripción general del 15 de noviembre de 2022.

Además, los clips para la proyección de nominación (bake-off) no excederán los 10 minutos de tiempo de ejecución por título.

Vangelis (1943-2022)

El compositor griego Vangelis, conocido por sus célebres composiciones para películas como Carros de fuego y Blade Runner, murió a los 79 años, informó su bufete de abogados.

El músico, que falleció el 15 de mayo por la noche, probó la fama por primera vez como tecladista en una banda con el cantante Demis Roussos a fines de la década de 1960.

Vangelis se convirtió en un solista electrónico innovador, así como en el compositor de bandas sonoras de películas populares.

Ganó un Oscar por la conmovedora banda sonora de Carros de fuego, un filme de 1981, y otro un año después por Blade Runner.

Cuando Vangelis empezó a crear sus primeras partituras flotantes no existía aún la etiqueta de música new age, y aunque ése no siempre fue el marco exacto para su trabajo -en su catálogo de álbumes hay también obras electroacústicas como Hypothesis o Earth-, fue al fin y al cabo el que le terminó devorando cuando se erigió en uno de los gigantes de la música de sintetizador de los 70, tótem fundamental de una generación completada por Jean-Michel Jarre y Klaus Schulze, también fallecido hace apenas un mes.

Vangelis logró sobreponerse a la fama puntual para construir una carrera a largo plazo que, aunque ya no gozó de más picos tan sonados, sí prolongaron su prestigio en el circuito del cine y en el de la música electrónica de intención sinfónica.

Por ejemplo, trabajó de nuevo con Ridley Scott en 1492: la conquista del paraíso, firmó su último score importante para Oliver Stone en Alexander (2004) y profundizó en su ambición de aunar sinfonismo romántico con un lenguaje pop en discos como Oceanic o El Greco, donde invitó a cantar a Montserrat Caballé. Su carrera fue extensa, desigual y grandilocuente, pero con momentos suficientes como para calar en el imaginario colectivo.

Cannes 2022: Kirill Serebrennikov y “Tchaikovsky’s Wife”.

Las dos últimas veces que el Festival de Cine de Cannes proyectó películas de Kirill Serebrennikov, el cineasta ruso no pudo asistir. Tenía una prohibición de viajes de Rusia como parte de una condena por fraude, lo que causó grandes protestas como una represión injustificada de las artes en su país.

El año pasado, Serebrennikov, uno de los directores de cine y teatro más célebres de Rusia, participó en una conferencia de prensa en Cannes por FaceTime. Pero después de huir de Rusia en marzo, una vez que terminó la prohibición, ha llegado a Cannes para estrenar su más reciente obra, Tchaikovsky’s Wife, en la competencia por la Palma de Oro.

Es una película de época que desafía a la propaganda estatal que ha intentado ocultar que el famoso compositor ruso era homosexual. En 2013, Rusia promulgó una ley que prohíbe la “propaganda gay”.

Tchaikovsky’s Wife, una cinta ferozmente política realizada por uno de los disidentes cinematográficos más prominentes de Rusia, llega a Cannes mientras la guerra de Rusia continúa en Ucrania y Europa ha rediseñado sus fronteras culturales.

“Tomo el cine, el teatro y la creación de cultura como una gran declaración contra la guerra”, dijo Serebrennikov en una entrevista en un balcón del Palais des Festivals antes del estreno de su película. “La guerra se trata de matar gente. Se trata de destruirlo todo. Se trata de tomar a las personas no como personas sino como multitudes. Los meten fácilmente en la niebla de la guerra y no les importa nadie, ninguna fragilidad de cada persona”.

“El arte siempre está en contra de la guerra”, agregó.

Su película se estrenó el segundo día del festival, que abrió con un discurso del presidente ucraniano Volodymyr Zelenskyy vía satélite, quien hizo referencia a películas como Apocalypse Now, de Francis Ford Coppola y El gran dictador, de Charlie Chaplin e instó a los cineastas a no “permanecer en silencio”.

La presencia de Serebrennikov en Cannes ha recibido críticas. Algunos en Ucrania han llamado a boicotear a todos los rusos en el festival y otras reuniones artísticas importantes. Los organizadores de Cannes decidieron prohibir a los rusos con vínculos con el gobierno, pero no cineastas. Aún así, Serebrennikov es el único cineasta ruso en Cannes este año.

“Si me hubieran preguntado el 23 de febrero si era posible una guerra con Ucrania, habría dicho: ‘No, nunca. No es posible. Pero sucedió. Mi patria destruyó otro país”, dice Serebrennikov. “Es muy doloroso, es muy triste. Es una catástrofe para todo el pueblo, para Europa, para ambos lados. No sólo para los ucranianos sino también para Rusia. Mucha gente no puede decir nada. Y a veces, la impotencia y el mutismo es mucho más doloroso. Ahora Ucrania es una nación que lucha contra un enemigo”.

Tchaikovsky’s Wife está protagonizada por Alyona Mikhailova, como Antonina Miliukova, y Odin Biron, un actor estadounidense que ha actuado en la televisión rusa, como Piotr Ilich Chaikovski. Fue parcialmente financiada por el sancionado oligarca ruso Roman Abramovich.

El director artístico de Cannes, Thierry Frémaux, dijo que el festival debatió si incluía la película en la competencia, y finalmente decidió hacerlo porque contradice las narrativas del estado ruso y se filmó antes de la guerra y las sanciones posteriores.

FLEE: el eterno drama del exilio.

En los 94 años del Oscar, FLEE es la única película que ha sido nominada de manera simultánea en las categorías de Mejor Película Internacional, Mejor Documental y Mejor Película Animada. Lamentablemente estuvo compitiendo en una edición en que otras favoritas eran muy fuertes en su categoría respectiva: Drive My Car (de Ryusuke Hamaguchi), Summer of Soul (de Questlove) y Encanto (de Byron Howard y Jared Bush) se llevaron el Oscar, pero FLEE permanecerá en las listas de referencia como uno de los mejores estrenos del año.

FLEE, del danés Jonas Poher Rasmussen, narra los suplicios de Amin Nawabi (seudónimo del personaje real) quien se ve obligado a exiliarse de Afganistán junto a su familia y convertirse en mercancía de provecho para funcionarios, policías y traficantes de todas nacionalidades. El indocumentado es lo mismo en todas partes: carne de cañón para los buitres despiadados que explotan todos sus miedos. Está muy claro: la auténtica maldición babélica no fueron los idiomas, fueron las fronteras.

Amin carga sobre sus hombros otra condición que le pesa como roca: desde niño sabe que su orientación sexual es distinta y, en secreto, ha delirado por los músculos de Jean-Claude Van Damme. La angustia lo habita irremediablemente ante el posible rechazo de su familia a su secreto.

Rasmussen resuelve eso de una manera magistral: nuestro personaje se recuesta en un diván y narra para las cámaras su vida, con la confianza que lo hacemos frente al sicólogo de cabecera, en la certeza de la calidez de quien escucha sin prejuicios, en el confort de la íntima solidaridad. No hay obligaciones de contar lo que no se quiere, no hay sobresaltos de ningún tipo por lo que se cuenta.

Recuerdo que FLEE es una película animada. Lo grandioso es que logra estremecernos como cualquier drama de acción real, ante la sincera apertura del corazón de Amin, su infancia robada por la huida presurosa de las atrocidades del régimen afgano, la esperanza de sobrevivir como el único pan nuestro de cada día, el trauma de vivir un año en un cuartucho de Moscú solo viendo telenovelas mexicanas y el peso de un secreto que crece en su corazón.

Para sobrellevar esas fases de absoluto pesimismo con otras de ciertas esperanzas, Rasmussen ha utilizado técnicas de animación muy específicas: figuras con trazos definidos para los recuerdos felices, perfiles fantasmales y sin color para etapas deprimentes y un trazo más fuerte para el presente del personaje, sobrepasados ya muchos de los obstáculos a los que se ha visto sometido Amin.

La perfecta combinación de segmentos de acción real para ilustrar el Kabul de la infancia o el impacto mediático de viajar como polizontes en un contenedor, acentúan la empatía que FLEE despierta en el espectador, sin sacar provecho de sensacionalismos innecesarios, ni cuestionar lo obvio: el drama de dejarlo todo atrás sin nadie que te defienda.

FLEE también nos demuestra la eficiencia de los festivales de cine como efectivas plataformas de promoción: desde su estreno en Sundance (donde ganó el Gran Premio del Jurado), su paso por Cannes, Toronto (donde ganó el Premio del Público para documentales), su Premio a la Libertad de Expresión del NBR, hasta su triple nominación al Oscar.

Como experiencia cinematográfica, FLEE es completamente novedosa y ese solo hecho la coloca entre los mejores filmes del año.

 

FLEE (2021). Dirección: Jonas Poher Rasmussen; Guion: Jonas Poher Rasmussen y Amin Nawabi; Cámara: Mauricio González-Aranda; Edición: Janus Billeskov Jansen; Música: Uno Herlmersson; Voces: Fardin Mijdzadeh, Zhara Merhwarz, Mauricio González-Aranda.  

Premios LUX: las finalistas.

Ya se conocen las finalistas de los Premios LUX. Las tres películas que compiten en la edición de 2022 son: Flee, de Jonas Poher Rasmussen; Great Freedom, de Sebastian Meise, y Quo Vadis, Aida?, de Jasmila Žbanić.

El Premio del Público Lux está organizado por el Parlamento Europeo y la Academia Europea de Cine, en colaboración con la Comisión Europea y Europa Cine. El galardón invita al público europeo a formar parte del jurado y votar por la película favorita.
El público puede votar en la plataforma oficial hasta el 25 de mayo de 2022. La clasificación final se determinará combinando el voto del público y el de los eurodiputados, con un peso del 50% para cada grupo.
El objetivo del Premio LUX del Público es acercar al público europeo a los directores y cineastas europeos. El Premio LUX del Público promueve la cinematografía europea y ayuda al público a descubrir películas europeas, haciéndolas accesibles al público en general.
Una vez cerrado el periodo de votación, se seleccionarán aleatoriamente 16 de los participantes que serán invitadas a unirse a la ceremonia de entrega del premio LUX, que tendrá lugar el miércoles 8 de junio de 2022 en la sala de plenos del Parlamento Europeo en Estrasburgo. Serán invitados al anuncio de la película ganadora y tendrán la oportunidad de conocer a los directores de las películas.

El Oscar 2023 ya tiene fecha.

La 95 edición de los Oscar se celebrará el domingo 12 de marzo de 2023 en el teatro Dolby de Los Ángeles, ha anunciado la Academia de Hollywood a través de un comunicado difundido en sus redes sociales.

La Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas (Ampas, por sus siglas en inglés) ha decidido que por segundo año consecutivo la gala en la que se conceden los galardones más relevantes del sector del cine a nivel mundial se realice en el mes de marzo.

Además, la organización ha informado ya que la cadena estadounidense ABC volverá a ser la encargada de televisar la ceremonia, en una emisión internacional que lidera de forma ininterrumpida desde 1976 y que, según la Academia, alcanza hasta 200 territorios repartidos por todo el mundo.

Antes de la entrega de premios, las producciones que aspiren a estar en los Oscar deberán presentar sus proyectos a las categorías generales con fecha límite el 15 de noviembre.

El 12 de diciembre será cuando se inicie la votación preliminar que tendrá como resultado una lista reducida de candidaturas al Oscar, y que se hará pública el 21 de diciembre.

Por su parte, la elección de los finalistas nominados a la estatuilla dorada en las distintas categorías tendrá lugar entre el 12 y el 17 de enero y se anunciarán el 24 de ese mismo mes.

Finalmente, la votación definitiva de los ganadores de la 95 edición de los premios Oscar se producirá entre el 2 y 7 de marzo.

San Sebastián 2022: Juliette Binoche, Premio Donostia.

Juliette Binoche, una de las actrices europeas más internacionales, protagoniza el cartel oficial de la 70 edición del Festival de San Sebastián, que se celebrará del 16 al 24 de septiembre. Ganadora de un Oscar por su trabajo en The English Patient (1996, Anthony Minghella), la intérprete francesa visitará la ciudad por cuarta vez para recibir uno de los Premios Donostia de este año en reconocimiento a una dilatada carrera en la que ha encarnado a cerca de 75 personajes, desde heroínas poderosas a seres frágiles, pasando por personajes históricos, roles dramáticos y papeles cómicos.

La ceremonia de entrega del galardón tendrá lugar en el Auditorio Kursaal y contará con la Proyección Premio Donostia de Fuego (2022), película con la que Claire Denis ganó el Oso de Plata a la Mejor dirección en el último Festival de Berlín y que cuenta en su elenco con Vincent Lindon, Grégoire Colin y la propia Binoche.

Tras dar sus primeros pasos en el teatro y formarse como actriz en el Conservatorio Nacional de Arte Dramático, Juliette Binoche (París, 1964) debutó en el cine con Liberty Belle (1983, Pascal Kané), a la que siguieron algunos papeles en obras de cineastas como Jean-Luc Godard (Yo te saludo, María, 1985), Jacques Doillon (La vie de famille, Sección Oficial, 1985) o André Techiné (La cita, 1985), con quien volvió a coincidir años más tarde en Alice y Martin (1998). Mala sangre (1986) supuso su primera colaboración con Leos Carax, a cuyas órdenes también filmó Los amantes del Pont-Neuf (1991).

Desde los inicios de su carrera ha alternado títulos rodados en francés con otros muchos realizados en inglés como las adaptaciones literarias de La insoportable levedad del ser (1988, Philip Kaufman), Cumbres borrascosas (1992, Peter Kosminsky) o Damage (1992, Louis Malle), en las que actuó con Daniel Day-Lewis, Ralph Fiennes y Jeremy Irons, respectivamente.

Binoche encarnó a una mujer en duelo en la película que inauguró la célebre trilogía de Krzysztof Kieslowski, Tres colores: Azul (1994), por cuyo trabajo recibió el Premio a la Mejor actriz en el Festival de Venecia y un Premio César, distinción a la que ha optado en nueve ocasiones más. También fue la novelista George Sand en Confesiones íntimas de una mujer (1999, Diane Kurys). Pero el reconocimiento internacional masivo le llegó gracias a su inolvidable personaje de enfermera en El paciente inglés (1996), que le proporcionó el Óscar a la Mejor actriz de reparto y el Premio a la mejor actriz en el Festival de Berlín.

Ha trabajado al mando de cineastas europeos como Jean-Paul Rappeneau, que clausuró fuera de concurso la Sección Oficial del Festival de San Sebastián con El húsar en el tejado (1995); Chantal Akerman en Romance en Nueva York (1996), Patrice Leconte en La viuda de Saint-Pierre (2000), Lasse Hallström en Chocolat (2000), John Boorman en Un país en África (2004) y Michael Haneke, con quien ha rodado dos obras fundamentales: Código desconocido (2000) y Caché (2005). En 2002, además, protagonizó Jet Lag, de Danièle Thompson, filme con el que visitó San Sebastián por primera vez para clausurar la Sección Oficial fuera de competición.

Otros títulos destacados de su filmografía incluyen Mary (2002, Abel Ferrara), El vuelo del globo rojo (2007, Hou Hsiao-Hsien), Disengagement (2007, Amos Gitai) y Shirin (2008, Abbas Kiarostami), con cuyo director volvió a trabajar en Copia certificada (2010), una historia de amor ambientada en la Toscana que le valió el Premio a la Mejor actriz en el Festival de Cannes.

Juliette Binoche ha compaginado papeles en grandes superproducciones de acción como Godzilla (2014, Gareth Edwards) o Ghost in the Shell: el alma de la máquina (2017, Rupert Sanders) con trabajos para autores de la talla de David Cronenberg (Cosmópolis, 2012), Isabel Coixet (Nadie quiere la noche, 2015) o Bruno Dumont, con quien ha actuado en La alta sociedad (2016) y Camille Claudel 1915 (2013), en la que encarnó a la reconocida escultora Camille Claudel. También son frecuentes sus incursiones con el cineasta Olivier Assayas, que la ha dirigido en Las horas del verano (2008), Viaje a Sils Maria (2014) y Dobles vidas (2018).

En 2018 la actriz regresó a San Sebastián para presentar dos películas que compitieron en la Sección Oficial: Vision, un relato místico de Naomi Kawase, y High Life, una nueva colaboración con Claire Denis enmarcada en el género de la ciencia ficción que obtuvo el Premio Fipresci. Junto a esta directora, con quien ya había rodado Un sol interior (2017), ha trabajado recientemente en una película que compitió en la última Berlinale, Fuego, la historia de un triángulo amoroso que Binoche forma junto a Vincent Lindon y Grégoire Colin. Será la Proyección Premio Donostia que acogerá el Auditorio Kursaal tras la gala en la que la actriz recibirá el galardón.

Entre sus últimos trabajos también figuran La vérité (2019), de Hirokazu Koreeda, con quien la actriz viajó a San Sebastián por tercera vez, y En un muelle de Normandía (2021, Emmanuel Carrère), que el año pasado participó en Perlak y se alzó con el Premio del Público Ciudad de Donostia / San Sebastián a la mejor película europea.

“Perejil” desde el 19 de mayo en cines.

Perejil, la nueva película de José María Cabral, tendrá su estreno en salas dominicanas a partir del jueves 19 de mayo.

Luego de su estreno mundial en el Festival de Miami, donde consiguió el Premio del Público, el filme de Cabral ha cosechado elogios en varios festivales internacionales y, hace unos días, Ramón Emilio Candelario recibió el premio al mejor actor en el II Festival Fine Arts “Hecho en RD”.

En palabras de Cabral: “Perejil resultó ser una película muy exigente, no solo para mí y el equipo, sino también para los actores, especialmente nuestra actriz principal Cyndie Lundy, una profesional consumada. Investigar para escribir el guion fue un proceso impactante y conmovedor mientras viajaba a la región fronteriza para entrevistar aquellos que todavía estaban apegados a esta tragedia, aquellos que vieron a sus propios familiares y amigos morir a manos de una masacre genocida.

“Como director, quería contar esta historia desde la perspectiva de una familia; en particular, desde el punto de vista de una madre. No hay nada más valioso en la vida que la familia, y verse separado de ellos por el racismo y las órdenes xenófobas de un gobierno despótico, deben contarse entre las más dolorosas experiencias que le pueden pasar a cualquier ser humano. Muchos de estos conflictos entre los República Dominicana y Haití continúan hasta el día de hoy, y corresponde a nuestra generación comenzar ver el pasado claramente para poder entender y sanar el presente”, estableció Cabral.

Perejil se desarrolla en 1937, cerca de la frontera entre República Dominicana y Haití. Una joven haitiana llamada Marie está esperando su primer hijo de Frank, su esposo dominicano. A pesar de crecientes tensiones raciales en el área, ellos están viviendo una vida pacífica mientras se preparan para su bebé. Una noche, ella es despertada por gritos distantes: el dictador dominicano Rafael Trujillo ha ordenado la ejecución inmediata de todos los haitianos en suelo dominicano y lo que sella el destino de una víctima es cómo pronuncia la palabra “perejil”. Marie huye a las montañas, embarazada de 9 meses, sin dónde esconderse y debe abrirse camino hasta un lugar seguro antes de que la “Masacre de Perejil” la alcance.

Perejil cuenta con las actuaciones de Cyndie Lundi, Ramón Emilio Candelario, Gerardo Mercedes, Pavel Marcano, Lia Briones, Attabeyra Encarnación y otros actores dominicanos que se encargaron de aportar su talento a esta historia.  

La película de Tabula Rasa y Lantica Media fue producida por Rafael Elías Muñoz y filmada casi por completo en Pinewood Studios Dominican Republic. 

Seminci 67: el afiche oficial.

La propuesta del diseñador madrileño José Luis Segovia titulada “Espectador expectante” ha sido elegida como imagen oficial de la 67 edición de la Semana Internacional de Cine de Valladolid (SEMINCI), que se celebrará del 22 al 29 de octubre de este año 2022.

El jurado del decimocuarto concurso de ideas para la selección de los carteles del festival, convocado por la Fundación Municipal de Cultura del Ayuntamiento de Valladolid y SEMINCI, ha seleccionado como imagen oficial el diseño realizado por José Luis Segovia, con estudios en Artes Gráficas y Grabado, que cuenta con 40 años de experiencia, 15 de ellos dedicado a la preimpresión y 25 como diseñador gráfico para Aenor.   

Su propuesta busca mostrar como “con la ilusión y expectación con la que un niño observa el trazo de un dibujo al compás de ‘El seis y el cuatro la cara de tu retrato’, el espectador asiste a una sala de proyección expectante al acontecimiento que está por ocurrir. Al cambiar el siete por el cuatro le damos cierta humanidad al grafismo, la sonrisa, el espectador se lo está pasando bien observando la Semana de Cine de Valladolid”.

Por primera vez en las diferentes convocatorias de este concurso, han sido seleccionadas dos ideas del mismo autor. El jurado ha elegido para la sección Punto de Encuentro la propuesta que lleva por título “Punto rojo”, y para la sección documental Tiempo de Historia, la denominada “Anónimo”, ambas realizadas por el diseñador Xavi Rubiras.

Nacido en Barcelona, posee una larga trayectoria de 30 años en el ámbito del diseño gráfico, que inicia en 1990 en Eagle Star Seguros (Zurich Seguros) y continúa en Mango (Barcelona) y Mistral Sportwear. En 2008, y ya afincado en Málaga funda, junto a Cristina Rosón, el estudio creativo La madre de los Beatles donde ejerce como Director de Arte. En 2013 emprende un nuevo proyecto, y crea RUBIRAS | DISEÑO OFF & ONLINE, donde se especializa en proyectos relacionados con el mundo del arte y realiza diversos trabajos para el Centre Pompidou Málaga o la Fundación Picasso-Museo Casa Natal, entre otros.

Sobre sus propuestas, Rubiras señala que “Punto de encuentro es el punto de encuentro de los nuevos autores, y es también punto de encuentro de espectadores ávidos del nuevo cine. Y así lo muestra el cartel dedicado a esta sección, donde una multitud de personas acude a dicho punto de encuentro en busca de esas cinematografías que no llegan a distribuirse en salas comerciales”.

Para el autor “la sección ‘Tiempo de Historia’ está dedicada al documental, cine de no ficción en la que los protagonistas suelen ser anónimos o no conocidos por el gran público. El cartel propuesto para esta edición quiere dar protagonismo a esos personajes anónimos, y para ello muestra un personaje sin rostro sobre el que destacan las iniciales de ‘Tiempo de Historia’”.

Los ganadores de este concurso recibirán tres premios dotados con 3.000 euros para el autor de la imagen oficial de la 67ª edición, y 600 euros para los autores de los carteles de las secciones Punto de Encuentro y Tiempo de Historia, respectivamente.

El jurado del concurso de carteles ha estado presidido por Ana Redondo García, concejala de Cultura y Turismo y presidenta de la Fundación Municipal de Cultura, actuando como vocales Carmelo Irigoyen, gerente Fundación Municipal de Cultura del Ayuntamiento de Valladolid; Javier Angulo Barturen, director artístico de SEMINCI; Vanessa García Rivas, responsable Marketing y Comunicación de la Escuela Superior de Diseño (ESI); Sara Pérez Barreiro, Doctor Arquitecto/Grupo de Investigación Reconocida (GIR) ‘Arquitectura y Cine’ de la Universidad de Valladolid; y Pilar Casado Prieto, Profesora de diseño gráfico de la Escuela de Arte y Superior de CRBC de Valladolid.

Festival Fine Arts Hecho en RD: los ganadores.

Carajita, de Silvina Schnicer y Ulises Porra, se alzó con la distinción de mejor película en la segunda edición del Festival de Cine Fine Arts “Hecho en RD”, cuya cartelera estuvo compuesta por filmes y cortos de producción 100% dominicanas.

La clausura del Festival se realizó en Fine Arts Cinema Café At Novo Centro, donde se premiaron las producciones, actores y cortos que participaron en el certamen y que fueron seleccionados como ganadores por un Jurado presidido por la productora Desirée Reyes, acompañada por los críticos de cine Félix Manuel Lora, Pachico Tejada, Ariel Feliciano, y el actor Richard Douglas.

Carajita resultó ganadora a mejor película y mejor guion. El premio al mejor director fue para Iván Herrera por su película Bantú Mama. El premio a mejor actriz fue para Fidia Peralta por su partipación en La balada de los cuervos, mientras Ramón Emilio Candelario fue galardonado como mejor actor por su papel en Perejil. Los premios a los actores secundarios fueron para Esmailyn Morel Reyes y Scarlet Reyes, por sus papeles en Rafaela y Bantú Mama, respectivamente. La categoría de mejor cortometraje la ganó Swipe Up, Eiry Javier y Patricia Arias, de la Pucamaima.

La película de clausura de la segunda edición del Festival de Cine Fine Arts fue Desaparecido, de Roberto Ángel Salcedo, que se proyecta actualmente en cines del país.

El Festival de Cine Fine Arts “Hecho en RD” es un evento de Caribbean Cinemas con el auspicio oficial de Altice Dominicana y su programa de lealtad Altice Cinema. También se hace posible gracias a sus patrocinadores: Brugal y Unit, Filial de Grupo Universal. Además, con la colaboración de DGCINE, Cosas del País, Listín Diario y El Catador.

Cannes 2022 y sus pesos pesados.

El Festival de Cannes sigue siendo la cita cinematográfica de mayor prestigio del mundo. En su 75 aniversario nueva vez ha convocado a los grandes nombres del cine del planeta. Se puede estar o no de acuerdo con la selección, pero nadie puede negar la indudable trayectoria de los nombres que la componen.

Para que se tenga una idea, 2,200 películas aspiraban a competir por la Palma de Oro y solo 20 han entrado en la Sección Oficial. Un tremendo trabajo que le espera al Jurado que preside el actor Vincent Lindon.

Ahora bien: entre los seleccionados hay 4 que ya han ganado la Palma de Oro, a saber: Hirokazu Kore-eda, Cristian Mungiu, Ruben Östlund y los hermanos Jean-Pierre y Luc Dardenne.

El japonés Kore-eda se llevó su Palma de Oro en 2018 por Un asunto de familia, una maravillosa película que lo confirmó como uno de los grandes directores del cine contemporáneo y validó su Gran Premio del Jurado por De tal padre, tal hijo (2013). En esta ocasión se presenta con su nuevo título Broker, filme rodado en Corea del Sur que narra la historia de un grupo que asiste a un Baby Box, encuentro con cajas configuradas para que aquellos ya no pueden mantener a sus bebés los entreguen de forma anónima.

Los hermanos Dardenne, son unos belgas que han ganado en dos ocasiones: en 1999 con Rosetta y en 2005 con L'enfant, dos filmes absolutamente impactantes que no dejan al espectador indiferente. Este año compiten con Tori y Lokita, en la que un joven y una adolescente llegados de África confrontan su amistad invencible con las crueles condiciones que su exilio les impone.

En 2017, el sueco Östlund se llevó el máximo galardón con The Square, filme que pone a prueba nuestra capacidad de concentración. Su apuesta para este año es Triangle of Sadness, la historia de dos modelos que naufragan junto a un grupo de millonarios y una sirvienta. Cuando llegan a una isla desierta, la sirvienta es la única que sabe pescar.  

El rumano Mungiu en 2007 encabezó el palmarés con 4 meses, 3 semanas, 2 días, un filme muy perturbador sobre un aborto y este año intenta revalidar su status con RMN, sobre los efectos de las políticas europeas en Transilvania.

¿Ser ganadores previos les da alguna ventaja? Indudablemente.

Pero no podemos olvidarnos de quienes pueden dar la “sorpresa”: 

El canadiense David Cronenberg fue Premio Especial del Jurado en 1996 con Crash y regresa con Crimes of the Future, filme con el que el director pone a prueba tu estómago como nunca y con la que lanza el desafío de “aguantar 5 minutos”. ¿Autopromoción?

El polaco Jerzy Skolimowski regresa con EO, una reinvención contemporánea de Al azar de Baltasar (1966), genialidad del Maestro Robert Bresson. Skolimowski ganó el Gran Premio del Jurado con El grito (1978). Luego se mudó a Los Ángeles y por 20 años se dedicó a la pintura abstracta. La posibilidad de premiar a este maestro de 84 años y, de paso, honrar a Bresson, el más incomprendido está latente.

Finalmente, la invasión a Ucrania ha impedido que los cineastas rusos participen en Cannes, excepto aquellos que abiertamente son críticos del gobierno de Putin. Es el caso de Kirill Serebrennikov, a quien se le negó el permiso para viajar a Cannes en 2020: está condenado a 3 años de prisión con libertad condicional por “fraude y desvío de fondos públicos”. Medio exiliado en Alemania, presenta Tchaikovsky's Wife y el escenario está servido para la polémica o para darle una bofetada mediática al gobierno ruso

“Mosh”: desde el 12 de mayo en cines.

A partir de este 12 de mayo, la película Mosh entrará a la cartelera de los cines del país. La cinta de Juan Antonio Bisonó relata la historia de Mosh, el personaje protagonista quien, envuelta en la pobreza y un ambiente de drogas, encuentra su camino en la danza contemporánea, como su aliada para transformar su realidad.

El filme fue estrenado en el Festival Internacional de Cine de El Cairo y adquirida en el mercado del Festival de Cannes por el agente de ventas alemán MediaLuna, y también formó parte de la segunda edición del Festival de Cine Fine Arts Hecho en RD. Ahora se estrena en las salas de cine de Downtown Center, Blue Mall y Fine Arts, y en Santiago, en Cinemacentro Cibao. 

El filme cuenta con un elenco compuesto por actores nacionales e internacionales: María Rebecca Dalmasí, Omar Augusto Luis, Rita Indiana, Héctor Aníbal, Damián Alcázar, Vicente Santos y Richarson Díaz, entre otros.

Mosh es la ópera prima de Juan Antonio Bisonó, quien presenta un cuadro de la cruda y pintoresca realidad que se vive en República Dominicana, pero que, además quiere dar un mensaje de esperanza de “sí se puede salir adelante y cumplir tus sueños”.

Este mensaje se recalca en la película con la frase expuesta por la artista Rita Indiana, quien interpreta a la señora Dios y dice: “De todas las criaturas creadas por mí, la única que se esfuerza en enfocarse en lo malo, son los seres humanos”.

La sinopsis del filme es la siguiente: Mosh es una joven dominicana de 16 años que ha vivido toda su vida en el barrio con Laura, su madre enferma de cáncer y Gerónimo, su primo, quien está inmerso en el mundo de las drogas. Ella busca encontrarse y saber quién desea ser en su dura realidad, siempre evocada de manera visceral en la música rap que Gerónimo hace junto a su amigo “El Buzo”. Cuando la salud de Laura empeora y Gerónimo se ve liado por un grupo de gente peligrosa, Mosh deberá crecer de manera inesperada y decidir en quién confiar y cómo sobrevivir, mientras sus dos pilares se alejan cada vez más.

Cannes 2022: Forest Whitaker, Palma de Oro honorífica.

 Después de Jodie Foster en 2021, el actor ganador del Oscar Forest Whitaker será el invitado de honor en la Ceremonia de Apertura del 75º Festival de Cine de Cannes. Al igual que Jeanne Moreau, Bernardo Bertolucci, Manoel de Oliveira, Jean-Pierre Léaud, Agnès Varda o Alain Delon, recibirá una Palma de Oro honorífica, que premia tanto una brillante carrera artística y una personalidad singular como un compromiso discreto pero asertiva en las grandes acciones humanitarias de nuestro tiempo.

Whitaker es una leyenda que impresiona. Su destino artístico y su aura se revelaron plenamente cuando llegó por primera vez al Festival de Cine de Cannes en 1988, donde encarnó al genio Charlie Parker, un visionario jazzista que elevó el saxofón a un nuevo nivel de expresión. Clint Eastwood le ofreció entonces su primer gran papel, aunque ya se había hecho un nombre con Martin Scorsese en El color del dinero, Oliver Stone en Platoon o Barry Levinson en Good Morning, Vietnam. A los 27 años recibió el Premio al Mejor Actor por Bird.

El mundo entero descubre a un actor de una potencia fenomenal, en sintonía con una sensibilidad que impone innegablemente una forma de gracia, un bloque de emoción que transmite toda la fragilidad humana en la voz y la mirada. “Al dar la bienvenida a Forest Whitaker a Cannes, pude conocer y admirar a un artista con un carisma inmenso y una presencia luminosa”, declaró Thierry Frémaux, Delegado General.

“Su filmografía es a la vez deslumbrante y totalmente lograda. También pude observar de cerca sus convicciones como hombre, la atención que presta a las generaciones más jóvenes y su fe en un mundo mejor, al que él mismo contribuye –y en concreto, a través de su compromiso– a mejorar. Raros son los artistas que encuentran un equilibrio tan hermoso. Forest lo logra y predica con el ejemplo”.

“Es una tradición que el Festival de Cine de Cannes honre a quienes han hecho su historia y Forest Whitaker es uno de ellos”, añade Pierre Lescure, presidente del Festival de Cine de Cannes. “Es ese joven actor que Clint Eastwood descubrió en Bird y ese hombre que amplía su visión del mundo para ofrecérselo a los que sufren ya los que luchan. Todos los honores podrían ir para Forest Whitaker. Esta Palma de Oro es el testimonio del reconocimiento del mundo del cine”.

Regresó seis veces a la Sección Oficial, incluidas cuatro en Competición con: A Rage in Harlem de Bill Duke, Ladrones de cuerpos de Abel Ferrara y la inclasificable Ghost Dog: The Way of the Samurai, de Jim Jarmusch, donde encarna a un melancólico asesino a sueldo que vive según los preceptos del Hagakure, el código de honor de los samuráis del Japón medieval. Concentrado en poder y flexibilidad, encarna a un héroe juguetón y meditativo, lleno de fuerzas misteriosas.

The Crying Game, Humo, Habitación del pánico, Juego del teléfono, El último rey de Escocia (Oscar y Globo de Oro al mejor actor), Al final de la noche, Rage in the Belly, Rogue One, Black Panther, The Butler, Respect: son películas hablan de su eclecticismo y su amor. de la gran diferencia. Finalmente, debemos mencionar Zulu de Jérôme Salle, que se proyectó en la Clausura del Festival 2013.

A su filmografía como actor pronto se unió una labor de director y productor: Forest Whitaker ha dirigido 4 largometrajes (Strapped, ¿Dónde están los hombres?, Así va la vida, Stars Full Eyes) y produjo en particular la sobrecogedora Fruitvale Station, ópera prima de Ryan Coogler presentada en Un Certain Regard, la eufórica Dope o más recientemente The Songs My Brothers Taught Me de Chloé Zhao.

Pero esta brillante carrera artística no puede resumir solo a Forest Whitaker. Porque, a sus ojos, ser una estrella de cine no es suficiente y su carrera resuena fuertemente con sus compromisos humanitarios. En 2012, el actor fundó Whitaker Peace & Development Initiative (WPDI), una ONG que opera en Uganda, Sudán del Sur, México, Sudáfrica, Camerún, Chad y Gabón e incluso en Los Ángeles. Trabajando por la paz y la resiliencia económica en territorios marcados por el conflicto armado y la violencia, WPDI ha llegado, en 10 años, a más de un millón y medio de personas, gracias a una red de más de 2500 jóvenes líderes y 14 centros de aprendizaje. Enviado especial de la UNESCO para la paz y la reconciliación, Forest Whitaker es miembro del grupo de defensa de los Objetivos de Desarrollo Sostenible en las Naciones Unidas.

III Premios de la Crítica: los ganadores.

La Asociación Dominicana de Prensa y Crítica Cinematográfica (Adopresci) hizo entrega del Premio de la Crítica Cinematográfica en la gala de la III edición realizada el pasado jueves 5 de mayo en el Centro Cultural Banreservas, en la que también se rindió un reconocimiento al crítico de cine e investigador José Luis Sáez,.

La gala contó con el apoyo de Banreservas, el Centro Cultural Banreservas, Logomarca, EGEDA Dominicana y la Dirección General de Cine (DGCine).

En el acto, la producción dominicana Candela dirigida por Andrés Farías y producida por Pablo Lozano, fue galardonada como la Mejor Película del año 2021, dicho galardón fue entregado por Marianna Vargas, Directora General de Cine (DGCine) junto a Dahiana Acosta Presidente de ADOPRESCI. También esta producción alcanzó los premios al Mejor Sonido para Marco Salaverría y Mejor Edición para Juanjo Cid.

En la categoría de Mejor Actor el premio fue para Vicente Santos por su trabajo en Liborio y para Mejor Actriz lo obtuvo Sarah Jorge León por Candela, mientras que en la categoría al Mejor Guion fue para Alejandro Andújar por El Blanco.

En cuanto a las demás categorías los miembros de Adopresci otorgaron los premios a la Mejor Fotografía para Israel Cárdenas por La Fiera y la Fiesta, Mejor Musicalización para Liborio realizada por Federico Chalas y Fermín Quintana, y otorgando el premio a la Mejor Dirección para los realizadores Laura Amelia Guzmán e Israel Cárdenas por La fiera y la fiesta.

La gala de esta III edición del Premio de la Crítica Cinematográfica también sirvió de un emotivo reconocimiento especial del Personaje de la Industria Cinematográfica para el crítico, historiador, catedrático universitario José Luis Sáez Ramos autor del ensayo Historia de un sueño importado, obra elogiada por muchos críticos e investigadores cuyos datos han servido para seguir profundizando en el estudio de la cinematografía local.

El rango tomado por Adopresci para la selección de las películas que participaron en esta tercera edición fueron las producciones fílmicas exhibidas entre el 1ero. de enero del 2021 hasta el 31 de diciembre de ese mismo año y distribuidas de manera comercial a través de una sala de cine establecida en el territorio nacional.

La junta directiva actual de la Asociación Dominicana de Prensa y Crítica Cinematográfica (Adopresci) está integrada por Dahiana Acosta (Presidente), Félix Manuel Lora (Vicepresidente), José Aquino (Tesorero) Luis Jansen (Secretario Ejecutivo) y José Rafael Sosa (Vocal).

Esta es la lista completa de ganadores:

-Mejor Película: Candela, dirigida por Andrés Farías, producción de Pablo Lozano.

-Mejor Dirección: Laura Amelia Guzmán e Israel Cárdenas por La fiera y la fiesta.

-Mejor Guion: El Blanco, de Alejandro Andújar.

-Mejor Actor: Vicente Santos por Liborio.

-Mejor Actriz: Sarah Jorge León por Candela.

-Mejor Fotografía: La fiera y la fiesta, de Israel Cárdenas.

-Mejor Sonido: Candela, de Marco Salaverría.

-Mejor Musicalización: Liborio, de Federico Chalas y Fermín Quintana

-Mejor Edición: Candela, de Juanjo Cid

Adopresci honrará a José Luis Sáez

 

La Asociación Dominicana de Prensa y Crítica Cinematográfica informó rendirá homenaje al padre José Luis Sáez (S.J.), como formador de cineastas y cinéfilos, en su labor de profesor universitario y escritor sobre cine dominicano.

Dahiana Acosta, presidenta de Adopresci, adelantó que, en la tercera edición del Premio de la Crítica, habrá un segmento pregrabado de homenaje a Sáez, durante la ceremonia de entrega.

Sáez escribió y publicó los libros: Teoría del cine (1974), Historia de un sueño importado (1982) y Apuntes de periodismo iconográfico (1986), textos fundamentales para el desarrollo y conocimiento del cine dominicano.

La III edición de los Premios de la Crítica se llevará a cabo este jueves 5 de mayo, en el Centro Cultural Banreservas, en una ceremonia en que serán anunciados los ganadores, entre las mejores producciones cinematográficas dominicanas del 2021.

Acosta reveló que la conducción del evento estará a cargo de la locutora y productora Nereyda Castillo

Para el premio se encuentran nominadas a Mejor Película: Candela, El Blanco, Liborio y La fiera y la fiesta, y sus directores: Andrés Farías, Alejandro Andújar, Nino Martínez Sosa y Laura Amelia Guzmán e Israel Cárdenas.

La III edición del Premio de la Crítica Cinematográfica cuenta con el apoyo de Dirección General de Cine, Banreservas, Centro Cultural Banreservas, Logomarca y EGEDA Dominicana.