lunes, septiembre 10, 2012

Revisen sus agendas: vuelve el Festival de Cine Fine Arts 2012

Creo que todo buen cinéfilo ya tiene práctica en este asunto de las prioridades: todo es tan sencillo como tomar la agenda y borrar cualquier compromiso comprendido entre el 27 de septiembre y el 7 de octubre, fechas en que se celebrará el Festival Internacional de Cine Fine Arts 2012, en Fine Arts Cinema Café de Novo-Centro.


En esta entrega el calendario de proyecciones abarca casi una treintena de películas, representativas de lo mejor de la producción internacional de 4 continentes. Películas que han obtenido diversos premios en los más importantes festivales internacionales de cine.

Los cinéfilos podrán deleitarse con esta exquisita selección de películas, que vienen precedidas por elogios de la crítica internacional y que serán presentadas por primera vez en el país y de manera exclusiva a través de este Festival.

Los invitados.

Una vez más el Festival de Cine Internacional Fine Arts cuenta con distinguidos invitados internacionales como: el director Pablo Trapero y la actriz Mirtha Ibarra, ambos de la película cubana 7 días en La Habana, los actores Ernesto Alterio, de la película Infancia clandestina; y Andrés Crespo de la película Pescador; y Clara Lagos de Tengo ganas de ti, así como los directores Andrés Báiz del filme La cara Oculta y Paco León, director de Carmina o Revienta.

El Jurado.

El Jurado, compuesto por reconocidos expertos en la materia del séptimo arte y presidido por quien suscribe, e integrado además por los periodistas José Rafael Sosa y Pachico Tejada, la productora Desiree Reyes, el crítico Orlando Santos, la académica Jacqueline Bello y el profesor Agustín Cortes, tendrá la responsabilidad de elegir la Mejor Película, Mejor Director, Mejor Actor y Mejor Actriz.
Además, el público decide por votación directa el Premio Orange, patrocinado por la telefónica para honrar el filme que mayores simpatías despierta entre los asistentes.

La competencia oficial.

-7 días en La Habana.
-Abrir puertas y ventanas
-Aquí y Allá
-Bonsái
-Carmina o Revienta
-Clown
-Detachment
-Elefante Blanco
-Infancia Clandestina
-Juan de los Muertos
-Pescador
-Skylab
-Sueño y Silencio
-Superclásico
-Where do we go now?

En la Sección Informativa:

-11 flowers
-Almanya
-And if we all lived together?
-Arrugas
-El baile de San Juan
-El mural de Siqueiros
-Flowers of Kirkuk
-I am Director
-In your hands
-Larga Distancia
-Tres Marías
-Ruby Sparks
-Tengo ganas de ti
-This must be the place
-We have a Pope
-Hijos de las Nubes
-La maleta Mexicana
-Pelotero
-Calvet
-El Oro de la Vida
-La Cara Oculta
-Y el cortometraje El ave del paraíso, que estará representando a Dominicana en el festival.

El Festival Internacional de Cine Fine Arts es un evento de Caribbean Cinemas y sus salas especializadas Fine Arts cinema café con el auspicio de Orange Dominicana y su programa de lealtad Orange Cinema. También cuenta con el patrocinio de Air France, Copa Airlines, Fedex Express, Mazola, Scotiabank y la colaboración de las Embajadas acreditadas en el país.

lunes, septiembre 03, 2012

Revisen sus agendas: vuelve la II Muestra de Cine Medioambiental Dominicana

La Global Foundation for Democracy and Development (GFDD) y su institución hermana en la República Dominicana, Fundación Global Democracia y Desarrollo, anunciaron las fechas de la II Muestra de Cine Medioambiental Dominicana, la cual se llevará a cabo del 6 al 9 de septiembre, en el Centro León de Santiago, Santo Domingo y otros puntos del país.

La conservación y protección del medio ambiente ha sido una preocupación prioritaria, tanto para GFDD como para FUNGLODE, y la Muestra de Cine Medioambiental Dominicana (DREFF por sus siglas en inglés) traerá atención muy necesitada a este tema, en un formato que es al mismo tiempo educativo y entretenido.

La II Muestra de Cine Medioambiental brindará a la juventud y las audiencias en general, la oportunidad de ver una docena de las mejores y más hermosas, informativas y educativas películas del año sobre el medio ambiente, y a la vez les permitirá aprender sobre las problemáticas urgentes que enfrenta la ecología mundial. Algunos de los temas que las películas seleccionadas presentarán a su público son la contaminación, el cambio climático, la biodiversidad, la seguridad de bosques y alimentos, la globalización y el consumo, y la preservación de los océanos.

El medioambiente ha estado entre los temas predominantes en el trabajo de FUNGLODE/GFDD desde sus inicios. La labor de la Fundación en la creación de redes nacionales e internacionales, la discusión de temas de actualidad, el desarrollo de programas de capacitación con los principales expertos nacionales y prominentes figuras internacionales culmina con la creación de la Muestra de Cine Medioambiental Dominicano.

La Muestra proporciona a jóvenes y público en general la oportunidad de contemplar las mejores y más espectaculares películas a la vez que les brinda la posibilidad de informarse sobre los temas de actualidad y sensibilizarse en cuanto a la protección y conservación en el país y en el mundo. La crisis de la biodiversidad, producción sustentable y consumo, agua, cambio climático, urbanismo, pobreza y el estado de los océanos y la pesca son algunos de los temas abordados por las películas seleccionadas. El público también tiene la ocasión de conocer y dialogar con los productores, directores, investigadores y exploradores. La Muestra es el punto de encuentro entre el público y los principales actores de la comunidad medioambiental y ofrece oportunidades de colaboración con programas nacionales e
internacionales que promueven el cambio.

Misión.

La DREFF se propone concienciar y profundizar la comprensión existente sobre temas medioambientales en el público dominicano. La Muestra también se dedica a celebrar la belleza y la diversidad natural de la República Dominicana, así como a ofrecer información y propuestas que ayuden a apreciarlas y promuevan su conservación y uso sostenible.

Con la proyección de una variada selección de películas de alta calidad que traten los temas más acuciantes, y con la organización de paneles de debate, la iniciativa promueve el diálogo e inspira al público dominicano a adoptar acciones que garanticen el buen estado y la sostenibilidad del medio ambiente del país.

La Muestra sirve de catalizador para la creación de proyectos y programas que fomenten las buenas prácticas en el área de medioambiente, fruto de la interacción entre jóvenes y público en general con profesores, expertos, activistas, cinematógrafos y líderes del sector público y privado.

Cartelera en Santiago.

Jueves 6 de septiembre, 7:00 pm: Inauguración de la Muestra con Revenge of the Electric Car, con la participación del director Chris Paine.

Sinopsis de la Película:
Siga a cuatro emprendedores desde 2007 hasta el final de 2010 a medida que luchan por traer el carro eléctrico de regreso al mercado global en medio de una recesión global. Los protagonistas son Bob Lutz de General Motors, Elon Musk de la compañía start-up americana Tesla Motors, Carlos Ghosn de Nissan y Greg Abbott, un convertidor independiente de carros eléctricos de California. Esta película presenta el nacimiento de una nueva generación de carros eléctricos, incluyendo el Chevrolet Volt, el Nissan Leaf y el Tesla Roadster.

Viérnes 7 de septiembre, 7:00 pm:
Carbon for Water , con la participación de los directores Carmen Elsa López Abramson & Evan Abramson.

Sinopsis de la Película:
En Kenia, la inseguridad del agua es una realidad que pone en peligro la vida, y se espera que la población dé el salto de 40 millones a 60 millones en los próximos veinte años. La mayoría del país todavía depende de la madera y el carbón para dar energía a los hogares y la cubierta forestal está desapareciendo. Al mismo tiempo, el clima está cambiando: la cantidad de lluvias ha disminuido, los niveles de los ríos están bajos y la contaminación de las aguas está incrementando. En la competencia feroz por unos recursos cada vez más escasos, las más vulnerables son las mujeres y niñas quienes son las responsables de conseguir agua y combustible para sus familias. Al amanecer, Anzelma, de nueve años, camina por millas en busca de leña. Muchos en su aldea han muerto por beber agua sucia y la leña es una mercancía valiosa, ya que se emplea para hervirla y hacerla segura. El pequeño cuerpo de Anzelma se dobla bajo el peso de las cargas de madera balanceadas encima de su cabeza, pero ella sabe que estos largos recorridos al bosque son cruciales para la supervivencia de su familia. Una compañía está tratando de cambiar esto, entregando 900,000 filtros de agua de manera gratuita a la población de la provincia occidental de Kenia. Este constituye el programa de tratamiento de agua para hogares más grande en el mundo en vía de desarrollo, y está siendo financiado con créditos de carbono obtenidos a través de la reducción en el empleo de leña. Si es exitoso, reducirá las emisiones de dióxido de carbono en dos millones de toneladas al año, por una década o más. Pero primero requiere de un cambio en los hábitos de 4.5 millones de personas.

Sábado 8 de septiembre, 4:00 pm:
Surviving Progress, con la participación de su co-director, Harold Cooks.

Sinopsis de la Película:
Presentando algunos de los grandes pensadores contemporáneos del mundo, esta llamativa película explora el concepto del progreso en nuestro mundo moderno y, más específicamente, la idea de las “trampas del progreso.” Puesto de manera simple, estas innovaciones que parecen pasos inteligentes hacia adelante pero inadvertidamente causan más problemas. Desde temas prevalecientes como la deforestación y la corrupción política, hasta preocupaciones más controversiales como la sobrepoblación y la biología sintética, la película plantea preguntas críticas sobre errores cruciales que ha cometido la sociedad y lo hace desde una increíble perspectiva amplia. La pregunta de cómo escapamos las trampas lleva a preocupaciones aun más profundas acerca de las potenciales soluciones. Inspirada por el best-seller de Ronald Wright, A Short History Of Progress.

Domingo 9 de septiembre, 10:30 am:
The Last Lions, dirigida por Dereck Joubert.

Sinopsis de la película:
Narrado magistralmente por Jeremy Irons, el documental es una saga de supervivencia en un entorno despiadado. Después que miembros de una tribu rival matan a su pareja, una fuerte leona llamada Ma di Tau escapa con sus tres cachorros fuera del territorio hostil en los humedales del Okavango en Botswana. Enfrentando a la muerte y a los peligros que acechan en cada paso del camino, Ma di Tau encuentra refugio en una isla pantanosa separada del continente por los sistemas fluviales. La isla también es el refugio de una manada de enormes búfalos salvajes.

miércoles, agosto 22, 2012

“El caballero de la noche” asciende al Club 400.

Hasta hace sólo unas semanas, apenas 11 películas habían conseguido sobrepasar la extraordinaria suma de US$400 millones en recaudaciones en el mercado de Estados Unidos.

En lo que va de año, 3 nuevos filmes han pasado a formar parte del exclusivo Club de los 400. La más reciente ha sido El caballero de la noche asciende, nuevo éxito de Christopher Nolan que, al momento en que escribo estas líneas, totaliza unos US$410 millones y todavía sumará unos dolaritos.

En la cima de los éxitos, Avatar (2009), la justificación de James Cameron para el advenimiento de la nueva tecnología del 3D. Este filme engrosó US$760.5, sólo en taquillas.

Le sigue otra de Cameron, Titanic (1997), la que en su estreno consiguió US$600 millones y este mismo año, con su re-lanzamiento en 3D, apenas sumó unos míseros US$58 millones más.

En tercero, Los vengadores, filme de Joss Whedon que dio apertura oficial al verano 2012, ha logrado la impresionante suma de US$617 millones.

En el cuarto puesto, El caballero de la noche (2008), la reinvención de Christopher Nolan de la saga sobre Batman, alcanzó unos US$533.

La amenaza fantasma (1999, George Lucas), con sus US$474 millones, se ubica en la quinta posición, seguida de La guerra de las galaxias (1977), la religión que fundó George Lucas y que le permitió agenciarse unos US$461 millones.
El séptimo lugar es para Shrek 2 (2004, Andrew Adamson y Nelly Asbury), que arrancó carcajadas a todos, incluyéndome, y les permitió a sus productores reírse a carcajadas con sus US$441 millones.

En octavo puesto E .T. (1982, Steven Spielberg) con US$435 millones, mientras Piratas del Caribe 3 (2006, Gore Verbinski) tocó su botín de US$423 millones.
Otro filme de animación, Toy Story 3 (2010, Lee Unkrich) se ubica en la décima posición con US$415 millones y otro superhéroe, El Hombre Araña (2002, Sam Raimi) en el puesto trece con US$403 millones.

También de este mismo año, Los juegos del hambre (Gary Ross) se ha colado hasta la posición 12 con sus US$407 millones.

Cerrando la lista (por el momento) está Transformers 2 (2009, Michael Bay) con sus US$402 millones.





lunes, agosto 13, 2012

Valiente, el nuevo éxito de la Factoría Disney-Pixar

Con Valiente, dirigida a cuatro manos por Mark Andrews y Brenda Chapman, se abre la temporada de pronósticos: Mérida, la nueva princesa rebelde de Disney-Pixar, ganará el Oscar el próximo 24 de febrero de 2013.

Bastaría recordar el impresionante éxito que ha tenido la Pixar con el Premio de la Academia: con sólo 12 filmes producidos, lo ha ganado en 6 ocasiones, a saber: Toy Story (1995), Buscando a Nemo (2003), Los increíbles (2004), Wall-E (2008), UP: una aventura de altura (2009) y Toy Story 3 (2010).

En el momento que escribo estas líneas, Valiente ha recaudado en Estados Unidos la suma de US$225 millones, excelente cuota de mercado en un año en el que los súper héroes se han repartido el pastel.

El éxito de Valiente tiene explicaciones muy obvias: usa el esquema típico de Disney: hay una princesa en apuros que necesita cambiar su destino, hay un hechizo que hay que deshacer, hay canciones y tres niños traviesos que hacen las delicias del público. Ojo: para estar acorde con los nuevos tiempos, Mérida es la princesa de mayor libertad de pensamiento de toda la factoría: no sólo se resiste a casarse para cumplir con la tradición, sino que no lo tiene entre sus planes para el futuro inmediato.

Cuando, en 1995, John Lasseter hizo Toy Story no podíamos imaginar las enormes posibilidades que inauguraba para el campo de las imágenes generadas por computadoras y muy en especial para la animación.

La excelencia de las animaciones en Valiente, contrario a lo que uno pudiera temer, se evidencia en el enriquecimiento de los matices y rasgos de los personajes, en el realismo de los espacios abiertos y, por si fuera poco, los imaginativos planos imposibles para el cine real, verbigracia, en la escena de competencia de arquería.

Los niños entre 2 y 99 años agradecemos sonrientes la propuesta Disney-Pixar para el verano 2012 y, desde ahora, esperamos ansiosos por Monsters University, que se estrenará en el 2013.

Valiente (2012). Dirección: Mark Andrews y Brenda Chapman; Guión: Mark Andrews, Brenda Chapman y Steve Purcell; Música: Patrick Doyle; Voces: Kelly Mcdonald (Mérida); Emma Thompson (Elinor) y Billy Connolly (Ferguson).

viernes, agosto 10, 2012

Amor, honor y libertad, lo nuevo de Luc Besson

Aung San Suu Kyi es la orquídea que despertó los sueños de libertad del pueblo en Birmania. Por enésima vez, demostró el inmenso poder de las flores contra las armas, de la irreprimible voluntad una de la gente cuando se decide a cambiar el estado de las cosas.

Su inquebrantable fortaleza espiritual, su conmovedor sacrificio familiar, fue recompensado con el Premio Nóbel de la Paz en 1991. Un dato: las últimas líneas de esta historia se escribieron hace apenas unas semanas, cuando Suu Kyi pudo, después de 11 años, recibir en sus manos, de forma física, su Nóbel.

Una historia tan sobrecogedora ameritaba de un director de cine con carácter. Ese es Luc Besson, muy conocido entre nosotros por filmes como La Femme Nikita (1990) y El profesional (1994). Si las recuerdan en ambos casos se evidencia lo que un común denominador en el cine del francés: fuertes presencias femeninas, Anne Parillaud y la niña-mujer Natalie Portman, respectivamente.

Luego Besson dirigió a Milla Jovovich en El quinto elemento (1995), filme por el que recibió el César al Mejor Director; y en Juana de Arco (1998).

Sus encontronazos con la crítica de cine los ha tenido por sus filmes de acción como Taxi o Transporter y algunos de sus libretos para explosivos personajes femeninos: Bandidas (Penélope Cruz y Salam Hayek) y Colombiana (Zoe Saldaña).

Pero también se ha ganado el reconocimiento de todos con filmes como Angel-A, protagonizado por Rie Rasmussen y la ciudad de París, en un blanco y negro deslumbrante.

Para Michelle Yeoh, el nuevo registro es impresionante. Conocida por filmes como: Tomorrow Never Dies (1997, primera vez que una chica abofeteó al Agente 007), Tigre y Dragón (2000) y Memorias de una geisha (2005), ahora debe encarnar a un personaje cuya fuerza es interior, cuya mayor acrobacia es saludar a multitudes desde la verja de su casa en la que guarda prisión domiciliaria, un ama de casa que el destino coloca en el mismo centro de la historia de Birmania.

Amor, honor y libertad recibió este mismo año el Premio Internacional de los Derechos Humanos en el Festival de Cine por la Paz. Eso define más que cualquier crónica la pertinencia de sus denuncias.

lunes, agosto 06, 2012

La actriz dominicana Katherine Castro presenta filme “Pulse of the Indigo"


La actriz dominicana radicada en Hollywood, Katherine Castro presentó su más reciente trabajo cinematográfico, Pulse of the Indigo, para un público selecto conformado por prensa especializada y relacionados al mundo del cine dominicano.

La función se llevó a cabo en los cines Fine Arts, de la cadena Caribbean Cinemas y contó con la presencia de importantes personalidades del cine dominicano.

Castro ha participado en películas como The People’s Agency, Silent Cry, A Hollywood Zone; y fue productora ejecutiva y actriz en el thriller de ciencia ficción Subject 7.

El 2012 será un año importante dentro de su joven carrera cinematográfica ya que también aparecerá en otros dos filmes: Stripped dirigida por el reconocido director mexicano Alfredo de Villa, filmada en la primavera de este año entre Wisconsin y Los Ángeles en Estados Unidos; y en El Gallo, escrita y dirigida por el también actor dominicano Juan Fernández, filmada totalmente en República Dominicana el año pasado, donde la actriz hizo el papel de La veterana.

jueves, agosto 02, 2012

Las mejores películas del cine, según Sight & Sound

Vértigo (1958) de Alfred Hitchcock fue escogida como la mejor película de todos los tiempos superando a Ciudadano Kane (1941) de Orson Welles, según la última encuesta de la revista Sight and Sound.

Esa publicación especializada lleva a cabo ese tipo de sondeos cada diez años y la cinta dirigida por Welles había copado el primer puesto en esa lista de 50 mejores películas durante las últimas cinco décadas.

En la nueva encuesta, los expertos situaron en primera posición a Vértigo, el filme de suspense que Hitchcock dirigió en 1958, superando por 34 votos a Ciudadano Kane y no incluyeron en la lista ningún filme rodado en la última década.

A esos expertos en cine -un total de 846 entre distribuidores, críticos, académicos y escritores- se les pidió que valoraran los trabajos en función de su relevancia en la historia cinematográfica, sus hallazgos estéticos o el impacto que tuvo cada filme a nivel personal en base a su propia visión del cine.

En el último sondeo que la revista llevó a cabo hace una década, la película de Hitchcock, a la que el propio director británico se refirió como su "cinta más personal", se había quedado a solo cinco votos de Ciudadano Kane (1941). Y, en su momento de estreno, Vértigo recibió críticas contradictorias, aunque ha ido ganando prestigio con el paso del tiempo.

En la nueva lista, la cinta de Yasujiro Ozu, Los cuentos de Tokyo (1953) pasó de la quinta a la tercera posición, mientras que La regla del Juego (1939), de Jean Renoir, perdió un puesto hasta el cuarto.

En el quinto lugar, Sunrise (1927) de F.W. Murnau.

Entre las diez primeras películas hubo tres nuevas entradas: The Searchers (1956, John Ford), en el séptimo puesto; El hombre de la cámara (1929) de Dziga Vertov, en el número ocho; y La pasión de Juana de Arco (1927) de Carl Theodor Dreyer, en novena posición.




De los trabajos seleccionados, el más reciente fue 2001: Odisea del espacio (1968), de Stanley Kubrick, en sexto lugar. Mientras que la lista se cierra con 8 1/2, de Federico Fellini.

lunes, julio 30, 2012

Christopher Nolan es El caballero de la noche

Aunque parezca una forma extraña de aproximarse a la efectividad de un filme, planteo el siguiente axioma: si el drama es la representación de un conflicto entre un protagonista y un antagonista, ambos tienen igual responsabilidad dramática frente al público.

Es decir, donde hay un súper héroe con poderes ilimitados y un par de villanos que no están a la altura del conflicto, no hay drama. El drama viene cuando se hace a Batman un tipo más vulnerable, con conflictos y preocupaciones existenciales y lo enfrenta con villanos muy buenos en su papel, o sea, muy malos.

Creo que en eso radica parte de la clave del éxito de la trilogía del héroe de Ciudad Gótica que ha dirigido Christopher Nolan.

Nolan, ayudado por su hermano Jonathan, es el caballero de la noche. No sólo porque es inglés, sino porque ha sabido poblar sus filmes de una manifiesta y nocturna oscuridad, de una angustiante espera narrativa, de una expectación que se ve recompensada sólo en el último minuto.

Nolan es uno de los más estimulantes y creativos directores de los últimos años que debutó en el cine internacional con Following (1998). La excelente impresión se consolidó con Memento (2000). En ambos casos, estos filmes requieren dos cosas del espectador: total atención y que ejerciten algunas de sus neuronas.

Todo eso se sabía cuando dirigió Batman comienza (2005). Lo que nunca nos imaginamos era que el nuevo Batman (Christian Bale) aportaría tantos nuevos matices al personaje, enriqueciéndolo, complicándolo en su psiquis y que enfrentaría unos malvados de la talla de Ra’s Al Ghul (Liam Neeson) y Espantapájaros (Cillian Murphy).

Dado sus buenos resultados, Nolan se atrevió a darle aún más importancia al antagonista de El caballero de la noche (2008): el Guasón se convirtió en auténtico protagonista interpretado por un formidable Heath Leger; aunque también aparecían Dos Caras (Aaron Eckhart) y Espantapájaros (Cillian Murphy, ¿cuándo tendrá su protagónico?). ¿Resultados? Es la cuarta película de mayor recaudación en la historia del cine.

Con El origen (2010), originó muchísima confusión en el público por la presentación de cuatro líneas narrativas simultáneas, equivalentes a tres niveles de sueños y una realidad. Todavía no me explico cómo permaneció 3 semanas al frente de la taquilla durante el verano cinematográfico.

Esa misma fórmula es la que aplica para El caballero de la noche asciende. Un Batman confundido (Bale), dos formidables bandidos: Bane (Tom Hardy, auténtico protagonista que huele a nominación al Oscar) y Gatúbela (Anne Hataway); y varias líneas que se resuelven en el último minuto, luego de la fascinante presentación de varios eventos simultáneos.

Al borde de su asiento, acaba la angustia y el público aplaude agradecido la función. ¿No es eso poner las leyes fundamentales del drama al servicio del éxito taquillero del momento?

El caballero de la noche asciende (2012); Dirección: Christopher Nolan; Guión: Christopher y Jonathan Nolan; Fotografía: Wally Pfister; Música: Hans Zimmer; Elenco: Christian Bale (Batman), Tom Hardy (Bane), Anne Hathaway (Gatúbela).

jueves, julio 26, 2012

Batman: tres etapas para un mismo súper héroe

Ahora que El caballero de la noche asciende ha debutado en el primer lugar de las taquillas de USA con unos US$160.8 millones recaudados y convirtiéndose, de paso, en el tercer mejor estreno en toda la historia del cine, se hace necesario revisar las tres etapas que ha atravesado la saga del héroe de Ciudad Gótica.

La saga de nuestro enmascarado comenzó de la mano de Tim Burton, un genio de la ambientación. Batman (1989) contaba con Michael Keaton como el héroe (que no el protagonista) y Jack Nicholson como el malvado Guasón. Costó unos US$35 millones (que no incluyeron el salario de Nicholson) y recaudó US$251 millones de dólares.

Con semejante éxito, Burton y Keaton fueron contratados para Batman retorna (1992) que co-estelarizaban Danny DeVito y Michelle Pfeifer. Costó US$80 millones y consiguió unos US$162.7 millones. Fin de la primera etapa.

Entró a escena Joel Schumacher, buen hacedor de películas, nunca me ha parecido un autor de cine. Trajo consigo otro Batman (Val Kilmer) y dos villanos en desgracia (Tommy Lee Jones como Dos Caras y Jim Carrey como Acertijo). Donde Burton dejaba oscuridad, Schumacher sembró bombillitas de colores. Le dio relativos buenos resultados: Batman forever (1995) costó US$100 millones y recaudó US$183.9 millones de dólares.

El siguiente paso fue cambiar de Batman y para eso reclutó a George Clooney. En Batman y Robin (1997) los reales protagonistas eran Arnold Schwarzenegger y Uma Thurman. Costó US$125 millones y apenas consiguió US$107.3 millones de dólares. Entonces, los dueños de Ciudad Gótica hicieron lo que debían: cambiaron el director. Fin de la segunda etapa.

El turno fue para Christopher Nolan, uno de los más sobresalientes nuevos directores en Hollywood. Con una visión oscura de sus personajes (¿recuerdan Memento?), Nolan está mucho más cerca de Burton y su perspectiva, que demostró ser la correcta cuando se lleva un cómic al cine.

También trajo consigo un nuevo Batman (Christian Bale), mucho más vulnerable, mucho más rico en matices sicológicos, al que sentimos más cerca que los otros. Un formidable personaje antagonista encarnado por Liam Neeson y resultados más que satisfactorios. Batman comienza (2005) costó US$150 millones y recaudó unos US$205.3 millones de dólares.

El caballero de la noche (primera película de la saga que no incluye la palabra Batman en el título) costó US$185 y desbordó todo pronóstico: $533 millones de dólares en recaudación, la cuarta más taquillera de la historia del cine.

Nueva vez con Bale como el héroe y (ojo, que se repite la fómula) Heath Ledger como Guasón y auténtico protagonista del filme. El deceso de Ledger apenas unas semanas antes del estreno mundial, es un lamentable golpe de suerte para los mercadólogos del filme. Los resultados están a la vista de todos.

Ahora nos llega El caballero de la noche asciende y, nueva vez, Christopher Nolan demuestra que es un director de sobrado talento, al sacar el mayor provecho dramático a unos villanos de lujo: Bane (Tom Hardy) y Gatúbela (Anne Hataway).

miércoles, julio 11, 2012

El poder de seducción de los super-héroes

Como ya se conocen los números de taquillas para los primeros 6 días en USA de El sorprendente Hombre Araña (US$140 millones recaudados), es indudable: dentro de los poderes de los super-héroes está el de seducir a las audiencias.

Este mismo año, Los vengadores se ha establecido como la tercera película más taquillera en la historia del cine con más de US$609 millones, sólo detrás de Avatar y Titanic.

Y ese poder de seducción se extiende en varios sentidos: no sólo Peter Parker se consiguió a Gwen Stacy, sino que, para suerte de los mercadólogos, los actores Andrew Garfield y Emma Stone han llevado su romance más allá de la ficción (obligando a diseñar un nuevo afiche para el filme) y se pasean agarraditos de manos por las alfombras rojas de todo el mundo. La crónica rosa ayuda al éxito de un filme.

Pero hay un aspecto de ese poder de seducción que todavía me resulta más interesante: la atracción que tienen sobre los directores de cine independiente.

Comencemos por El sorprendente Hombre Araña. Su director es Marc Webb, quien nos conquistó con su ópera prima 500 días con ella (2009), anti-comedia romántica que se paseó por varios festivales.

La franquicia del Hombre Araña la revivió Sam Raimi, quien cuenta con títulos tan estimulantes como A Simple Plan (1998) y The Gift (2000).

Por ahí viene zumbando El caballero de la noche asciende. La nueva entrega de Batman está dirigida por Christopher Nolan, quien me dejó perplejo con su magnífica Memento (2000).

La franquicia de Batman la revivió Tim Burton en 1989. Este es un caso peculiar porque su prestigio creció con este filme, pero ya sospechábamos que su talento daba para mucho más: El joven manos de tijeras (1990) y Ed Wood (1994).

En 1994, Brian Singer sorprendió agradablemente al mundo cinematográfico con Sospechosos de siempre. En el 2000, dirigió X Men.

Ese mismo año, la dominicana Michelle Rodríguez se dio a conocer gracias a Girlfight, un filme independiente que dirigió Karyn Kusama. Kusama luego ha dirigido cosas como Aeon Flux (2005).

Uno de los casos más dolorosos, por los resultados obtenidos, es el de Michel Gondry. Este francés dirigió Eterno resplandor de una mente sin recuerdos (2004, hasta llegamos a elogiar la actuación de Jim Carrey). Pero Don Dinero le fundió algunos circuitos y el pasado año hizo El avispón verde.

Sé que dirigir un éxito de taquilla que le gane un puesto en el stablisment de Hollywood es el sueño de cualquier director, incluyendo los independientes, pero esta es una ecuación que atenta contra el Séptimo Arte: cuando nace un taquillero, perdemos un autor.

miércoles, julio 04, 2012

Los actores que más ganaron, según Forbes

La revista Forbes, dentro de toda la maraña económica que publica, también se encarga de cosas tan triviales como los actores que más dinero ganaron en el período comprendido entre Mayo 2011 y Mayo 2012.

Los datos son obtenidos y confrontados entre agentes, abogados representantes, productores y otros miembros de la industria del cine, sin duda, los mejor informados con respecto a lo que realmente ganan las estrellas de Hollywood.

Tom Cruise encabeza el listado con sus US$75 millones conseguidos, gracias a su comisión por el excelente desempeño de Protocolo fantasma, US$700 millones en todo el mundo.

En un lejano segundo lugar, Leonardo DiCaprio ganó unos $37 millones de dólares, en parte porque J. Edgar (Clint Eastwood) no tuvo éxito comercial, consiguiendo tan sólo $80 millones.

En el tercer puesto, Adam Sandler con unos $37 millones, a pesar de que la desagradable Jack and Hill sólo recaudó $180 millones (ni siquiera cubrió los costos de producción y mercadeo) y 10 Premios Razzie.

La cuarta posición es para Dwayne Johnson con $36 millones, ahora declarado “salvador de franquicias”: Rápido y furioso 5 y Viaje al centro de la tierra 2.

El quinto lugar es para Ben Stiller $33 millones gracias a éxitos como Una noche en el museo y Madagascar.

En los últimos lugares están: Sacha Baron Cohen (6, US$30 millones); Johnny Depp (7, sólo US$30 millones gracias al fracaso de Barnabás Collins); Will Smith (8, US$30 millones); Mark Wahlberg (9, US$27 millones subirá unas posiciones el próximo año gracias a la sorprendente acogida de Ted) y cierra la lista Taylor Lautner (10, $26.5 gracias a su hombre lobo en Crepúsculo).

viernes, junio 22, 2012

Las actrices mejor pagadas, según Forbes

Hollywood sigue siendo un pueblo de vaqueros en el que las mujeres reciben mucho menos oportunidades, mucho menos atención y mucho menos dinero. En la descripción de Forbes los estudios son “notoriamente tacaños” con las actrices.

Aún con todo en contra, algunas actrices han logrado establecerse en el imaginario colectivo, primera condición para ganar salarios proporcionales a los ingresos que generan los filmes que protagonizan.

Según la revista Forbes, Kristen Stewart, con tan sólo 22 años y la saga Crepúsculo en su haber, fue la mejor pagada durante el período comprendido entre mayo de 2011 a mayo de 2012, cada una con US$34.5 millones ganados.

Stewart, sólidamente establecida como actriz de taquilla, también presenta credenciales como actriz de peso en filmes como Welcome to The Rileys (2010, Jake Scout).

En el segundo lugar se ubicó la siempre risueña Cameron Diaz quien devengó unos US$34 millones.

En el tercer puesto se ubica Sandra Bullock quien, con sus US$25 millones, me hace quedar mal cada vez que señalo que ella es un invento desesperado de Hollywood por crear la nueva “sweet heart”, heredera de Julia Roberts, quien figura en la sexta posición con unos US$16 millones.

La sensual Angelina Jolie se ubica en la cuarta posición con unos US$20 millones. Además, ha debutado como directora y se distingue como Embajadora de Buena Voluntad de las Naciones Unidas.

El quinto puesto es para Charlize Theron quien se ganó desde el pasado mayo unos US$18 millones. El próximo año, veremos que ganará un mejor puesto gracias a filmes como Blancanieves y la leyenda del cazador y Prometheus.

Otras incluídas en la lista de Forbes son: Sarah Jessica Parker (7, US$15 millones), Meryl Streep (8, US$12 millones), Kristen Wiig (9, US$12 millones) y Jennifer Aniston (10, US$11 millones de dólares).

martes, junio 19, 2012

Tim Burton y sus sombras tenebrosas.

La serie de televisión Sombras tenebrosas se emitió desde 1966 hasta 1971 en Estados Unidos y constituyó, sin ninguna duda, la mayor fuente de traumas y sustos (nunca olvidaré el rictus del rostro del actor Jonathan Frid) para los adolescentes de entonces, por los efectivos mecanismos de terror que empleaba.

La maldición del vampiro Barnabás Collins y la crueldad que empleaba con sus víctimas nos horrorizaba y seducía por igual.

Naturalmente, cuando se planteó la posibilidad de llevarla al cine se pensó en Tim Burton. ¿Por qué? Tim Burton es, sin duda, el mejor director de atmósferas del cine contemporáneo.

En efecto, cualquier filme de Burton es un logro de ambientación que sobresale por la excelencia con la que emplea los decorados, el vestuario, el maquillaje, las luces y todo elemento que contribuya a crear la atmósfera adecuada para los personajes del filme. Esto, independientemente de que se trate de una adaptación de cómic (Batman), un musical de terror (Sweeney Todd), o de una novela (Alicia en el País de las Maravillas.)

Con Sombras tenebrosas se tomó el humor gótico como fórmula para aproximar este rico universo televisivo a las nuevas generaciones, al tiempo que la historia viajó en el tiempo hasta 1972, lo cual la hace imposible de tragar para las nuevas generaciones. Resultado: al momento que escribo estas líneas, al filme ha recaudado US$75 millones, decepcionante cifra si tomamos en cuenta que su costo de producción rondó los US$200 millones y que Alicia en el país de las maravillas, el anterior filme de Burton, alcanzó los US$ 334 millones, sólo en USA.

Pero es parte del riesgo de producirle a Tim Burton quien siempre navega entre las profundas aguas del cine de autor y la superproducción de Hollywood. Goza de indudable prestigio en Hollywood, a cuyo stablishment le ha hecho más de un guiño (Ed Wood) y le ha puesto en más de un aprieto (Mars attacks).

Con la crítica de cine también su relación ha sido de amor y odio: algunos lo adoran por creaciones como Big Fish, casi todos lo detestan por fiascos como El planeta de los simios.

Burton siempre cuenta con un envidiable equipo de colaboradores fieles. Entre ellos: el guionista John August, el editor Chris Lebenzon, el músico Danny Elfman, la directora de casting Susie Figgis, la diseñadora Colleen Atwood, el fotógrafo Philippe Rousselot, su ex Lisa Marie, su actual Helena Bonham Carter, sus ídolos Christopher Lee y Martin Landau; y el actor Johnny Depp. Si no me lo cree, revise los créditos de Frankenweenie, que se estrena este mismo año.

Para Johnny Depp, el actor-fetiche de Burton, era lo más natural la opción para interpretar a Barnabás Collins: este personaje le ha obsesionado desde su niñez. La relación de ambos comenzó en 1990 con El joven Manos de tijeras y ha seguido con Ed Wood (1994, en homenaje a unos de los peores directores que ha tenido el cine), Sleepy Hollow (1999), Charlie y la factoría de chocolate (2005), la cinta de animación La novia cadáver (2005), el musical Sweeney Todd (2007) y la alucinante Alicia en el país de las maravillas (2010).

Y todos, siempre dan lo mejor de ellos cuando son azotados por el dulce látigo de Tim Burton: el mejor creador de atmósferas del cine contemporáneo.

miércoles, junio 06, 2012

María Montez: Primera Estrella Dominicana en Hollywood

El 3 de julio de 1939, María Montez arribó a los Estados Unidos.

Contaba entonces con 27 años, una edad a la que muchos piensan es prácticamente imposible iniciar una carrera exitosa dentro del mundo del entretenimiento, y muy especialmente del cine.

27 años (Me van a permitir un paréntesis rockero). A esa edad han fallecido grandes luminarias asociadas a la música. A los ventisiete años falleció Jimmy Hendrix (18 de septiembre de 1970), el mejor guitarrista que ha conocido el rock. También a los ventisiete, Janis Joplin (4 de octubre de 1970), una de las voces más grandiosas de la Era de Acuario. A esa edad, murió Jim Morrison (3 de julio de 1971), líder del grupo The Doors. También Kurt Cobain (5 de abril de 1984), líder de la banda Nirvana. Más recientemente, la cantante Amy Winehouse (23 de julio de 2011), producto de sus adicciones. (Cierro el paréntesis).

Con 27 años, María Montez llegó a los Estados Unidos. Llevaba consigo una determinación invencible de ganarse un espacio en el mundo de la farándula americana. Una vocación que anunció desde muy niña: “Cuando sea grande, seré una estrella de Hollywood”.

Para subrayar aún más el significativo triunfo que obtuvo en Hollywood, me permito contextualizar su llegada a la llamada Meca del Cine, en función de las luminarias que más brillaban en ese momento.

Para hacerlo, tomo como referencia el listado de las más importantes Estrellas Femeninas que elaboró el American Film Institute (Instituto del Cine Americano), para conmemorar los primeros 100 años del cine, listado que se tiene como la mejor referencia en esa materia.

Las primeras cinco actrices son: Katherine Hepburn, Bette Davis, Audrey Hepburn, Ingrid Bergman y Greta Garbo. Excepto la tercera, todas fueron contemporáneas de María Montez. También era la época de las míticas estrellas latinas Dolores del Río y Carmen Miranda. Y a todas las tuvo que enfrentar a la hora de ser escogida en los diferentes castings de las grandes producciones de la época.

Pero, contra todo pronóstico, María Montez brilló con su garbo, con su exótica belleza, con luz propia en el cielo de Hollywood en donde se le llegó a conocer como “La Reina del Technicolor”, gracias a filmes como: Las mil y una noches (1942, John Rawlings), Alí Babá y los 40 ladrones (1944, Arthur Lubin) y La Reina Cobra (1944, Robert Siodmak) que se constituyeron en verdaderos éxitos de taquilla en su momento.

Más aún, la Primera Estrella que tuvimos en Hollywood nunca renegó de sus orígenes dominicanos. Muy por el contrario, siempre habló con orgullo de Barahona, su pueblo natal.

Ahora que celebramos el centenario de su nacimiento, María Montez se me antoja el tipo de mujer laboriosa, soñadora, tenaz, capaz de perseguir su sueño hasta alcanzarlo y vivirlo a plenitud. Un ejemplo a seguir para cualquiera.

martes, mayo 29, 2012

La lucha de Ana: cine de denuncia de Bladimir Abud.

De la misma forma que Jaque Mate es un vehículo para el lucimiento de Frank Perozo, La lucha de Ana es un solo vehicle para el lucimiento de Cheddy García, su protagonista absoluta.

En este caso, la agradable sorpresa en mayor porque Cheddy García ha hecho carrera en el mundo del humor televisivo y su formidable Ana es un registro actoral totalmente diferente a lo que nos tiene acostumbrados.

En este punto, hay que darle el crédito que merece el director, Bladimir Abud, no sólo por asumir el riesgo de darle el protagónico de un drama social a una humorista que se crece como actriz (huele a Premio Casandra), sino también por su ojo-detector de potencialidades.

La lucha de Ana habla del terrible drama de nuestros barrios, de nuestra juventud diezmada por el tráfico y consumo de drogas, de la desesperanza de los más humildes, de corrupción policial, de protección a los poderosos.

Una historia contada entre los contrastes de quienes todo lo tienen y aquellos que no tienen nada que perder. Precisamente, en este contraste percibimos las fisuras de un guión que no redondea su comentario social y se decanta por aspectos más convencionales (prostitución, venganza, elementos de suspenso, justicia comunitaria).

Pero La lucha de Ana es la lucha del cine dominicano. Ese el difícil camino que deben seguir transitando nuestros realizadores para alcanzar la calidad que merece nuestro cine.

Y nunca alcanzaremos un verdadero Cine Dominicano, hasta que no sea el espejo de nuestra realidad, tan cinematográfica que no hay que inventar nada.

La lucha de Ana (2012). Dirección: Bladimir Abud; Guión: Bladimir Abud, Alfonso Suárez y Rafael Núñez; Fotografía: Raúl Ramón; Música: Fernando Llamas; Elenco: Cheddy García, Mario Lebrón, Miguel Angel Martínez.

lunes, mayo 28, 2012

Festival de Cannes 2012: los ganadores

A pesar de la lluvia, el público abarrotó el Grand Théâtre Lumière para conocer de primera mano el palmarés del 65to. Festival de Cannes, entregado a Amor, de Michael Haneke.

El director austriaco repite la victoria que consiguió en 2009 con La cinta blanca y suma así su nombre a la lista de ganadores de la Palma de oro por partida doble que componían hasta ahora Francis Ford Coppola, Shoei Imamura, Bille August, Emir Kusturica y los hermanos Dardenne.

El presidente del jurado, Nanni Moretti, ha destacado la contribución fundamental de la pareja de actores protagonista para la consecución de este premio. Jean-Louis Trintignant y Emmanuelle Riva, quienes no recibieron ningún premio directamente.

El jurado ha decidido otorgar su Gran Premio al compatriota de su presidente, Matteo Garrone, por su Reality. Se trata de la segunda ocasión que el director napolitano consigue este reconocimiento del Festival de Cannes: la primera vez lo hizo con Gomorra.

La comedia dirigida por Ken Loach The Angels’ Share se ha alzado con el premio del jurado. Loach, ganador de la Palma de oro en 2006, suma así su tercer premio en total en la Croisette.

El cineasta mexicano Carlos Reygadas ha conseguido, a su vez, el premio al mejor director por Post Tenebras Lux, una película coproducida por Francia, Alemania y los Países Bajos, entre otros.

El excelente actor danés Mads Mikkelsen subió al escenario entre los atronadores aplausos del público para recoger su premio a la mejor interpretación masculina por su papel en The Hunt, de su compatrota Thomas Vinterberg. Las jóvenes Cosmina Stratan y Cristina Flutur, por su parte, ganaron ex aequo el galardón a la mejor actriz por su trabajo en Beyond The Hills. Su director, el rumano Cristian Mungiu, ya había recogido minutos antes el premio al mejor guion.

De entre las 25 óperas primas que optaban a la Cámara de oro, Beasts Of The Southern Wild, dirigida por el estadounidense Benh Zeitlin y presentada en la sección Un Certain Regard, terminó llevándose el premio. La película habría participado probablemente en la competición oficial si no hubiera sido porque ya se había presentado previamente en el Festival de Sundance, donde ganó el Gran Premio.

La Palma de oro al mejor cortometraje ha ido a parar al turco L. Rezan Yesilbas por Silence.

jueves, mayo 24, 2012

Los vengadores, nuevo miembro del Club 400.

Hasta el pasado 17 de mayo, sólo 11 películas habían conseguido sobrepasar la suma de US$400 millones de recaudación en taquillas en Estados Unidos.

En esa fecha, Los vengadores (Joss Whedon) consiguió su ingreso a este elitista club. Cuando escribo estas líneas, su total es de US$472 millones y todavía sumará unos cuantos votos, digo dólares. Con esa cantidad es la cuarta película de mayor recaudación en la historia del cine.

En la cima, Avatar (2009), la justificación de James Cameron para el advenimiento de la nueva tecnología del 3D. Este filme engrosó US$760.5, sólo en taquillas.

Le sigue otra de Cameron, Titanic (1997), la que en su estreno consiguió US$600 millones y este mismo año, con su re-lanzamiento en 3D, apenas sumó unos míseros US$56 millones más.

En el tercer puesto, El caballero de la noche (2008), la reinvención de Christopher Nolan de la saga sobre Batman, alcanzó unos US$533.

Bajando a la quinta posición, La guerra de las galaxias (1977), la religión que fundó George Lucas y que le permitió agenciarse unos US$461 millones.

Le sigue Shrek 2 (2004, Andrew Adamson y Nelly Asbury), que arrancó carcajadas a todos, incluyéndome, y les permitió a sus productores reírse a carcajadas con sus US$436 millones.

En el séptimo puesto, E.T. (1982), el clásico dirigido por Steven Spielberg que consiguió US$434 millones y a la que muchos señalan como la película más vista del cine. Pero esa es harina de otro costal.

La amenaza fantasma (1999, George Lucas), con sus US$431 millones se ubica en la octava posición, mientras Piratas del Caribe 3 (2006, Gore Verbinski) tocó su botín de US$423 millones.

Otro filme de animación, Toy Story 3 (2010, Lee Unkrich) se ubica en la décima posición con US$414 millones y otro superhéroe, El Hombre Araña (2002, Sam Raimi) en el puesto once con US$403 millones.

Cerrando la lista (por el momento) está Transformers 2 (2009, Michael Bay) con sus US$402 millones.

viernes, mayo 11, 2012

Los filmes más taquilleros de Hollywood

Con todo el verano cinematográfico por delante, se hace necesario hacer una revisión del listado de los filmes más taquilleros de Hollywood, dadas las altas posibilidades de que algunos de los que se estrenen pasen a formar parte del mismo.

Recordar, por ejemplo, que sólo 11 películas han conseguido sobrepasar la extraordinaria suma de US$400 millones.

En la cima, Avatar (2009), la justificación de James Cameron para el advenimiento de la nueva tecnología del 3D. Este filme engrosó US$760.5, sólo en taquillas.

Le sigue otra de Cameron, Titanic (1997), la que en su estreno consiguió US$600 millones y este mismo año, con su re-lanzamiento en 3D, apenas sumó unos míseros US$56 millones más.

En el tercer puesto, El caballero de la noche (2008), la reinvención de Christopher Nolan de la saga sobre Batman, alcanzó unos US$533.

Le sigue La guerra de las galaxias (1977), la religión que fundó George Lucas y que le permitió agenciarse unos US$461 millones.

El quinto lugar es para Shrek 2 (2004, Andrew Adamson y Nelly Asbury), que arrancó carcajadas a todos, incluyéndome, y les permitió a sus productores reírse a carcajadas con sus US$436 millones.

La amenaza fantasma (1999, George Lucas), con sus US$431 millones se ubica en la sexta posición, mientras Piratas del Caribe 3 (2006, Gore Verbinski) tocó su botín de US$423 millones.

Otro filme de animación, Toy Story 3 (2010, Lee Unkrich) se ubica en la novena posición con US$414 millones y otro superhéroe, El Hombre Araña (2002, Sam Raimi) en el puesto diez con US$403 millones.

Cerrando la lista (por el momento) está Transformers 2 (2009, Michael Bay) con sus US$402 millones.

Este mismo año, a Los juegos del hambre (Gary Ross) se le acabó la estamina al llegar a los US$381 recaudados. Aunque sigue en cartelera, dudamos mucho que logre su ingreso al Club 400.

El fenómeno del momento, Los vengadores (Joss Whedon) tiene cuando escribo estas líneas unos US$257 y ha impuesto nuevos récords de recaudación para sus primeros días. Lleva mejor trayectoria que filmes como El caballero de la noche, pero de superhéroes está lleno el verano y no precisamente con buenas intenciones.

miércoles, mayo 09, 2012

El árbol de la vida, Obra Maestra de Terrence Malick

Hace casi un año, informábamos sobre la Palma de Oro otorgada al filme El árbol de la vida en el Festival de Cannes.

Terrence Malick es un perfecto anacoreta, que me genera más simpatías de las que puedo confesar. Por contrato, una cláusula lo libera de dar entrevistas y/o aparecer en público para promover sus filmes. Es el único cineasta activo de Estados Unidos que nunca da entrevistas.

Pero, al margen de sus excentricidades, es un cineasta excepcional, un verdadero poeta de la imagen que despierta encendidas pasiones: o se le ama o se le odia, con igual intensidad.

El árbol de la vida no escapa a este debate: ha dividido la crítica en donde se ha presentado y en Cannes el público abucheó el filme.

Yo creo que es una Obra Maestra este filme de Malick, que exige total atención y entrega del espectador a la visión panteísta del mundo y su historia. En efecto, Malick dice mucho sin palabras y deja dicho más de lo vemos.

Desde su mismo inicio, Malick plantea el drama que quiere desarrollar: todos debemos decidir nuestras vidas entre dos sendas, a saber: la Naturaleza (fuerte, física, cruel, representada por el padre (Brad Pitt) o la Gracia (tierna, amorosa, espiritual, representada por la madre (Jessica Chastain). De la diferente mezcla/influencia de estos dos elementos se forjan las diferentes personalidades de sus hijos, del futuro de sus hijos.

Pero esa familia texana (padre, madre, tres hijos) de finales de los cincuenta que Malick utiliza como universo muestral, nos lleva a preguntas más profundas sobre la condición humana, el de dónde venimos, el qué somos, los orígenes de nuestros sentimientos.

Ese viaje al mismísimo Big Bang que dio origen a todo lo que conocemos, es lo que deja a muchos absortos, alelados ante tanta filosofía fílmica, ante tanta lucha de luz y sombras, de emociones y existencialismo.

En este punto hay que dejar claro que Malick se plantea el menor uso posible de (d)efectos digitales y que muchas de esas imágenes han sido logradas gracias al ingenio de su equipo de colaboradores. A manera de anécdota de rodaje: hizo correr a Chastain y su equipo varias cuadras para hacer la toma en que una mariposa se posa en sus manos.

El carácter revolucionario de su cine (hablo en términos estrictamente dramáticos) siempre le granjea algunos nuevos enemigos. Esos filmes carentes de historias lineales, absolutamente experimentales, meditativos, preñados de reflexiones, son instantáneamente odiados por, digamos, los fans de Twilight.

Pero nadie puede negar la maestría de sus propuestas, la experiencia sensorial que significa apreciar el cine de Terrence Malick.

jueves, mayo 03, 2012

Verano USA 2012: palomitas, refrescos, aliens y superhéroes.

Lo sabemos: hordas de adolescentes atormentados por sus hormonas asaltarán las salas, se pasarán todo el tiempo chateando a través del bb, devorarán los cubos de palomitas de maíz, chuparán como sanguijuelas gigantes los vasos de refrescos, gritarán excitados ante la pirueta del protagonista. En fin, toda una fiesta.

Ha llegado el verano cinematográfico de Estados Unidos con el filme Los Vengadores, en el que Marvel Comics ha juntado algunos de sus héroes consagrados en filmes anteriores: Ironman, Capitán América (lo descongelaron, los descarados), Hulk, Thor, la Viuda Negra, Ojo de Halcón y Nick Furia.

Que debutará en el primer puesto no lo duda nadie (en Dominicana, más de 70,000 personas la vieron en sus primeros 4 días), lo que falta por conocer son los números que va a acumular este filme que arranca este viernes 4 en Estados Unidos.

Estos son los títulos más importantes del resto del verano, por la fecha en que serán estrenados en USA.

Mayo 11: Sombras tenebrosas. No sé si debo, nueva vez, puntualizar mi admiración por la obra de Tim Burton, o por el talento de Johnny Depp. También era adicto a la serie.

Mayo 18: Battleship: nueva vez la tierra se ve amenazada y un valiente marine, Alexander Skargard, nos salvará de la invasión.

Mayo 25: Men in Black 3: vuelve los guardianes del universo, Will Smith y Tommy Lee Jones. Justin Bieber, Lady Gaga y Tim Buton, son alienígenas, ¡lo sabía!

Junio 1: Blancanieves y el cazador, para ver si Kristen Stewart es capaz de atraer audiencias, cuando no es la Bella que suspira por el pálido vampiro.

Junio 8: Prometheus, dirigida por Ridley Scott, el mismo que puso el peplum de moda con Gladiador.

Junio 15: That’s my Boy: creo que la nueva comedia escatológica de Adan Sandler, le comerá los caramelos a Rock of Ages, protagonizada por Tom Cruise.

Junio 22: Valiente, es la propuesta de Disner-Pixar para el verano, ¿necesita alguna recomendación?

Junio 29: G.I. Joe: Retaliation, filme de acción protagonizado por Channing Tatum y Dwayne Jonhson.

Julio 6: El asombroso hombre araña: Marc Webb dirige la nueva entrega del héroe, a estrenarse durante el fin de semana más taquillero del año.

Julio 13: Ice Age 4, arrastrará los niños que nos hemos divertido de lo lindo con sus primeras tres entregas.

Julio 20: El caballero de la noche asciende, nueva entrega de la saga de Batman, bajo la dirección de Christopher Nolan. La pregunta lógica es si superará los $533 millones de la anterior.


Julio 27: Neighborhood Watch, comedia en la Ben Stiller nos defiende de una invasión alien.

Agosto 3: The Bourne Legacy, es otra de las sagas con nueva entrega durante el verano.

Agosto 10: The Campaign: Will Ferrer y Zach Galifianakis, no puede ser otra cosa que agradable comedia.

Agosto 17: The Expendables 2: vuelven Sylvester Stallone y Jean-Claude Van Damme a patear traseros, ¿qué otra cosa pueden hacer?

Agosto 24: Premium Rush es sobre un policía que persigue un cartero por todo Manhattan. Participa la dominicana Dania Ramírez.

Agosto 31: Lawless, historia del bajo mundo del crimen durante la Gran Depresión, que se perfila como una de las candidatas al Oscar.

Septiembre 7: The Cold Light of Day con Henry Cavill (la nueva estrella de Hollywood), Bruce Willis y Sigourney Weaver tratará de recoger algunas migajas del pastel que habrán devorado, también como adolescentes, los superhéroes y aliens.

miércoles, abril 25, 2012

Shame: el oscuro veneficio del sexo sin amor

Hace cuatro años, el británico Steve McQueen (no lo confundan con el actor americano protagonista de Papillón (1973), dejó boquiabierto a medio mundo con Hunger, su filme debut.

Tanto, que fue ganador del Premio Carl Foreman (*) de los Bafta como el más prometedor debutante y de la Cámara de Oro en el Festival de Cannes a la Mejor Opera Prima.

En ese filme sobre un prisionero del IRA (Ejército Republicano de Irlanda) quedaba evidenciado que nacía un director de cine al que le gusta mirar de frente lo que otros evitan, un realizador que no se anda con rodeos cuando se trata de acercarse a la realidad de las cosas. Como nota adicional, habría que señalar el impacto que causaba la actuación de Michael Fassbender.

Este tándem se ha reunido de nuevo para ofrecernos Shame, valiente película sobre un yuppie infeliz y adicto al sexo, analfabeto sentimental, cuya soledad se ve alterada por la intempestiva llegada de su hermana, una desorientada mujer cuyo pasado triste ha dejado marcas en sus muñecas y, aún así, es capaz de interpretar la versión más dulce que he escuchado de New York, New York. Una esplédida Carey Mulligan, quien viene demostrando su potencial desde An Education (2009, Lone Scherfig).

Nueva vez, Michael Fassbender logra una actuación sobresaliente, esta vez premiada con la Copa Volpi del Festival de Venecia. Sin duda, un papel que exige mucho compromiso por parte del actor, mucho coraje para encarnar un personaje tan a la deriva.

McQueen ofrece en Shame una amplia mirada al mundo del personaje protagonista (el filme es una sucesión de planos secuencias), atrevida porque ve más allá de lo que el cine habitualmente muestra, cruzando la frontera del corte de la cámara y desafiando la censura victoriana que todavía nos rige, en pleno siglo XXI, provocando alguna incomodidad en los más mojigatos.

Sexo en el apartamento y esa masturbada humedad que se queda entre las sábanas, no hace sino abonar más la soledad que oxida los resortes de su alma.

Cyber sexo ¿existirá alguna expresión de soledad más triste que el sexo online? Además del latente peligro de que la computadora se infecte con un virus, está la evidencia incapacidad de comunicar la necesidad de un beso, de un abrazo, de un aliento.

Sexo por dinero. Primero es pagar en efectivo para no dejar huellas (sólo los políticos y pastores estúpidos sucumben a la trampa). Como en cualquier performance, el tiempo es oro. Un trueque insensible de sudor y semen por monedas que es pura acrobacia física.

Sexo en la oficina. Para quienes evitan ligar trabajo y placer no hay problemas. El problema aparece ante la total negación a la posibilidad de soñar en pareja, de creer en el mito del amor eterno, o del amor sin apellidos que nos regala la ilusión del complemento. Ese veneno psíquico, por supuesto, tiene consecuencias físicas: impotencia que no curan las pastillas de la vergüenza y que lo hunde más en su oscuro veneficio.

Shame es la respuesta a quienes dudan de lo inútil del sexo sin amor, pero además un formidable ejercicio fílmico de Steve McQueen, uno de los más brillantes nuevos realizadores.

(*) Carl Foreman fue un notable guionista americano perseguido por el infame Joseph McCarthy, que se vió obligado a emigrar a Inglaterra.

Shame (2011). Dirección: Steve McQueen; Guión: Steve McQueen y Abi Morgan; Fotografía: Sean Bobbitt; Música: Harry Scott; Elenco: Michael Fassbender, Carey Mulligan.

lunes, abril 23, 2012

Cannes 2012: los filmes latinoamericanos

Latinoamérica tiene varios representantes en el Festival de Cannes, el más prestigioso encuentro mundial del Séptimo Arte, que este año se celebra del 16 al 27 de mayo.

El brasileño Walter Salles peleará por la Palma de Oro con su película En el Camino, entre los nominados también está Post Tenebras Lux del mexicano Carlos Reygadas, quien ya obtuvo un premio en el año 2007.

También hay otro mexicano que llega a Cannes. Michel Franco participa con Después de Lucía en la sección Una cierta Mirada, donde figuran otras películas de Cuba, Argentina y Colombia.

El argentino Pablo Trapero ya ha participado en otras ediciones del Festival de Cannes, y este año vuelve con su film Elefante Blanco. Un largometraje coproducido por Argentina y Francia y con Ricardo Darin como protagonista.

Colombia estará presente en la figura de Juan Andrés Arango, quien participa con su película La Playa. También está representada Cuba con 7 días en la Habana, film colectivo dirigido por siete directores y formado por siete partes distintas.

viernes, abril 20, 2012

Jaque Mate, lo nuevo de José María Cabral.

Jaque Mate es lo que los americanos llaman un solo vehicle, es decir, un vehículo para el lucimiento exclusivo de su actor principal, Frank Perozo.

Y que bueno que así sea, porque a Perozo le hemos visto crecer y desarrollarse como actor, y no sólo se necesita un personaje que le sirva de plataforma para consolidar su carrera: también hay que poseer el talento y Perozo ha dado una irrefutable demostración de que lo tiene.

No hay una escena en Jaque Mate que no esté conducida por su personaje, ya sea en cámara o en ausencia. Eso nos plantea un problema de desbalance con relación a los demás personajes/actores: no están al mismo nivel.

A José María Cabral, el joven director de Jaque Mate, le conocemos de varios cortos que se han causado verdadero furor online y es indudable que, en su formación, se ha alimentado de los géneros del cine americano. Cabral exuda más thriller por cuadro que cualquier otro realizador dominicano y deja claro que maneja el oficio de hacer cine.

Y que bueno que así sea: hace falta sangre nueva, que traiga nuevos aires al cine que se hace en nuestro país, para que sea más Cine Dominicano.

Jaque Mate ha tenido una excelente acogida por parte del público. Y que bueno que así sea. Porque se demuestra una vez más que cuando se oferta un producto con un mínimo de dignidad cinematográfica, el público le brinda su respaldo y sale satisfecho de la sala. Eso asegura permanencia en este largo y tortuoso camino de nuestro cine.

Si algo le hace falta al filme es contundencia en su cierre dramático: pone al personaje en Jaque, pero no le da Mate, sin motivos aparentes...un momento... ¿Van a hacer la segunda parte?.

JAQUE MATE (2011). Dirección: José María Cabral; Guión: César León López y José María Cabral; Fotografía: Hernán Herrera; Música: Sergio Marte; Sonido: Franklin Hernández; Elenco: Frank Perozo, Adrián Mas, Sharlene Taulé, Sergio Carlo.

jueves, abril 19, 2012

Festival de Cannes 2012: las candidatas.

Gilles Jacob y Thierry Frémaux, máximos responsables del Festival de Cannes, han hecho pública la lista de filmes que se exhibirán en la 65ta. edición del más prestigioso festival de cine del mundo, que este año será del 16 al 27 de mayo.

El nuevo trabajo de Wes Anderson, “Moonrise Kingdom”, que participará en la Sección Oficial, será el filme encargado de inaugurar el Festival, mientras que la cinta de Claude Miller, “Thérèse Desqueyroux”, que se exhibirá fuera de competición, ha sido la elegida para poner el broche final al certamen.

A continuación, la lista completa de los títulos que competirán por la Palma de Oro.



Sección Oficial

-Moonrise Kingdom (Wes Anderson)

-Vous n'avez encore rien vu (Alain Resnais)

-Rust and Bone (Jacques Audiard)

-On The Road (Walter Salles)

-Holy motors (Leos Carax)

-Cosmopolis (David Cronenberg)

-The Paperboy (Lee Daniels)

-Killing Them Softly (Andrew Dominik)

-Reality (Matteo Garrone)

-Amour (Michael Haneke)

-In another country (Hong Sang-soo)

-Taste of money (Im Sang-soo)

-Lawless (John Hillcoat)

-Like Someone In Love (Abbas Kiarostami)

-The Angels' Share (Ken Loach)

-In the fog (Sergei Loznitsa)

-Beyond the Hills (Cristian Mungiu)

-The Hunt (Thomas Vinterberg)

-Paradise (Ulrich Seidl)

-Après la bataille (Yousry Nasrallah)

-Mud (Jeff Nichols)

-Post Tenebras Lux (Carlos Reygadas)

lunes, abril 09, 2012

Akira Kurosawa: Sensei del Cine Japonés

(Vacaciones de Pascua es ya sinónimo de Buen Cine. Este año, retorno como buen alumno a Kurosawa, gracias a quien descubrí las vueltas de tuerca. Debo agradecer la cinéfila solidaridad de Pedro Estrella, Teddy Ureña y José Enrique Tavárez.     -José)

El 1 de septiembre de 1923, un potente terremoto sacudió Japón. Fue una fecha marcada en la historia de la estupidez humana: xenófobos de Tokio masacraron cientos de coreanos a quienes culparon por la tragedia. Al día siguiente, Akira Kurosawa, un niño de apenas 13 años, perdió para siempre el miedo y ganó el asombro, uno de las claves para el éxito de sus filmes.


Con frecuencia he escuchado señalar a Kurosawa como “el más occidental de los directores japoneses”, mientras que a Yazujiro Ozu lo catalogan como “el más oriental de los realizadores de Japón.”

No sé si eso invalida a uno o prestigia a otro, pero lo cierto es que Kurosawa vivió su vida dedicado al cine: 30 filmes, apreciados en todo el mundo y con un innegable impacto en posteriores generaciones de cineastas, desde Steven Spielberg hasta Martin Scorsese, pasando por George Lucas.

Kurosawa debutó como director con Sugata Sanchiro (1943), sobre las angustias de un estudiante de jujitsu que también debe aprender satori (la calma que deviene de la aceptación de las leyes de la naturaleza) y a controlar las pasiones que le despierta la hija de su maestro. Quedó evidenciado el nacimiento de un gran realizador.


El séptimo filme de Kurosawa, Drunken Angel (1947), supuso su encuentro con Toshiro Mifune (a quien convertiría en su actor-fetiche) y analiza la extraña relación entre un Yakuza tuberculoso, su médico (el ángel del título) y su amante. Rodada durante la ocupación militar americana, Kurosawa enfrentó las siempre estúpidas reglas de la censura gringa en esta crítica al bajo mundo de la mafia japonesa, a esa sociedad en la que todo está podrido y ahogamos las penas en alcohol, mientras asistimos a un puticlub llamado Bolero (acaso lejano predecesor del Club Silencio que nos mostró David Lynch).

En 1950, Rashomón le confirmó como realizador de alcance internacional, al ganar el León de Oro del Festival de Venecia.

Kurosawa siempre se manejó como el Sensei de su universo, el Maestro de la técnica que, desde Los siete samuráis (1954) rodaba las escenas de acción con tres cámaras, con tres perspectivas diferentes, que creaban en la edición, la ilusión de tres veces el tiempo de batalla. Con ella ganó el León de Plata en el Festival de Venecia.

Por cierto, Los siete samuráis es uno de los cuatro filmes que Steven Spielberg ve antes de comenzar un nuevo proyecto. El compadre de Spielberg, George Lucas, encontró su fuente de inspiración en La fortaleza escondida (1958, Oso de Plata en el Festival de Berlín) para su exitosa saga Star Wars.

Con Yojimbo (1961), nueva vez en colaboración con Mifune, sentó las bases dramáticas sobre las que se construirían los más sonados éxitos del spaghetti-western, a partir del héroe desconocido que llega de ninguna parte, pero que maneja convenientemente las intrigas entre bandos rivales. Kurosawa hace uso perfecto de la vuelta de tuerca en su narración, al tiempo que muestra imágenes tan impactantes como el perro que se pasea con una mano en su hocico, lejana predecesora para otro filme de David Lynch.

Nadie ha hecho llover tanto y tan hermoso en el cine como Kurosawa. “Realmente te gusta la lluvia” –le dijo John Ford en cierta ocasión. “Realmente has visto mis películas”, le contestó. Ambos también compartían un inmenso aprecio por los caballos, pero el Sensei los hizo protagonizar más escenas que nadie.

Si lo desea comprobar, tres títulos extraordinarios de Kurosawa: Dersu Uzala (195, Oscar Mejor Película Extranjera), Kagemusha (1980, Palma de Oro en el Festival de Cannes) y Ran (1985), filmes que alcanzan una madurez estética y expresiva, sencillamente excepcionales.

Pocos directores de cine alcanzan el onirismo logrado en Sueños (1990), colección de viñetas con los efectos especiales de la ILM (sí, la de George Lucas) al servicio de la imaginación poética del Maestro japonés. La pesada carga de angustia (por los cuadros de Van Gogh, por los duraznos, por los soldados caídos), de complejidad sicológica de estos sueños no impide para nada que sean reconocidos como propios, en su sentido más universal, como posibles, en su sentido más metafísico.

En 1990, la Academia de Hollywood, reconoció al Sensei del cine japonés con su Oscar honorífico “por los logros cinematográficos que han inspirado, deleitado, enriquecido y entretenido a audiencias de todo el mundo y han influenciado a cineastas a nivel global”. Como suele pasar con el Oscar, se quedaron cortos.

martes, abril 03, 2012

Ministerio de Cultura celebra centenario de María Montez

El Ministerio de Cultura ha organizado un amplio programa de actividades para conmemorar en junio próximo el centenario de la actriz María Montez, quien conquistó Hollywood en la década de los cuarenta y se ganó el título de "La Reina del Technicolor".

Montez, cuyo verdadero nombre era María África Gracia Vidal, nació el 6 de junio de 1912 en Barahona y falleció en París el 7 de septiembre de 1951, al parecer, de un ataque al corazón mientras se bañaba.

Hija de un diplomático español y una dominicana, Montez se destacó en películas de aventuras como "Las mil y una noches" (1942), "La salvaje blanca" (1943), "La reina de cobra" (1944) y "Sudán" (1945), entre otras.

Para conmemorar su centenario, una comisión nombrada el año pasado por el Gobierno celebrará una serie de actividades, que iniciaron en marzo con un ciclo de cine en la Cinemateca Dominicana, donde se proyectaron ocho películas protagonizadas por la actriz.

La agenda continuará el próximo 10 de abril con la inauguración de un ciclo de conferencias sobre la vida y obra de María Montez que se desarrollará en escuelas, colegios y centros culturales, así como en el Comisionado Dominicano de Cultura en Nueva York y en el Instituto de Cultura Puertorriqueña de San Juan, Puerto Rico.

En tanto, el 19 de abril se inaugura, en el marco de la XV Feria Internacional del Libro de Santo Domingo, la Exposición Homenaje a María Montez, que permanecerá durante toda la cita literaria, que culminará el 6 de mayo.

A principios de junio la citada muestra se trasladará a Barahona, en julio al Palacio Consistorial de Santiago y posteriormente a Nueva York, según el programa elaborado por dicho Ministerio y la Comisión para el Centenario de María Montez.

Durante la Feria Internacional del Libro también se realizará un coloquio sobre la vida de la actriz dominicana y una conferencia magistral a cargo de su biógrafa y compatriota, Margarita Vicens de Morales.

El programa incluye, además, la celebración del 1 al 9 de junio del montaje teatral "María Montez, la Reina del Technicolor", con la actriz dominicana residente en EE.UU. Dalia Davi, que se celebrará en el Teatro Nacional de Santo Domingo y en el Gran Teatro del Cibao, en Santiago.

La agenda continuará con la exhibición del 1 de junio al 30 de agosto de una exposición en la Galería de Arte Público del Parque Independencia, en la capital.

El Ministerio de Cultura subrayó en su comunicado que este evento "se considera desde ya el homenaje abierto más importante de todo el programa del centenario".

El 6 de junio, aniversario de la actriz, se realizarán simultáneamente dos oficios religiosos en Santo Domingo y Barahona, mientras que en la noche tendrá lugar un concierto de gala de la Orquesta Sinfónica Nacional el auditorio de Centro Universitario Regional del Sur de su ciudad natal.

El mismo día, en Santo Domingo, se inaugurará la Gran Colectiva de Diseñadores en honor a Montez en la Galería Nacional de Bellas Artes, la cual se extenderá hasta el 15 de agosto.

El programa en honor a la actriz también incluye un desfile de moda en la explanada exterior del Palacio de Bellas Artes, con la participación de diseñadores locales y extranjeros.

Asimismo, la puesta en circulación de una edición popular de la biografía de María Montez, la emisión de un sello postal en su honor y la colocación de un busto de la actriz en la Plaza de la Cultura Juan Pablo Duarte.