Globos de oro 2009: ¿un triunfo de los rebeldes?

Ya se conocen los ganadores de los Globos de oro. Se sabe que es el premio de la Asociación de Prensa Extranjera de Hollywood que preside Jorge Cámara. Se sabe también que pautan las líneas generales de por dónde viene el Academy Award.
Lo que me llama la atención de esta entrega es la inclinación de la balanza hacia filmes y personalidades que no son exactamente el prototipo de la industria del cine.
Veamos, Slumdog Millionaire consiguió los 4 premios a que estaba postulada: Mejor Película (Drama), Mejor director (Danny Boyle), Mejor guión (Simon Beaufoy) y Mejor música (A. R. Rahman). Estos premios convierte a este filme de sólo $15 millones de dólares y rodado en la India, en la más fuerte contendora para el Oscar.
Danny Boyle es un director inglés independiente (y medio rebelde) a quien recordamos por filmes fabulosos (Tumba a ras del suelo, Trainspotting) y disparates como La playa.
En el apartado de mejores actores, los premiados fueron: Mickey Rourke (dramático por The Wrestler) y Colin Farrell (cómico por Escondidos en Brujas). Si usted no reconoce en estos nombres la esencia de ser Bad boy, no ha vivido en este planeta.
Woody Allen no sólo es uno de los directores de cine más talentosos de la historia, sino también uno de los que con mayor desdén ha tratado los premios. Eso no ha impedido la elección de Vicky Cristina Barcelona como mejor comedia. Y si Penélope Cruz no ganó fue porque la compañía Miramax decidió hacer campaña por otra rebelde: Kate Winslet.
Usted me dirá que Kate protagoniza Titanic, el filme más taquillero de la historia, pero eso no invalida a esta inglesa que ha hecho la carrera que ha querido sin someterse a los dictámenes de Hollywood, sobre todo en lo que a su peso se refiere. Winslet ganó como Mejor actriz dramática (Sólo un sueño) y Mejor actriz de reparto (The Reader).
Heath Ledger, recibió su Globo de oro póstumo por El caballero de la noche, la más taquillera del año dirigida por Christopher Nolan, otro independiente.
Y, en la categoría de Mejor actriz en comedia o musical, premio recayó en Sally Hawkins por Happy-Go-Lucky de Mike Leigh, otro inglés que se maneja con mucha independencia.
El único premio que cayó en un producto típico de la industria fue el relativo a la Mejor película de animación, Wall-E, y todos sabemos que sus valores fílmicos son innegables.

Ojalá y sea que están enviando algún mensaje al mundo: Sean rebeldes que algún día serán recompensados.

Lo mejor del 2008 en Santiago

Ante la avalancha de excelentes películas, hubo que crear diferentes equipos de trabajo para la pre-selección de las mejores películas exhibidas.
Decidimos solicitar ayuda a Arturo Rodríguez, gurú de la crítica de cine, en lo referente a los estrenos europeos y las ganadoras de los principales festivales del mundo. Sólo un profesional de la capacidad de Arturo podía con semejante tarea.
Un equipo conformado por Félix Manuel Lora, Armando Almánzar y Efraím Castillo se dedicaron a estudiar el voluminoso expediente de los estrenos estadounidenses con especial énfasis en el llamado cine independiente. Solicitaron la asesoría de Luis Rafael González. Se les concedió.
Por su lado, Pedro Estrella, Teddy Ureña y Reyna Mendoza, del Círculo de Cine de Santiago, tenían el reto inalcanzable de evaluar toda la producción latinoamericana y las cinematografías emergentes exhibidas. Solicitaron una extensión del plazo para presentar su informe. No se les concedió.
Bien entrada la primera madrugada del 2009, desperté del sueño y me encontré con apenas 10 títulos que merecían la pena. Triste realidad la del oficio de la crítica.
Por suerte, existe la industria del dvd y l@s amig@s solidari@s que se acuerdan de uno cuando viajan o les cae en sus manos algo que puede calificarse de Cine, con mayúsculas.
En fin, la mejor película exhibida en Santiago fue Sin lugar para los débiles, el formidable trabajo de los hermanos Coen que mereció el Premio de la Academia de Hollywood. A veces el Oscar acierta.
En cuanto a actuaciones, fuimos testigos de dos formidables caracterizaciones en el 2008: Daniel Day-Lewis en Petróleo sangriento y Marion Cotillard en La vida en rosa, ambos títulos entre lo mejor que nos llegó.
Otros siete títulos para recordar en estricto orden de exhibición:
Match Point: Woody Allen, tan virtuoso como siempre.
Sweeney Todd: lo nuevo del tándem Burton-Depp.
Wall-E: ha sido seleccionada por la Asociación de Críticos de Los Angeles como mejor película del año. Gana de calle su Academy Award.
El caballero de la noche: la película más taquillera del año: $530.7 millones de dólares recaudados en USA. Perdimos a Heath Leger (por muerte) y a Christopher Nolan (por éxito).
Expiación, pecado y deseo: ¿Hemos sobrevalorado este filme de Joe Wright?
Elizabeth: la edad de oro: otra formidable actuación de Cate Blanchett y correctísima puesta en escena de Shekhar Kapur.
Tropa de élite: este contundente drama de José Padilha ganó el Festival de Berlín y muestra la salud de que goza el cine latinoamericano.
La cinefilia es el arte de tres grandes deseos: un hermoso futuro lleno de buenos filmes para todos, conocer mi alma gemela y paz en el medio oriente. ¿Es mucho pedir?

El Cine Dominicano en el 2008

Cuando me lo preguntan, digo que el Cine Dominicano atraviesa el mejor momento de su historia. Los 9 estrenos que tuvimos en el 2008 no dejan ningún tipo de dudas. Ahora bien, que deseamos un Cine que menos limitantes y mayor calidad es sólo parte de la discusión.
Que no todas las películas fueron apoyadas masivamente por el público (en realidad, sólo un par pueden calificarse de éxitos) es también parte del proceso de consolidación del Cine Dominicano y hasta en Hollywood muchas superproducciones fallan en su intención de conquistar el gran público.
Pero, hoy por hoy, reina un entusiasmo muy grande en torno de una industria en la que nadie creía hasta hace muy pocos años. Y eso es muy bueno. Que varios empresarios (no artistas, empresarios) se interesen por invertir en los proyectos de cine es la mejor señal de la salud que goza nuestro siempre naciente cine.
Nueve proyectos fueron estrenados. Debo explicar el criterio de “estreno”: al menos una semana de exhibición en una sala de cine comercial, sea de Santiago o Santo Domingo. Eso excluye de la lista la película Cenizas del mal (Javier Vargas) que se presentó en el auditorio de la Universidad Tecnológica de Santiago.
Los primeros estrenos del año fueron: Play Ball (Alfonso Rodríguez), El caballero de la medianoche (Jimmy Sierra) y Enigma (Robert Cornelio). Creo que, en términos de propuesta cinematográfica, el filme de Robert Cornelio era el más interesante, pero no gozó del favor popular.
Le siguió 60 millas al este, documental dirigido por Jorge Lenderborg (muy al estilo Michael Moore) con más de un acierto sobre el eterno tema de los viajes ilegales.
Excexos (José María Cabral) sólo fue presentada en Santo Domingo y Operación Patakón (Tito Nekerman) sólo fue presentada en Santiago.
Angel Múñiz estrenó Ladrones a domicilio en agosto y no consiguió el respaldo esperado. Tampoco lo logró Al fin y al cabo, segundo estreno del año para Alfonso Rodríguez.
Finalmente, cerramos con Santi Cló (José Enrique Pintor), sin duda el estreno mejor promocionado del año y que ha recibido buen respaldo de los cinéfilos.
Se quedó en las intenciones el estreno de El béisbol en la República Dominicana, un documental con libreto de Héctor J. Cruz y dirección de Miguel Vásquez. Pero ya hay estrenos confirmados para enero (Cristiano de la secreta) y febrero (Megadiva).
Sin duda, el Cine Dominicano avanza hacia su consolidación.

Postdata: el amigo Arturo Rodríguez me apunta que De campamento también debe ser incluida entre los estrenos del 2008. ¡Por supuesto! Una imperdonable omisión de este cronista.

Tropa de élite: cruda y extraordinaria

Lo primero que hay que decir de Tropa de élite es que no es una película agradable de ver. Cada fotograma de esta cinta destila una crudeza que no es fácil asimilar. La violencia que genera el negocio de las drogas en Río de Janeiro es un espiral que nos deja confundidos, anonadados, impotentes ante un proceso que vemos repetirse en tantas ciudades de Latinoamérica.
La película se basa en hechos reales vividos por uno de sus guionistas, Rodrigo Pimentel, en sus 19 años de servicio como funcionario y capitán de la policía. El guión también lo firman José Padilha (director del filme) y Brulio Mantovani (uno de los artífices de Ciudad de Dios).
Esta cadena comenzó en el 2004 con el resonante éxito de Ciudad de Dios, filme-debut de Fernando Meirelles. Fue tan exitosa, que dio origen a la serie de televisión Ciudad de hombres, que llamó tanto la atención que obligó a sus productores a realizar su correspondiente filme para el cine. En ambos casos, el tema del narcotráfico en las favelas de Río era tratado desde el punto de vista del barrio.
Ahora se trata de ver la otra cara de la moneda (no hablo en sentido figurado, hay mucho dinero involucrado en el negocio): los oficiales de la policía y del implacable BOPE (Batallón de Operaciones Policiales Especiales). Para que se tenga una referencia clara: el escudo de armas del BOPE es una calavera atravesada por una daga, con dos pistolas cruzadas de fondo.
Por supuesto, imaginarán que el nivel de denuncia de la corrupción que contiene es muy alto e inaceptable (como siempre) para los involucrados. También es mucho el nivel de cuestionamiento hacia todos, hacia esta sociedad en la que toleramos que el narcotráfico tome por asalto las calles y nuestra seguridad, hacia quienes por omisión o complicidad no tocamos el tema.
En Brasil, Tropa de élite ha generado una controversia mayúscula porque todos la acusan de sensacionalista y radical. Pero, al margen de las discusiones, el público la ha convertido en un éxito de taquillas. Y si leen bien el afiche, Tropa de élite ganó en Berlín, uno de los festivales más prestigiosos del mundo.
Porque al margen de toda la violencia que presenta, también cuenta con un nivel de realización que supera por mucho a la mayoría de los filmes exhibidos este año en Dominicana.

Lo mejor del 2008, según el Instituto de Cine Americano

El Instituto Americano del Cine (AFI, por sus siglas en inglés) acaba de publicar su selección de lo mejor del año de los títulos producidos en Estados Unidos.
Este listado es un excelente parámetro para medir la calidad fílmica de lo estrenado en USA. ¿Por qué? Simple: la votaciones se llevan a cabo tomando en cuenta criterios como los aportes al desarrollo de las imágenes en movimiento (abarca también la televisión), el enriquecimiento del acervo artístico y cultural americano, la inspiración provocada en los artistas y el público. Además, las huellas que deja en la sociedad contemporánea.Es decir, se elige al margen de los intereses comerciales de los grandes estudios de producción.Para esta ocasión el Jurado estuvo presidido por el renombrado crítico Leonard Maltin (Entertainment Tonight) e integrado por: Daniel Petrie Jr, Robert Towne (directores), el escritor Mark Harris, el productor Tom Pollock, Jeanine Basinger, Mary Corey, Rick Jewell, Vivian Sobchack (académicos), los críticos Richard Schickel (Time), Anne Thompson (Variety) y Elvis Mitchell, así como Jim Hosney, del AFI.
La mejor del 2008, según el AFI fue Wall-E, el animado de Disney/Pixar que ya mereció también la selección de la Asociación de Críticos de Los Angeles.
El resto de lo mejor:
Gran Torino, lo más nuevo de Clint Eastwood.
The Curious Case of Benjamin Button, protagonizada por Brad Pitt y Cate Blanchett.
El caballero de la noche, todos los premios in memorian para Heath Leger.
Frost/Nixon, lo nuevo de Ron Howard.
Frozen River, filme independiente estrenado en el Festival del Sundance.
Iron Man, recuerden lo esencial del cómic en la cultura popular.
Milk, biografía del politico Harvey Milk.
Wendy y Lucy, otro filme independiente que ha tenido excelente acogida.
The Wrestler, o la resurrección de Mickey Rourke.

Lo mejor del 2008, según Sight & Sound

Sight & Sound es, sin duda, una de las revistas más apreciadas del universo cinéfilo.
La publica el British Film Institute y ya adelantó el listado con las mejores películas del 2008.
En la edición de enero figurará la elección de cada uno de los críticos consultados (se les pidió cinco títulos a cada uno) y la lista completa, que incluye 150 películas.
Como curiosidad, 6 de los 10 filmes estuvieron en las dos secciones oficiales del último Festival de Cannes.

Las mejores del 2008, según Sight & Sound son:

1. Hunger (Steve McQueen, Inglaterra)

2. Petróleo sangriento (Paul Thomas Anderson, Estados Unidos)

3. Wall-E (Andrew Stanton, Estados Unidos)

4. Gomorra (Matteo Garrone, Italia)

5. A Christmas Tale/Un conte de Noel (Arnaud Desplechin, Francia)

6. The Class/Entre les murs (Laurent Cantet, Francia)

7. Of Time and the City (Terence Davies, Inglaterra)

8. Happy-Go-Lucky (Mike Leigh, Inglaterra)

9. La mujer sin cabeza (Lucrecia Martel, Argentina)

10. Let the Right One In (Tomas Alfredson, Suecia)

Lo mejor del 2008, según el National Board of Review

¡Arrancó la Temporada de Caza, digo de Premios!
La National Board of Review escogió a la película Slumdog Millionaire, dirigida por el británico Danny Boyle, como la mejor cinta del año
El prestigioso galardón le da un importante impulso a Slumdog Millionaire, cuyo protagonista, Dev Patel, también fue escogido como el mejor descubrimiento entre las actuaciones masculinas. ¿Será la película independiente del año?
Además, se escogieron otras nueve películas como lo mejor del año. En estricto orden aleatorio: Burn After Reading (lo nuevo de los hermanos Coen), El sustituto (¿conseguirá su premio Angelina Jolie), The curious case of Benjamin Button (Cate Blanchett y Brad Pitt), El caballero de la noche, Defiance, Frost/Nixon (el nuevo filme de Ron Howard), Gran Torino (posiblemente la actuación-retiro de Clint Eastwood), Milk (lo nuevo Gus Van Sant), Wall-E y The Wrestler (lo nuevo de Aronofsky con un Mickey Rourke brillante).
Por otro lado, Clint Eastwood fue escogido como Mejor Actor por su papel en Gran Torino, la que todavía no se ha estrenado en las salas estadounidenses.
Anne Hathaway ganó como Mejor Actriz por su papel en Rachel Getting Married, mientras que David Fincher venció como Mejor Director por The Curious Case of Benjamin Button. El premio al mejor guión adaptado lo compartieron Eric Roth por la esta película y Simon Beaufoy por Slumdog Millionaire.
Josh Brolin ganó como Mejor Actor de Reparto por Milk, mientras que Penélope Cruz lo hizo en la misma categoría en su versión femenina, por su rol en Vicky Christina Barcelona, de Woody Allen.
La NBR también premió a la película Doubt por su elenco, encabezado por Meryl Streep y Philip Seymour Hoffman. Viola Davis, también por Doubt, fue el mejor descubrimiento entre las actrices.
Man on Wire ganó como Mejor Documental, Wall-E como Mejor Película de animación y Mongol como Mejor Película Extranjera.
La National Board of Review, fundada en 1909, está compuesta por historiadores cinematográficos, estudiantes y docentes y sus premios serán entregados próximo 14 de enero en Nueva York, en una gala animada por Whoopi Goldberg.

Las mejores películas según Empire

(Teddy Ureña, amigo y cinéfilo de los verdaderos, se encontró en Berlín con el número de noviembre de la revista Empire. Esta edición trae los resultados de una encuesta sobre las 500 mejores películas de todos los tiempos. Como era de esperarse, Teddy me hizo llegar mi ejemplar. Comparto con tod@s algunos datos)

Hace unos meses la revista inglesa Empire preparó la más ambiciosa encuesta cinematográfica: 50 críticos de cine claves por su influencia, 150 personalidades del cine y 10,000 de sus lectores.
Entre las personalidades están los directores: Quentin Tarantino, Sam Mendes, Pedro Almodóvar, David Fincher, Mike Leigh, Cameron Crowe y el compositor Hans Zimmer. Entre los críticos consultados aparecen: Meter Bradshaw, James Christopher y Mark Cousins.
Ya he comentado antes el problema de los listados: no están todas las que son, ni son todas las que están. Y hasta los consultados pueden disentir. Y más de una sorpresa siempre acecha detrás de la puerta.
Comenzamos por las sorpresas: la campeona de los listados, Ciudadano Kane (1942, Orson Welles), quedó en un lejano puesto 28. Otro clásico como Casablanca (1942, Michael Curtiz) preferida dentro de las películas románticas apenas consiguió el lugar 18, mientras los clásicos Taxi Driver (1976, Martin Scorsese) y 2001: Odisea del espacio (1968, Stanley Kubrick) se ubicaron en los puestos 17 y 16.
Estas son las primeras 15 posiciones:
# 15: El caballero de la noche (2008, Christopher Nolan). Sin duda se demuestra el gran impacto que ha causado entre los cinéfilos y sus grandes posibilidades dentro de la temporada de premios que se avecina.
# 14: Erase una vez en el oeste (1968, Sergio Leone). La extraordinaria vaquerada de Leone fue el punto culminante de llamado spaghetti-western.
#13: Chinatown (1974, Roman Polanski). El formidable film noir protagonizado por Jack Nicholson y Faye Dunaway tuvo una enorme repercusión que dura hasta nuestros días.
#12: El apartamento (1960, Billy Wilder). Cualquiera de los filmes de Wilder es una prueba de su talento. Jack Lemmon y Shirley McLaine en su mejor momento
#11: El toro salvaje (1980, Martin Scorsese). Está considerada la mejor película de la década 80 y Robert De Niro dio una actuación histórica.
#10: El club de la lucha (1999, David Fincher). Tengo que admitir que nunca me ha gustado mucho este filme, a pesar del tour de force de Eduard Norton y Brad Pitt.
#9: Pulp Fiction (1994, Quentin Tarantino). Palma de Oro en Cannes, es sin duda de ningún tipo, una de las mejores películas de la década 90.
#8: Cantando bajo la lluvia (1952, Stanley Donen y Gene Kelly). Presentado siempre como ejemplo de la época de oro del musical.
#7: Apocalipsis ya (1979, Francis Coppola). Creo que la mejor película que se ha hecho sobre la guerra de Vietnam y el monstuo de Brando.
#6: Goodfellas (1990, Martin Scorsese). Todos saben que me fascina Scorsese, pero de ahí a incluir este filme entre los primeros diez hay mucha distancia. Me quedo con el toro.
#5: Tiburón (1975, Steven Spielberg). Este filme de Spielberg cambió la suerte de la industria del cine para siempre y creó el concepto de super-producción para el verano. Pero, ¿entre las grandes?
#4: The Shawshank Redemption (1994, Frank Darabont). Excelente, pero ¿entre las grandes?
#3: El imperio contraataca (1980, Irvin Kershner). Esto es el colmo de los seguidores de Lucas Skywalker, entre los que me incluyo pero con ciertos límites.
#2: Los cazadores del Arca Perdida (1981, Steven Spielberg). Excelente cine de entretenimiento pero, ¿entre las grandes?
#1: El Padrino (1972, Francis Coppola). Todos saben que esta es mi película favorita de todas cuantas he visto y la que más ocasiones he repetido. Una auténtica Obra Maestra que consagra al cine como el arte de nuestro tiempo.

Capitán Abu Raed: un tema global, una historia personal

Un festival de cine es un producto cultural con atribuciones propias y características muy particulares. El Festival de Cine Global Dominicano, que ahora celebra su segunda edición, tiene un eslogan que vale por mil fotogramas: “Temas globales, historias personales”.
En ese sentido, ninguna mejor película que la jordana Capitán Abu Raed para definir en forma precisa la esencia del festival. Para alegría de todos, Natasha Despotovic, mujer de muchas luces y directora general del DRGFF, la escogió para la noche inaugural en Santiago.
Capitán Abu Raed sirve para ver la realidad de aquel lejano país y vernos reflejados en ese espejo. En más de un sentido. Es la película debut para el director Amin Matalqa, lograda luego de superar innumerables escollos, incluído el que allá no se cuenta con una industria cinematográfica, ¿les suena familiar?
Matalqa construye un drama sutil y eficaz sobre las posibilidades de superarnos sin importar humildes orígenes, ni atmósferas familiares contaminadas por la violencia. Todos tenemos el derechos de soñar (y luchar) para romper el círculo vicioso de la miseria, de los múltiples obstáculos con los que nuestras sociedades justifican la desigualdad, ¿les suena familiar?.
Montada sobre una estructura narrativa sencilla pero poderosa, Matalqa expone una sensibilidad extraordinaria para los detalles, desde los ojos de los personajes, hasta prescindir de todos los accesorios innecesarios para contar su historia. Merece especial crédito por su acercamiento a la estética neorrealista. De hecho, la mayoría de las personas que aparecen en la película no son actores profesionales.
Quiero destacar la sutileza con la Matalqa expone aún los momentos más oscuros de su drama. Incluso el caso de un padre que abusa física y mentalmente de su familia se nos presenta sin sobresaltos, sólo mostrando los elementos necesarios para crear un espacio de reflexión acerca del futuro de la sociedad que se sustenta es semejante núcleo, ¿les suena familiar?
Con muchos de los diálogos de Capitán Abu Raed cualquier dominicano puede identificarse. Especial mención para aquel que hace referencia a que si baja el precio de la gasolina, debe bajar también el precio del pan, ¿les suena familiar?
Capitán Abu Raed ha ganado en numerosos festivales internacionales y está postulada al Oscar como película extranjera. Debe ser el espejo en que se miren los cineastas criollos, empeñados en producir bajo el esquema Hollywood, cuando la realidad es que no tenemos sus recursos.
Un filme así debe ser la referencia de lo que se puede hacer para abrirnos paso en el mercado internacional del buen cine.
Capitán Abu Raed es una extraordinaria demostración de que se puede. De que una historia personal bien contada, es también un tema global.

Postdata: No importa, Abu Raed, que no tenga licencia de piloto. Ni siquiera que nunca haya montado un avión. Ya hemos volado muy alto, Capitán, a bordo de sus sueños que, al fin y al cabo, son también los nuestros.

Festival de Cine Global Dominicano 2008 en Santiago

La Fundación Global ya anunció el programa que presentará en Santiago en el marco del II Festival de Cine Global Dominicano que, nueva vez, tendrá el auditorio del Cursa-Uasd como sede.
Si usted se considera un cinéfilo serio, no puede faltar a esta verdadera fiesta de cine en el Caribe. Saque su agenda, borre todos los compromisos a partir del 19 de noviembre y apunte:
La Gala de Apertura será, al igual que en otras ciudades, el martes 18 de noviembre. Ese día está reservado para la presentación de Capitán Abu Read, película de Jordania que ha ganado numerosos festivales y representa ese país al Oscar a la Mejor Película Extranjera.
Guerra/Danza (miércoles 19, 10:00 a.m.) es una historia reconfortante y desgarradora que sigue a tres muchachos ugandeses, durante la guerra de Uganda del Norte, que tienen dos cosas en común: su inmenso sufrimiento y su participación en el Concurso Nacional de Música de Kampala.
El traficante de sueños (miércoles 19, 7:30 p.m.). Temas como la subcontratación laboral, la apropiación de la memoria y la escasez de agua se mezclan en una distopía de ciencia ficción dirigida por el afamado artista de medios digitales Alex Rivera. Ganador del Premio al Mejor Guión y del Premio Alfred P. Sloan por el mejor enfoque científico tecnológico en el Festival de Cine de Sundance y del Premio de Amnistía Internacional en el Festival de Cine de Berlín.
La zona (jueves 20, 7:30 p.m.). El tan esperado debut como director de Rodrigo Plá consigue actuaciones excepcionales de un estelar reparto, que incluye a Maribel Verdú. La película recibió el Premio Luigi De Laurentis en el Festival de Cine de Venecia 2007, el Premio Fipresci en Toronto y el Premio del Público en el Festival Internacional de Cine de Miami.
Yo soy porque nosotros somos (viérnes 21, 10:00 a.m.). En la nación africana de Malawi, las enfermedades –especialmente el SIDA-, la pobreza y la hambruna han cobrado una terrible factura, especialmente a las personas jóvenes: en un país de 12 millones de personas, un millón son huérfanos. En 2006, la cantante Madonna comenzó a estudiar la crisis de este país y decidió utilizar su fortuna y su fama para ayudar. Escribió y produjo este documental que busca demostrar la necesidad de acción a través de la historia de ocho niños que están creciendo sin sus padres; los pequeños anhelan una mejor vida y se esfuerzan por seguir adelante con optimismo a pesar de las pocas oportunidades que el destino les ha deparado.
The Wave (viérnes 21, 7:30 p.m.). El director alemán Dennis Gansel presenta este filme inspirado en un perverso experimento llevado a cabo en California en 1969. Un popular maestro de bachillerato en Alemania, como parte de la Semana de Proyectos de la escuela, crea un experimento que se sale de control.
Young@Heart (sábado 22, 7:30 p.m.) Fundado en 1982, el coro Young@Heart está formado por jubilados de edades entre 72 y 88 años de Northampton, Massachusetts. El documental de Stephen Walker se sumerge en los preparativos de la gira de conciertos Alive and Well, donde podemos ver como estos simpáticos cantantes practican su propia y apasionada interpretación de I Feel Good, de James Brown. Premio del Público, Festival de Cine de Los Ángeles.
El filme seleccionado para el cierre en Santiago es Ceguera (domingo 23, 6:00 p.m.). El brasileño Fernando Meirelles dirige esta película, basada en la novela del nobel José Saramago, que capta la podredumbre de la sociedad durante una epidemia de ceguera rampante. Fue la película de apertura del Festival de Cannes 2008.
Definitivamente, la segunda versión del Festival de Cine Global Dominicano 2008 será una fiesta para los que disfrutan del Séptimo Arte.

Revisen sus agendas: vuelve el Festival de Cine Global Dominicano

II Festival de Cine Global Dominicano 2008

Del 19 al 23 de noviembre

En Santiago: Auditorio del Cursa-Uasd

Ceguera (Fernando Meirelles, Brasil)
14 kilómetros (Gerardo Olivares, España)
Descubriendo el amor (Sarah Gavron, UK)
Captain Abu Raed (Amin Matalqa, Jordania)
Caramel (Nadine Labaki, Líbano)
Fados (Carlos Saura, España)
La visita de la banda (Eran Kolirin, Israel)
Persépolis (Marjane Satrapi & Vincent Paronnaud, Francia)
Tropa de élite (José Padilha, Brasil)
Cochochi (Laura Amelia Guzmán e Israel Cárdenas, México)
El baño del Papa (César Charlone & Enrique Fernández, Uruguay)
Buda explotó por vergüenza (Hana Makhmalbaf, Irán)
El camino (Ishtar Yasin, Costa Rica)
El viaje de Teo (Walter Doehner, México)
Iron Road (David Wu, China)
La zona (Rodrigo Plá, México)
Reza para que el diablo regrese al infierno (Gini Reticker, USA)
Río helado (Courtnet Hunt, USA)
Efecto Dominó (Philippe Caland, USA)
El traficante de sueños (Alex Rivera, México)
Sugar (Anna Boden & Ryan Fleck)
The Wave (Dennis Gansel)

La Muestra de Cine es un estado del alma

Si creen que he ganado una colección de momentos inolvidables, imaginan bien. Es inevitable cuando compartes con cinéfilas personalidades como los convocados por la Muestra de Cine, la nuestra.

Las personalidades.

Desde aquellos desayunos dialécticos con Tamara Morales (¡Disciplina, compañera!), parte del Jurado de Opera Prima, al igual que Amaury Pérez (el caballero siempre-dispuesto a extender la medianoche) hasta las jugosas conversaciones de Cine y Vida con Jeanine Meerapfel, otra argentina seducida por el plátano.
Desde el impresionante abrazo de Víktor Grodecki, un oso polaco que impuso su fórmula de “Buen cine, buen vino”, hasta el tigueraje a flor de piel de Vincenzo (siciliano) y Alvaro Rodríguez (colombiano), rendidos ante el poder de la Presidente. Por suerte para el evento, no coincidieron en tiempo y espacio.

Los 4 Fantásticos.

Este es el único país del mundo en el que cuatro personas organizan un festival de cine de esa magnitud. Se necesita mucho coraje, mucha voluntad, mucha paciencia y algo de solidaridad para quedar casi cuerdos del intento.
Arturo Rodríguez Fernández, Lidia Bastos, Luis Jiménez y el incansable Héctor Moreta se entregan por entero a la Muestra con una vocación que despierta admiración. No se preocupen señores, hoy mismo les envío un frasco de vitaminas.

Los Premios.

Ah, por supuesto, hubo premios, la culminación lógica de todo festival de cine.
La película alemana Hanami (2007, Doris Dörrie) se llevó tres Ciguapas de Oro: Mejor Película y Mejor Actor (Elmar Wepper). Ojo: también ganó el Premio del Público, o sea, gustó a doble banda.
El premio a Mejor Actriz fue compartido por Monica Bleitren y Ana Herzsprung, protagonistas del soberbio drama 4 minutos (2007, Chris Kraus). Este filme también ganó el premio a la Mejor Música.
Luz silenciosa, la enigmática película del mexicano Carlos Reygadas, se llevó los galardones de Mejor Director y Mejor Fotografía.
El director de Terapias alternativas, Rodolfo Durán, recogió humilde y sorprendido, la Ciguapa al Mejor Guión, “el primer premio que gano en mi vida”.
El Jurado de Opera Prima, de forma unánime, se decantó por la magia y la tragedia que encierra el filme colombiano Perro come perro (2007, Carlos Moreno). Buena suerte en la feroz competencia del Oscar.

La frase.

Luis Jiménez aportó la frase devastadora para las discusiones que, naturalmente, generan las mejores tentaciones: “Eso es lo que te llevas cuando te mueras”.

Secretario de Cultura Pide Aprueben Ley de Cine y del Libro

El Secretario de Estado de Cultura pidió a la Cámara de Diputados que apruebe cuanto antes la Ley de Cine y la Ley del Libro, proyectos pendientes de aprobación desde hace dos años.

El licenciado José Rafael Lantigua dijo que ya el Senado aprobó ambos proyectos de ley, y que sólo se aguarda ahora por la aprobación de la Cámara de Diputados.

Lantigua consideró ambos proyectos de ley como "fundamentales para el desarrollo de la industria del cine y para el fomento del libro y la lectura en la República Dominicana ".

Indicó que de la Ley de Cine depende la incursión de destacados inversionistas extranjeros para el desarrollo de la industria en el país, así como el fortalecimiento del cine de producción local y la apertura de salas de cine en todo el territorio nacional.

Señaló que esta ley "será el gran empujón que necesitamos para que la industria del cine sea una auspiciosa realidad en nuestro país".

Lantigua recordó que, a principio de esta semana, el Presidente Leonel Fernández se reunió en Nueva York con un grupo de importantes productores cinematográficos de Estados Unidos, que están interesados en invertir en estudios de cine en el país, pero que exigen un instrumento legal, como la Ley de Cine, para realizar su inversión.

Igualmente, mencionó a los productores de la película sobre la vida de Ernest Hemingway que se ha planificado filmar en diversas locaciones del país, por un monto superior a los 60 millones de dólares.

Señaló a este respecto el ministro de Cultura que "debemos evitar que grandes producciones cinematográficas se nos vayan a otros países que tienen leyes de Cine y que ofrecen garantías especiales para realizar las mismas", por lo que instó a los legisladores a aprobar el proyecto de ley citado, "a fin de que podamos poseer la herramienta jurídica que nos hace falta para consolidar la industria de cine en el país".

Vuelve la Muestra de Cine, los días de disfrutar Séptimo Arte.

Ya son 10 Ediciones de esta cita anual con el mejor cine del mundo y para celebrarlo, la Muestra Internacional de Cine de Santo Domingo vuelve con su oferta de buen Séptimo Arte y muy en especial de Alemania, país al que le está dedicado el evento.
En estos diez años, la Muestra de Cine ha sido una opción inteligente de Arte y diversión, convirtiéndose en cita obligada de los cinéfilos que la esperan ansiosamente para alejarse durante un par de semanas del cine convencional y comercial de Hollywood.
Del 2 al 11 de octubre, en tres salas del Palacio del Cine de Bella Vista Mall y en tres tandas diarias se presentarán, además de las películas alemanas, filmes provenientes de países como España, Francia, Argentina, Brasil, Chile, Venezuela, Bolivia, Dinamarca, México, Uruguay, Cuba Ecuador, Colombia y Suecia.
Como cada año, se cuenta con el apoyo oficial de la Secretaría de Estado de Cultura, de las Embajadas acreditadas en el país y de una serie de empresas creyentes en la necesidad de difundir la Educación y la Cultura.
Algunas de estas películas vendrán acompañadas de sus actores, productores o directores que estarán en contacto directo con el público durante las presentaciones estableciendo diálogos y narrando sus experiencias delante o detrás de las cámaras.

Alemania, país invitado.

La selección alemana de este año no puede ser mejor.
Como film de apertura se ha escogido a Hanami (Kirschblüten), drama romántico de la prestigiosa realizadora Doris Dörrie que complacerá al público y a la crítica.
Las otras películas alemanas en el evento serán: Al otro lado, Cuatro minutos, Decisiones de ultratumba, Después vienen los turistas, No toquen a Missisipi y, en una presentación especial, el clásico El ángel azul, que convirtió a Marlene Dietrich en una estrella internacional.

Invitados internacionales.

Carlos Bosch, director de Septiembres
Rodolfo Durán, director de Terapias alternativas
Candela Figueiras, directora de Nevando voy
Maitena Muruzabal, directora de Nevando voy
Jorge Cámara, Presidente Asociación Prensa Extranjera de Hollywodd.
Rafael Lara, director de La milagrosa
Marcela Osorio, actriz de Fiesta Patria
Carlos Moreno, director de Perro come perro
Greysi Mena, actriz de Postales de Leningrado
Pedro Aguilera, director de La influencia

Filmes de la Sección Oficial:

- Al otro lado (Auf der anderen seite), Alemania
- Los Andes no creen en Dios, Bolivia
- Cuatro minutos (Vier minuten), Alemania
- Daysi Diamond, Dinamarca
- Fiesta patria, Chile
- La France, Francia
- Hanami, Alemania
- Luz silenciosa, México
- Matar a todos, Chile
- La noche de los inocentes, Cuba
- No se los digas a nadie (Ne le dis a personne), Francia
- La soledad, España
- Terapias alternativas, Argentina

Jurado de la Sección Oficial:

Jeanine Meerapfel, realizadora de procedencia argentina, afincada en Alemania.
Wiktor Grodecki, sonidista, editor y director polaco.
Efraim Castillo, escritor, publicista y crítico de arte dominicano.
Elvira Taveras, actriz y directora teatral dominicana.
Lydia Ariza, actriz dominicana.

Filmes de la Sección Opera Prima:

- El arte de llorar (The Art of Crying), Dinamarca
- La clase, Venezuela
- Cuando me toque a mí, Ecuador
- Darling, Suecia
- Decisiones de ultratumba (Wer früher stirbt ist länger tot), Alemania
- La influencia, España
- Ladrones, España
- Nevando voy, España
- Ñao por acaso (Not by chance), Brasil
- Partes usadas, México
- Perro come perro, Colombia
- Postales de Leningrado, Venezuela
- Satanás, Colombia
- XXY, Argentina

El jurado de Opera Prima:

Luis Rafael González, director de la Cinemateca Nacional.
Alan Nadal, director de la película El manuscrito.
José D’Laura, crítico de cine de Santiago.
Tamara Morales, actriz y directora cubana.
Amaurys Pérez, actor de teatro y director de cortometrajes.

Filmes de la Sección Informativa:

- Barcelona, un mapa, España
- La cambiadora de páginas (La tourneuse de pages), Francia
- Después vienen los turistas (Am ende kommen touristen), Alemania
- Familia tortuga, México
- Lokas, Chile
- Mi mejor amigo (Mon meilleur ami), Francia
- No toquen a Mississipi (Hände weg von Mississipi), Alemania
- Sin remordimiento (Sans etat d’ame), Francia

Actividades paralelas.

Durante la celebración de la Muestra Internacional de Cine de Santo Domingo se impartirán en las instalaciones del Centro Cultural de España-AECID de Santo Domingo y en la Cinemateca Dominicana las siguientes actividades de formación:
- Taller de Guión Documental, impartido por el español Carlos Bosch, director de Balseros (2002), Septiembres (2007).
- Clase magistral, impartida por la directora argentina Candela Figueiras (Nevando Voy, 2007) y la directora española Maitena Muruzabal (Nevando Voy, 2007).
- Clase magistral impartida por el director español Carlos Bosch.
- Taller de realización cinematográfica, impartido por la argentina Jeanine Meerapfel, directora de Malou (1981) y El verano de Ana (2001).

¿Hace falta que les pida que revisen sus agendas?

Las campeonas del Verano USA 2008

Con la llegada del Labor Day (Estados Unidos es uno de los pocos países del mundo que no celebra el Día del Trabajo el 1 de mayo) finaliza, al menos en teoría, la temporada de verano cinematográfico en USA: ahora comienzan los estrenos con olor a Oscar.
Es pertinente, entonces, echar un vistazo al listado de las campeonas en recaudación.
En primer lugar, El caballero de la noche, con sus $502.4 se convirtió ayer en la segunda película en la historia del cine que alcanza esa cifra. En la primera posición de todos los tiempos sigue flotando Titanic ($600.8).
En un tiempo en que todos buscamos un super-héroe, a nadie extraña que El hombre de hierro consiguiera sus $317.5, mientras Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal conseguía unos $315.
Poco ortodoxo pero héroe al fin, Hancock y sus $226 millones confirmaron a Will Smith como imán en las taquillas.
La clasificación “Para toda la familia” tuvo su buena tajada con dos títulos bien ubicados: Wall-E con $216 y Kung Fu Panda con $212, ambas maravillas de la animación por computadoras, pero también de mucho ingenio invertido en su realización.
Sexo en la ciudad, excitó a las seguidoras de la serie y recaudó unos $152, respetable suma para un filme que ofreció algo que puede verse gratis cada semana.
Las crónicas de Narnia: el Príncipe Caspian también hizo lo propio con las audiencias de arrastre que ya ha leído los libros de Clive Staples Lewis, escritor al que sólo conocemos por sus iniciales.
El increíble Hulk consiguió unos $134.3 millones, sólo un poco más que Se busca, que con sus $134, está aún en cartelera y puede sumar un par de millones más a su total.
El musical Mamma Mía, para sorpresa de muchos, alcanzó $131 millones, un desempeño por encima de sus expectativas, al igual que la comedia El Super Agente 86, que consiguió $128 millones.
Rondando todavía está No te metas con Zohan que tiene unos $99.6 alcanzados en recaudación.
Sin duda el mayor fracaso de la temporada fue Meteoro, el nuevo invento de los hermanos Wachowski, que costó $120 millones de los verdes y apenas recaudó $43.9 millones.
Para los que llevan anotaciones, ya hay varios títulos en progreso para el verano 2009: Star Trek, Wolverine, así como secuelas de Harry Potter, Transformers y Código Da Vinci. Un menú con más de lo mismo.

La vida escénica de Angel Haché

En una época en la que no abundan modelos a seguir, Angel Haché es un ejemplo de integridad artística. Tanto, que se ha atrevido a dirigir un documental sobre su vida en el mundo de la actuación, incluyendo más de una crónica que no le es favorable.
La meta no era simple: condensar 50 años de experiencia en el mundo del drama y la comedia en 100 minutos. No es fácil tarea para nadie, tampoco para Angel Haché.
Pero Una vida escénica cuasi virtual, más que un inventario de datos es la aproximación al intrigante mundo de los actores, más allá de las máscaras, de la puesta en escena, del éxito simulado, del maquillaje que se desgasta con las lágrimas y el tiempo.
Además de exponer sus datos biográficos esenciales, Angel Haché se vale de la opinión de sus cómplices de generación, acaso como fiel e irrebatible testimonio de la admiración que genera su sólida formación, la seriedad con la que ejerce su oficio de actor y la honestidad con la reviste su accionar.
Freddy Ginebra, Rafael Villaona, Delta Soto, María Castillo, Elsa Núñez y Augusto Feria, con sus palabras nos describen al ser humano y al artista, en ocasiones tan unidos entre sí que se hace imposible distinguir uno de otro.
Todos coinciden en señalar la profesionalidad con la que Angel Haché sube al escenario: siempre suma a los montajes. Siempre da lo mejor de sí.
Geovanny Cruz, una autoridad en la materia, lo incluye en su listado de los mejores actores del siglo XX en nuestro país.
Sobresalen los segmentos, muy bien escogidos, de varios filmes rodados en España, bajo las órdenes de nombres tan distinguidos como Jaime Chávarri y Patricio Guzmán.
Una vida escénica cuasi virtual, estrenado en Santo Domingo y Santiago, merece todavía una mayor difusión en las escuelas de arte del país, porque así los nuevos talentos del teatro pueden conocer mejor a uno de los grandes de las artes escénicas, Angel Haché.
Creo que este documental pude tomarse como piloto para desarrollar una serie sobre los grandes artistas contemporáneos de Dominicana (entre ellos, Elsa Núñez, compañera de Haché) porque nunca es muy tarde para reconocerlos en su justa dimensión y por los grandes aportes que han hecho a nuestro proyecto de nación.

Ladrones a domicilio, lo nuevo de Angel Muñiz

Cuando me preguntan por mi película dominicana favorita, invariablemente contesto que Nueba Yol. Y lo justifico por lo que esa película de Angel Muñiz significó para el cine dominicano: gracias al masivo apoyo del público, los empresarios descubrieron el potencial de la industria cinematográfica.
A partir de Nueba Yol no es necesario hipotecar la vida o venderle el alma al diablo para conseguir el financiamiento de una película dominicana. Si alguno lo ha hecho, esa es otra historia.
Fue tan exitosa Nueba Yol que, en el mejor estilo de Hollywood, se cocinó una segunda parte (Nueba Yol 3) que arruinó el núcleo argumental que validaba la historia. Pero esa, también, es otra historia.
Lo cierto es que Angel Muñiz se ha consolidado como director con talento y ha demostrado que, cuando se quiere, se puede.
Ladrones a domicilio es una palpable demostración de la madurez alcanzada por las realizaciones que se hacen en nuestro país. Ya no existe ningún tipo de dudas de que los filmes que se producen en Dominicana llenan las expectativas, en términos de realización, del público más exigente. Sus logros técnicos son indudables.
El riesgo de Muñiz en esta ocasión es el cambio de registro: hasta ahora el público le ha brindado respaldo a sus comedias. Ladrones a domicilio disecciona la sociedad que nos ha tocado vivir para mostrarnos algunos de sus más lamentables aspectos: la corrupción, la injusticia, las desigualdades que adornan esta res-pública.
El problema radica en que Ladrones a domicilio inicia con la lectura de varios titulares noticiosos y nos da la impresión de que a todo lo largo del filme nos ofrece sólo titulares, pinceladas de nuestra realidad, sin profundizar en ninguno. Parecería que se ignora que todos estamos conscientes de lo que ocurre.
El problema es que todos sabemos a quiénes refieren muchos de los personajes del filme pero eso no es suficiente como denuncia y que mejor golpe de efecto se lograría con otros elementos que permitan una lectura entrelíneas.
Una observación extra-cinematográfica: creo firmemente que se debe reflexionar sobre el hecho de que una película, una vez realizada, es un producto al que hay que buscarle su mercado y asegurarle sus consumidores. Los productores deben permitir a los mercadólogos resolver el problema.
En el caso específico de Ladrones a domicilio, su afiche contiene un mensaje muy evidente, pero no sirve a los propósitos de vender o promover la película. Si se cuenta con un elenco conocido por el público: Manolo Ozuna, Johanny Sosa y Miguel Angel Martínez, esos familiares rostros debieron figurar como elementos centrales en el afiche.
Eso se llama Star System y Angel Muñiz lo sabe muy bien.
De cualquier manera, Ladrones a domicilio merece el respaldo del público en el entendido de que es un paso de avance en el proceso que vive el cine dominicano.

Batman: tres etapas para un mismo súper héroe

Cuando reflexiono sobre el actual fenómeno de Batman, me alegra el hecho de que en dos de las tres etapas que ha atravesado la saga estén involucrados auténticos directores de cine.
Efectivamente, nuestro enmascarado comenzó de la mano de Tim Burton, de quien pienso que es un genio de la ambientación. Batman (1989) contaba con Michael Keaton como el héroe (que no el protagonista) y Jack Nicholson como el malvado Guasón. Costó unos US$35 millones (que no incluyeron el salario de Nicholson) y recaudó US$251 millones de dólares.
Con semejante éxito, Burton y Keaton fueron contratados para Batman retorna (1992) que co-estelarizaban Danny DeVito y Michelle Pfeifer. Costó US$80 millones y consiguió unos US$162.7 millones. Fin de la primera etapa.
Entró a escena Joel Schumacher, buen hacedor de películas, nunca me ha parecido un autor de cine. Trajo consigo otro Batman (Val Kilmer) y dos villanos en desgracia (Tommy Lee Jones como Dos Caras y Jim Carrey como Acertijo). Donde Burton dejaba oscuridad, Schumacher sembró bombillitas de colores. Le dio relativos buenos resultados: Batman forever (1995) costó US$100 millones y recaudó US$183.9 millones de dólares.
El siguiente paso fue cambiar de Batman y para eso reclutó a George Clooney. En Batman y Robin (1997) los reales protagonistas eran Arnold Schwarzenegger y Uma Thurman. Costó US$125 millones y apenas consiguió US$107.3 millones de dólares. Entonces, los dueños de Ciudad Gótica hicieron lo que debían: cambiaron el director. Fin de la segunda etapa.
El turno fue para Christopher Nolan, uno de los más sobresalientes nuevos directores en Hollywood. Con una visión oscura de sus personajes (¿recuerdan Memento?), Nolan está mucho más cerca de Burton y su perspectiva, que demostró ser la correcta cuando se lleva un cómic al cine.
También trajo consigo un nuevo Batman (Christian Bale), mucho más vulnerable, mucho más rico en matices sicológicos, al que sentimos más cerca que los otros. Un formidable personaje antagonista encarnado por Liam Neeson y resultados más que satisfactorios. Batman comienza (2005) costó US$150 millones y recaudó unos US$205.3 millones de dólares.
El caballero de la noche (primera película de la saga que no incluye la palabra Batman en el título) costó US$185 y ha desbordado todo pronóstico: más de $442 millones de dólares en recaudación, dentro del trío de las más taquilleras de la historia del cine.

Cuenta nueva vez con Bale como el héroe y (ojo que se repite la fómula) Heath Ledger como Guasón y auténtico protagonista del filme. El deceso de Ledger apenas unas semanas antes del estreno mundial, es un lamentable golpe de suerte para los mercadólogos del filme. Los resultados están a la vista de todos.
La etapa Nolan de Batman está llamada a seguir. Si hay un lujo que Hollywood no se permite es matar las gallinas de los huevos de oro.

Tim Burton, creador de atmósferas

A riesgo de que me acusen de llover sobre mojado, quiero hacer una afirmación generalmente aceptada: Tim Burton es, sin duda, el mejor director de atmósfera del cine contemporáneo.
Cuando hablamos de atmósfera, queremos significar el logro de ambientar sus filmes con tal nivel de perfección que se nos olvida que la fílmica es una imitación de la otra realidad.
Los verdaderos artistas siempre crean mundos nuevos.
En efecto, Tim Burton sobresale por la excelencia con la que emplea los decorados, el vestuario, el maquillaje, las luces y todo elemento que contribuya a crear la atmósfera adecuada para los personajes del filme. Esto, independientemente de que se trate de una adaptación de cómic (Batman), una fantasía (Eduardo Manostijeras, Big Fish, Charlie y la fábrica de chocolates), de una novela o musical de terror (Sleepy Hollow, Sweeney Todd).
Lo cierto es que, detrás de cada fotograma se siente la presencia de un autor obsesivo por los detalles que sirven para acentuar el ambiente de sus historias.
Sobra señalar que sus proyectos requieren cuantiosas inversiones y que Tim Burton nada en las profundas aguas del cine de autor y la superproducción de Hollywood.
Burton goza de indudable prestigio en Hollywood, a cuyo stablishment le ha hecho más de un guiño (Ed Wood) y le ha puesto en más de un aprieto (Mars attacks).
Con la crítica de cine también su relación ha sido de amor y odio: algunos lo adoran por creaciones como Big Fish, casi todos lo detestan por fiascos como El planeta de los simios.
Pero nadie le rebate su talento sobrenatural para crear atmósferas. Y eso se agradece con la sonrisa del niño que llevamos dentro y que sale a divertirse cada vez que, en la penumbra de la sala de cine, las imágenes en movimiento convocan nuestros mejores sueños.

¿Hundirá Batman a Titanic?

Con sus US$43.8 millones recaudados el pasado fin de semana, El caballero de la noche (que es como se titula The Dark Knight en Dominicana) continuó en el primer lugar de las taquillas en USA, por tercera semana consecutiva.
Un total de US$394.9 conseguidos en sólo 17 días le ponen en la ruta de alcanzar los US$400 millones este mismo lunes.
Lo voy a repetir: alcanzaría los US$400 millones en 18 días. Sí, imaginaron bien: un nuevo récord para El caballero de la noche. En el momento en que redacto esta líneas, la marca está en manos de Shrek 2 que logró ese total en 43 días.
Dicen los especialistas que El caballero de la noche ha redefinido la noción de superproducción. No lo discuto.
De lo que se trata ahora es de seguir la trayectoria para ver si logra el récord de recaudación en toda la historia del cine que, como sabrán, lo tiene Titanic con sus US$600 millones.
En esta misma fecha, El caballero de la noche se convertirá en la octava película que forma parte del “Club de los 400”, formado por los siguientes títulos: El hombre araña ($403), Piratas del Caribe 2 ($423), La amenaza fantasma ($431.1), E. T. ($434.9), Shrek 2 ($436.5), Guerra de las Galaxias ($461) y Titanic ($600).
Es posible que Batman no hunda a Titanic, pero seguro que se lleva de encuentro un araña, un pirata, un galáctico, así como un extraterrestre y un ogro, ambos verdes. Imagino que de la envidia.

Taquillas: Batman versus el Hombre Araña

No, no se trata de ninguna película mexicana de lucha libre.
Lo que pasa es que las expectativas se han cumplido: The Dark Knight ha pulverizado todos los récords de taquillas en Estados Unidos el pasado fin de semana. Los números no mienten: $155 millones de dólares para el estreno más esperado del verano, la convierten en el mejor debut en la historia del cine.
De paso, destronó a El hombre araña 3, filme que consiguió $151.1 en mayo del pasado año. Recordemos que entre los mejores debuts de la historia también están: Piratas del Caribe 2 ($135.6) y Shrek 3 ($122).
Pero The Dark Knight también estableció una nueva marca para un viernes de estreno: $66.40 millones de dólares contra los $59.8 recaudados por el Hombre Araña 3.
Otro récord fue el de las funciones de medianoche. Explico: The Dark Knight se comenzó a exhibir a las 12:01 de la medianoche del viernes (para insomnes, noctámbulos y fanáticos histéricos que no se pueden esperar a las funciones de día) y las boletas para estas funciones de madrugada se agotaron hace mucho tiempo. Se vendieron boletos por $18.5 millones de dólares. Para variar, el récord anterior estaba en poder de Guerra de las Galaxias: la venganza del Sith con unos $16.9 millones.
Otro récord para tomar en cuenta es el de los cines Imax. En estas 94 pantallas exclusivas, The Dark Knight consiguió $6.2 contra los $4.7 del Hombre Araña 3.
Muchos quieren aplicar una teoría económica para desmeritar el éxito de esta nueva Batman. Señalan que el precio promedio de un boleto hoy día es de $7.08 dólares (se vendieron 21.94 millones), mientras que cuando el Hombre Araña implantó su récord el precio promedio era de $6.88 y vendió unos 21.96 millones de entradas.
Pero no hay argumentos que valgan: Batman es el nuevo campeón de las taquillas.
Entre las claves para ese éxito hay que citar la muerte de Heath Leger y el morbo que genera en el público verlo personificar al Guasón, uno de los archi-rivales de nuestro héroe que ya encarnó Jack Nicholson. El papel se asume como muy traumático para cualquier actor, como peligroso para su psiquis. Ya se habla hasta de Oscar póstumo para Leger.
Del director de The Dark Knight, Christopher Nolan, hay que señalar que ha mostrado su extraordinario talento en filmes como Following y Memento. Con este exitazo, asumo que lo perdimos a los fines de hacer filmes de bajo presupuesto y calidad indiscutible. A propósito: The Dark Knight sólo costó $185 millones de dólares.
Finalmente, un dato para medir la fiebre que este filme ha creado: en la era de lo fast, los tickets se vendieron a una velocidad de 15 por segundo.

Kung Fu Panda, lo nuevo de Dreamworks

Hasta hace unos años, Disney era un monopolio en el mercado de cine de animación. El logo de Disney (recientemente remozado) implica de forma automática para muchos padres un sello de garantía de que el contenido de un filme es apropiado para toda la familia.
Disney nuevamente impuso el dibujo animado (ahora diseñado en computadoras) como un aliado natural para conquistar un importante segmento del mercado cinematográfico de verano.
Efectivamente, con La sirenita (1989) consiguieron 109 millones de dólares en taquilla y despertaron la envidia ajena. El colmo del éxito fue La bella y la bestia (1991), la primera película de animación en recibir un Globo de Oro como Mejor Película y ser nominada al Oscar compitiendo con películas de acción real (perdió de El silencio de los inocentes).
Ya era demasiado. La 20th Century Fox lo intentó en 1997 con Anastasia, pero desistieron ante los pobres resultados. Eso mismo año, Steven Spielberg, David Geffen y (mucha atención, el ex-jefe de Disney) Jeffrey Katzenberg fundaron la productora Dreamworks.
Apenas un año después presentaron credenciales con: Hormigas y El Príncipe de Egipto. El resto es historia: Shrek, Madagascar y Bee Movie, incluídas.
Ahora nos llega Kung Fu Panda y hay que señalar de entrada que se trata de uno de los filmes más agradables del año.
Ese tono burlón con relación al mundo místico de las artes marciales la convierte en una película que disfrutan los niños por sus fabulosas secuencias de acción y sus muchos gags, y sus padres también, acaso sobrevivientes de la época dorada de Bruce Lee.
No hay ideas rebuscadas, sólo se trata de pasar un buen rato. Y dejar bien clarito un mensaje: cuando se quiere, se puede.
Como el nombre la compañía productora: los sueños funcionan. Es cuestión de definir objetivos, afinar talento y ponerle empeño.

Wall-E, lo nuevo de Disney-Pixar

Wall-E es el mejor homenaje que Hollywood puede hacerle, en su cuadragésimo aniversario, a 2001: Odisea del espacio, la joya de Stanley Kubrick, notas de El Danubio azul incluídas. En efecto, parte de la acción transcurre a bordo de una nave espacial, en el futuro lejano (año 2700), con una computadora inteligente que se rebela peligrosamente contra sus programadores.
La nave está poblada (nunca mejor descriptivo este verbo) por terrícolas obesos, producto de la automatización de todo y el embrutecimiento colectivo vía la televisión y los patrones de consumo impuestos: todos están empotrados en su sillón, con una pantalla plana como horizonte y fast food al alcance de la mano. Nadie se toca, nadie se preocupa por los demás, se perdió la conciencia de lo colectivo.
Kubrick, profeta y visionario, hace unos 40 años ya mostraba esos puntos como motivos de reflexión.
Pero, aunque no fuera un velado homenaje, Wall-E tiene sus propios méritos. Ya no basta elogiar los indudables logros en el terreno de la animación por computadoras, ahora estamos ante verdaderos retos narrativos: los dos robots apenan emiten algunas palabras más allá de sus nombres y casi todo vuelve a ser visual sin dejar de ser gracioso. El contenido formal del filme (mensaje incluído) convence sin mayores tropiezos, las imágenes de un planeta lleno de basura nos apenan y nos hacen pensar en la responsabilidad de cambiar presente y futuro.
Uno de los mejores momentos de Wall-E es el vídeo clip de La vie in rose, interpretada por Louis Armstrong. Recuerden que, al menos en teoría, es una película para niños y es probable que los adultos la disfrutemos tanto o más que los pequeños.
Para los que llevan anotaciones, debutó en el primer lugar de las taquillas en USA con la nada despreciable suma de US$62.5 millones. Por si fuera poco, Wall-E es el primer filme con fuerza suficiente como para que se comience a hablar de nominación al Premio de la Academia.
Atención, la nave en Wall-E se llama Axioma. Para los interesados, recuerdo que “axioma” es una verdad filosófica que no necesita demostración. ¿Quieres un ejemplo? Cuando hablamos de cuidar el medioambiente, en realidad hablamos de que se mantengan las condiciones que garanticen nuestra presencia en el planeta. En realidad, el planeta puede existir sin nosotros.

Marion Cotillard es Edith Piaf en La vida en rosa

Hasta hace unos meses, Marion Cotillard era una francesita de belleza frágil que le caía en gracia a Russell Crowe en Un buen año.
Pero la suerte tocó a su puerta en forma de Edith Piaf, un personaje que, como el amor, sólo se presenta una vez en la carrera de una actriz. Y parece como si Cotillard se preparó toda su vida para encarnarla.
Ella ha ganado un verdadero alud de premios, 19 para ser exactos, incluidos el Oscar, el Cesar, el Globo de Oro, el Bafta y el Lumiére.
No acostumbro a argumentar de esta manera, pero tanta gente no puede estar equivocada: estamos frente a una actuación memorable, una actuación que traspasa los límites de una simple representación.
Primero está el reto de representar a Piaf, un venerado símbolo francés, porque no se trata de otra biografía de otra famosa más, sino de la mejor vocalista de su época, quien cantaba y encantaba las audiencias con su maravillosa voz, sin que importara el idioma de las canciones. En la propia película, otra auténtica diva, Marlene Dietrich la define sin desperdicios: “Su voz es como el alma de París”.
Segundo, el formidable trabajo de meterse en la piel de Piaf, con el lamentable deterioro físico que sufrió (sabemos que el maquillaje ayuda) y sacar partida dramática a tanto abandono, soledad, incomprensión y cualquier otro obstáculo que sufrió “El Gorrión”. Cotillard hace galas de un arsenal de gestos corporales, inflexiones de voz, etc. que realmente resultan convincentes y, para eso (también lo sabemos), no hay maquillaje que valga.
La formidable recepción que el público francés brindó al filme dirigido por Olivier Dahan es su mejor carta de recomendación.
No creo que sea, dentro del biopic, una obra excepcional, sin embargo deseo rescatar de su dirección estrictamente adecuada, las dos licencias reales-maravillosas que se toma: Santa Teresa y Marcel Cerdan.
El resto es la voz de Edith Piaf y contra su embrujo no hay amuleto que valga.

Spielberg, Lucas y Ford igual a Indiana Jones.

Hace 21 años, en mayo de 1977, Steven Spielberg y su compadre George Lucas se retiraron a descansar a Hawai y esperar el resultado de las taquillas del fin de semana, con los mismos nervios de quien espera el primer boletín de la Junta Central Electoral.
Lucas finalmente estrenaba Guerra de las galaxias en poco más de 40 salas, cedidas a regañadientes por sus dueños quienes pensaban que los filmes de ciencia ficción eran cosa del pasado.

Pero ya conocen al caprichoso destino: Star Wars debutó con una recaudación de $1.5 millones y se convirtió en un fenómeno social en todo el mundo. Para noviembre de ese año, había destronado a Tiburón (de Spielberg) como la película más taquillera en la historia del cine.
Ellos entonces no lo sabían, pero habrían de convertirse en los arquitectos de eso que ahora llamamos “verano cinematográfico”. En esas vacaciones, Lucas le comentó a Spielberg sobre una idea que tenía para una película: un arqueólogo que enfrenta tremendos peligros para salvar al mundo, algo así como un héroe de carne y hueso, típico del cine de aventuras.
Así nació Indiana Jones. Ellos entonces no lo sabían, pero estaban pariendo el mayor mito cinematográfico de los 80.
Los cazadores del Arca perdida (1981) consiguió $384 de dólares en las taquillas. Le siguió Indiana Jones y el templo de la maldición (1984) con $333 millones de los verdes. La trilogía se completó en 1989 con Indiana Jones y la última cruzada que reportó $494 millones en la taquilla de USA.
19 años después, los compadres decidieron desempolvar el látigo y el sombrero de Indiana y sometieron a Harrison Ford (66 años) a los avatares propios del héroe. Todo con la finalidad de que la screen generation conozca un héroe como los de antes. Y pague por verlo.
Para ello, también desempolvaron a Karen Allen, heroína del primer filme (Jones, como su predecesor James Bond, estrena una distinta en cada aventura), han acudido al guionista David Koepp y al fotógrafo Janusz Kaminski, todos reincidentes en eso de trabajar para Spielberg.
Lo de irse a Hawai a esperar los resultados de las taquillas se ha convertido en una costumbre de Lucas y Spielberg cada vez que estrenan un filme.
Imagino que ya saben que Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal con sus $150 millones, se ha convertido en el segundo mejor debut en el fin de semana del Memorial Day.
¿Tendremos más Indiana Jones? Recuerden que las trilogías son la especialidad de George Lucas.

Tim Burton y Johnny Depp igual a Sweeney Todd.

Soy de los que creen que Tim Burton es el mejor director de atmósferas del cine contemporáneo. (Para los más escépticos les remito al León de oro que le otorgaron en Venecia el pasado año.)
¿Qué se quiere decir con esto? Nadie como Tim Burton se vale de los recursos artísticos del cine (y del teatro) para re-crear sus historias con escenarios surreales, inverosímiles, o lo que haga falta. Hablo de vestuario, maquillaje y escenografías pero también de la perspectiva con la que aborda las historias de sus filmes. En ese sentido, lo repito: Tim Burton es el mejor.
Sweeney Todd es el musical de terror, producto de una adaptación de Stephen Sondheim, brillante compositor norteamericano que puede ufanarse de tener un Oscar, un Tony, un Emmy, un Grammy y un Pulitzer. La adaptación la hizo de la obra de teatro del británico Christopher Bond.
Un thriller musical con ambientes oscuros y atmósfera sombría parece la descripción del proyecto perfecto para Tim Burton. Les recuerdo algunos de sus títulos: Big Fish, Batman y Beetle Juice.
En efecto, Sweeney Todd le permite invertir toda la inventiva que le caracteriza en este proyecto en el que dirige, por sexta vez, a su actor-fetiche Johnny Depp, uno de los mejores talentos de su generación.
La fructífera relación comenzó en 1990 con El joven Manos de tijeras. Ha seguido con Ed Wood (1994, en homenaje a unos de los peores directores que ha tenido el cine), Sleepy Hollow (1999), Charlie y la factoría de chocolate (2005) y la fabulosa cinta de animación La novia cadáver (2005). Es decir, de vez en cuando Tim Burton le presta Depp a la Disney para que trabaje en la saga de Piratas del Caribe.
También Helena Bonham Carter, la compañera en la vida real de Burton aparece en sus películas, pero eso, creánme, es material para otra crónica.
Burton ha logrado que ambos canten la banda sonora y los resultados son aceptables. Porque lo básico de esta película es la formidable dirección artística (Oscar para Dante Ferretti y Francesca Lo Schiavo), la puesta en escena, la atmósfera lograda por la mente de Tim Burton.

El verano cinematográfico 2008 en USA.

Desde el próximo viernes 2 de mayo, entraremos en el verano cinematográfico de Estados Unidos.
He aquí el listado de los principales estrenos de la temporada:
Mayo 2: Iron Man de Jon Favreau, protagonizada por Robert Downey Jr.
Mayo 9: Meteoro de Andy y Larry Wachowski, protagonizada por Emile Hirsch.
Mayo 16: Las crónicas de Narnia: El Príncipe Caspian de Andrew Adamson.
Mayo 22: Indiana Jones y el Reino de la calavera de cristal de Steven Spielberg, protagonizada por Harrison Ford.
Mayo 30: Sex and the city de Michael Patrick King, protagonizada por Sarah Jessica Parker (y el resto del elenco).
Junio 6: Kung Fu Panda de Mark Osborne y John Stevenson.
Junio 13: El increíble Hulk de Louis Leterrier, protagonizada por Edward Norton.
Junio 20: El Super Agente 86 de Peter Segal, protagonizada por Steve Carrell.
Junio 27: Wall-E de Andrew Stanton.
Julio 4: Hancock de Peter Berg, protagonizada por Will Smith y Charlize Theron.
Julio 11: Hellboy II de Guillermo del Toro, protagonizada por Ron Perlman.
Julio 18: The Dark Knight de Christopher Nolan, protagonizada por Heath Ledger y Christian Bale.
Julio 25: X Files: la secuela de Chris Carter, protagonizada por David Duchovny.
Agosto 1: La momia 3: la tumba del Emperador de Rob Cohen.
Agosto 8: Pineapple Express de David Gordon Green, protagonizada por Seth Rogen.
Agosto 15: Tropic Thunder dirigida y protagonizada por Ben Stiller.
Agosto 22: Bangkok Dangerous de Oxide y Danny Pang, protagonizada por Nicolas Cage.
Agosto 29: Babilonia A.D. de Mathieu Kassovitz, protagonizada por Vin Diesel.
Septiembre 5: Passengers de Rodrigo García, protagonizada por Anne Hattaway
Septiembre 12: Righteous Hill de Jon Avnet, protagonizada por Robert DeNiro y Al Pacino.
Septiembre 19: Lakeview Terrace de Neil LaBute, protagonizada por Samuel L. Jackson.
Septiembre 26: Eagle Eye de D. J. Caruso, protagonizada por Shia LaBeouf

Sin lugar para los débiles, lo nuevo de los Coen.

Como creo conocer el perfil de mis lectores habituales, anuncio que me voy a tomar una licencia de lenguaje popular: los hermanos Coen son pura greña cinematográfica. Me encanta que, en sus películas, exigen que el público se la pase dando cráneo (segunda licencia) durante toda la proyección, jugando a las posibilidades de sus historias.
Lo primero que me interesa destacar es la participación de Javier Bardem. Ese desalmado asesino a sueldo (con el peinado más ridículo de la última década) que siembra una estela de muertos a su paso, definido sólo porque “no tiene sentido del humor” es, simplemente, un personaje inolvidable y un trabajo de creación extraordinario.
Lo segundo es el pulso de directores consumados que nos mantiene involucrados con la película hasta el último plano. Esa manía por el detalle explotado más allá de lo normal, verbigracia, la envoltura que se desarruga, como abriendo lentamente sus alas, mientras otra vida depende del llamado a cara o cruz de una moneda.
Uno de los grandes aciertos de la película es esa estructura de persecución gato-ratón. Un hombre simple que se encuentra con un maletín lleno de dinero y un desalmado que le pisa los talones a cada paso. Entre ellos, un sheriff envejeciente que no se explica la nuevas formas del delito, que ha visto reducida a cero la autoridad que representa (añora los tiempos en que se andaba desarmado), que sabe perdida su batalla para imponer el orden. Puede, incluso, tener una lectura contemporánea para los dominicanos.
Todo enmarcado por el desértico paisaje del sur de estados Unidos, donde nada florece y desapareció la esperanza de algo mejor.
Otra posible lectura: Hollywood no es lugar para los viejos. Para nuestra suerte, están los hermanos Coen, quienes piensan y luego existen.

Daniel Day-Lewis: un monstruo de la actuación

Cuando Daniel Day-Lewis nació un 29 de abril de 1957, su padre, el poeta Cecil Day Lewis, le dedicó un poema: El recién nacido, en el que se asombra de la fuerza interior del bebé. No sabía que esas palabras se convertirían en el sino inexpugnable de su vástago.
Daniel Day-Lewis es lo que se conoce como un monstruo de la actuación, un Olimpo de elegidos en la que muy pocos se inscriben: Marlon Brando, Robert De Niro, Jack Nicholson, Al Pacino. (Dentro de algunos años se presentarán candidaturas: Edward Norton, Johnny Depp, Christian Bale, sólo para el ámbito masculino norteamericano.)
Imaginen la fuerza descomunal de Day-Lewis cuando actúa que apenas ha participado en poco más de una docena de películas y parecen miles. Parece simple: estos monstruos se consideran actores patológicos: no representan sus personajes, se convierten en ellos con métodos que rayan en la locura.
Debutó en el cine en 1971 en Sunday Bloody Sunday, en el único papel que le hacía justicia: adolescente revoltoso. Pasaron 11 años para que volviera a aparecer en la pantalla. Esta vez le tocó un papelito menor en Gandhi.

El mundo le descubrió realmente en 1985, cuando consiguió brillar con luz propia en Mi hermosa lavandería. El National Board of Review le otorgó el premio al actor de reparto, mientras el Círculo de Críticos de NY lo reconocía por Una habitación con vista.

Esos premios despertaron el monstruo interior, ese demonio que lo atormenta y que sólo puede exorcizar viviendo otras vidas. En 1988, La insoportable levedad del ser (basada, por supuesto, en la obra del Maestro Milan Kundera) le permitió ejercitarse en alcanzar un mayor rango en las posibilidades de sus personajes.
Pero su consagración le llegó con Mi pié izquierdo (1988), papel por el que recibió su primer Premio de la Academia, considerada una de las mejores actuaciones de la historia. Para este papel, vivió en una casa en Dublín con personas con discapacidades, pasó meses junto a los enfermos, aprendió a pintar con un cuchillo y con pinceles con dos dedos de su pie izquierdo. Si creen que la cosa quedó ahí se equivocan: no se levantó de la silla de ruedas nunca durante el rodaje, obligando al equipo a tratarlo como si fuera un real discapacitado. Hasta hubo que alimentarlo.

Luego, cuando hizo El último de los mohicanos (1992), se consagró tanto al papel que ganó casi 30 libras de peso, se fue a vivir al bosque acompañado por un rifle, en casi completo aislamiento, aprendió a pescar, a despellejar animales, a comer su carne, a construir canoas y a disparar en movimiento.

Cuando rodó Las brujas de Salem (1996), el loco genial de Day-Lewis decidió irse a vivir al pueblo que se iba a utilizar como set en Massachusetts, y allí trabajó la tierra y construyó la casa en la que iba a vivir su personaje (para los que llevan notas: era carpintero antes que actor).

En el nombre del padre (1993), le consiguió su segunda nominación al Oscar. Para ese papel como prisionero del conflicto irlandés, perdió casi 40 libras, comió las mismas raciones que los presos, pasó dos noches sin comer ni beber en la celda de las locaciones, vivió dentro y con la agonía de los prisioneros reales.
Luego, en El boxeador (1997) se convirtió en un púgil de verdad, que boxeaba con tanto ímpetu como cualquiera en su división y acabó con la nariz rota y una hernia.
Se tomó un receso hasta 2002. En ese año, hizo Pandillas de Nueva York, en la que de nuevo impresionó con su nueva voz, con su nueva postura, con su nuevo rostro y un papel memorable que le valió su tercera nominación al Premio de la Academia y para el cual aprendió el oficio de carnicero y el arte de lanzar cuchillos.

Ahora usted puede disfrutarlo en Petróleo sangriento, papel por el que ha conseguido su segundo Premio de la Academia. En el proceso de preparación decidió vivir como los buscadores de petróleo de inicios del Siglo XX y luego trabajar un personaje que va transformándose hasta convertirse en la representación de la ambición, la soledad y la locura. Otra vez, Day-Lewis creó nuevos registros para su voz y su aspecto físico.

En la vida real, Daniel Day-Lewis luce aretes en ambas orejas, habla con un acento culto y tiene tatuados los nombres y las manos de sus tres hijos. Y algunos sospechan que está actuando.