Revisen sus agendas: vuelve el Festival de Cine Global Dominicano

II Festival de Cine Global Dominicano 2008

Del 19 al 23 de noviembre

En Santiago: Auditorio del Cursa-Uasd

Ceguera (Fernando Meirelles, Brasil)
14 kilómetros (Gerardo Olivares, España)
Descubriendo el amor (Sarah Gavron, UK)
Captain Abu Raed (Amin Matalqa, Jordania)
Caramel (Nadine Labaki, Líbano)
Fados (Carlos Saura, España)
La visita de la banda (Eran Kolirin, Israel)
Persépolis (Marjane Satrapi & Vincent Paronnaud, Francia)
Tropa de élite (José Padilha, Brasil)
Cochochi (Laura Amelia Guzmán e Israel Cárdenas, México)
El baño del Papa (César Charlone & Enrique Fernández, Uruguay)
Buda explotó por vergüenza (Hana Makhmalbaf, Irán)
El camino (Ishtar Yasin, Costa Rica)
El viaje de Teo (Walter Doehner, México)
Iron Road (David Wu, China)
La zona (Rodrigo Plá, México)
Reza para que el diablo regrese al infierno (Gini Reticker, USA)
Río helado (Courtnet Hunt, USA)
Efecto Dominó (Philippe Caland, USA)
El traficante de sueños (Alex Rivera, México)
Sugar (Anna Boden & Ryan Fleck)
The Wave (Dennis Gansel)

La Muestra de Cine es un estado del alma

Si creen que he ganado una colección de momentos inolvidables, imaginan bien. Es inevitable cuando compartes con cinéfilas personalidades como los convocados por la Muestra de Cine, la nuestra.

Las personalidades.

Desde aquellos desayunos dialécticos con Tamara Morales (¡Disciplina, compañera!), parte del Jurado de Opera Prima, al igual que Amaury Pérez (el caballero siempre-dispuesto a extender la medianoche) hasta las jugosas conversaciones de Cine y Vida con Jeanine Meerapfel, otra argentina seducida por el plátano.
Desde el impresionante abrazo de Víktor Grodecki, un oso polaco que impuso su fórmula de “Buen cine, buen vino”, hasta el tigueraje a flor de piel de Vincenzo (siciliano) y Alvaro Rodríguez (colombiano), rendidos ante el poder de la Presidente. Por suerte para el evento, no coincidieron en tiempo y espacio.

Los 4 Fantásticos.

Este es el único país del mundo en el que cuatro personas organizan un festival de cine de esa magnitud. Se necesita mucho coraje, mucha voluntad, mucha paciencia y algo de solidaridad para quedar casi cuerdos del intento.
Arturo Rodríguez Fernández, Lidia Bastos, Luis Jiménez y el incansable Héctor Moreta se entregan por entero a la Muestra con una vocación que despierta admiración. No se preocupen señores, hoy mismo les envío un frasco de vitaminas.

Los Premios.

Ah, por supuesto, hubo premios, la culminación lógica de todo festival de cine.
La película alemana Hanami (2007, Doris Dörrie) se llevó tres Ciguapas de Oro: Mejor Película y Mejor Actor (Elmar Wepper). Ojo: también ganó el Premio del Público, o sea, gustó a doble banda.
El premio a Mejor Actriz fue compartido por Monica Bleitren y Ana Herzsprung, protagonistas del soberbio drama 4 minutos (2007, Chris Kraus). Este filme también ganó el premio a la Mejor Música.
Luz silenciosa, la enigmática película del mexicano Carlos Reygadas, se llevó los galardones de Mejor Director y Mejor Fotografía.
El director de Terapias alternativas, Rodolfo Durán, recogió humilde y sorprendido, la Ciguapa al Mejor Guión, “el primer premio que gano en mi vida”.
El Jurado de Opera Prima, de forma unánime, se decantó por la magia y la tragedia que encierra el filme colombiano Perro come perro (2007, Carlos Moreno). Buena suerte en la feroz competencia del Oscar.

La frase.

Luis Jiménez aportó la frase devastadora para las discusiones que, naturalmente, generan las mejores tentaciones: “Eso es lo que te llevas cuando te mueras”.

Secretario de Cultura Pide Aprueben Ley de Cine y del Libro

El Secretario de Estado de Cultura pidió a la Cámara de Diputados que apruebe cuanto antes la Ley de Cine y la Ley del Libro, proyectos pendientes de aprobación desde hace dos años.

El licenciado José Rafael Lantigua dijo que ya el Senado aprobó ambos proyectos de ley, y que sólo se aguarda ahora por la aprobación de la Cámara de Diputados.

Lantigua consideró ambos proyectos de ley como "fundamentales para el desarrollo de la industria del cine y para el fomento del libro y la lectura en la República Dominicana ".

Indicó que de la Ley de Cine depende la incursión de destacados inversionistas extranjeros para el desarrollo de la industria en el país, así como el fortalecimiento del cine de producción local y la apertura de salas de cine en todo el territorio nacional.

Señaló que esta ley "será el gran empujón que necesitamos para que la industria del cine sea una auspiciosa realidad en nuestro país".

Lantigua recordó que, a principio de esta semana, el Presidente Leonel Fernández se reunió en Nueva York con un grupo de importantes productores cinematográficos de Estados Unidos, que están interesados en invertir en estudios de cine en el país, pero que exigen un instrumento legal, como la Ley de Cine, para realizar su inversión.

Igualmente, mencionó a los productores de la película sobre la vida de Ernest Hemingway que se ha planificado filmar en diversas locaciones del país, por un monto superior a los 60 millones de dólares.

Señaló a este respecto el ministro de Cultura que "debemos evitar que grandes producciones cinematográficas se nos vayan a otros países que tienen leyes de Cine y que ofrecen garantías especiales para realizar las mismas", por lo que instó a los legisladores a aprobar el proyecto de ley citado, "a fin de que podamos poseer la herramienta jurídica que nos hace falta para consolidar la industria de cine en el país".

Vuelve la Muestra de Cine, los días de disfrutar Séptimo Arte.

Ya son 10 Ediciones de esta cita anual con el mejor cine del mundo y para celebrarlo, la Muestra Internacional de Cine de Santo Domingo vuelve con su oferta de buen Séptimo Arte y muy en especial de Alemania, país al que le está dedicado el evento.
En estos diez años, la Muestra de Cine ha sido una opción inteligente de Arte y diversión, convirtiéndose en cita obligada de los cinéfilos que la esperan ansiosamente para alejarse durante un par de semanas del cine convencional y comercial de Hollywood.
Del 2 al 11 de octubre, en tres salas del Palacio del Cine de Bella Vista Mall y en tres tandas diarias se presentarán, además de las películas alemanas, filmes provenientes de países como España, Francia, Argentina, Brasil, Chile, Venezuela, Bolivia, Dinamarca, México, Uruguay, Cuba Ecuador, Colombia y Suecia.
Como cada año, se cuenta con el apoyo oficial de la Secretaría de Estado de Cultura, de las Embajadas acreditadas en el país y de una serie de empresas creyentes en la necesidad de difundir la Educación y la Cultura.
Algunas de estas películas vendrán acompañadas de sus actores, productores o directores que estarán en contacto directo con el público durante las presentaciones estableciendo diálogos y narrando sus experiencias delante o detrás de las cámaras.

Alemania, país invitado.

La selección alemana de este año no puede ser mejor.
Como film de apertura se ha escogido a Hanami (Kirschblüten), drama romántico de la prestigiosa realizadora Doris Dörrie que complacerá al público y a la crítica.
Las otras películas alemanas en el evento serán: Al otro lado, Cuatro minutos, Decisiones de ultratumba, Después vienen los turistas, No toquen a Missisipi y, en una presentación especial, el clásico El ángel azul, que convirtió a Marlene Dietrich en una estrella internacional.

Invitados internacionales.

Carlos Bosch, director de Septiembres
Rodolfo Durán, director de Terapias alternativas
Candela Figueiras, directora de Nevando voy
Maitena Muruzabal, directora de Nevando voy
Jorge Cámara, Presidente Asociación Prensa Extranjera de Hollywodd.
Rafael Lara, director de La milagrosa
Marcela Osorio, actriz de Fiesta Patria
Carlos Moreno, director de Perro come perro
Greysi Mena, actriz de Postales de Leningrado
Pedro Aguilera, director de La influencia

Filmes de la Sección Oficial:

- Al otro lado (Auf der anderen seite), Alemania
- Los Andes no creen en Dios, Bolivia
- Cuatro minutos (Vier minuten), Alemania
- Daysi Diamond, Dinamarca
- Fiesta patria, Chile
- La France, Francia
- Hanami, Alemania
- Luz silenciosa, México
- Matar a todos, Chile
- La noche de los inocentes, Cuba
- No se los digas a nadie (Ne le dis a personne), Francia
- La soledad, España
- Terapias alternativas, Argentina

Jurado de la Sección Oficial:

Jeanine Meerapfel, realizadora de procedencia argentina, afincada en Alemania.
Wiktor Grodecki, sonidista, editor y director polaco.
Efraim Castillo, escritor, publicista y crítico de arte dominicano.
Elvira Taveras, actriz y directora teatral dominicana.
Lydia Ariza, actriz dominicana.

Filmes de la Sección Opera Prima:

- El arte de llorar (The Art of Crying), Dinamarca
- La clase, Venezuela
- Cuando me toque a mí, Ecuador
- Darling, Suecia
- Decisiones de ultratumba (Wer früher stirbt ist länger tot), Alemania
- La influencia, España
- Ladrones, España
- Nevando voy, España
- Ñao por acaso (Not by chance), Brasil
- Partes usadas, México
- Perro come perro, Colombia
- Postales de Leningrado, Venezuela
- Satanás, Colombia
- XXY, Argentina

El jurado de Opera Prima:

Luis Rafael González, director de la Cinemateca Nacional.
Alan Nadal, director de la película El manuscrito.
José D’Laura, crítico de cine de Santiago.
Tamara Morales, actriz y directora cubana.
Amaurys Pérez, actor de teatro y director de cortometrajes.

Filmes de la Sección Informativa:

- Barcelona, un mapa, España
- La cambiadora de páginas (La tourneuse de pages), Francia
- Después vienen los turistas (Am ende kommen touristen), Alemania
- Familia tortuga, México
- Lokas, Chile
- Mi mejor amigo (Mon meilleur ami), Francia
- No toquen a Mississipi (Hände weg von Mississipi), Alemania
- Sin remordimiento (Sans etat d’ame), Francia

Actividades paralelas.

Durante la celebración de la Muestra Internacional de Cine de Santo Domingo se impartirán en las instalaciones del Centro Cultural de España-AECID de Santo Domingo y en la Cinemateca Dominicana las siguientes actividades de formación:
- Taller de Guión Documental, impartido por el español Carlos Bosch, director de Balseros (2002), Septiembres (2007).
- Clase magistral, impartida por la directora argentina Candela Figueiras (Nevando Voy, 2007) y la directora española Maitena Muruzabal (Nevando Voy, 2007).
- Clase magistral impartida por el director español Carlos Bosch.
- Taller de realización cinematográfica, impartido por la argentina Jeanine Meerapfel, directora de Malou (1981) y El verano de Ana (2001).

¿Hace falta que les pida que revisen sus agendas?

Las campeonas del Verano USA 2008

Con la llegada del Labor Day (Estados Unidos es uno de los pocos países del mundo que no celebra el Día del Trabajo el 1 de mayo) finaliza, al menos en teoría, la temporada de verano cinematográfico en USA: ahora comienzan los estrenos con olor a Oscar.
Es pertinente, entonces, echar un vistazo al listado de las campeonas en recaudación.
En primer lugar, El caballero de la noche, con sus $502.4 se convirtió ayer en la segunda película en la historia del cine que alcanza esa cifra. En la primera posición de todos los tiempos sigue flotando Titanic ($600.8).
En un tiempo en que todos buscamos un super-héroe, a nadie extraña que El hombre de hierro consiguiera sus $317.5, mientras Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal conseguía unos $315.
Poco ortodoxo pero héroe al fin, Hancock y sus $226 millones confirmaron a Will Smith como imán en las taquillas.
La clasificación “Para toda la familia” tuvo su buena tajada con dos títulos bien ubicados: Wall-E con $216 y Kung Fu Panda con $212, ambas maravillas de la animación por computadoras, pero también de mucho ingenio invertido en su realización.
Sexo en la ciudad, excitó a las seguidoras de la serie y recaudó unos $152, respetable suma para un filme que ofreció algo que puede verse gratis cada semana.
Las crónicas de Narnia: el Príncipe Caspian también hizo lo propio con las audiencias de arrastre que ya ha leído los libros de Clive Staples Lewis, escritor al que sólo conocemos por sus iniciales.
El increíble Hulk consiguió unos $134.3 millones, sólo un poco más que Se busca, que con sus $134, está aún en cartelera y puede sumar un par de millones más a su total.
El musical Mamma Mía, para sorpresa de muchos, alcanzó $131 millones, un desempeño por encima de sus expectativas, al igual que la comedia El Super Agente 86, que consiguió $128 millones.
Rondando todavía está No te metas con Zohan que tiene unos $99.6 alcanzados en recaudación.
Sin duda el mayor fracaso de la temporada fue Meteoro, el nuevo invento de los hermanos Wachowski, que costó $120 millones de los verdes y apenas recaudó $43.9 millones.
Para los que llevan anotaciones, ya hay varios títulos en progreso para el verano 2009: Star Trek, Wolverine, así como secuelas de Harry Potter, Transformers y Código Da Vinci. Un menú con más de lo mismo.

La vida escénica de Angel Haché

En una época en la que no abundan modelos a seguir, Angel Haché es un ejemplo de integridad artística. Tanto, que se ha atrevido a dirigir un documental sobre su vida en el mundo de la actuación, incluyendo más de una crónica que no le es favorable.
La meta no era simple: condensar 50 años de experiencia en el mundo del drama y la comedia en 100 minutos. No es fácil tarea para nadie, tampoco para Angel Haché.
Pero Una vida escénica cuasi virtual, más que un inventario de datos es la aproximación al intrigante mundo de los actores, más allá de las máscaras, de la puesta en escena, del éxito simulado, del maquillaje que se desgasta con las lágrimas y el tiempo.
Además de exponer sus datos biográficos esenciales, Angel Haché se vale de la opinión de sus cómplices de generación, acaso como fiel e irrebatible testimonio de la admiración que genera su sólida formación, la seriedad con la que ejerce su oficio de actor y la honestidad con la reviste su accionar.
Freddy Ginebra, Rafael Villaona, Delta Soto, María Castillo, Elsa Núñez y Augusto Feria, con sus palabras nos describen al ser humano y al artista, en ocasiones tan unidos entre sí que se hace imposible distinguir uno de otro.
Todos coinciden en señalar la profesionalidad con la que Angel Haché sube al escenario: siempre suma a los montajes. Siempre da lo mejor de sí.
Geovanny Cruz, una autoridad en la materia, lo incluye en su listado de los mejores actores del siglo XX en nuestro país.
Sobresalen los segmentos, muy bien escogidos, de varios filmes rodados en España, bajo las órdenes de nombres tan distinguidos como Jaime Chávarri y Patricio Guzmán.
Una vida escénica cuasi virtual, estrenado en Santo Domingo y Santiago, merece todavía una mayor difusión en las escuelas de arte del país, porque así los nuevos talentos del teatro pueden conocer mejor a uno de los grandes de las artes escénicas, Angel Haché.
Creo que este documental pude tomarse como piloto para desarrollar una serie sobre los grandes artistas contemporáneos de Dominicana (entre ellos, Elsa Núñez, compañera de Haché) porque nunca es muy tarde para reconocerlos en su justa dimensión y por los grandes aportes que han hecho a nuestro proyecto de nación.

Ladrones a domicilio, lo nuevo de Angel Muñiz

Cuando me preguntan por mi película dominicana favorita, invariablemente contesto que Nueba Yol. Y lo justifico por lo que esa película de Angel Muñiz significó para el cine dominicano: gracias al masivo apoyo del público, los empresarios descubrieron el potencial de la industria cinematográfica.
A partir de Nueba Yol no es necesario hipotecar la vida o venderle el alma al diablo para conseguir el financiamiento de una película dominicana. Si alguno lo ha hecho, esa es otra historia.
Fue tan exitosa Nueba Yol que, en el mejor estilo de Hollywood, se cocinó una segunda parte (Nueba Yol 3) que arruinó el núcleo argumental que validaba la historia. Pero esa, también, es otra historia.
Lo cierto es que Angel Muñiz se ha consolidado como director con talento y ha demostrado que, cuando se quiere, se puede.
Ladrones a domicilio es una palpable demostración de la madurez alcanzada por las realizaciones que se hacen en nuestro país. Ya no existe ningún tipo de dudas de que los filmes que se producen en Dominicana llenan las expectativas, en términos de realización, del público más exigente. Sus logros técnicos son indudables.
El riesgo de Muñiz en esta ocasión es el cambio de registro: hasta ahora el público le ha brindado respaldo a sus comedias. Ladrones a domicilio disecciona la sociedad que nos ha tocado vivir para mostrarnos algunos de sus más lamentables aspectos: la corrupción, la injusticia, las desigualdades que adornan esta res-pública.
El problema radica en que Ladrones a domicilio inicia con la lectura de varios titulares noticiosos y nos da la impresión de que a todo lo largo del filme nos ofrece sólo titulares, pinceladas de nuestra realidad, sin profundizar en ninguno. Parecería que se ignora que todos estamos conscientes de lo que ocurre.
El problema es que todos sabemos a quiénes refieren muchos de los personajes del filme pero eso no es suficiente como denuncia y que mejor golpe de efecto se lograría con otros elementos que permitan una lectura entrelíneas.
Una observación extra-cinematográfica: creo firmemente que se debe reflexionar sobre el hecho de que una película, una vez realizada, es un producto al que hay que buscarle su mercado y asegurarle sus consumidores. Los productores deben permitir a los mercadólogos resolver el problema.
En el caso específico de Ladrones a domicilio, su afiche contiene un mensaje muy evidente, pero no sirve a los propósitos de vender o promover la película. Si se cuenta con un elenco conocido por el público: Manolo Ozuna, Johanny Sosa y Miguel Angel Martínez, esos familiares rostros debieron figurar como elementos centrales en el afiche.
Eso se llama Star System y Angel Muñiz lo sabe muy bien.
De cualquier manera, Ladrones a domicilio merece el respaldo del público en el entendido de que es un paso de avance en el proceso que vive el cine dominicano.

Batman: tres etapas para un mismo súper héroe

Cuando reflexiono sobre el actual fenómeno de Batman, me alegra el hecho de que en dos de las tres etapas que ha atravesado la saga estén involucrados auténticos directores de cine.
Efectivamente, nuestro enmascarado comenzó de la mano de Tim Burton, de quien pienso que es un genio de la ambientación. Batman (1989) contaba con Michael Keaton como el héroe (que no el protagonista) y Jack Nicholson como el malvado Guasón. Costó unos US$35 millones (que no incluyeron el salario de Nicholson) y recaudó US$251 millones de dólares.
Con semejante éxito, Burton y Keaton fueron contratados para Batman retorna (1992) que co-estelarizaban Danny DeVito y Michelle Pfeifer. Costó US$80 millones y consiguió unos US$162.7 millones. Fin de la primera etapa.
Entró a escena Joel Schumacher, buen hacedor de películas, nunca me ha parecido un autor de cine. Trajo consigo otro Batman (Val Kilmer) y dos villanos en desgracia (Tommy Lee Jones como Dos Caras y Jim Carrey como Acertijo). Donde Burton dejaba oscuridad, Schumacher sembró bombillitas de colores. Le dio relativos buenos resultados: Batman forever (1995) costó US$100 millones y recaudó US$183.9 millones de dólares.
El siguiente paso fue cambiar de Batman y para eso reclutó a George Clooney. En Batman y Robin (1997) los reales protagonistas eran Arnold Schwarzenegger y Uma Thurman. Costó US$125 millones y apenas consiguió US$107.3 millones de dólares. Entonces, los dueños de Ciudad Gótica hicieron lo que debían: cambiaron el director. Fin de la segunda etapa.
El turno fue para Christopher Nolan, uno de los más sobresalientes nuevos directores en Hollywood. Con una visión oscura de sus personajes (¿recuerdan Memento?), Nolan está mucho más cerca de Burton y su perspectiva, que demostró ser la correcta cuando se lleva un cómic al cine.
También trajo consigo un nuevo Batman (Christian Bale), mucho más vulnerable, mucho más rico en matices sicológicos, al que sentimos más cerca que los otros. Un formidable personaje antagonista encarnado por Liam Neeson y resultados más que satisfactorios. Batman comienza (2005) costó US$150 millones y recaudó unos US$205.3 millones de dólares.
El caballero de la noche (primera película de la saga que no incluye la palabra Batman en el título) costó US$185 y ha desbordado todo pronóstico: más de $442 millones de dólares en recaudación, dentro del trío de las más taquilleras de la historia del cine.

Cuenta nueva vez con Bale como el héroe y (ojo que se repite la fómula) Heath Ledger como Guasón y auténtico protagonista del filme. El deceso de Ledger apenas unas semanas antes del estreno mundial, es un lamentable golpe de suerte para los mercadólogos del filme. Los resultados están a la vista de todos.
La etapa Nolan de Batman está llamada a seguir. Si hay un lujo que Hollywood no se permite es matar las gallinas de los huevos de oro.

Tim Burton, creador de atmósferas

A riesgo de que me acusen de llover sobre mojado, quiero hacer una afirmación generalmente aceptada: Tim Burton es, sin duda, el mejor director de atmósfera del cine contemporáneo.
Cuando hablamos de atmósfera, queremos significar el logro de ambientar sus filmes con tal nivel de perfección que se nos olvida que la fílmica es una imitación de la otra realidad.
Los verdaderos artistas siempre crean mundos nuevos.
En efecto, Tim Burton sobresale por la excelencia con la que emplea los decorados, el vestuario, el maquillaje, las luces y todo elemento que contribuya a crear la atmósfera adecuada para los personajes del filme. Esto, independientemente de que se trate de una adaptación de cómic (Batman), una fantasía (Eduardo Manostijeras, Big Fish, Charlie y la fábrica de chocolates), de una novela o musical de terror (Sleepy Hollow, Sweeney Todd).
Lo cierto es que, detrás de cada fotograma se siente la presencia de un autor obsesivo por los detalles que sirven para acentuar el ambiente de sus historias.
Sobra señalar que sus proyectos requieren cuantiosas inversiones y que Tim Burton nada en las profundas aguas del cine de autor y la superproducción de Hollywood.
Burton goza de indudable prestigio en Hollywood, a cuyo stablishment le ha hecho más de un guiño (Ed Wood) y le ha puesto en más de un aprieto (Mars attacks).
Con la crítica de cine también su relación ha sido de amor y odio: algunos lo adoran por creaciones como Big Fish, casi todos lo detestan por fiascos como El planeta de los simios.
Pero nadie le rebate su talento sobrenatural para crear atmósferas. Y eso se agradece con la sonrisa del niño que llevamos dentro y que sale a divertirse cada vez que, en la penumbra de la sala de cine, las imágenes en movimiento convocan nuestros mejores sueños.

¿Hundirá Batman a Titanic?

Con sus US$43.8 millones recaudados el pasado fin de semana, El caballero de la noche (que es como se titula The Dark Knight en Dominicana) continuó en el primer lugar de las taquillas en USA, por tercera semana consecutiva.
Un total de US$394.9 conseguidos en sólo 17 días le ponen en la ruta de alcanzar los US$400 millones este mismo lunes.
Lo voy a repetir: alcanzaría los US$400 millones en 18 días. Sí, imaginaron bien: un nuevo récord para El caballero de la noche. En el momento en que redacto esta líneas, la marca está en manos de Shrek 2 que logró ese total en 43 días.
Dicen los especialistas que El caballero de la noche ha redefinido la noción de superproducción. No lo discuto.
De lo que se trata ahora es de seguir la trayectoria para ver si logra el récord de recaudación en toda la historia del cine que, como sabrán, lo tiene Titanic con sus US$600 millones.
En esta misma fecha, El caballero de la noche se convertirá en la octava película que forma parte del “Club de los 400”, formado por los siguientes títulos: El hombre araña ($403), Piratas del Caribe 2 ($423), La amenaza fantasma ($431.1), E. T. ($434.9), Shrek 2 ($436.5), Guerra de las Galaxias ($461) y Titanic ($600).
Es posible que Batman no hunda a Titanic, pero seguro que se lleva de encuentro un araña, un pirata, un galáctico, así como un extraterrestre y un ogro, ambos verdes. Imagino que de la envidia.

Taquillas: Batman versus el Hombre Araña

No, no se trata de ninguna película mexicana de lucha libre.
Lo que pasa es que las expectativas se han cumplido: The Dark Knight ha pulverizado todos los récords de taquillas en Estados Unidos el pasado fin de semana. Los números no mienten: $155 millones de dólares para el estreno más esperado del verano, la convierten en el mejor debut en la historia del cine.
De paso, destronó a El hombre araña 3, filme que consiguió $151.1 en mayo del pasado año. Recordemos que entre los mejores debuts de la historia también están: Piratas del Caribe 2 ($135.6) y Shrek 3 ($122).
Pero The Dark Knight también estableció una nueva marca para un viernes de estreno: $66.40 millones de dólares contra los $59.8 recaudados por el Hombre Araña 3.
Otro récord fue el de las funciones de medianoche. Explico: The Dark Knight se comenzó a exhibir a las 12:01 de la medianoche del viernes (para insomnes, noctámbulos y fanáticos histéricos que no se pueden esperar a las funciones de día) y las boletas para estas funciones de madrugada se agotaron hace mucho tiempo. Se vendieron boletos por $18.5 millones de dólares. Para variar, el récord anterior estaba en poder de Guerra de las Galaxias: la venganza del Sith con unos $16.9 millones.
Otro récord para tomar en cuenta es el de los cines Imax. En estas 94 pantallas exclusivas, The Dark Knight consiguió $6.2 contra los $4.7 del Hombre Araña 3.
Muchos quieren aplicar una teoría económica para desmeritar el éxito de esta nueva Batman. Señalan que el precio promedio de un boleto hoy día es de $7.08 dólares (se vendieron 21.94 millones), mientras que cuando el Hombre Araña implantó su récord el precio promedio era de $6.88 y vendió unos 21.96 millones de entradas.
Pero no hay argumentos que valgan: Batman es el nuevo campeón de las taquillas.
Entre las claves para ese éxito hay que citar la muerte de Heath Leger y el morbo que genera en el público verlo personificar al Guasón, uno de los archi-rivales de nuestro héroe que ya encarnó Jack Nicholson. El papel se asume como muy traumático para cualquier actor, como peligroso para su psiquis. Ya se habla hasta de Oscar póstumo para Leger.
Del director de The Dark Knight, Christopher Nolan, hay que señalar que ha mostrado su extraordinario talento en filmes como Following y Memento. Con este exitazo, asumo que lo perdimos a los fines de hacer filmes de bajo presupuesto y calidad indiscutible. A propósito: The Dark Knight sólo costó $185 millones de dólares.
Finalmente, un dato para medir la fiebre que este filme ha creado: en la era de lo fast, los tickets se vendieron a una velocidad de 15 por segundo.

Kung Fu Panda, lo nuevo de Dreamworks

Hasta hace unos años, Disney era un monopolio en el mercado de cine de animación. El logo de Disney (recientemente remozado) implica de forma automática para muchos padres un sello de garantía de que el contenido de un filme es apropiado para toda la familia.
Disney nuevamente impuso el dibujo animado (ahora diseñado en computadoras) como un aliado natural para conquistar un importante segmento del mercado cinematográfico de verano.
Efectivamente, con La sirenita (1989) consiguieron 109 millones de dólares en taquilla y despertaron la envidia ajena. El colmo del éxito fue La bella y la bestia (1991), la primera película de animación en recibir un Globo de Oro como Mejor Película y ser nominada al Oscar compitiendo con películas de acción real (perdió de El silencio de los inocentes).
Ya era demasiado. La 20th Century Fox lo intentó en 1997 con Anastasia, pero desistieron ante los pobres resultados. Eso mismo año, Steven Spielberg, David Geffen y (mucha atención, el ex-jefe de Disney) Jeffrey Katzenberg fundaron la productora Dreamworks.
Apenas un año después presentaron credenciales con: Hormigas y El Príncipe de Egipto. El resto es historia: Shrek, Madagascar y Bee Movie, incluídas.
Ahora nos llega Kung Fu Panda y hay que señalar de entrada que se trata de uno de los filmes más agradables del año.
Ese tono burlón con relación al mundo místico de las artes marciales la convierte en una película que disfrutan los niños por sus fabulosas secuencias de acción y sus muchos gags, y sus padres también, acaso sobrevivientes de la época dorada de Bruce Lee.
No hay ideas rebuscadas, sólo se trata de pasar un buen rato. Y dejar bien clarito un mensaje: cuando se quiere, se puede.
Como el nombre la compañía productora: los sueños funcionan. Es cuestión de definir objetivos, afinar talento y ponerle empeño.

Wall-E, lo nuevo de Disney-Pixar

Wall-E es el mejor homenaje que Hollywood puede hacerle, en su cuadragésimo aniversario, a 2001: Odisea del espacio, la joya de Stanley Kubrick, notas de El Danubio azul incluídas. En efecto, parte de la acción transcurre a bordo de una nave espacial, en el futuro lejano (año 2700), con una computadora inteligente que se rebela peligrosamente contra sus programadores.
La nave está poblada (nunca mejor descriptivo este verbo) por terrícolas obesos, producto de la automatización de todo y el embrutecimiento colectivo vía la televisión y los patrones de consumo impuestos: todos están empotrados en su sillón, con una pantalla plana como horizonte y fast food al alcance de la mano. Nadie se toca, nadie se preocupa por los demás, se perdió la conciencia de lo colectivo.
Kubrick, profeta y visionario, hace unos 40 años ya mostraba esos puntos como motivos de reflexión.
Pero, aunque no fuera un velado homenaje, Wall-E tiene sus propios méritos. Ya no basta elogiar los indudables logros en el terreno de la animación por computadoras, ahora estamos ante verdaderos retos narrativos: los dos robots apenan emiten algunas palabras más allá de sus nombres y casi todo vuelve a ser visual sin dejar de ser gracioso. El contenido formal del filme (mensaje incluído) convence sin mayores tropiezos, las imágenes de un planeta lleno de basura nos apenan y nos hacen pensar en la responsabilidad de cambiar presente y futuro.
Uno de los mejores momentos de Wall-E es el vídeo clip de La vie in rose, interpretada por Louis Armstrong. Recuerden que, al menos en teoría, es una película para niños y es probable que los adultos la disfrutemos tanto o más que los pequeños.
Para los que llevan anotaciones, debutó en el primer lugar de las taquillas en USA con la nada despreciable suma de US$62.5 millones. Por si fuera poco, Wall-E es el primer filme con fuerza suficiente como para que se comience a hablar de nominación al Premio de la Academia.
Atención, la nave en Wall-E se llama Axioma. Para los interesados, recuerdo que “axioma” es una verdad filosófica que no necesita demostración. ¿Quieres un ejemplo? Cuando hablamos de cuidar el medioambiente, en realidad hablamos de que se mantengan las condiciones que garanticen nuestra presencia en el planeta. En realidad, el planeta puede existir sin nosotros.

Marion Cotillard es Edith Piaf en La vida en rosa

Hasta hace unos meses, Marion Cotillard era una francesita de belleza frágil que le caía en gracia a Russell Crowe en Un buen año.
Pero la suerte tocó a su puerta en forma de Edith Piaf, un personaje que, como el amor, sólo se presenta una vez en la carrera de una actriz. Y parece como si Cotillard se preparó toda su vida para encarnarla.
Ella ha ganado un verdadero alud de premios, 19 para ser exactos, incluidos el Oscar, el Cesar, el Globo de Oro, el Bafta y el Lumiére.
No acostumbro a argumentar de esta manera, pero tanta gente no puede estar equivocada: estamos frente a una actuación memorable, una actuación que traspasa los límites de una simple representación.
Primero está el reto de representar a Piaf, un venerado símbolo francés, porque no se trata de otra biografía de otra famosa más, sino de la mejor vocalista de su época, quien cantaba y encantaba las audiencias con su maravillosa voz, sin que importara el idioma de las canciones. En la propia película, otra auténtica diva, Marlene Dietrich la define sin desperdicios: “Su voz es como el alma de París”.
Segundo, el formidable trabajo de meterse en la piel de Piaf, con el lamentable deterioro físico que sufrió (sabemos que el maquillaje ayuda) y sacar partida dramática a tanto abandono, soledad, incomprensión y cualquier otro obstáculo que sufrió “El Gorrión”. Cotillard hace galas de un arsenal de gestos corporales, inflexiones de voz, etc. que realmente resultan convincentes y, para eso (también lo sabemos), no hay maquillaje que valga.
La formidable recepción que el público francés brindó al filme dirigido por Olivier Dahan es su mejor carta de recomendación.
No creo que sea, dentro del biopic, una obra excepcional, sin embargo deseo rescatar de su dirección estrictamente adecuada, las dos licencias reales-maravillosas que se toma: Santa Teresa y Marcel Cerdan.
El resto es la voz de Edith Piaf y contra su embrujo no hay amuleto que valga.

Spielberg, Lucas y Ford igual a Indiana Jones.

Hace 21 años, en mayo de 1977, Steven Spielberg y su compadre George Lucas se retiraron a descansar a Hawai y esperar el resultado de las taquillas del fin de semana, con los mismos nervios de quien espera el primer boletín de la Junta Central Electoral.
Lucas finalmente estrenaba Guerra de las galaxias en poco más de 40 salas, cedidas a regañadientes por sus dueños quienes pensaban que los filmes de ciencia ficción eran cosa del pasado.

Pero ya conocen al caprichoso destino: Star Wars debutó con una recaudación de $1.5 millones y se convirtió en un fenómeno social en todo el mundo. Para noviembre de ese año, había destronado a Tiburón (de Spielberg) como la película más taquillera en la historia del cine.
Ellos entonces no lo sabían, pero habrían de convertirse en los arquitectos de eso que ahora llamamos “verano cinematográfico”. En esas vacaciones, Lucas le comentó a Spielberg sobre una idea que tenía para una película: un arqueólogo que enfrenta tremendos peligros para salvar al mundo, algo así como un héroe de carne y hueso, típico del cine de aventuras.
Así nació Indiana Jones. Ellos entonces no lo sabían, pero estaban pariendo el mayor mito cinematográfico de los 80.
Los cazadores del Arca perdida (1981) consiguió $384 de dólares en las taquillas. Le siguió Indiana Jones y el templo de la maldición (1984) con $333 millones de los verdes. La trilogía se completó en 1989 con Indiana Jones y la última cruzada que reportó $494 millones en la taquilla de USA.
19 años después, los compadres decidieron desempolvar el látigo y el sombrero de Indiana y sometieron a Harrison Ford (66 años) a los avatares propios del héroe. Todo con la finalidad de que la screen generation conozca un héroe como los de antes. Y pague por verlo.
Para ello, también desempolvaron a Karen Allen, heroína del primer filme (Jones, como su predecesor James Bond, estrena una distinta en cada aventura), han acudido al guionista David Koepp y al fotógrafo Janusz Kaminski, todos reincidentes en eso de trabajar para Spielberg.
Lo de irse a Hawai a esperar los resultados de las taquillas se ha convertido en una costumbre de Lucas y Spielberg cada vez que estrenan un filme.
Imagino que ya saben que Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal con sus $150 millones, se ha convertido en el segundo mejor debut en el fin de semana del Memorial Day.
¿Tendremos más Indiana Jones? Recuerden que las trilogías son la especialidad de George Lucas.

Tim Burton y Johnny Depp igual a Sweeney Todd.

Soy de los que creen que Tim Burton es el mejor director de atmósferas del cine contemporáneo. (Para los más escépticos les remito al León de oro que le otorgaron en Venecia el pasado año.)
¿Qué se quiere decir con esto? Nadie como Tim Burton se vale de los recursos artísticos del cine (y del teatro) para re-crear sus historias con escenarios surreales, inverosímiles, o lo que haga falta. Hablo de vestuario, maquillaje y escenografías pero también de la perspectiva con la que aborda las historias de sus filmes. En ese sentido, lo repito: Tim Burton es el mejor.
Sweeney Todd es el musical de terror, producto de una adaptación de Stephen Sondheim, brillante compositor norteamericano que puede ufanarse de tener un Oscar, un Tony, un Emmy, un Grammy y un Pulitzer. La adaptación la hizo de la obra de teatro del británico Christopher Bond.
Un thriller musical con ambientes oscuros y atmósfera sombría parece la descripción del proyecto perfecto para Tim Burton. Les recuerdo algunos de sus títulos: Big Fish, Batman y Beetle Juice.
En efecto, Sweeney Todd le permite invertir toda la inventiva que le caracteriza en este proyecto en el que dirige, por sexta vez, a su actor-fetiche Johnny Depp, uno de los mejores talentos de su generación.
La fructífera relación comenzó en 1990 con El joven Manos de tijeras. Ha seguido con Ed Wood (1994, en homenaje a unos de los peores directores que ha tenido el cine), Sleepy Hollow (1999), Charlie y la factoría de chocolate (2005) y la fabulosa cinta de animación La novia cadáver (2005). Es decir, de vez en cuando Tim Burton le presta Depp a la Disney para que trabaje en la saga de Piratas del Caribe.
También Helena Bonham Carter, la compañera en la vida real de Burton aparece en sus películas, pero eso, creánme, es material para otra crónica.
Burton ha logrado que ambos canten la banda sonora y los resultados son aceptables. Porque lo básico de esta película es la formidable dirección artística (Oscar para Dante Ferretti y Francesca Lo Schiavo), la puesta en escena, la atmósfera lograda por la mente de Tim Burton.

El verano cinematográfico 2008 en USA.

Desde el próximo viernes 2 de mayo, entraremos en el verano cinematográfico de Estados Unidos.
He aquí el listado de los principales estrenos de la temporada:
Mayo 2: Iron Man de Jon Favreau, protagonizada por Robert Downey Jr.
Mayo 9: Meteoro de Andy y Larry Wachowski, protagonizada por Emile Hirsch.
Mayo 16: Las crónicas de Narnia: El Príncipe Caspian de Andrew Adamson.
Mayo 22: Indiana Jones y el Reino de la calavera de cristal de Steven Spielberg, protagonizada por Harrison Ford.
Mayo 30: Sex and the city de Michael Patrick King, protagonizada por Sarah Jessica Parker (y el resto del elenco).
Junio 6: Kung Fu Panda de Mark Osborne y John Stevenson.
Junio 13: El increíble Hulk de Louis Leterrier, protagonizada por Edward Norton.
Junio 20: El Super Agente 86 de Peter Segal, protagonizada por Steve Carrell.
Junio 27: Wall-E de Andrew Stanton.
Julio 4: Hancock de Peter Berg, protagonizada por Will Smith y Charlize Theron.
Julio 11: Hellboy II de Guillermo del Toro, protagonizada por Ron Perlman.
Julio 18: The Dark Knight de Christopher Nolan, protagonizada por Heath Ledger y Christian Bale.
Julio 25: X Files: la secuela de Chris Carter, protagonizada por David Duchovny.
Agosto 1: La momia 3: la tumba del Emperador de Rob Cohen.
Agosto 8: Pineapple Express de David Gordon Green, protagonizada por Seth Rogen.
Agosto 15: Tropic Thunder dirigida y protagonizada por Ben Stiller.
Agosto 22: Bangkok Dangerous de Oxide y Danny Pang, protagonizada por Nicolas Cage.
Agosto 29: Babilonia A.D. de Mathieu Kassovitz, protagonizada por Vin Diesel.
Septiembre 5: Passengers de Rodrigo García, protagonizada por Anne Hattaway
Septiembre 12: Righteous Hill de Jon Avnet, protagonizada por Robert DeNiro y Al Pacino.
Septiembre 19: Lakeview Terrace de Neil LaBute, protagonizada por Samuel L. Jackson.
Septiembre 26: Eagle Eye de D. J. Caruso, protagonizada por Shia LaBeouf

Sin lugar para los débiles, lo nuevo de los Coen.

Como creo conocer el perfil de mis lectores habituales, anuncio que me voy a tomar una licencia de lenguaje popular: los hermanos Coen son pura greña cinematográfica. Me encanta que, en sus películas, exigen que el público se la pase dando cráneo (segunda licencia) durante toda la proyección, jugando a las posibilidades de sus historias.
Lo primero que me interesa destacar es la participación de Javier Bardem. Ese desalmado asesino a sueldo (con el peinado más ridículo de la última década) que siembra una estela de muertos a su paso, definido sólo porque “no tiene sentido del humor” es, simplemente, un personaje inolvidable y un trabajo de creación extraordinario.
Lo segundo es el pulso de directores consumados que nos mantiene involucrados con la película hasta el último plano. Esa manía por el detalle explotado más allá de lo normal, verbigracia, la envoltura que se desarruga, como abriendo lentamente sus alas, mientras otra vida depende del llamado a cara o cruz de una moneda.
Uno de los grandes aciertos de la película es esa estructura de persecución gato-ratón. Un hombre simple que se encuentra con un maletín lleno de dinero y un desalmado que le pisa los talones a cada paso. Entre ellos, un sheriff envejeciente que no se explica la nuevas formas del delito, que ha visto reducida a cero la autoridad que representa (añora los tiempos en que se andaba desarmado), que sabe perdida su batalla para imponer el orden. Puede, incluso, tener una lectura contemporánea para los dominicanos.
Todo enmarcado por el desértico paisaje del sur de estados Unidos, donde nada florece y desapareció la esperanza de algo mejor.
Otra posible lectura: Hollywood no es lugar para los viejos. Para nuestra suerte, están los hermanos Coen, quienes piensan y luego existen.

Daniel Day-Lewis: un monstruo de la actuación

Cuando Daniel Day-Lewis nació un 29 de abril de 1957, su padre, el poeta Cecil Day Lewis, le dedicó un poema: El recién nacido, en el que se asombra de la fuerza interior del bebé. No sabía que esas palabras se convertirían en el sino inexpugnable de su vástago.
Daniel Day-Lewis es lo que se conoce como un monstruo de la actuación, un Olimpo de elegidos en la que muy pocos se inscriben: Marlon Brando, Robert De Niro, Jack Nicholson, Al Pacino. (Dentro de algunos años se presentarán candidaturas: Edward Norton, Johnny Depp, Christian Bale, sólo para el ámbito masculino norteamericano.)
Imaginen la fuerza descomunal de Day-Lewis cuando actúa que apenas ha participado en poco más de una docena de películas y parecen miles. Parece simple: estos monstruos se consideran actores patológicos: no representan sus personajes, se convierten en ellos con métodos que rayan en la locura.
Debutó en el cine en 1971 en Sunday Bloody Sunday, en el único papel que le hacía justicia: adolescente revoltoso. Pasaron 11 años para que volviera a aparecer en la pantalla. Esta vez le tocó un papelito menor en Gandhi.

El mundo le descubrió realmente en 1985, cuando consiguió brillar con luz propia en Mi hermosa lavandería. El National Board of Review le otorgó el premio al actor de reparto, mientras el Círculo de Críticos de NY lo reconocía por Una habitación con vista.

Esos premios despertaron el monstruo interior, ese demonio que lo atormenta y que sólo puede exorcizar viviendo otras vidas. En 1988, La insoportable levedad del ser (basada, por supuesto, en la obra del Maestro Milan Kundera) le permitió ejercitarse en alcanzar un mayor rango en las posibilidades de sus personajes.
Pero su consagración le llegó con Mi pié izquierdo (1988), papel por el que recibió su primer Premio de la Academia, considerada una de las mejores actuaciones de la historia. Para este papel, vivió en una casa en Dublín con personas con discapacidades, pasó meses junto a los enfermos, aprendió a pintar con un cuchillo y con pinceles con dos dedos de su pie izquierdo. Si creen que la cosa quedó ahí se equivocan: no se levantó de la silla de ruedas nunca durante el rodaje, obligando al equipo a tratarlo como si fuera un real discapacitado. Hasta hubo que alimentarlo.

Luego, cuando hizo El último de los mohicanos (1992), se consagró tanto al papel que ganó casi 30 libras de peso, se fue a vivir al bosque acompañado por un rifle, en casi completo aislamiento, aprendió a pescar, a despellejar animales, a comer su carne, a construir canoas y a disparar en movimiento.

Cuando rodó Las brujas de Salem (1996), el loco genial de Day-Lewis decidió irse a vivir al pueblo que se iba a utilizar como set en Massachusetts, y allí trabajó la tierra y construyó la casa en la que iba a vivir su personaje (para los que llevan notas: era carpintero antes que actor).

En el nombre del padre (1993), le consiguió su segunda nominación al Oscar. Para ese papel como prisionero del conflicto irlandés, perdió casi 40 libras, comió las mismas raciones que los presos, pasó dos noches sin comer ni beber en la celda de las locaciones, vivió dentro y con la agonía de los prisioneros reales.
Luego, en El boxeador (1997) se convirtió en un púgil de verdad, que boxeaba con tanto ímpetu como cualquiera en su división y acabó con la nariz rota y una hernia.
Se tomó un receso hasta 2002. En ese año, hizo Pandillas de Nueva York, en la que de nuevo impresionó con su nueva voz, con su nueva postura, con su nuevo rostro y un papel memorable que le valió su tercera nominación al Premio de la Academia y para el cual aprendió el oficio de carnicero y el arte de lanzar cuchillos.

Ahora usted puede disfrutarlo en Petróleo sangriento, papel por el que ha conseguido su segundo Premio de la Academia. En el proceso de preparación decidió vivir como los buscadores de petróleo de inicios del Siglo XX y luego trabajar un personaje que va transformándose hasta convertirse en la representación de la ambición, la soledad y la locura. Otra vez, Day-Lewis creó nuevos registros para su voz y su aspecto físico.

En la vida real, Daniel Day-Lewis luce aretes en ambas orejas, habla con un acento culto y tiene tatuados los nombres y las manos de sus tres hijos. Y algunos sospechan que está actuando.

Billy Wilder: ese genial bribón

(En lo que amenaza convertirse en una tradición de las vacaciones de Pascua, además de escuchar Jesucristo Superstar, me he dedicado a revisar una filmografía. Este año le tocó a Billy Wilder y todavía me río de pensarlo.
Debo agradecer al amigo Pedro Estrella que puso en mis manos esta formidable colección de películas.)

“Un director debe ser policía, partero, psicoanalista, sicofante y bastardo”.
-Billy Wilder


Cuentan las buenas lenguas que Billy Wilder, aventajado discípulo del director alemán Ernst Lubitsch, mantenía un cartel en su oficina: “¿Cómo lo hubiera hecho Lubitsch?”.
Billy Wilder: un talento excepcional para escribir guiones y, sobre todo, diálogos. Pero también una personalidad que se siente contenida en cada fotograma que filmó.
Un maestro en varios de los géneros del cine (una crítica de la fuerza de El crepúsculo de los dioses (1950); y comedias como La tentación vive arriba (57) y Un Eva y dos Adanes (1959), ambas protagonizadas por Marilyn Monroe) que siempre hizo el filme que quiso hacer, por encima de lo que esperaban sus críticos y de lo que pedían sus fanáticos.
Sí, un bribón genial que se burló de todos y de todo con la altura que demandaba su tiempo. Quizá por eso, Wilder comparte con Hitchcock el haber sido despreciado por una parte de la crítica cinematográfica. Pongo como ejemplo algo que se escribió sobre la oscarizada El apartamento (1960): “…igual de divertida que una atrofia muscular”. Al pasar de los años, ambos han sido elevados a la categoría de Maestros y quienes acabaron con su obra, bueno…
Sin duda, Billy Wilder ha sido uno de los mejores dialoguistas del Séptimo Arte. En Europa, donde se formó, se distingue muy bien entre un guionista y un dialoguista, es decir, un especialista en diálogos de personajes. Es mucha la diferencia que aportan a un libreto la chispa, la gracia y el ingenio con que se expresan los personajes.
Si además añadimos que Wilder poseía una habilidad sobrenatural para el remate dramático, para el cierre con broche de oro, no es casual que haya creado más finales memorables que cualquier otro director de cine.
En Con faldas y a lo loco, regaló una de las mejores líneas en toda la historia del cine: “Nadie es perfecto”. Le sirvió hasta a Joan Manuel Serrat para titular uno de sus mejores álbumes, pero eso, créanme, es material para otra crónica.
Con Wilder es imposible escapar a las innumerables anécdotas que generaban sus películas. En Testigo de cargo, para mostrar una pierna de Marlene Dietrich, escribió una escena que requirió 145 extras, 38 dobles y $90,000 dólares, una fortuna en 1957. Una curiosidad: al final de la película, una voz en off recomienda no contar el final a sus amistades a fin de no arruinar una de las mejores vueltas de tuerca que recuerdo.
Otra anécdota: hacía tanto frío la noche que Jack Lemmon (uno de sus actores fetiche) rodó en Central Park para El apartamento, que tuvo que ser rociado con anti-congelante para evitar que la llovizna se convirtiera en hielo.
Cuentan las malas lenguas que en una ocasión, ordenó a un camarógrafo “Rueda algunas escenas fuera de foco, quiero ganar el Oscar a la Película Extranjera”.
El mundo conoció en Wilder a una de las mejores razones para reir y reflexionar.

Gone Baby Gone: el trauma de USA

Resulta que la novela favorita de Ben Affleck es Gone Baby Gone.
Resulta que el autor de esa novela es Dennis Lehane.
Resulta que Lehane, al igual que Affleck es oriundo de Boston. Ese sólo hecho crea un estrecho vínculo que evoluciona en complicidad (como sufrir tanto por los Medias Rojas).
Con la primera novela de Lehane que se llevó al cine se logró un excelente drama: Río místico (2003, Clint Eastwood). Desapareció una noche paga con creces las expectativas creadas: es un auspicioso debut directorial de Ben Affleck.
Affleck, quien ya ganó un Oscar como guionista (1997, Good Will Hunting), construye un guión ingenioso que nos atrapa en las múltiples posibilidades del drama. Ese es uno de los primeros atractivos de esta película.
Casey Affleck es el descubrimiento del filme. Demuestra que no obtuvo el papel por el hermano del director. Y, que conste en acta, está rodeado de actores de la talla de Morgan Freeman, Ed Harris y Amy Madigan especialistas en robarse un filme si se descuida el protagonista.
Otro elemento sobresaliente en Desapareció una noche es la dirección de fotografía a cargo de John Toll, un veterano que es el segundo en ganar el Premio de la Academia en dos años consecutivos: Leyendas de pasión (94) y Corazón valiente (95).
Destaco la fotografía porque para entender la zozobra que consume nuestros personajes hay que hablar de la atmósfera que los mantiene al borde del colapso nervioso. Esa atmósfera, también, se siente amenazante sobre toda la comunidad.

El rapto de menores que es el punto del que parte nuestra trama es, sin duda, caldo de cultivo para los más profundos traumas, personales y colectivos de USA.
Frente a la posibilidad muy presente de herir ciertas susceptibilidades, el guión se decanta por mostrarnos sólo lo que necesitamos saber, para colocar un clímax que nos quita el aliento.
Sin duda, Ben Affleck ha tenido muchos más aciertos que desatinos en su dirección de Desapareció una noche. Una excelente carta de presentación.

Stanley Kubrick: esa oscura lucidez.

Stanley Kubrick es, sin duda, uno de los grandes directores en la historia del Cine. Kubrick contaba con talentos extraordinarios: fue un excelente fotógrafo y un complejo ajedrecista. Sus mejores partidas las jugó en nuestras mentes.
Siempre he pensado que Kubrick hizo un clásico en cada género que recreó (uso este verbo con toda la malicia del mundo), verbigracia, 2001: Odisea del espacio se tiene como una de las mejores películas de ciencia-ficción, La naranja mecánica como referente de cine futurista, Barry Lyndon como clásico de reconstrucción histórica, Nacido para matar como la mejor película sobre Vietnam, y un largo etcétera.
Por varias anécdotas se sabe de su obsesión por los detalles cinematográficos. Esa manía de que las cosas quedaran exactamente como las había pensado le vincula con otros genios del arte.
Steven Spielberg, uno de sus fanáticos más ilustres, señala que cada vez que repite cualquiera de las películas de Kubrick descubre algún nuevo elemento.
La verdad es que Kubrick puso mucho énfasis en darle el sentido a sus filmes a partir de lo puramente visual. Sus imágenes, habitualmente, quedan grabadas en nuestros pensamientos por varios días después que acaba el filme.
La cámara de Kubrick permite al espectador olvidarse de su distancia de simple testigo, es usada con el criterio de otro personaje más. En sus composiciones fotográficas hay siempre una carga de emociones simplemente impresionantes.
Kubrick podría fácilmente disputar el título del “Director que más polémica despierta”. A día de hoy, cualquiera de sus películas genera discusiones interminables y, en muchos casos, innecesarias. Desde el clásico ¿Qué me habrá querido decir? (a propósito de 2001: Odisea del espacio), pasando por los problemas de censura con La naranja mecánica (prohibida por varias décadas en Inglaterra) hasta Eyes Wide Shut, su obra póstuma, que dividió ferozmente la crítica especializada.
Quizá olvidamos que el único compromiso de Kubrick era con su oscura lucidez.
Quizá olvidamos que su única responsabilidad como artista fue siempre provocar preguntas, no proveer respuestas.
Quizá olvidamos que el gran valor de Kubrick fue sostener un incómodo espejo frente a una sociedad enferma que no se quiere reconocer intolerante, auto-destructiva y despersonalizadora.

Premios de la Academia: sin lugar para los débiles, ni expiaciones, sólo petróleo sangriento

Todo aquel que ejerce públicamente el triste oficio de la crítica de cine, tiene para estas fechas un compromiso ineludible: la entrega del Premio de la Academia de Hollywood (así es como quieren que llamen al Oscar).

La primera actitud era despotricar contra esa premiación porque, en varias ocasiones, las que se consideraban las mejores producciones del año ni siquiera estaban nominadas. Con mucho veneno, quien suscribe siempre esgrimía amenazante la larga lista de nombres fundamentales del cine (por ejemplo, Charles Chaplin) que nunca ganaron el Oscar.Al cabo de los años (y mucha rabia consumida) he evolucionado a un estado de gracia: si es una fiesta del (negocio del) cine, gocemos la fiesta.

El Oscar es cada vez más predecible. Se hacen pronósticos de todo tipo. Se tejen conjeturas. También se hacen apuestas (sobre todo en Las Vegas).

Siempre que hablo de este premio puntualizo mucho su naturaleza: el Oscar es un premio gremial, es decir, lo entregan los artistas directamente vinculados al mundo del cine: actores, actrices, directores, técnicos y un largo etcétera. Por eso, hay que ver el Oscar como la culminación de un formidable proceso de mercadotecnia (incluidas costosas campañas de promoción y mucho cabildeo) y no necesariamente el reconocimiento a lo mejor del año.

Así, mis pronósticos siempre han girado en torno a lo que creo que va a ganar y no lo que quisiera que ganara.
Creo que ¡por fin! les llegó el turno a los hermanos Coen. Su filme Sin lugar para los débiles se perfila como el ganador y ellos como mejores directores. También compiten con el seudónimo de Roderick Jaynes en el apartado de mejor edición.
La candidatura más sólida de todas es la de Julie Christie como mejor actriz por Away from her. Simple: ella ha ganado (casi) todos los premios habidos y por haber. Cuando no, el premio se lo ha llevado mi favorita, Marion Cotillard por su formidable interpretación como Edith Piaf en La vida en rosa.
Daniel Day-Lewis también ha ganado (casi) todos los premios como mejor actor por la película Petróleo violento.
¡Este es el año de Javier Bardem! Que prepare su discurso como mejor actor de reparto por Sin lugar para los débiles.
Finalmente, esa joyita animada que se llama Ratatouille debe ganar en su categoría.

Woody Allen: la virtud de los contrastes

"Dicen que La Biblia o El Padrino son las respuestas a las preguntas de la humanidad. Pero yo me quedo con Dostoievski, un profundo conocedor del alma humana"
-Woody Allen

A confesión de parte: amo la obra fílmica de Woody Allen por encima de todas las demás. Cuando me pregunto por qué, me la pongo fácil: adoro la virtuosidad de sus contrastes.
Universal pero íntimo: las películas de Woody Allen tratan temas universales, profundos, filosóficos pero tan íntimos que, a veces, nos parece que revisa nuestros diarios de vida. Allen mira a la gente común, nos mira y nos desnuda: somos almas atormentadas, arrastramos tantas obsesiones, nos acomplejan tantas culpas.
Newyorker pero global: las películas de Allen se desarrollan en el entorno geográfico de Manhattan. Cuando sale de locación natural (como en Annie Hall) es para estropear el perfil turístico del otro mundo (California). Match Point es la primera de su trilogía londinense que se completa con Scoop (2006) y El sueño de Casandra (2007). La capital británica le ha servido de oscura y lluviosa inspiración. El pasado año también rodó en Barcelona.
Clásico pero moderno: esta libre adaptación de Crimen y castigo de Dostoievski se convierte en el mejor homenaje a un grande de la literatura. Tomando los mejores elementos de la narración tradicional, actualiza el drama hasta nuestros días. Semejante tarea sólo la asume exitosamente quien, como Allen, se sabe de memoria las reglas del juego.
El amor y el sexo: la voluptuosa Scarlett Johansson y el felino Jonathan Rhys Meyers encarnan los atormentados personajes de la historia. Ellos se dejan arrastrar por sus bajos instintos y, eventualmente, se verán atrapados en una trampa kakfiana que les impedirá vivir libremente su atracción animal. Todo con fondo de ópera (Caruso cantando El elixir del amor de Donizetti, para ser exactos), como para sufrir junto a ellos.
La vida y la muerte: el cuestionamiento de nuestras existencias y del destino que nos asigna Dios es una de las constantes en el cine de Allen. La frenética búsqueda de La Verdad desata en sus personajes la más angustiosa cacería del sentido de las cosas.
El destino y la suerte: estos amantes cruzan la línea, violan los límites, quieren lograr lo que les está negado por decreto. Su ambición no conoce fronteras. Pero el destino de quien tiene vedada la buena estrella es un túnel sin ninguna luz en el fondo.
Por eso, sus personajes, tan diestros en el juego, pierden la partida contra la suerte, la partida de sus vidas y quien sale pírricamente victorioso, lo único que le espera es una vida muelle y decorosa pero infeliz, un modus vivendi que es una paradoja en sí mismo.
En Match Point, que nos llega con un par de años de retraso, Woody Allen demuestra otra vez que es uno de los maestros del cine contemporáneo.

Cine en los tiempos del cólera (2)

De entrada, voy a fijar mi posición: no existe una buena película de los muchos textos de García Márquez. Lo repito: el realismo mágico que fluye de su prosa no acepta (fácil) traducción.
Hace unos meses, prometí esperar el estreno en Santiago de El amor en los tiempos del cólera (2007), de Mike Newell, para referirme al tema.
La calidad de la prosa de Gabriel García Márquez es, sin discusión, una de las mejores que ha conocido el castellano. Véase: Premio Nobel de Literatura. La pasión de García Márquez por el cine es indudable. Véase: Fundación del Nuevo Cine Latinoamericano. La suerte que han corrido sus textos en el mundo cinematográfico hace pensar en alguna especie de maldición gitana, en un amour fou de leyenda.
Creo que el primer gran error en esta adaptación cinematográfica ha sido tratar de condensar en una película de 2 horas y 18 minutos una historia con suficiente material para una serie de televisión. Sé que juzgo el trabajo de Ronald Hardwood, celebrado guionista de El pianista (2002, Roman Polanski) y La escafandra y la mariposa (2007, Julian Schnabel).
A Hardwood se le hizo imposible la enorme tarea de hacer comprensibles los elementos reales maravillosos que poseen (y dominan a) los personajes de la novela. En el Caribe todavía morimos por amor. (Algunas bestias matan por amor, pero eso, créanme, es material para otra crónica.) Sólo esa condición existencial sirve para liberar los personajes de Márquez de ataduras lógicas y es esencial para entender sus complejidades.
Por eso nadie cree, ni entiende ese fulminante amor a primera vista entre Florentino y Fermina. El amanece escribiendo su primera carta de amor. En el cine, el público ríe con la ocurrencia. Pero cuando Florentino se aparece 51 años, 9 meses y 4 días después de su promesa de amor a solicitar el corazón de su amada, a todo el auditorio le parece una ridiculez. Lo es: estos personajes están fuera de contexto, de la magia de la prosa de Márquez.
Lo que queda es la iconografía típicamente latinoamericana (guacamayos incluídos), un elenco internacional y dos canciones de Shakira. Si se siente tentado, buen provecho.

Robert Redford es un león disfrazado de cordero

Robert Redford es un tipo admirable: en vez de pasearse por el mundo en la alfombra mágica que le proporciona la admiración de Hollywood se decidió por encarnar la rebeldía que permite la industria. Es rebelde (con frutos), no suicida.
Redford cuestiona los aspectos que le parecen más terribles de la sociedad norteamericana sin ufanarse de su logro, ni levantar más ronchas de las necesarias. Un ejemplo de lo que digo es Leones por corderos (2007) para la que ha contado con las actuaciones de Tom Cruise y Meryl Streep, la mejor actriz de nuestros días.
Para los que llevan anotaciones, hay que acotar que Redford es un ambientalista desde la época en que nadie prestaba atención al problema. Como forma de alejarse del mundo Hollywood, compró unos terrenitos en Utah en los que instaló el Instituto Sundance, una inspiración para los cineastas independientes de todo el mundo. El nombre es un homenaje al personaje que lo catapultó a la fama: Butch Cassidy and the Sundance Kid (1969).
Luego vendría el Festival del Sundance que se ha convertido en el más importante del cine independiente y en una efectiva ventana de exhibición para el cine latinoamericano. Habría que recordar que, gracias a ese festival se pudo conocer Como agua para chocolate.
Cuando en el 2002 se le entregó el Academy Award a toda una carrera por su brillante trayectoria, sus colegas hicieron justicia porque muy pocos se han preocupado (y han aportado como él) por el futuro del cine, como arte y como industria.
Más importante aún, Redford ha servido de modelo a los actores contemporáneos en más de un sentido. Siendo un símbolo sexual desde 1973, año en que protagonizó El golpe (George Roy Hill) y The Way We Were (Sydney Pollack) siempre se ha involucrado en algún proyecto de corte crítico como Todos los hombres del Presidente (1976, Alan J. Pakula), sobre los periodistas que provocaron el Watergate. Lo propio ha hecho uno de sus pupilos: Brad Pitt.
Siendo una estrella establecida, dio el salto a la dirección con tan buena fortuna que ganó el Oscar con su película-debut Gente como uno (1980). Lo propio han hecho otros como: Kevin Costner (también Oscar con su debut Danza con lobos (1990), Mel Gibson, George Clooney, Ed Burns, Ed Harris, Robert Duvall y un largo etcétera.
Pero, amén del golpe de suerte, el Redford director tiene una carrera de títulos realmente valiosos: Milagro (88), El río de la vida (92), Quiz Show (94), El señor de los caballos (98) y La leyenda de Bagger Vance (2000)
Pero si nada de lo anterior fuera suficiente, Leones por corderos tiene méritos propios.
Lo primero, en estos tiempos en que la situación de Irak sigue siendo tema de debate, todos nos preguntamos cuánta información nos ocultó el establishment que propició esa guerra.
Lo segundo, el enfrentamiento de actuación entre Tom Cruise y Meryl Streep, dos pesos pesados, quienes consiguen escenas realmente electrizantes.

Nicolas Cage es el nuevo Tesoro Nacional

Con el excelente debut que tuvo El libro de los secretos: $143 millones de dólares en sus primeros 13 días, no cabe ninguna duda: Nicolas Cage se ha convertido en el nuevo Tesoro Nacional para ser explotado por Hollywood.
Nicolas Cage es la respuesta divina a las plegarias de Hollywood. Desde hace un tiempo, buscaban desesperadamente un nuevo héroe de acción. Simultáneamente, todos sus grandes tough guys envejecieron de golpe: Clint Eastwood, Sylvester Stallone, Arnold Schuwarzenegger, Harrison Ford y Bruce Willis, por sólo mencionar cinco.
El libro de los secretos utiliza los mismos elementos argumentales de El código Da Vinci (del que percibimos algún elemento de suspenso), sus persecuciones no son tan espectaculares como las de Jason Bourne y toma prestado algún guiño de Indiana Jones. Como está producida por la Disney, su protagonista no puede hacer galas de su potencial sexual. Pero, a pesar de todo, funciona de mil maravillas en las taquillas.
¿Dónde radica la clave de su éxito? Creo que en la atractiva figura de su protagonista. Lo que me llama la atención es la doble carrera que mantiene Nicolas Cage.
Por un lado, después de ganar (muy merecidamente) su Oscar por Leaving Las Vegas, ha participado en filmes como: Un ángel enamorado, Bringing Out the Dead y Adaptation, formidable tour de force consigo mismo.
Por el otro, desde que presentó credenciales como héroe en The Rock, ha participado en otras producciones de acción como: Con Air, 60 segundos, Face Off y Windtalkers.
El público lo acepta sin problemas y es por eso que al libro le van a extraer el secreto de la página 47, es decir, veremos de nuevo a Ben Gates en la tercera parte de lo que amenaza convertirse en saga.

Cine y béisbol: un juego duro de lanzar.

Quienes creen que hacer una película sobre béisbol es un fly al pitcher se equivocan. Para la mayoría de los que se han atrevido ha resultado un juego duro de lanzar.
Por regla general, las películas que se hacen sobre deportes no reciben el apoyo del público. Ese maleficio ha tenido particular saña en el caso del béisbol: muchos creen que como es uno de los deportes más populares en Estados Unidos, la gente acudirá en masa a ver las películas. Craso error: muchos productores han bateado de foul.
Uno toma los ejemplos de Pride of the Yanquis (1942), donde Gary Cooper encarnó a Lou Gherig y Take me out to the Ball Game (1949) protagonizada por Frank Sinatra. Pongo el ejemplo de estos dos íconos del cine. En ambos casos, películas sobre el béisbol. En ambos casos, con protagonistas conocidos. En ambos casos, ponches.
En época más reciente, Don’t Look Back (1981, la historia de Leroy –Satchel- Paige), The Natural (1984, con Robert Redford y Kim Basinger) y Eight Man Out (1988, sobre el episodio de la Serie Mundial de 1919 y los Medias Blancas de Chicago). El estelar narrador Santana Martínez tiene una frase maravillosa: “Contabilidad de pre-primaria: uno, dos y tres fuera”.
Un ligero cambio comenzó a operarse con Major League (1995). Esta comedia registró adecuados ingresos de taquilla. No se puede decir lo mismo de Cobb (1994, con Tommy Lee Jones).
En los últimos años, Una liga muy especial (1992, con Tom Hanks y Madonna), la trilogía de Kevin Costner: Bull Durham (1988), Campo de sueños (1989) y Por amor al juego (1999) y The Rookie (2002) han llenado su cometido y auguran un futuro prometedor para las difíciles relaciones del cine y el béisbol.

Lo mejor del 2007 en Santiago

Ejercer públicamente el triste oficio de la crítica de cine implica la obligación de publicar un listado para destacar los mejores estrenos exhibidos en nuestras pantallas cinematográficas.

Ese listado siempre será recibido con cierta reserva por quienes no están de acuerdo con las seleccionadas, con resignación por quienes permanecen indiferentes a estas películas y con júbilo por los que coinciden con nuestras preferidas.

De cualquier manera, sirve para aquilatar lo visto durante el 2007 en Santiago, con la única condición de que se haya exhibido por lo menos una semana en una de las salas de la ciudad. Como en otros años, varios títulos exhibidos en Santo Domingo no llegaron hasta Santiago y eso restringe aún más el número de títulos de calidad que se presentan en la Ciudad Corazón.
La mejor película exhibida en Santiago en el 2007 fue Babel de Alejandro González-Iñárritu, a quien también seleccionamos como Mejor Director.
El resto de los títulos en estricto orden de exhibición:
-Pequeña Miss Sunshine
-Hollywoodland
-Buscando la felicidad
-300
-Niños del hombre
-Shrek 3
-Ratatouille
-El perfume
-Michael Clayton
-Elsa y Fred

Lo mejor del 2007, según el Instituto Americano del Cine

El Instituto Americano del Cine (AFI, por sus siglas en inglés) honra lo mejor dentro de los títulos producidos en Estados Unidos.

Este listado es un excelente parámetro para medir la calidad fílmica de lo estrenado en USA. ¿Por qué? Simple: la votaciones se llevan a cabo tomando en cuenta criterios como los aportes al desarrollo de las imágenes en movimiento (abarca también la televisión), el enriquecimiento del acervo artístico y cultural americano, la inspiración provocada en los artistas y el público. Además, las huellas que deja en la sociedad contemporánea.
Es decir, se elige al margen de los intereses comerciales de los grandes estudios de producción.
Para esta ocasión el Jurado estuvo presidido por el director Frank Pierson e integrado por los renombrados críticos: Richard Schickel (Time), David Ansen (Newsweek) y Leonard Maltin (Entertainment Tonight), la novelista Diana Ossana, los productores David Picker y Tom Pollock, los directores Lawrence Kasdan, Gary Winick y Donn Cambern y las académicas Mary Corey, Tara McPherson y Kristal Brent.
Lo mejor del 2007, según el American Film Institute es (en estricto orden alfabético):

Befores The Devil Knows You're Dead

The Diving Bell and The Bitterfly

Into The Wild

Juno

Knocked Up

Michael Clayton

No Country For Old Men

Ratatouille

The Savages

There Will Be Blood

Como siempre sucede, sólo tres de esos títulos se han estrenado en Dominicana. Esperamos por el resto.

Lo mejor del 2007, según el National Board of Review

La temporada de premios está oficialmente abierta: ya se saben los galardonados por el National Board of Review de los Estados Unidos. Es bueno saber que el NBR está formado por profesionales, profesores, estudiantes e historiadores del mundo del cine, quienes evaluaron unos 282 títulos este año, tanto de cine independiente como de las majors de Hollywood, así como filmes extranjeros.
Aquí va el listado: No Country for Old Men, la nueva película de los hermanos Coen, basada en la novela de Cormac McCarthy, ha sido elegida mejor película del 2007.
Las otras 9, en estricto orden alfabético (por su título en inglés) son:
-The Assassination of Jesse James by the Coward Robert Ford
-Atonement
-El ultimátum Bourne
-The Bucket List
-Into the Wild
-Juno
-The Kite Runner
-Lars and the Real Girl
-Michael Clayton
-Sweeney Todd
Otras categorías seleccionadas son:
-Mejor Director: Tim Burton por Sweeney Todd
-Mejor Actor: George Clooney por Michael Clayton
-Mejor Actriz: Julie Christie por Away From Her
-Mejor Actor de Reparto: Casey Affleck por The Assassination of Jesse James by the Coward Robert Ford
-Mejor Actriz de Reparto: Amy Ryan por Desapareció una noche
-Mejor Película Extranjera: The Diving Bell and the Butterfly
-Mejor Documental: Body of War
-Mejor Película de Animación: Ratatouille
-Mejor Reparto: para el elenco de No Country for Old Men
-Brillante Actuación para un Actor: Emile Hirsch por Into The Wild
-Brillante Actuación para una Actriz: Ellen Page por Juno
-Mejor Director Debutante: Ben Affleck por Desapareció una noche
-Mejor Guión Original (empate entre): Diablo Cody por Juno y Nancy Oliver por Lars and the Real Girl
-Mejor Guión Adaptado: Joel Coen y Ethan Coen por No Country For Old Men
Michael Douglas será honrado con el Premio a toda una Carrera.
El listado de las mejores 5 películas extranjeras es: 4 meses, 3 semanas, 2 días; The Band’s Visit, The Counterfeiters, La vida en rosa y Lust, Caution.
Las principales producciones de cine independiente fueron: Away From Her, Great World of Sound, Honeydripper, In The Valley of Elah, A Might Heart, The Namesake, Once, The Savages, Starting Out in The Evening y Waitress.
Además, el Premio a la Libertad de Expresión fue compartido por: The Great Debaters y Persépolis.
Tome nota de los títulos y comience su propia temporada de caza de algunos de los mejores filmes del 2007, según el Nacional Board of Review.