Mis peores películas (y algunas confesiones)

Desde hace mucho tiempo, cuando me preguntan la mejor película que he visto, contesto automáticamente: El Padrino (1972, Francis Coppola).

Primera confesión: me resulta mucho más difícil seleccionar la peor película que he visto. En verdad no podría decidirme por alguna en específico y he optado por hacer una pequeña lista. Pequeña porque resulta imposible contabilizar la cantidad de malas películas que hemos visto en los últimos años. Pequeña porque siempre alguien protestará porque no incluye algún clavo sufrido en carne propia.

¿Cómo calificamos una mala película? Quiero proponer una discusión franca: al margen de la buena conjugación de los elementos del lenguaje cinematográfico (aspectos técnicos, guión), las actuaciones, el tema del filme y un largo etcétera, creo que uno de los factores más importantes a la hora de juzgar un filme es nuestra expectativa.

Es decir, nuestras expectativas no son las mismas cuando vemos un filme escrito, producido, actuado y dirigido por los Wayans a cuando vemos uno dirigido por un realizador de mucho prestigio como Tim Burton.

Nuestras expectativas no son las mismas cuando vemos un éxito taquillero que cuando asistimos a ver un filme ganador en festivales de cine.

Nuestras expectativas no son las mismas cuando vemos una ganadora del Razzie Award a lo peor del año, a cuando vemos una ganadora del Academy Award (Ambos casos, admiten más de una excepción).

Es por eso que prefiero dejar fuera del listado filmes como: Little Man, Epic Movie, Meet The Spartans y Disaster Movie. El argumento es el siguiente: ¿qué se podía esperar de ellas? Además, debo confesar mi animadversión hacia el humor escatológico que ha tenido un repunte en los últimos años.

Otra confesión: cuando he visto algunos clavos, incluso ganadores del Razzie, ha sido tanta la mala fama ganada, han despotricado tanto en su contra, he ido con las expectativas tan bajas que, al final,… no me han parecido tan desastrosos. En ese listado inlcluyo filmes como: Gigli (2003, Martin Brest) o Catwoman (2004, Pitof). Quiero poner a salvo mi dignidad con una aclaración pertinente: no estoy afirmando que sean buenas películas, digo que no me parecieron tan malas como su fama.

Dicho esto, repaso algunos de los clavos que dejaron cicatrices en mi anatomía cinematográfica:

El cartero (1997, Kevin Costner). A Costner lo odio porque con Danza con lobos (1990), impidió que Francis Coppola ganara su tercer Oscar a la Mejor Película con El Padrino 3. Ahora bien, independientemente de eso, Costner ha estado involucrado en más de un clavo sofocante. Consulte Waterworld (1995).

Gus Van Sant ganó adeptos como el nuevo enfant terrible del cine americano. Hasta que alguien lo convenció de hacer un remake del clásico de Hitchcock, Psicosis (1998).

A Tim Burton le admiro profundamente. Pero dicen las malas lenguas que, después de rodar la biografía Ed Wood (el peor director de cine de la historia), Burton se convirtió en el personaje para hacer El planeta de los simios (2001).

Guy Richie es uno de los mejores directores ingleses. Sólo hizo casarse con Madonna para caer en el desastre con Swept Away (2002).

Y, ¿qué me dicen de Steven Spielberg y su remake de La guerra de los mundos (2005)? Más allá de lo increíble…insoportable.

Luego de ganar el Oscar (Braveheart, 1995), luego de batir récords de taquilla (La pasión de Cristo, 2004), Mel Gibson dirigió Apocalypto (2006). Algunos hablan de castigo divino.

Los hermanos Wachowski (Larry y Andy) fundaron una nueva religión con la saga de Matrix. Pero luego dirigieron Speed Racer (2008).

Como sé que todos tenemos nuestra particular versión de la historia, espero sus listados.

Una última confesión: por razones de seguridad personal no menciono ningún filme dominicano.

Las peores películas, según Roger Ebert

Roger Ebert es, probablemente, el crítico de cine más leído del mundo.

Ebert es el Pontífice de la crítica de cine norteamericana, con la columna de comentarios que publica en el Chicago Sun-Times desde 1967. Esa labor de amor le convirtió en la primera persona que ganó el Premio Pulitzer por su trabajo como crítico de cine. En el 2003, Stephen Hunter, del Washington Post, se convirtió en la segunda.

Recientemente se ha editado en España Las peores películas de la historia, un libro de Roger Ebert que recopila 312 críticas que dan cuenta de las peores películas de la historia del cine, desde su particular punto de vista.

Aunque es lógico esperar varias coincidencias con su lista de las peores, la verdad es que sorprende algunos de los títulos incluídos. Es simple: no siempre se coincide en la apreciación de un filme, aún admiremos y respetemos mucho la labor de esa persona a lo largo de décadas.

Hace años, Ebert señaló al filme de terror Day of the Woman como la peor película que había visto. No lo he visto, pero me interesa sufrirlo. Oficio masoquista es la crítica de cine.

Pero vamos a las conocidas: Patch Adams (el filme protagonizado por Robin Williams no era nada del otro mundo pero, ¿entre las peores?.

El problema se complica cuando en la lista encontramos filmes tan estimulantes como La sociedad de los poetas muertos (también protagonizado por Williams, ¿habrá algún problema personal?)

De un autor consagrado como Polanski aparece El inquilino, un filme que nos encantó en su momento. De Bertolucci pone su Asediada y, de nuevo, no será una joya cinematográfica pero no es despreciable.

Lo que me parece inaceptable es que aparezca El tambor de hojalata, la excelente película de Volker Schlondorff y, por si fuera poco, Terciopelo azul, de David Lynch, para muchos la obra esencial del cine americano de los 80.

Reitero: Roger Ebert es una autoridad de la crítica cinematográfica, pero es humano y ni siquiera toda la gracia con la que escribe le protege de equivocarse en sus juicios.

Promesas peligrosas de David Cronenberg

David Cronenberg es al cine canadiense lo que su tocayo David Lynch es al cine americano: el cineasta que retrata el lado oscuro del alma. Ha trabajado más que nadie ese submundo oscuro que se esconde detrás de la linda realidad y del que nadie quiere hablar, del que nadie admite que existe pero está, de alguna forma, presente en nuestras vidas.

Promesas peligrosas trata el tema del despiadado modus operandi de la mafia rusa, o

Vory v zakone (en mis profundos conocimientos de ruso, “Ladrones de ley”). Conocemos mucho más de la Cosa Nostra, la mafia siciliana, que, según la leyenda, puede encontrarse en Estados Unidos.

Hasta simpatizamos con la Familia Corleone de El Padrino.

Esa es la primera diferencia de este filme: conocemos de la férrea estructura que, bajo la fachada de un restaurante gourmet, maneja el lucrativo negocio del contrabando de todo lo imaginable, incluyendo mujeres rusas, que huyen de su miseria atraídas por los cantos de sirena, por las promesas redentoras del este liberado, para caer en una red de prostitución que es también un callejón sin salida. Le conocemos y hasta le tememos, pero no simpatizamos con ellos.

Una dualidad interesante: el guión del filme trata de mostrar algunas de las implicaciones afectivas que conlleva la actividad mafiosa, mientras Cronenberg se empeña es poner en pantalla el lado más cruel y más sangriento, la cara más repulsiva de estos personajes devenidos en bestias que degollan a cualquiera por nimiedades, sin guardar apariencias, ni respetar jerarquías.

Hay que darle su crédito a Cronenberg como director: siempre nos mantiene a la expectativa con un pulso de realizador veterano que sabe lo que quiere contar. Mención aparte la selección de su magnífico elenco: desde un irreconocible Viggo Mortensen, pasando por una siempre brillante Naomi Watts, hasta el renombrado director polaco Jerzy Skolimowski (Stepan).

¿Una película cruda? Sin duda. ¿Un filme necesario? Absolutamente. El mundo no es un jardín de rosas. Lo peor: nadie ha hecho tal prometido.

En las películas de Eliseo Subiela

(Hará cuestión de tres años, escribí estas notas sobre Eliseo Subiela. La ocasión de presentar este mes un ciclo con algunas de sus películas es una excusa perfecta para desempolvarlas y, espero, ganarle algún nuevo fanático.)

En las películas de Eliseo Subiela late el constante cuestionamiento existencial de los sobrevivientes de las metrópolis de nuestros días, acaso unánime aventura de sacudirnos ante tanto despropósito y soledad.

Por eso, todos terminamos hipnotizados en la eterna lucha entre el amor y la muerte, entre el azar y el destino.

En las películas de Eliseo Subiela siempre aparecen mujeres-ángeles, ya sean etéreas como en No te mueras sin decirme dónde vas, o voluptuosas y carnales como en El lado oscuro del corazón.

En las películas de Eliseo Subiela sus personajes están atrapados por la nostalgia. Y se valen de los poemas como recurso para evocar un pasado mejor que nos marca para siempre y nunca terminamos de olvidar.

En las películas de Eliseo Subiela la poesía visual también está presente y nos convierte en cómplices de sus travesuras con aires post-modernos. Por eso preferimos jugar con él a ser los Peter Pan, multiplicados como en el milagro bíblico.

En las películas de Eliseo Subiela late desnuda esa intención de redimirnos por encima de nuestras limitantes y, a pesar de todos los pesares, celebrar la alegría de vivir.

Eliseo Subiela con su cine poético y filosófico, sentimental y postmoderno, nos habla a los corazones. Y es imposible no escuchar ese llamado.

El niño con el pijama de rayas

El Holocausto ha sido tema de innumerables filmes.

Ahora nos llega El niño con el pijama de rayas, basada en la novela de mismo título de John Boyne, quien también escribió el guión, conjuntamente con el director Mark Herman.

Creo que el elemento que más destacable de la película es que, a pesar de que trata un tema tan sensible y controversial, lo hace con un tacto realmente asombroso, traduce el horror del Holocausto en una historia sobre la amistad entre dos niños. Efectivamente, el poder de la sugerencia se ha puesto de manifiesto en la película de Mark Herman.

Como la idea es que el filme fuera visto por todos, se ha prescindido de escenas desagradables y todo se trata con mucho cuidado, porque la perspectiva desde la que se nos cuenta la historia es la de Bruno, un niño alemán de 8 años.

Una perspectiva parecida vimos hace unos años: Roberto Benigni en La vida es bella, le que sacaba partida sentimental al Holocausto y se lo presentaba como un juego a su hijo.

En El niño con el pijama de rayas se presenta la amistad que surge entre Bruno (alemán) y Shmuel (judío), uno a cada lado de la verja del campo de concentración. La imagen es desgarradora y tierna en sí misma. Ellos desconocen a lo que pasa y se preguntan si hay algún vestigio de razón en todo aquello. Nosotros también, a pesar de que conocemos los detalles.

Es bueno recordar un error de la magnitud del Holocausto. Ahora que surge un movimiento neo-nazi en el mundo, es pertinente no olvidar los 6 millones de judíos exterminados por los nazis.

El niño con el pijama de rayas se presta, dada su delicadeza, para verla en compañía de nuestros hijos adolescentes y reflexionar sobre uno de los capítulos más irracionales en la historia de la humanidad.

Mulholland Drive: ¿Obra Maestra o broma?

Hay películas cuyos contenidos resultan incomprensibles para el público acostumbrado al cine hecho en Hollywood, es decir, el cine menos imaginativo.
En un lugar destacado de esa lista está Mulholland Drive (2001), enigmático filme de David Lynch.
Lynch es, sin duda, el más perturbador director de cine americano de nuestros días y puede jactarse de haber construido un universo propio en el que están presentes muchas constantes: obsesiones sexuales, búsqueda de identidad, angustias existenciales y un largo etcétera.
Pero su universo requiere para su lectura de toda la atención posible del espectador para sus detalles y, paradójicamente, de un profundo sentido de relajación mental frente al hecho fílmico. No es posible ver una película de Lynch y atender una llamada telefónica sin que perdamos un detalle esencial en el camino.
Y Mulholland Drive es el tipo de filme que provoca una cantidad extraordinaria de preguntas y, en retorno, nos ofrece pocas respuestas.
El proyecto surgió como piloto de una serie de televisión que emitiría ABC. Pienso en la cara de incredulidad de sus ejecutivos cuando vieron esta vaina de Lynch que les costó $8 millones de dólares. Como consecuencia todo se desestimó y se engavetó hasta que Studio Canal, ofreció comprar los derechos y puso $7 millones más para rodar escenas extras y convertir aquello en el largometraje que conocemos.
Ya conocen lo caprichoso del destino: Lynch ganó la Palma de Oro al Mejor Director en el Festival de Cannes y Mulholland Drive fue considerada la Mejor Película del año por el Círculo de Críticos de New York y por la Sociedad de Críticos de Estados Unidos.
Para quienes la película resulta incomprensible, sobre todo aquellos que tratan de darle una lectura lógica y lineal, creen que se trata de una tomadura de pelo de Lynch y de los críticos que tampoco la entendieron.
Para los que creen que es una Obra Maestra (entre los que me incluyo) es una película a la que siempre le descubren algún nuevo detalle que valida su creencia.
Lo que me parece una broma es la guía de 10 pistas que ha elaborado el mismísimo David Lynch para resolver el misterio de Mulholland Drive:
1. Pongan particular cuidado al inicio de la película, por lo menos 2 pistas son reveladas antes de los créditos.
2. Consideren lo que sucede en las tomas de la lámpara roja.
3. ¿Pueden recordar el título de la película para la que Adam Kesher está audicionando actrices? ¿Se menciona de nuevo?
4. Un accidente es un evento terrible... consideren el lugar donde ocurrió el siniestro.
5. ¿Quién entrega una llave? ¿Por qué?
6. Presten atención a los siguientes objetos: un cenicero, una taza de café y una alfombra.
7. ¿Qué sucede dentro del “Club Silencio”?
8. ¿El talento fue lo único que ayudó a Camilla?
9. Noten qué sucede con el hombre que está detrás de "Winkies"
10. ¿Dónde está la tía Ruth?
Si quiere y su agenda se lo permite, le invito a que se dé un paseíto por Mulholland Drive. La aventura está garantizada.

UP: el nuevo éxito de la Factoría Pixar

Hace sólo unos días, UP: una aventura de altura, de Pete Docter, hizo historia cuando inauguró el Festival de Cannes. Por primera vez en el festival de cine más prestigioso del mundo, un largometraje de animación era seleccionado para su noche inaugural.
UP también debutó en el primer puesto de las taquillas en Estados Unidos y, al momento que escribo estas líneas, tiene un total de US$137 millones recaudados.
Consulto mi bola de cristal para el primer pronóstico de la temporada. Se ve clarísimo: el 7 de marzo de 2010, UP: una aventura de altura será premiada con el Oscar a la Mejor Película de Animación. Será el quinto Oscar que gana Pixar, una factoría que tan sólo tiene producidas 10 películas.
Esta impresionante historia de éxitos comenzó en 1995 con el lanzamiento de Toy Story, dirigida por John Lasseter, el genio que se esconde detrás del logo de Pixar. Este fue el primer filme completamente generado por computadoras (CGI, por sus iniciales en inglés) y significó el descubrimiento de un nuevo mundo de posibilidades en el campo de la animación. Fue galardonado con un Oscar especial.
Le siguió Bichos (1998, John Lasseter) que recaudó unos US$163 millones en las taquillas. Toy Story 2 fue lanzada en el 1999 y sus US$246 millones en las taquillas no dejaban lugar para las dudas: estaban en presencia de un filón de oro.
Monsters, Inc (2001) no sólo significó el debut como realizador de Pete Docter, sino también el establecimiento de Pixar como indiscutible sello de garantía taquillera: su recaudación fue de US$256 millones.
Vino entonces Buscando a Nemo (2003). Otro de los animadores de Pixar, Andrew Stanton, debutó como realizador del filme que recaudó unos US$340 millones y se llevó el Oscar como Mejor Filme de Animación.
Los increíbles fue el lanzamiento Pixar para el 2004. Esta vez dirigió Brad Bird, la taquilla fue excelente (US$261 millones) y se llevó el Oscar como Mejor Filme de Animación.
Cars en el 2006 sirvió para la vuelta de Lasseter como director y engrosó a las arcas de sus productores la nada despreciable suma de US$244 millones.
Ratatouille (2007), segundo trabajo de Brad Bird, se disfrutó como un plato gourmet por los cinéfilos y consiguió US$206 millones en las taquillas.
Apenas el pasado año, Wall-E (Andrew Stanton) sobrepasó todas las expectativas con US$223 recaudados y su flamante Oscar como Mejor Filme de Animación. Ojo: la Asociación de Críticos de Los Angeles la eligió Mejor Filme del Año.
Hago un alto y disparo un axioma simple: Pixar es una auténtica factoría de éxitos.
Consulto de nuevo la bola de cristal y veo claramente que la buena racha continuará: para el próximo año ya está lista Toy Story 3. Para el 2011 serán The Bear and the Bow y Cars 2; mientras se ultiman detalles para el lanzamiento de Newt en el 2012.
Cuentan las buenas lenguas que Sulley (el oso de Monsters) quiere volver y que, con suerte, eso sucederá en el 2013.

El sueño americano es sólo un sueño

Les voy a describir una postalita: Frank y April Wheeler es una linda parejita que quieren levantar una linda familia. Para eso, se compran una linda casita en las afueras de Connecticut para criar a sus lindas criaturitas Jennifer y Michael, lejos del bullicio de la ciudad. Comen perdices y viven felices. En realidad, todo es una farsa en la que se ocultan las frustraciones acumuladas a lo largo de los años de vida simple.
Revolucionary Road o Sólo un sueño es el más contundente alegato que hemos visto de los últimos tiempos contra el sueño americano.
Sin duda, la primera columna sobre la que descansa la excelencia de este filme es su director Sam Mendes, quien tuvo uno de los debuts más impresionantes de la historia del cine: American Beauty (1999), ganadora de 5 Oscars incluyendo Mejor Película y Mejor Director. Posteriormente, Mendes dirigió Road to Perdition (2002) y Jarhead (2005).
Otra de las columnas sobre la que se sustenta Sólo por un sueño es su pareja de actores: Kate Winslet y Leonardo DiCaprio, quienes coincidieron en el rodaje de Titanic. Gracias al éxito de la cinta de Cameron a ambos se les ha hecho más difícil ser reconocidos como parte de los mejores actores de su generación.
Para Leo dos de sus problemas más graves son su babyface y su enorme popularidad, sobre todo en el público femenino. Muy pocos en la Academia lo toman en serio, aunque nadie pone en duda su talento y el hecho de que ha brindado tantas brillantes actuaciones como cualquiera en los últimos años: Pandillas de New York, El aviador, Infiltrados, Diamantes de sangre.
Con Winslet el proceso evolucionó más rápidamente. Sabemos que este mismo año, Winslet recibió dos Globos de oro (uno de ellos por Sólo un sueño) y también el Oscar por su actuación en The Reader. Ella ha desarrollado una carrera realmente admirable, con actuaciones como: Little Children, Finding Neverland y Iris.
Ahora, en Sólo por un sueño ambos brindan la mejor actuación de sus carreras.
Uno de los aspectos más destacables del filme de Mendes es la minuciosa exposición que hace de los detalles de una vida (simple) de pareja.
Los problemas comienzan cuándo sus protagonistas se cuestionan si ha valido la pena sacrificar sus sueños: él, vivir en París en lo que descubre su vocación artística; ella, ser actriz. Los Wheeler se han conocido en un ambiente de bohemia y soñadores y se han visto complementados en el otro en la tarea de llegar a ser. Han formado una linda parejita, que vive en una linda casita y forma una linda familia. Pero eso está muy distante de sus sueños.
Su relación puede servirnos para establecer que no es saludable renunciar a los sueños por irrealizables que parezcan porque ese vacío se queda entre nosotros.
En Revolucionary Road, los Wheeler viven el sueño americano. Pero eso no es suficiente porque, como dijo Calderón de la Barca: “y los sueños, sueños son”.

Ha nacido una Star Trek

En 1966, Gene Rodenberry creó para la cadena NBC la serie Star Trek que nosotros conocemos como Viaje a las estrellas. Nunca alcanzó grandes ratings y fue cancelada en su tercera temporada. Pero, ya lo sabemos, el destino es caprichoso y le gusta gastar bromas: Star Trek, a fuerza de repetirse, se convirtió en un fenómeno generacional.
En una de esas repeticiones, esa misión de la nave Enterprise “de explorar nuevos mundos y de buscar nuevas formas de vida y nuevas civilizaciones” conquistó para siempre el corazoncito de un mexicano, Roberto Orci, a quien puso a soñar en cinemascope.
Una serie de televisión crea seguidores: aquellos que cada vez que su agenda se lo permite ven su emisión. Están los fanáticos: aquellos que obligan a su agenda a que le permita ver la mayor cantidad de capítulos. En el caso que nos ocupa, lideran los trekkies: expertos no sólo capaces de recordar el título del episodio en que Spock se lastimó el pulgar derecho con un rayo gamma, sino también la fecha en que emitió.
Roberto Orci es un trekkie a quien el destino le premió con la tarea de resucitar Star Trek. Es uno de los guionistas de la película y también uno de sus productores ejecutivos.
Los resultados están a la vista: el filme debutó en el primer lugar de las taquillas con $72.5 millones de dólares (mejor que cualquier otro filme de la saga) y $43 millones en su segundo fin de semana, convirtiéndola en la cuarta película más taquillera del 2009 con tan sólo 11 días en cartelera.
Como cine de entretenimiento la película llena su cometido de mantener la atención del público y lo cierto es que su director, J.J. Abrams, es un probado director de acción que debutó con Misión imposible 3.
Lo mejor del caso: Star Trek es una precuela (término puesto de moda por Goerge Lucas), es decir, nos muestra los eventos que llevaron al encuentro de Kirk y Spock. Así que aunque todo parecía consumado para Viaje a las estrellas (ya lo dije antes): borren sus cartones que todo comienza de nuevo para las nuevas generaciones.
Para los dominicanos el panorama está bien claro: ha nacido una estrella, lleva por nombre Zoé (aunque la han rebautizado Zoë) Saldaña, quien con su primer protagónico en superproducción puede, al igual que la nave Enterprise, llegar “donde nadie ha llegado antes”.

Festival de Cannes: 62 años de Excelencia Cinematográfica

Desde sus inicios, el Festival Internacional de Cine de Cannes se erigió como tribuna para celebrar y estimular la libertad creativa de los cineastas, al margen de cualquier prejuicio.

Surgido como respuesta a un exabrupto de la dictadura de Mussolini, se ha convertido en el mejor escenario para conocer la calidad del cine que se hace en todo el planeta.

A sus 82 años, Louis Lumiére, el inventor del cine, tuvo el justo honor de ser el presidente del primer jurado de Cannes. Ese hecho marcaría la pauta del grandioso recorrido del festival.

Cannes ha significado el descubrimiento de los mejores nombres del cine mundial y nadie discute su supremacía entre los festivales de cine.

Simple: Cannes es el más prestigioso festival de cine del mundo. Ganar la Palma de Oro es sinónimo de buen cine y garantía de calidad para los cinéfilos.

Ahora que celebramos sus primeros 62 años, quizá bastaría con soplar las velitas y dejar que las maravillosas imágenes en movimiento llenen de poesía nuestros sueños.

Hollywood: el mito del eterno retorno

No hay nada nuevo bajo el sol, decía el Rey Salomón. Y eso que no estaba, como nosotros, bajo la esclavitud cinematográfica de Hollywood.
Hollywood siempre ha dado muestras de agotamiento y por eso ha recurrido (con su dinero) a todas las fuentes posibles para seguir haciendo películas.
Desde importar el mejor talento de cualquier parte del mundo (desde Lubitsch hasta Ang Lee), pasando por “traducir” a la versión americana éxitos en otros idiomas (Mostly Martha, Nueve reinas), hasta las nuevas versiones de algunos de sus propios clásicos (Sabrina (1954, Billy Wilder), Psicosis (1960, Alfred Hitchcock).
Hasta un cierto punto, se entiende que se le haga un remake a una película de más de 4 décadas de estrenada.
Pero es injustificable la nueva tendencia hollywoodense: nuevas versiones de películas tan recientes como El Karate Kid (1984, protagonizada por Ralph Macchio y Pat Morita). La nueva versión se titula Kung Fu Kid (brillante, ¿verdad?) y protagonizan Jaden (el hijo de Will Smith) y Jackie Chan.
En junio se estrena The Talking of Pelham 123, dirigida por Tony Scott y protagonizada por Denzel Washington. Es un remake del filme de 1974, dirigido por Joseph Sargent y protagonizado por Walter Matthau. ¿Saben el gran cambio introducido al guión? Denzel usa una camisa amarillo intenso con una corbata multicolor, exactamente al revés del vestuario usado por Matthau en la original.
En septiembre se estrena una nueva versión de Fame, dirigida por Alan Parker en 1980 con Irene Cara y Laura Dern de protagonistas. Ahora dirige Kevin Tancharoen, mientras protagonizan Kay Panabaker y Natura Naughton.
Ya se hicieron las audiciones para el rodaje de Footloose, que será dirigida por Kenny Ortega y estará protagonizada por Hayden Panettiere y Chace Crawford. Es un remake del filme de 1984 dirigido por Herbert Rose y protagonizado por Kevin Bacon y Lori Singer.
Para ponerle la tapa al pomo, en esta misma fecha se estrena Star Trek y se espera que debute en el primer lugar de las taquillas. Tiene entre sus protagonistas a la dominicana Zoé Saldaña y me alegro mucho por ella, pero es la ¡número once! de la saga y es una precuela. Para los que llevan anotaciones: borren sus cartones que todo comienza ¿de nuevo?.
En el Caribe, sin que Nietzsche se entere, vivimos bajo el signo del mito del eterno retorno.

Verano USA 2009: Harry Potter hará magia.

Como saben, el verano comienza ahora en mayo. Bueno, me refiero al cinematográfico y los estrategas de marketing de Hollywood tienen sus carpetas llenas de las mejores opciones de entretenimiento.
Todo arrancó al pasado 29 de abril con el estreno mundial (Dominicana incluida) de X-Man orígenes: Wolverine. Nueva vez, Hugh Jackman encarna al Lobezno, bajo la dirección de Gavin Hood, quien ganó un Oscar a la mejor cinta extranjera por Tsotsi (2005).
A continuación, los estrenos más importantes del verano, semana tras semana:
8 de mayo: Star Trek, con el ingrediente de la dominicana Zoe Saldaña.
15 de mayo: Angeles y demonios: la misma fórmula de El código Da Vinci, incluyendo el autor (Dan Brown), el director (Ron Howard) y al actor (Tom Hanks).
22 de mayo: Batalla en el Smithsonian: la misma fómula de Una noche en el museo, incluyendo al director (Shawn Levy) y los actores (Ben Stiller, Robin Williams. etc).
29 de mayo: Up, largometraje de Peter Docter y Bob Peterson que tendrá la responsabilidad de inaugurar el Festival de Cannes.
5 de junio: Land of the Lost, Will Ferrer protagoniza y Bard Silberling dirige.
12 de junio: The Talking of Pelham 123, un remake del filme de 1974. Dirige Tony Scott y protagonizan Denzel Washington y John Travolta.
19 de junio: Year One: Jack Black y Michael Cera dirigidos por Harold Ramis.
26 de junio: Transformers 2, o sea, Shia LaBeouf y Megan Fox dirigidos por Michael Bay.
3 de julio: Ice Age: Dawn of the Dinosaurs: si tengo que decir algo de esta deliciosa saga, usted no ha vivido en esta galaxia.
10 de julio: Brüno, es el nuevo (y desagradable) personaje de Sacha Baron Cohen.
17 de julio: Harry Potter y The Half-blood Prince. Cita obligada para los fanáticos de esta saga.
24 de julio: G-Force, la propuesta de la Factoría Disney para el verano.
31 de julio: Funny People, protagonizada por Adam Sandler.
7 de agosto: G.I. Joe: the Rise of Cobra, dirigida por Stephen Sommers, el mismo de la saga de La momia.
14 de agosto: A Perfect Getaway, con Milla Jovovich.
21 de agosto: Inglourious Bastards, lo nuevo de Quentin Tarantino, protagonizda por Brad Pitt.
28 de agosto: H2: Halloween 2: sin comentarios.
4 de septiembre: Citizen Game, ciencia ficción futurista con Gerard Butler.
11 de septiembre: Pandorum, el segundo protagónico para Dennis Quaid en la temporada.
18 de septiembre: El informante, el segundo estreno del director Steven Soderbergh en el verano, protagonizada por Matt Damon.
25 de septiembre: Surrogates, ciencia ficción futurista con Bruce Willis.

Les presento mis sinceras disculpas: se supone que debo escribir sobre Cine.

¿Quién le teme a Alan Smithee?

Estrenar una película es un proceso mucho más traumático de lo que la gente imagina. Primero, muchos realizadores deben salir a mendigar el patrocinio de alguna productora para su proyecto. Algo irónico si tomamos en cuenta que si la película resulta un éxito taquillero, será la compañía productora la más beneficiada.
Luego, se rueda bajo constante presión de esa productora en términos de no sobrepasar el presupuesto y de terminar el rodaje a tiempo para el estreno programado. En más de un caso, se despide al director por “diferencias artísticas”.
Pero antes del estreno, cualquier realizador debe someterse a los humillantes Pases de prueba. Esto consiste en unas tandas exclusivas para un universo muestra del blanco de público de la película en cuestión.
Al final de la proyección, una abuelita de Kansas o una adolescente de California pueden sugerir cualquier cambio en la película: el final es muy triste, el protagonista no puede morir, la violencia de alguna escena y un largo etcétera.
En algunas ocasiones, los productores tienen la amabilidad de negociar esos cambios con el director de la película. Esos son los considerados. En la mayoría de los casos, los productores hacen los cambios que consideran necesarios para que la película guste a la mayor cantidad de público. Su criterio es el de mayor recaudación de dinero.
Eso ha dado como resultado que muchas de las películas que vemos no cuentan con la total aprobación de sus directores. Incluso, una nueva forma de comercializar películas en dvd ha sido la de lanzar el “Director’s Cut”, es decir, una versión más cercana a lo que quiso hacer el director en el momento del estreno.
En otros casos, son tantos los cambios que se llevan a cabo que los realizadores sienten comprometida su “integridad artística” y piden que se retiren sus nombres del afiche promocional y la publicidad de la película.
Es cuando nace Alan Smithee, el anagrama de “The Alias Men”, o el hombre del alias, alguien que quiere, por dignidad o vergüenza, ocultar su nombre y que no se le relacione con el bodrio resultante.
La primera vez que se acudió a esta salomónica salida fue en 1967: durante la filmación de Death of a Gunfighter, sus directores Robert Totten y Don Siegel renegaron del filme y el Sindicato de directores sugirió que se usara un nombre ficticio: nació Alan Smithee.
En épocas recientes más de un director ya establecido ha resucitado a Alan Smithee: Riviera (1987, en realidad la dirigió John Frankenheimer), Catchfire (1990, en realidad la dirigió Dennis Hopper), Burn Hollywood Burn (1997, en realidad la dirigió Arthur Hiller) y Woman Wanted (2000, en realidad dirigida por Kiefer Sutherland).
La advertencia está hecha: jamás se atreva a aventurarse con una película de Alan Smithee. Pero, como puede más la curiosidad que la prudencia…

La selección oficial del Festival de Cannes 2009

Ya se conocen las películas que competirán en la 62da. edición del Festival de Cannes, que se celebrará del 13 al 24 de mayo.

Los 20 títulos en competición serán, como se preveían, los nuevos trabajos de cuatro directores ya ganadores de la Palma de Oro: Jane Campion, Ken Loach, Lars von Trier y Quentin Tarantino, y de seis realizadores reconocidos en ediciones anteriores: Michael Haneke, Alain Resnais, Jacques Audiard, Elia Suleiman, Andrea Arnold y Park Chan-wook.

La excepción que confirma la regla, esto es, que Cannes apuesta por las joyas de su corona, es la recién llegada Isabelle Coixet (una de las tres mujeres en liza por la codiciada Palma de Oro).
Con diez películas, Europa domina la lista de los candidatos. Los encargados de representar al Viejo Continente serán los franceses Alain Resnais, Jacques Audiard y Xavier Giannoli, los españoles Pedro Almodóvar e Isabelle Coixet, los británicos Ken Loach y Andrea Arnold, el danés Lars von Trier, el italiano Marco Bellocchio y el austríaco Michael Haneke. A este impresionante contingente se une el argentino Gaspard Noé con una producción francesa rodada en inglés en Japón.

El contingente asiático también impresiona con cinco largometrajes (Johnnie To, Park Chan-wook, Brillante Mendoza, Tsai Ming-liang y Lou Ye). Además, Ang Lee presentará una de las dos únicas producciones estadounidenses en la agenda del festival, (la otra norteamericana es lo nuevo de Tarantino).

La escasa representación de los EE.UU. se debe a la huelga de guionistas que sacudió Hollywood el año pasado. La australiana Jane Campion y el palestino Elia Suleiman completan la lista de títulos internacionales.

Cabe destacar el atractivo programa de películas fuera de competición que cuenta con las cintas del español Alejandro Amenábar y el británico Terry William, además de la sección Midnight, que nos presentará los largometrajes de Sam Raimi y la francesa Marina de Van, así como la película de animación belga Panique au village. La última producción Pixar, Up, se encargará de inaugurar el Festival y la clausura correrá a cargo de Coco Chanel & Igor Stravinsky del francés Jan Kounen.

En competición:

Ken Loach - Looking for Eric (Reino Unido)

Lars von Trier - Anti-Cristo (Dinamarca)

Pedro Almodóvar - Los abrazos rotos (España)

Michael Haneke - Le ruban blanc - The White Tape (AT)

Marco Bellocchio - Vincere (Italia)

Isabel Coixet - Map of the Sounds of Tokyo (España)

Brillante Mendoza - Kinakay (Filipinas)

Quentin Tarantino - Inglourious Bastards (Estados Unidos)

Ang Lee - Taking Woodstock (Estados Unidos)

Jane Campion - Bright Star (Australia)

Tsai Ming-liang - Faces (Taiwan)

Johnnie To – Vengeance (Hong Kong)

Elia Suleiman - The Time That Remains (Palestina)

Xavier Giannoli - A l'origine (Francia)

Andrea Arnold - Fish Tank (Reino Unido)

Alain Resnais - Les herbes folles (Francia)

Jacques Audiard - Un prophète (Francia)

Lou Ye - Spring Fever (China)

Gaspar Noé - Soudain le vide (Francia)

Fuera de competición:

Alejandro Amenábar - Agora (España)

Terry Gilliam - The Imaginarium of Doctor Parnassus (Estados Unidos)

Robert Guédiguian - L'armée du crime (Francia)

Proyecciones Especiales:

Michel Gondry - L'epine Dans le Coeur

Zhao Liang - Petition Souleymane Cissé

Min Ye Keren Yedaya

Jaffa Adolfo Alix Jr., Raya Martin - Manila

Anne Aghion - My Neighbor, My Killer

Sesiones de medianoche:

Stéphane Aubier, Vincent Patar - Panique au village (Bélgica)

Sam Raimi - Drag Me to Hell (Estados Unidos)

Marina de Van - Ne te retourne pas (Francia)

Pelicula de clausura:

Jan Kounen - Coco Chanel & Igor Stravinsky

Alfred Hitchcock, Maestro del suspenso

(Ya es una tradición de las Vacaciones de Pascua: aprovecho para revisar alguna filmografía. Este año, gracias a la insistencia y patrocinio del amigo Pedro Estrella, le tocó el turno a Alfred Hitchcock. Comparto mis notas)

Alfred Hitchcock es reconocido por todos como el más influyente director en la historia del cine. La aseveración no sólo refiere a sus discípulos más o menos velados (François Truffaut), sino a todos aquellos que descubrieron a través de sus películas las extraordinarias posibilidades narrativas del Séptimo Arte.
Primero en Inglaterra, luego en Hollywood, Hitchcock inventó y refinó el género del suspenso. Un cineasta tan genial que una vez definió su estilo como “autoplagio”.
La verdad es que ese obeso de expresión bobalicona, a quien le gustaba coquetear con sus rubias actrices y, como ellas, con la celebridad, tenía un instinto sobrenatural para exponer a sus personajes en circunstancias extraordinarias.
Para Robert Boyle, director de arte de muchas de sus películas, Hitchcock sufría de la mayoría de las fobias conocidas por la ciencia. Le creo y afirmo que logró volcar todas sus fobias en sus espectadores, apenas una de las claves para comprender su éxito como cineasta.
Hitchcock le temía a las alturas, a las arañas, a la muerte, al matrimonio… A pesar de eso, se casó con Alma, una diminuta mujer y su más estrecha colaboradora, que era la primera en ver las películas e imponer sus opiniones.
Hitchcock era un enigma personal y profesional, aún para aquellos que trabajaban cerca de él. Sus películas son otra cosa: amadas por el público, subvaloradas por la crítica de su tiempo y con una serie de constantes:
a) La aparición cameo de Hitchcock, desde The Lodger (1926), lo que generaba el morboso interés de sus fanáticos en identificarlo tan pronto salía en pantalla.
b) El MacGuffin, recurso dramático de llamar la atención sobre algo que no tiene importancia para mantener el interés del público. Lo explico con un filme de nuestro tiempo Pulp Fiction (1994) de Quentin Tarantino: ¿alguien sabe lo que contiene el maletín por el que se mata todo el mundo?
c) Su fórmula infalible para sus protagonistas: ella rubia, el de pelo negro y mucha tensión sexual entre ellos. Los ejemplos sobran: Sabotaje (Priscila Lane y Robert Cumings), Los pájaros (Tippi Hedren y Rod Taylor), Marnie (Tippi Hedren y Sean Connery), Intriga internacional (Eva Marie Saint y Cary Grant), La ventana indiscreta (Grace Kelly y James Stewart), Vértigo (Kim Novak y James Stewart), La cortina rasgada (Julie Andrews y Paul Newman) y Frenesí (Barbara Leigh-Hunt y Richard Blaney), que fue la primera de sus películas en ser clalsificada R; y
d) La extraordinaria capacidad para mantenernos al borde de la butaca, comiéndonos las uñas o la corbata, a libre elección.

Estrenan “Bosch: Presidente en la frontera imperial”

Con la presencia de importantes personalidades del mundo cultural, social y empresarial, fue estrenado en la Sala Principal del Teatro Nacional Bosch: Presidente en la frontera imperial, el nuevo documental de René Fortunato.

Bosch: Presidente en la frontera imperial muestra los acontecimientos políticos y sociales más importantes ocurridos durante el Gobierno Constitucional con respaldo popular, que encabezó Juan Bosch en la República Dominicana, en los primeros siete meses del año 1963.

Se presentará en los cines de todo el país desde el jueves 16 de abril.

El golpe de estado militar que derrocó al gobierno de Bosch, la política exterior del Presidente Kennedy de los Estados Unidos y su relación con los militares golpistas de América Latina, son temas que ocupan una buena parte de este documental, realizado íntegramente con imágenes y sonidos de la época.

“Este documental es un homenaje al primer Presidente elegido democráticamente por el pueblo dominicano, luego de la caída de Trujillo. Juan Bosch no debe ser patrimonio exclusivo de ningún partido político, el Presidente Bosch debe ser patrimonio histórico, ético y moral de la nación dominicana. Y como tal está tratado en este documental.”, afirmó Fortunato al referirse al contenido del largometraje.

Una parte considerable del material fílmico utilizado en este documental, se difundirá por primera vez, luego de permanecer guardado en archivos de acceso restringido en los Estados Unidos, durante más de cuarenta años.

Este documental sobre el Presidente Bosch es el número siete en la filmografía de René Fortunato, quien ha presentado con notable éxito de público y crítica en las salas de cine de nuestro país los largometrajes El Poder del Jefe, en tres partes (1991,94 y 96), La Trinchera del Honor-1988-, La Herencia del Tirano (1998) y La Violencia del Poder (2003).

La Oviedo de Woody Allen.

El 29 de octubre de 2002, Woody Allen recibió en la ciudad de Oviedo, el Premio Príncipe Asturias de las Artes.
Transcribo el fallo: “Reunido en Oviedo, el Jurado del Premio Príncipe de Asturias de las Artes 2002, acuerda por mayoría conceder el Premio Príncipe de Asturias de las Artes 2002 a Allan Konigsberg, conocido mundialmente como Woody Allen. Su gran talento creador y su trabajo como escritor, guionista, actor y director cinematográfico, expresado en las treinta y dos películas que lleva realizadas hasta este momento, han hecho de él un hombre clave en el último tercio de la historia del cine. Su ejemplar independencia y su agudo sentido crítico le perfilan como un ciudadano del mundo anclado en Nueva York. Toda su obra goza de un estilo propio y su experimentación en todos los géneros, desde el cine negro al musical, pasando por la tragedia griega y la reinvención de la comedia, ha contribuido al desarrollo del séptimo arte. Además, su irónica sensibilidad ha establecido un puente de unión entre las cinematografías americana y europea, en beneficio de ambas.”
Ante un auditorio expectante, Woody pronunció sus palabras mágicas: “Un gran comediante americano del pasado, Jack Benney, tenía la mejor frase para una ocasión tan estupenda y maravillosa como ésta; cuando ganó un gran y prestigioso premio dijo: "Yo no me merezco este premio, pero tengo diabetes y tampoco me la merezco". La carcajada de todos no se hizo esperar y lo premiaron también con un sonoro aplauso.
Más de lo que dijo Woody: “Vengo de una ciudad enorme, gigantesca, con multitudes, ruido... y llego aquí donde todo es antiguo, limpio y agradable... como si no fuera de este mundo, exótico. Cuando me vaya el sábado tendré la sensación de haber vivido un cuento de hadas... además, con un Príncipe”.
Lo menos que podía hacer un genio agradecido era escribirle una historia de amor a Oviedo. Ha cumplido con Vicky Cristina Barcelona.

La Australia de Baz Luhrmann

Australia es una deuda que Baz Luhrmann tenía con su patria casi-continente. Gracias a Hollywood, la percepción de Australia que muchos tenemos es un canguro alejándose a zancadas de los lugareños.
Era necesario contar una historia épica sobre Australia, que tiene tantas que contar como el resto del mundo. Para semejante empresa, Luhrmann contó con la complicidad de otros australianos famosos: Nicole Kidman y Hugh Jackman y, en la mejor tradición del cine de Hollywood, se inventaron una historia de amor con pinceladas épicas que le permiten promocionar la bella vastedad de Australia.
De las condiciones histriónicas de Kidman hay poco que decir, Oscar incluído por su sobria caracterización de Virginia Wolf en Las horas. De Hugh Jackman, menos dotado de talento que su compañera, pero eficiente actor de películas tanto de acción (X-man, Van Helsing), como románticas (Kate & Leopold, Scoop).
El que me preocupa es el director. Luhrmann ha dado muestra de un talento excepcional desde su debut en Salón de baile (1992).
Luego siguió con una formidable recreación de Romeo + Julieta (1996), para coronar su carrera con Moulin Rouge! (2001), en la que Kidman actuó, cantó y bailó hasta romperse dos costillas.
Esos filmes son conocidos como la Trilogía de la Cortina Roja, un nuevo dogma que Luhrmann suscribió. Este estilo tiene sus requerimientos: la audiencia debe conocer cómo acaba la historia desde su inicio. También debe lograrse que la historia sea simple, básica, sin complicaciones argumentales. Estas historias están ambientadas en un mundo tecnológico, inventado por el director, donde más de un artilugio es usado. Y siempre estarán presentes las canciones, ya sea cantadas y/o bailadas.
En ellos también Luhrmann exhibió su dominio de los recursos narrativos del cine y sus filmes eran un derroche de imaginación, de escenas con montajes frenéticos.
Luhrmann decidió entonces cambiar de rumbo y hacer una trilogía histórica que comenzaría con Alejandro Magno, pero tuvo la mala suerte de que su proyecto coincidió con el de Oliver Stone.
Vuelvo al inicio: Luhrmann se decantó por una historia australiana, con protagonistas australianos y que trata un tema visceralmente australiano, las llamadas Generaciones robadas, una época en que el gobierno separó a las madres aborígenes de sus hijos mulatos. Por supuesto, el tema es tratado superficialmente dentro de la historia de amor y la maravillosa geografía de Australia.
Baz Luhrmann pagó la deuda que tenía con su patria. Ahora tiene pendiente otra con sus fanáticos cinéfilos que le pedimos más de la Cortina Roja.

El sustituto, de Clint Eastwood

Clint Eastwood es uno de los más famosos tough guys que ha dado el cine. Fue el protagonista de la trilogía más exitosa del espaguetti-western: Por un puñado de dólares (1964), Por unos dólares más (1965) y El bueno, el malo y el feo (1966). Por si fuera poco, también protagonizó Harry el sucio (1971), encarnando al inspector Harry Callahan en las cinco entregas de la saga. Ha repartido golpes y balazos a diestra y siniestra.
Curiosamente, también ha mantenido una carrera bastante exitosa como director de cine, desde que debutara con Play Misty for Me en 1971. De hecho, ha recibido en dos ocasiones el Oscar como Mejor Director: Unforgiven (1992) y Million Dollar Baby (2004), convirtiéndose en el realizador de mayor edad (74 años) que lo recibe. Y cualquier cinéfilo de buen gusto recordará títulos como: Bird (1988), Un mundo perfecto (1993) y Medianoche en el jardín del bien y del mal (1997).
Eastwood también se ha establecido como excelente director de elencos. Por dos años consecutivos, dirigió a cuatro de los ocho ganadores del Oscar: Sean Penn y Tim Robbins (Río místico, 2003) y Morgan Freeman y Hilary Swank (Million Dollar Baby). Otros nominados han sido: Gene Hackman (Unforgiven, también ganó), Meryl Streep (Los puentes de Madison, 1995) y Marcia Gay Harden (Río místico) y el caso que nos ocupa, Angelina Jolie (El sustituto, 2008).
La historia de Christine Collins, basada en los hechos reales de esta trabajadora que, por encontrar su hijo, enfrentó la sociedad machista y la policía corrupta de Los Angeles en 1928, es el papel soñado por cualquier actriz que se respete. El problema más grave que enfrenta Jolie es el enorme peso que representa ser la mujer más sexy del mundo.
Para meterse en este personaje ha debido renunciar a su indiscutible belleza para vestir y maquillarse estilo depresión. Y enfrenta un grave problema de percepción: cuando profundiza en su actuación, todos la imaginamos sin ropa; cuando pide a gritos que le busquen a su hijo, todos fantaseamos con esos carnosos labios, apenas ocultos tras la tonelada de maquillaje. Su fama nos impide apreciar en su justa dimensión el calibre de su actuación.
Pero esta historia de una mujer que enfrenta el sistema y vive para contarlo es digna de cualquier elogio. La cuidada fotografía y la exquisita musicalización (brillantes puntos siempre presentes en la filmografía de Eastwood), completan una obra que, en otras circunstancias, hubiese tenido mucho mejor suerte de cara a la temporada de premios.

Hay dos aspectos extra-cinematográficos que me parece pertinente apuntar: el título de El sustituto para este drama es poco menos que horroroso y el afiche diseñado para nuestros países ni es atractivo, ni se corresponde para nada con el contenido de la historia. Son errores de mercadotecnia que se pagan con la indiferencia del público hacia un producto de calidad.

Mega Diva, lo nuevo de Roberto Angel Salcedo

Si mal no recuerdo, el término “megadiva”, en la acepción que lo conocemos ahora, se popularizó a raíz de que denominó a varias de las chicas más populares de la televisión. De esas megadivas creíamos saberlo todo: sus virtudes, sus cirugías, sus defectos y sus profundas limitaciones.
Para los fines cinematográficos, el personaje de Luisa (interpretado por la exuberante Jessika Grau) no califica de “megadiva”: no trabaja en la televisión, ni tiene garras. Ese sólo detalle puede operar en contra de la expectativa dramática del filme de Giancarlo Beras, en su debut como director de largometrajes.
Roberto Angel Salcedo, en su doble rol de libretista y actor de Mega Diva, no suma mucho a sus trabajos anteriores. Puede decirse, incluso, que Andrés, un parigüayo de grandes ligas, es una continuación del personaje que interpretó en Mi novia está de madre. Tiene sus connotaciones humorísticas, no lo dudo, pero le falta una definición más precisa si se va a explotar en serie.
¿Cuáles son las virtudes de Mega Diva? Que en sus aspectos técnicos muestra la indudable madurez técnica del cine que se hace en Dominicana. Particularmente, las áreas de fotografía y edición.
¿Cuál es el defecto de su libreto? Un atisbo de juicio moral sobre la megadiva de la historia que no sé si es apropiado en el contexto de esta (se supone) comedia de enredos. Un final feliz que aceptamos a regañadientes porque es regla de oro del cine de evasión.
¿Cuál es la cirugía que necesita el cine dominicano? Hacerse una liposucción para librarse de las historias aderezadas con chistecitos y el llamado humor repentista, que tan extraordinarios frutos ha dado en la televisión.

Premios de la Academia: pronósticos 2009

Considerando: que los Premios Oscar son el evento más glamoroso del año, la alfombra roja más vista y la ocasión para vestir las mejores galas.
Considerando: que los Premios de la Academia son la culminación de un formidable proceso de mercadeo y son, cada vez, más previsibles.
Considerando: la naturaleza gremial del Premio de la Academia, es decir, que es un premio de la Industria del Cine a sí misma.
Considerando: que, por lo mismo, el Premio de la Academia no es necesariamente el reconocimiento al mejor cine del año.
Considerando: que aún así la mayoría de las nominadas contienen más de un elemento de excelencia en su realización.
Considerando: que no se vale despotricar contra las nominaciones, que para eso tenemos el Casandra.
Considerando: que es un deber ineludible de todo aquel que ejerce la crítica de cine bailar también en la fiesta del (negocio del) cine.
En virtud de las atribuciones que me confieren los artículos del Decálogo del Crítico de Cine, emito los siguientes pronósticos:
Mejor Película: Slumdog Millionaire.
Mejor Director: Danny Boyle por Slumdog Millionaire.
Mejor Actor: Mickey Rourke por The Wrestler.
Mejor Actriz: Kate Winslet pot The Reader.
Mejor Actor secundario: Heath Leger por El caballero de la noche.
Mejor Actriz secundaria: Penélope Cruz por Vicky Cristina Barcelona.
Mejor Filme de animación: Wall-E.
Mejor Filme Extranjero: Vals con Bashir (Ari Folman, Israel).

En Santiago de los Caballeros, a los 50 días del año del cine invisible.

El curioso caso de Benjamin Button

A David Fincher siempre le admiraré porque dirigió el video de Englishman in New York de Sting, uno de mis cantautores favoritos. Ahora bien, independientemente de mis preferencias, desde sus primeros trabajos ya se notaba la capacidad sobrenatural de Fincher para crear escenas laberínticas (Les adelanto la mejor del filme: “Daisy atropellada en París”).
Incluso, en las dos ocasiones anteriores en que ha dirigido a Brad Pitt, Seven (1995) y Fight Club (1999), es evidente su talento para recrear ambientes. Esa condición lo hacía un candidato natural para dirigir un proyecto como El curioso caso de Benjamin Button.
Lo curioso de Benjamín Button son las similitudes que guarda con otro personaje de ficción para el cine: Forrest Gump.
Veamos: ambos están basados en novelas, Button producto de la imaginación de F. Scott Fitzgerald y Gump de Winston Groom. El colmo es que las dos adaptaciones para el cine las hizo Eric Roth.

En ambos casos, la televisión está omnipresente como testigo de la historia. En Benjamín Button, se añade alguna anécdota humorística de un personaje-pararrayos que se dosifica a lo largo del filme.
Ambos personajes sirven como excusa perfecta para inventariar los hechos importantes de dos etapas de la historia americana reciente. En el caso de Button, desde la New Orleáns de 1918 hasta el huracán Katrina, obvias contribuciones del guionista.
Ambas películas se sirven de los mejores efectos visuales para adentrarnos en la historia que cuentan y eso es loable. Me explico: en la mayoría de los casos (ejemplo: King Kong) los efectos visuales nos alejan de la historia, se convierten en una barrera infranqueable para los espectadores porque generan una curiosidad ajena al drama. Para el caso están tan bien logrados que, como deber ser, pasan desapercibidos.
Ambas películas consiguieron 13 nominaciones al Oscar. Sin dejar de reconocer que El curioso caso de Benjamin Button es una excelente película, dudo mucho que consiga algunos de los principales premios del Oscar como lo hizo Forrest Gump. Mis predicciones las publico en breve.

Woody Allen y sus mujeres

Woody Allen es, aunque parezca un loro repitiendo lo mismo, uno de los grandes realizadores cinematográficos contemporáneos. Además de que posee uno de los universos íntimos más extraordinarios del cine, quiero referirme en esta ocasión a otra de sus dotes divinas: es uno de los mejores directores de mujeres de la historia.
Cuando uno piensa en grandes directores de mujeres surgen los nombres de George Cukor, Billy Wilder y Roger Vadim.
A esa distinguida lista se pueden añadir Pedro Almodóvar y Woody Allen. Curiosamente, ambos han llevado a Penélope Cruz a las puertas del Oscar, el primero con Volver (2006) y el segundo con su Vicky Cristina Barcelona, este mismo año.
Para el expediente de Woody Allen, si lo necesitara alguna vez, hay que anotar que es la décimo primera ocasión en que una actriz bajo su dirección es nominada al Premio de la Academia. Tres de ellas han ganado y una ha repetido.
Esta curiosa historia comenzó en 1977, cuando Dianne Keaton ganó como mejor actriz por su papel en Annie Hall. Al siguiente año, Allen consiguió nominaciones para Geraldine Page y Maureen Stapleton, ambas por Interiores. En 1979, Mariel Hemingway fue nominada por Manhattan.
Dianne Wiest ganó como mejor actriz de reparto en 1986 por su papel en Hannah y sus hermanas. La siguiente nominación de una actriz de Allen fue para Judy Davis, por Maridos y esposas en 1992.
Dianne Wiest repitió nominación y premio de mejor actriz de reparto por Balas sobre Broadway en 1994. Por la misma película, también fue nominada Jennifer Tilly.
Mira Sorvino ganó como mejor actriz de reparto en 1995 por su papel en Poderosa Afrodita.
Samantha Morton fue nominada por su rol en Sweet & Lowdown en 1999.
Predicciones astrológicas para las nacidas bajo el signo de una canción de Serrat: Penélope Cruz puede ir preparando su discurso de agradecimiento a la Academia, a Pedro, a Woody. Y digo más: recibirá el premio de las manos del hombre que ama.

Opera prima: nuevos universos

(Revisando mi listado de favoritas latinoamericanas, re-descubro Amores perros, la ópera prima de Alejandro González-Iñárritu. Ahora me doy cuenta de que sin saberlo, asistimos a un momento mágico en la historia del cine.)

Para un director de cine, su ópera prima es más que la suma de sueños, esfuerzos, obsesiones y propuestas. Esa primera película es su tarjeta de presentación para el escenario cinéfilo. Por ella, muchos lo evaluamos en función del porvenir.
Para los espectadores, una ópera prima es un pasaporte a un nuevo universo de ideas, a una nueva forma de decir, a una personalísima perspectiva de la vida.
Una ópera prima es más que el enorme privilegio que nos brinda un artista de saborear sus sueños en bandeja de celuloide. Es ampliar nuestros horizontes para alcanzar un nuevo cielo. Es descubrir (y descubrirnos) en ese espejo ajeno nuestros más válidos sueños.
Porque de lo que se trata es de tejer mejores lazos entre todos y todas las historias, de explorar nuestra vocación por el misterio.

Cristiano de la secreta: algunas precisiones

Con el estreno de Cristiano de la secreta, primer estreno dominicano del 2009, creo es pertinente hacer algunas precisiones.
El cine dominicano necesita guionistas.
Me parece muy bueno que Cristiano de la secreta es el primer remake de un filme dominicano. En efecto, ya nadie se acuerda de que la película original de José García estuvo nominada al Casandra.
Siempre será mejor remozar una vieja idea que crear un nuevo disparate. Pero hacer una nueva versión, además de mayores recursos y mejor realización, supone una revisión de la historia y superar aquellos puntos que se estimen débiles en el libreto.
El cine dominicano necesita actores y actrices propios.
Ya he señalado que atravesamos la etapa televisiva: muy acertadamente, el cine se nutre de las conocidas caras de la televisión porque, en alguna medida, eso garantiza el apoyo del público. Pero las expectativas se desvanecen ante una triste realidad: siempre nos dan más de lo mismo que vemos en la pantalla chica.
El cine dominicano necesita de críticas constructivas.
Cada vez más, los involucrados en los proyectos que se estrenan dan demostraciones de intolerancia frente a los comentarios, bien intencionados, que la crítica especializada publica. Hablo de crítica especializada, no de los francotiradores de la envidia que todo el mundo tiene. Hablo de gente que tiene años escribiendo sobre películas y a los que se les debe mucho respeto. No se puede, bajo ningún precepto, condicionar la crítica a que sea permanentemente complaciente porque pierde su razón de ser. Por demás, en Dominicana, la crítica cinematográfica poco tiene que ver con el éxito de un filme determinado.
Cristiano de la secreta ha gozado en sus primeros días del favor del público y que bueno que así haya sido. Esperamos que se repita con los demás estrenos del año. ¿Cumple su meta de entretener? Sí. ¿Puede ser calificada de buena película? Definitivamente, no.
A pesar del incuestionable talento de sus realizadores, cuando no se tiene una buena historia es casi imposible hacer un buen filme.

Globos de oro 2009: ¿un triunfo de los rebeldes?

Ya se conocen los ganadores de los Globos de oro. Se sabe que es el premio de la Asociación de Prensa Extranjera de Hollywood que preside Jorge Cámara. Se sabe también que pautan las líneas generales de por dónde viene el Academy Award.
Lo que me llama la atención de esta entrega es la inclinación de la balanza hacia filmes y personalidades que no son exactamente el prototipo de la industria del cine.
Veamos, Slumdog Millionaire consiguió los 4 premios a que estaba postulada: Mejor Película (Drama), Mejor director (Danny Boyle), Mejor guión (Simon Beaufoy) y Mejor música (A. R. Rahman). Estos premios convierte a este filme de sólo $15 millones de dólares y rodado en la India, en la más fuerte contendora para el Oscar.
Danny Boyle es un director inglés independiente (y medio rebelde) a quien recordamos por filmes fabulosos (Tumba a ras del suelo, Trainspotting) y disparates como La playa.
En el apartado de mejores actores, los premiados fueron: Mickey Rourke (dramático por The Wrestler) y Colin Farrell (cómico por Escondidos en Brujas). Si usted no reconoce en estos nombres la esencia de ser Bad boy, no ha vivido en este planeta.
Woody Allen no sólo es uno de los directores de cine más talentosos de la historia, sino también uno de los que con mayor desdén ha tratado los premios. Eso no ha impedido la elección de Vicky Cristina Barcelona como mejor comedia. Y si Penélope Cruz no ganó fue porque la compañía Miramax decidió hacer campaña por otra rebelde: Kate Winslet.
Usted me dirá que Kate protagoniza Titanic, el filme más taquillero de la historia, pero eso no invalida a esta inglesa que ha hecho la carrera que ha querido sin someterse a los dictámenes de Hollywood, sobre todo en lo que a su peso se refiere. Winslet ganó como Mejor actriz dramática (Sólo un sueño) y Mejor actriz de reparto (The Reader).
Heath Ledger, recibió su Globo de oro póstumo por El caballero de la noche, la más taquillera del año dirigida por Christopher Nolan, otro independiente.
Y, en la categoría de Mejor actriz en comedia o musical, premio recayó en Sally Hawkins por Happy-Go-Lucky de Mike Leigh, otro inglés que se maneja con mucha independencia.
El único premio que cayó en un producto típico de la industria fue el relativo a la Mejor película de animación, Wall-E, y todos sabemos que sus valores fílmicos son innegables.

Ojalá y sea que están enviando algún mensaje al mundo: Sean rebeldes que algún día serán recompensados.

Lo mejor del 2008 en Santiago

Ante la avalancha de excelentes películas, hubo que crear diferentes equipos de trabajo para la pre-selección de las mejores películas exhibidas.
Decidimos solicitar ayuda a Arturo Rodríguez, gurú de la crítica de cine, en lo referente a los estrenos europeos y las ganadoras de los principales festivales del mundo. Sólo un profesional de la capacidad de Arturo podía con semejante tarea.
Un equipo conformado por Félix Manuel Lora, Armando Almánzar y Efraím Castillo se dedicaron a estudiar el voluminoso expediente de los estrenos estadounidenses con especial énfasis en el llamado cine independiente. Solicitaron la asesoría de Luis Rafael González. Se les concedió.
Por su lado, Pedro Estrella, Teddy Ureña y Reyna Mendoza, del Círculo de Cine de Santiago, tenían el reto inalcanzable de evaluar toda la producción latinoamericana y las cinematografías emergentes exhibidas. Solicitaron una extensión del plazo para presentar su informe. No se les concedió.
Bien entrada la primera madrugada del 2009, desperté del sueño y me encontré con apenas 10 títulos que merecían la pena. Triste realidad la del oficio de la crítica.
Por suerte, existe la industria del dvd y l@s amig@s solidari@s que se acuerdan de uno cuando viajan o les cae en sus manos algo que puede calificarse de Cine, con mayúsculas.
En fin, la mejor película exhibida en Santiago fue Sin lugar para los débiles, el formidable trabajo de los hermanos Coen que mereció el Premio de la Academia de Hollywood. A veces el Oscar acierta.
En cuanto a actuaciones, fuimos testigos de dos formidables caracterizaciones en el 2008: Daniel Day-Lewis en Petróleo sangriento y Marion Cotillard en La vida en rosa, ambos títulos entre lo mejor que nos llegó.
Otros siete títulos para recordar en estricto orden de exhibición:
Match Point: Woody Allen, tan virtuoso como siempre.
Sweeney Todd: lo nuevo del tándem Burton-Depp.
Wall-E: ha sido seleccionada por la Asociación de Críticos de Los Angeles como mejor película del año. Gana de calle su Academy Award.
El caballero de la noche: la película más taquillera del año: $530.7 millones de dólares recaudados en USA. Perdimos a Heath Leger (por muerte) y a Christopher Nolan (por éxito).
Expiación, pecado y deseo: ¿Hemos sobrevalorado este filme de Joe Wright?
Elizabeth: la edad de oro: otra formidable actuación de Cate Blanchett y correctísima puesta en escena de Shekhar Kapur.
Tropa de élite: este contundente drama de José Padilha ganó el Festival de Berlín y muestra la salud de que goza el cine latinoamericano.
La cinefilia es el arte de tres grandes deseos: un hermoso futuro lleno de buenos filmes para todos, conocer mi alma gemela y paz en el medio oriente. ¿Es mucho pedir?

El Cine Dominicano en el 2008

Cuando me lo preguntan, digo que el Cine Dominicano atraviesa el mejor momento de su historia. Los 9 estrenos que tuvimos en el 2008 no dejan ningún tipo de dudas. Ahora bien, que deseamos un Cine que menos limitantes y mayor calidad es sólo parte de la discusión.
Que no todas las películas fueron apoyadas masivamente por el público (en realidad, sólo un par pueden calificarse de éxitos) es también parte del proceso de consolidación del Cine Dominicano y hasta en Hollywood muchas superproducciones fallan en su intención de conquistar el gran público.
Pero, hoy por hoy, reina un entusiasmo muy grande en torno de una industria en la que nadie creía hasta hace muy pocos años. Y eso es muy bueno. Que varios empresarios (no artistas, empresarios) se interesen por invertir en los proyectos de cine es la mejor señal de la salud que goza nuestro siempre naciente cine.
Nueve proyectos fueron estrenados. Debo explicar el criterio de “estreno”: al menos una semana de exhibición en una sala de cine comercial, sea de Santiago o Santo Domingo. Eso excluye de la lista la película Cenizas del mal (Javier Vargas) que se presentó en el auditorio de la Universidad Tecnológica de Santiago.
Los primeros estrenos del año fueron: Play Ball (Alfonso Rodríguez), El caballero de la medianoche (Jimmy Sierra) y Enigma (Robert Cornelio). Creo que, en términos de propuesta cinematográfica, el filme de Robert Cornelio era el más interesante, pero no gozó del favor popular.
Le siguió 60 millas al este, documental dirigido por Jorge Lenderborg (muy al estilo Michael Moore) con más de un acierto sobre el eterno tema de los viajes ilegales.
Excexos (José María Cabral) sólo fue presentada en Santo Domingo y Operación Patakón (Tito Nekerman) sólo fue presentada en Santiago.
Angel Múñiz estrenó Ladrones a domicilio en agosto y no consiguió el respaldo esperado. Tampoco lo logró Al fin y al cabo, segundo estreno del año para Alfonso Rodríguez.
Finalmente, cerramos con Santi Cló (José Enrique Pintor), sin duda el estreno mejor promocionado del año y que ha recibido buen respaldo de los cinéfilos.
Se quedó en las intenciones el estreno de El béisbol en la República Dominicana, un documental con libreto de Héctor J. Cruz y dirección de Miguel Vásquez. Pero ya hay estrenos confirmados para enero (Cristiano de la secreta) y febrero (Megadiva).
Sin duda, el Cine Dominicano avanza hacia su consolidación.

Postdata: el amigo Arturo Rodríguez me apunta que De campamento también debe ser incluida entre los estrenos del 2008. ¡Por supuesto! Una imperdonable omisión de este cronista.

Tropa de élite: cruda y extraordinaria

Lo primero que hay que decir de Tropa de élite es que no es una película agradable de ver. Cada fotograma de esta cinta destila una crudeza que no es fácil asimilar. La violencia que genera el negocio de las drogas en Río de Janeiro es un espiral que nos deja confundidos, anonadados, impotentes ante un proceso que vemos repetirse en tantas ciudades de Latinoamérica.
La película se basa en hechos reales vividos por uno de sus guionistas, Rodrigo Pimentel, en sus 19 años de servicio como funcionario y capitán de la policía. El guión también lo firman José Padilha (director del filme) y Brulio Mantovani (uno de los artífices de Ciudad de Dios).
Esta cadena comenzó en el 2004 con el resonante éxito de Ciudad de Dios, filme-debut de Fernando Meirelles. Fue tan exitosa, que dio origen a la serie de televisión Ciudad de hombres, que llamó tanto la atención que obligó a sus productores a realizar su correspondiente filme para el cine. En ambos casos, el tema del narcotráfico en las favelas de Río era tratado desde el punto de vista del barrio.
Ahora se trata de ver la otra cara de la moneda (no hablo en sentido figurado, hay mucho dinero involucrado en el negocio): los oficiales de la policía y del implacable BOPE (Batallón de Operaciones Policiales Especiales). Para que se tenga una referencia clara: el escudo de armas del BOPE es una calavera atravesada por una daga, con dos pistolas cruzadas de fondo.
Por supuesto, imaginarán que el nivel de denuncia de la corrupción que contiene es muy alto e inaceptable (como siempre) para los involucrados. También es mucho el nivel de cuestionamiento hacia todos, hacia esta sociedad en la que toleramos que el narcotráfico tome por asalto las calles y nuestra seguridad, hacia quienes por omisión o complicidad no tocamos el tema.
En Brasil, Tropa de élite ha generado una controversia mayúscula porque todos la acusan de sensacionalista y radical. Pero, al margen de las discusiones, el público la ha convertido en un éxito de taquillas. Y si leen bien el afiche, Tropa de élite ganó en Berlín, uno de los festivales más prestigiosos del mundo.
Porque al margen de toda la violencia que presenta, también cuenta con un nivel de realización que supera por mucho a la mayoría de los filmes exhibidos este año en Dominicana.

Lo mejor del 2008, según el Instituto de Cine Americano

El Instituto Americano del Cine (AFI, por sus siglas en inglés) acaba de publicar su selección de lo mejor del año de los títulos producidos en Estados Unidos.
Este listado es un excelente parámetro para medir la calidad fílmica de lo estrenado en USA. ¿Por qué? Simple: la votaciones se llevan a cabo tomando en cuenta criterios como los aportes al desarrollo de las imágenes en movimiento (abarca también la televisión), el enriquecimiento del acervo artístico y cultural americano, la inspiración provocada en los artistas y el público. Además, las huellas que deja en la sociedad contemporánea.Es decir, se elige al margen de los intereses comerciales de los grandes estudios de producción.Para esta ocasión el Jurado estuvo presidido por el renombrado crítico Leonard Maltin (Entertainment Tonight) e integrado por: Daniel Petrie Jr, Robert Towne (directores), el escritor Mark Harris, el productor Tom Pollock, Jeanine Basinger, Mary Corey, Rick Jewell, Vivian Sobchack (académicos), los críticos Richard Schickel (Time), Anne Thompson (Variety) y Elvis Mitchell, así como Jim Hosney, del AFI.
La mejor del 2008, según el AFI fue Wall-E, el animado de Disney/Pixar que ya mereció también la selección de la Asociación de Críticos de Los Angeles.
El resto de lo mejor:
Gran Torino, lo más nuevo de Clint Eastwood.
The Curious Case of Benjamin Button, protagonizada por Brad Pitt y Cate Blanchett.
El caballero de la noche, todos los premios in memorian para Heath Leger.
Frost/Nixon, lo nuevo de Ron Howard.
Frozen River, filme independiente estrenado en el Festival del Sundance.
Iron Man, recuerden lo esencial del cómic en la cultura popular.
Milk, biografía del politico Harvey Milk.
Wendy y Lucy, otro filme independiente que ha tenido excelente acogida.
The Wrestler, o la resurrección de Mickey Rourke.

Lo mejor del 2008, según Sight & Sound

Sight & Sound es, sin duda, una de las revistas más apreciadas del universo cinéfilo.
La publica el British Film Institute y ya adelantó el listado con las mejores películas del 2008.
En la edición de enero figurará la elección de cada uno de los críticos consultados (se les pidió cinco títulos a cada uno) y la lista completa, que incluye 150 películas.
Como curiosidad, 6 de los 10 filmes estuvieron en las dos secciones oficiales del último Festival de Cannes.

Las mejores del 2008, según Sight & Sound son:

1. Hunger (Steve McQueen, Inglaterra)

2. Petróleo sangriento (Paul Thomas Anderson, Estados Unidos)

3. Wall-E (Andrew Stanton, Estados Unidos)

4. Gomorra (Matteo Garrone, Italia)

5. A Christmas Tale/Un conte de Noel (Arnaud Desplechin, Francia)

6. The Class/Entre les murs (Laurent Cantet, Francia)

7. Of Time and the City (Terence Davies, Inglaterra)

8. Happy-Go-Lucky (Mike Leigh, Inglaterra)

9. La mujer sin cabeza (Lucrecia Martel, Argentina)

10. Let the Right One In (Tomas Alfredson, Suecia)

Lo mejor del 2008, según el National Board of Review

¡Arrancó la Temporada de Caza, digo de Premios!
La National Board of Review escogió a la película Slumdog Millionaire, dirigida por el británico Danny Boyle, como la mejor cinta del año
El prestigioso galardón le da un importante impulso a Slumdog Millionaire, cuyo protagonista, Dev Patel, también fue escogido como el mejor descubrimiento entre las actuaciones masculinas. ¿Será la película independiente del año?
Además, se escogieron otras nueve películas como lo mejor del año. En estricto orden aleatorio: Burn After Reading (lo nuevo de los hermanos Coen), El sustituto (¿conseguirá su premio Angelina Jolie), The curious case of Benjamin Button (Cate Blanchett y Brad Pitt), El caballero de la noche, Defiance, Frost/Nixon (el nuevo filme de Ron Howard), Gran Torino (posiblemente la actuación-retiro de Clint Eastwood), Milk (lo nuevo Gus Van Sant), Wall-E y The Wrestler (lo nuevo de Aronofsky con un Mickey Rourke brillante).
Por otro lado, Clint Eastwood fue escogido como Mejor Actor por su papel en Gran Torino, la que todavía no se ha estrenado en las salas estadounidenses.
Anne Hathaway ganó como Mejor Actriz por su papel en Rachel Getting Married, mientras que David Fincher venció como Mejor Director por The Curious Case of Benjamin Button. El premio al mejor guión adaptado lo compartieron Eric Roth por la esta película y Simon Beaufoy por Slumdog Millionaire.
Josh Brolin ganó como Mejor Actor de Reparto por Milk, mientras que Penélope Cruz lo hizo en la misma categoría en su versión femenina, por su rol en Vicky Christina Barcelona, de Woody Allen.
La NBR también premió a la película Doubt por su elenco, encabezado por Meryl Streep y Philip Seymour Hoffman. Viola Davis, también por Doubt, fue el mejor descubrimiento entre las actrices.
Man on Wire ganó como Mejor Documental, Wall-E como Mejor Película de animación y Mongol como Mejor Película Extranjera.
La National Board of Review, fundada en 1909, está compuesta por historiadores cinematográficos, estudiantes y docentes y sus premios serán entregados próximo 14 de enero en Nueva York, en una gala animada por Whoopi Goldberg.