“El viaje de Chihiro”: la estética de Hayao Miyazaki

A estas alturas del juego, pienso que nadie pone en duda la condición de Maestro de la animación de Hayao Miyazaki. En efecto, Miyazaki ha conformado una estética que lo distingue de otros maestros de la animación, Walt Disney incluido. Miyazaki, por ejemplo, representa de manera única el mundo de los sueños con personajes mucho más definidos en términos de su sicología y el arco narrativo a su servicio. Renuncia a sueños de princesas, para adentrarse en los mundos sobrenaturales, mucho más ricos en posibilidades dramáticas.

Con El viaje de Chihiro, filme que retorna, después de 24 años a la cartelera, Miyazaki demuestra nueva vez que está muy por encima de lo convencional cuando propone este tipo de dramas para adultos (ojo al dato), en los que nos conversa sobre ciertos temas con mucha más profundidad que muchos filmes de acción real.

Los filmes del estudio Ghibli no son para niños menores de 7 años. Los niños pueden verlos, pero en muy difícil que los entiendan. El tema de los cambios físicos y mentales del paso por la adolescencia, por ejemplo, resulta complejo cuando lo plantea Miyazaki. Los eventos mágicos (en forma de hechizo) siempre están presentes en el anime de Miyazaki. Pero, distinto a la estética Disney que todo lo resuelve agitando una varita mágica, Miyazaki sumerge a sus personajes en el famoso viaje del héroe que, por vencer ciertos obstáculos, llega a un estadio de maduración que le permite ver la vida de otro modo.

El viaje de Chihiro, es un perfecto ejemplo de la niña que debe superar una serie de pruebas para restablecer el equilibrio de su familia, alterado por una mudanza, algo tratado también en Intensa Mente, Disney.

Miyazaki hace énfasis en la madurez de sus personajes femeninos, convoca una nueva solidaridad con ellas, a partir de sus propios procesos de transformación. Disney, lo sabemos, sigue apostando a ingenuas princesas que buscan, de manera incansable, un príncipe azul para parirle un heredero.

Miyazaki crea mundos completamente alucinantes en los que no deja nada al azar, ni lo explica todo. Pero esos universos son productos de una imaginación rica en matices, desbordada por detalles de animación realmente únicos y distintos.

Miyazaki crea atmósferas en donde todo está vivo, como en la naturaleza. Por cierto, filmes como La Princesa Mononoke ponen su acento en crear una conciencia más preocupada por el medioambiente, sin que se vea como panfleto ecologista.

En El viaje de Chihiro, se nos proponen nuevos valores narrativos, como el valor del silencio y la contemplación. Y para los que gustan de la semiología, el “Sin Cara” simboliza la codicia del ser humano, contrario a nuestra protagonista, cuyo deseo esencial es volver con sus padres.

Chihiro, como otros protagonistas de Miyazaki, al final de su recorrido sufre cambios físicos y mentales, como prueba de su paso a la madurez. Solo eso, nos aporta mucho más que todos los blockbusters del verano juntos, y se agradece.

Hace 24 años, El viaje de Chihiro se convirtió en el primer anime que recibía el Oscar al mejor filme animado. Hace dos años, El niño y la garza, recibió el Globo de Oro y el Oscar. Para los que se atreven a dudar que estamos frente a uno de los grandes Maestros de la animación.

 

El viaje de Chihiro (2001). Dirección y guion: Hayao Miyazaki; Fotografía: Atsushi Okui; Edición: Takeshi Seyama; Música: Joe Hisaishi; Voces: Rumi Hiiragi, Miyu Irino. 

Premios de la Crítica 2025: los ganadores.

La Asociación Dominicana de Prensa y Crítica Cinematográfica (ADOPRESCI), con el patrocinio de Banreservas, EGEDA Dominicana, Logomarca, la Dirección General de Cine y DBC Network & Studios, celebró en el Centro Cultural Banreservas la VI edición del Premio de la Crítica Cinematográfica, reconociendo lo más destacado de la cinematografía dominicana correspondiente al año 2024.

La gran triunfadora de la noche fue la película Pérez Rodríguez, dirigida por Humberto Tavárez, que obtuvo cuatro galardones: Mejor Película de Ficción, Mejor Dirección, Mejor Guion y Mejor Actor, reflejando la solidez de su narrativa y la calidad de su realización técnica y artística.

En la categoría de Mejor Documental, se impuso El Fotógrafo de la 40, obra de Erika Santelices y Orlando Barría, que visibiliza el aporte de Pedro Aníbal Fuentes Berg, al retratar la tortura de la cárcel de la 40.

Esta es la lista completa de los ganadores:

-Mejor Película: Pérez Rodríguez.

-Mejor Director: Humberto Tavárez por Pérez Rodríguez.

-Mejor Documental: El fotógrafo de la 40, de Erika Santelices y Orlando Barría.

-Mejor Guion: Humberto Tavárez por Pérez Rodríguez.

-Mejor Actor: Joshua Wagner por Pérez Rodríguez.

-Mejor Actriz: Mariela Pichardo por La Grande.

-Mejor Fotografía: Micaela Cajahuaringa por Boca Chica.

-Mejor Edición: Nathalia Lafuente por Morena(s).

-Diseño de Producción: Giselle Madera por La Familia.

-Mejor Sonido: Gisela Fulla-Silvestre por Boca Chica.

-Mejor Musicalización: José Torres, Aneudy Lara y Cresencio (El Prodigio) García por Boca Chica.

-Mejor Elenco: La Familia

 

ADOPRESCI otorgó en esta edición un Reconocimiento Especial al Personaje de la Industria Cinematográfica, en este caso y de manera póstuma, al cineasta Agliberto Meléndez, por su inestimable aporte al desarrollo del cine nacional como director de Un pasaje de ida.

También la asociación reconoció la labor de uno de sus miembros, el periodista José Rafael Sosa por los grandes aportes que ha realizado a favor de la entidad y por haber desarrollado una extensa trayectoria en el periodismo cultural dominicano.

“El mago de Oz” en The Sphere.

En 1939, El Mago de Oz revolucionó el cine con su transición del blanco y negro al Technicolor. Ahora, la película vuelve a hacer historia gracias a la IA. Un equipo liderado por Google DeepMind, Warner Bros. y Sphere Studios está transformando este clásico en una experiencia envolvente para la pantalla esférica más grande del mundo (16K, 160,000 pies cuadrados), que se estrenará el 28 de agosto.

Cuando El Mago de Oz llegó a los cines en 1939, su transición del sepia de Kansas al colorido de Oz dejó boquiabierto al público. Hoy, ese mismo contraste inspira otra revolución: la fusión de IA y cine inmersivo. El próximo 28 de agosto, el Sphere de Las Vegas presentará una reinterpretación de la cinta donde Dorothy y sus amigos no solo saltan a la pantalla, sino que envuelven al espectador en 360 grados. Detrás hay un esfuerzo titánico: escalar un filme de 35mm a resolución ultra HD, rellenar escenas fragmentadas y mantener intacta la esencia de 1939. Todo, sin añadir ni una línea de diálogo nueva.

El proyecto, liderado por Google DeepMind, Google Cloud y socios como Magnopus y Warner Bros., no es una simple remasterización.

“Nuestro objetivo siempre ha sido maravillar al mundo. Lo que hoy nos enciende el entusiasmo es poder devolverle al mundo, con toda la magia de la tecnología, un clásico atemporal como El Mago de Oz (1939), pero transformado: desde su formato original de 3x4 hasta desplegarlo en la pantalla esférica más grande del planeta, recreando personajes y detalles con una resolución que ni siquiera existía cuando la película se filmó”, explicó el equipo de Google.

“Pero lo más extraordinario no es solo el qué, sino el cómo. Este proyecto une dos mundos: el alma de Hollywood, con su legado de narrativa y arte, y la frontera de la innovación tecnológica. Imaginen: investigadores de Google DeepMind trabajando codo a codo con los visionarios de Sphere Studios; ingenieros de Google Cloud colaborando con artistas premiados de efectos visuales. Esa fusión —esa alquimia— es precisamente lo que hace posible esta maravilla”.

Google Cloud y Google DeepMind están utilizando los modelos Gemini, Veo 2 e Imagen 3 para mejorar la resolución de la película El Mago de Oz, ampliar los fondos y así llenar la pantalla, además de recrear digitalmente personajes existentes que, de otro modo, no aparecerían en la misma escena. Hasta ahora, se han procesado aproximadamente 1.2 petabytes de datos para este proyecto.

“Nuestros modelos estaban en distintas fases de desarrollo, y aquí la colaboración con DeepMind fue clave. Partimos de solo 120,000 fotogramas —todo el material original—, y para algunos personajes, apenas teníamos unas pocas escenas de referencia. Era insuficiente para entrenar IA convencional. Inventamos nuevas arquitecturas de datos y técnicas de enriquecimiento. Fue un proceso iterativo: resolvíamos un problema y surgía otro. A veces, descubríamos que investigadores de Google ya trabajaban en soluciones paralelas, así que aceleramos esas líneas de estudio”, explicó el equipo a cargo. “Pero esto no es solo tecnología. La IA es una herramienta, no un reemplazo creativo. Sin esa sinergia, el resultado carecería de alma. ¿Lo hemos logrado? Casi. Aún hay detalles por pulir, pero cada avance nos acerca a algo nunca visto. Y eso —esa mezcla de arte, ingenio y perseverancia— es lo que hace este proyecto único”.

El reto tenía tres frentes. Convertir granos de celuloide en imágenes nítidas para una pantalla que exige 40 veces más píxeles que un cine convencional; rellenar espacios vacíos en escenas donde los cortes originales dejaban personajes "incompletos". Por ejemplo, en la secuencia del León Cobarde, la IA reconstruyó fondos y movimientos para mantener a Dorothy, el Espantapájaros y el Hombre de Hojalata en cuadro simultáneo. Y, lo más impresionante, generar actuaciones de cero. Usar IA para extrapolar movimientos y gestos de los actores originales.

"No podíamos usar CGI tradicional: habría sido carísimo y antinatural", explica Buzz Hays, veterano de Hollywood y líder en Google Cloud. "Los modelos de IA son innovadores, pero cada mes descubríamos algo imposible... hasta que lo lográbamos", comenta el Dr. Steven Hickson, investigador de Google DeepMind.

Un hallazgo clave fue el material de archivo: guiones de rodaje, fotos fijas, diseños de vestuario y hasta planos de cámara. Estos datos, introducidos en modelos como Veo y Gemini mediante fine-tuning, permitieron entrenar a la IA en el estilo visual y técnico de 1939. "Así, las pecas de Dorothy o el movimiento de Toto se integran sin perder autenticidad", detalla Hays. Hasta la profundidad de campo de las lentes originales se replicó para mantener la perspectiva dramática.

Jane Rosenthal, productora nominada al Oscar, destaca la ética del proyecto: "Warner Bros. supervisó cada cambio. No queríamos alterar la magia, solo expandirla".

Sphere no es una pantalla, sino un planeta. Su curvatura y resolución exigen reprocesar cada fotograma para evitar distorsiones. Con CGI tradicional, extender una escena de 10 segundos habría requerido semanas de animación manual. La IA, en cambio, analiza patrones y genera coherencia visual en horas. "Imagen crea texturas; Veo, movimientos; y Gemini integra datos contextuales", ejemplifica el Dr. Irfan Essa, de Google DeepMind.

Pero no todo fue automático: artistas de efectos visuales ajustaron manualmente el 20% de las secuencias, puliendo detalles donde la IA mostraba limitaciones, como en sombras complejas o expresiones faciales sutiles.

Jim Dolan, CEO de Sphere Entertainment, ve este proyecto como un "salto de fe" hacia nuevas narrativas. Aunque adaptar clásicos con IA podría ser polémico, el equipo insiste en su enfoque conservacionista: "Esto no es un remake, es un homenaje amplificado", afirma Rosenthal.

El impacto podría extenderse más allá del entretenimiento: las herramientas desarrolladas aquí podrían restaurar films dañados o llevar obras históricas a formatos modernos sin perder su alma. "Es solo el inicio", adelanta Essa. "La IA está abriendo puertas que ni siquiera sabíamos que existían".

En 1939, el truco de Fleming con el color definió una era. En 2024, la apuesta es igual de audaz: demostrar que la IA, lejos de reemplazar la creatividad humana, puede ser su cómplice para preservar y reinventar legados. Como dice Hays: "Oz siempre fue un lugar de maravillas. Ahora, gracias a la tecnología, podemos pasearnos por él".

“Esta colaboración con Google representa una inversión estratégica en el futuro del entretenimiento. Estamos explorando cómo combinar el talento humano con la inteligencia artificial para crear experiencias espectaculares en nuestros espacios. ¿Cuál será la próxima película? Aún no lo sabemos con certeza. Pero por ahora, nuestra energía está concentrada en hacer que esta primera experiencia sea extraordinaria.”, explicó el equipo a cargo.

Vuelven los Lunes Retro a Caribbean Cinemas

Con la intención de revivir grandes historias, Caribbean Cinemas continúa con las exitosas sesiones de los LUNES RETRO y la proyección de clásicos contemporáneos que protagonizan espíritus encantados, gángsters icónicos y agentes secretos con licencia para matar.

Las exhibiciones serán en Caribbean Cinemas Downtown Center y Cinemacentro Cibao y previo a las proyecciones de cada una de estas películas se llevará a cabo una presentación a cargo de un crítico de cine, quien abordará curiosidades y datos relevantes de la película de turno.

La nueva temporada de LUNES RETRO se inicia el 11 de agosto con El viaje de Chihiro, joya animada de Hayao Miyazaki que ganó el Oscar a la mejor película animada y que es considerada la mejor película de animación del siglo XXI.

El lunes 25 de agosto toca la proyección de Caracortada (1983), filme de culto dirigido por Brian De Palma, protagonizado por Al Pacino, con guion de Oliver Stone.

El 1 de septiembre le corresponde a El Cuento de la Princesa Kaguya, una joya animada dirigida por Isao Takahata, basada en una leyenda clásica japonesa. Solo se presentará en Santo Domingo.

Las proyecciones siguen el lunes 15 de septiembre con Dr. No (1962), la primera de las películas del agente James Bond, encarnado por Sean Connery. Un clásico en todo el sentido de la palabra.

Esta temporada de LUNES RETRO concluye el 29 de septiembre con Blade Runner (1982), filme de culto dirigido por Ridley Scott y protagonizado por Harrison Ford. Solo se presentará en Santo Domingo.

Esta iniciativa tiene la finalidad de inspirar a las nuevas generaciones a explorar la riqueza del Séptimo Arte más allá de los estrenos actuales. Estas películas clásicas han influenciado a generaciones de cineastas y todavía hoy conservan una vigencia artística y emocional.

Las boletas para LUNES RETRO ya están disponibles en preventa en Caribbeancinemas.com.

Loni Anderson (1945-2025)

Loni Anderson, quien interpretó a la hábil recepcionista de una emisora de radio en apuros en la exitosa comedia de televisión WKRP en Cincinnati, falleció pocos días antes de cumplir 80 años.

Anderson murió en un hospital de Los Ángeles tras una enfermedad “prolongada”, informó Cheryl J. Kagan, su publicista desde hace tiempo.

“Estamos desconsolados al anunciar el fallecimiento de nuestra querida esposa, madre y abuela”, expresó la familia de Anderson en un comunicado.

En la pantalla grande, Anderson protagonizó junto con Burt Reynolds la comedia Stroker Ace de 1983 y luego se casaron, convirtiéndose en tema habitual de los periódicos sensacionalistas antes de su complicado divorcio en 1994.

Su hijo, Quinton Reynolds, fue “la mejor decisión que tomamos en toda nuestra relación”, declaró ella durante la inauguración de un busto de bronce en la tumba de Reynolds en Hollywood, en 2021.

“Recuerdo el comienzo de nuestra relación, era tan... sensacionalista. Éramos un espectáculo todo el tiempo. Y era difícil tener una relación en ese ambiente. Y de alguna manera lo logramos a través de muchos altibajos”, le dijo Anderson.

Anderson ofreció detalles de su tumultuoso matrimonio en su autobiografía de 1995, My Life in High Heels, que dijo trataba sobre “el crecimiento de una mujer, una mujer que sobrevive”.

“Creo que si vas a escribir sobre ti misma, tienes que hacerlo con todo y defectos”, dijo Anderson mientras promocionaba el libro. “Incluso podría ser que ni siquiera cuentes las cosas más agradables sobre ti, porque estás diciendo la verdad”.

Se casó cuatro veces, la más reciente con Bob Flick en 2008.

Anderson nació el 5 de agosto de 1945 en St. Paul, Minnesota. Su padre era químico ambiental y su madre era modelo.

Su primer papel como actriz fue una parte pequeña en la película Nevada Smith de 1966, protagonizada por Steve McQueen. La mayor parte de su carrera la pasó en la pantalla chica, con papeles pequeños en calidad de invitada en S.W.A.T. y Police Woman, en la década de 1970. Después de WKRP, Anderson protagonizó la serie de comedia Easy Street y apareció en películas para televisión, incluidas A Letter to Three Wives y White Hot: The Mysterious Murder of Thelma Todd.

En 2023 coprotagonizó Ladies Of The 80s: A Divas Christmas del canal televisivo Lifetime con Linda Gray, Donna Mills, Morgan Fairchild y Nicollette Sheridan.

Globos de Oro 2026 anuncian la inscripción de candidatas.

Los Globos de Oro® anunciaron que el sitio web de inscripción ya está abierto para la 83.ª Edición Anual de los Globos de Oro®, la primera gran entrega de premios de la temporada, que se emitirá el domingo 11 de enero de 2026, por CBS Television Network y en streaming por Paramount+ en EE. UU. La ceremonia, presentada por la aclamada comediante y actriz nominada a los Globos de Oro, Grammy® y Emmy®, Nikki Glaser, se transmitirá en vivo desde el Beverly Hilton.

El dúo de productores Glenn Weiss y Ricky Kirshner, ganadores de múltiples premios Emmy® de White Cherry Entertainment (WCE), regresará por tercer año consecutivo como productores ejecutivos y showrunners de la 83.ª Edición de los Globos de Oro.

Los Globos de Oro, "La Fiesta del Año de Hollywood®", son la entrega de premios más grande del mundo que celebra lo mejor del cine, la televisión y, ahora, el podcasting. Dick Clark Productions planificará, presentará y producirá los Globos de Oro anuales, que serán vistos en más de 185 países y territorios en todo el mundo.

San Sebastián 2025: Premio Donostia para Esther García.

Siempre con la independencia, el riesgo y la excelencia como señas de identidad, Esther García (Cedillo de la Torre, Segovia, 1956) ha trabajado en más de un centenar de producciones. En 1986 se enroló en la productora El Deseo, creada un año antes por los hermanos Pedro y Agustín Almodóvar, pero antes había participado como secretaria, ayudante o jefa de producción en películas como Pim, pam, pum… ¡Fuego! (Pedro Olea, 1975), que compitió en la Sección Oficial de San Sebastián; Siete chicas peligrosas (Pedro Lazaga, 1979), Sé infiel y no mires con quién (Fernando Trueba, 1985), El año de las luces (Fernando Trueba, 1986), La vida alegre (Fernando Colomo, 1987) o El juego más divertido (Emilio Martínez Lázaro, 1988). También colaboró en series como Curro Jiménez y Los pazos de Ulloa (Gonzalo Suárez), además de en gran parte de la obra de Mariano Ozores.

Pero a partir de su primera colaboración con Pedro Almodóvar en la película Matador (1986) ha sido una pieza fundamental en todos los proyectos posteriores del director manchego, que en la pasada edición del Festival de San Sebastián recibió también el Premio Donostia. Su nombre aparece asociado al de los Almodóvar en películas como La ley del deseo (1987), que dio nombre a la productora, o Mujeres al borde de un ataque de nervios (1988), que optó al Oscar a la mejor película extranjera; un galardón que logró una década después con Todo sobre mi madre (1999). Además de La flor de mi secreto (1995), proyectada en la Sección Oficial de San Sebastián fuera de concurso, otros títulos en común son Hable con ella (2002), que brindó a Pedro Almodóvar el Oscar al mejor guion original; La mala educación (2004), que inauguró Cannes; y Volver (2006), que consiguió en el festival galo los premios al mejor guion y a la mejor interpretación femenina para todo el reparto antes de conseguir cerca de un centenar de galardones, entre ellos el FIPRESCI en San Sebastián.

Regresaron a Cannes con Los abrazos rotos (2009), La piel que habito (2011), Julieta (2016) y Dolor y gloria (2019), con la que Antonio Banderas conquistó el Premio al mejor actor. Penélope Cruz ganó el galardón a la mejor actriz con Madres paralelas (2021) en Venecia, donde La habitación de al lado (2024) se hizo con el León de Oro, máximo galardón del festival italiano. Tras esta película, que fue la Proyección Premio Donostia programada tras la gala dedicada el año pasado a Almodóvar, llegará Amarga navidad, actualmente en desarrollo y que será el vigésimo largometraje producido por Esther García para Pedro Almodóvar. También ha producido sus cortometrajes La voz humana (2020) y Extraña forma de vida (2023).

El Deseo se ha caracterizado siempre por dar oportunidad a cineastas en su día emergentes como Álex de la Iglesia, Isabel Coixet, Daniel Calparsoro, Mónica Laguna, Dunia Ayaso y Félix Sabroso o Belén Macías. Además, también ha apoyado las carreras de importantes nombres del cine iberoamericano como Guillermo del Toro, Lucrecia Martel, Damián Szifron, Pablo Trapero, Julia Solomonoff, Luis Ortega, Andrés Wood o Miguel Gonçalves Mendes. Entre sus últimas producciones destaca Sirāt (2025), con la que Oliver Laxe obtuvo el Premio del Jurado en Cannes.

Entre los numerosos galardones conseguidos por García se cuentan el Premio Nacional de Cinematografía, recogido en San Sebastián en 2018, el Fotogramas de Plata 2019 y seis Premios Goya: tres como directora de producción por Acción mutante (Álex de la Iglesia, 1993), Todo sobre mi madre (Pedro Almodóvar, 1999) y La vida secreta de las palabras (Isabel Coixet, 2005), y tres como productora por Volver (Pedro Almodóvar, 2006), Relatos salvajes (Damián Szifron, 2014) y Dolor y gloria (Pedro Almodóvar, 2019).

También se ha destacado por su compromiso feminista: es integrante de CIMA (Asociación de mujeres cineastas y de medios audiovisuales), impulsó junto a un amplio grupo de realizadoras españolas el documental colectivo Yo decido. El tren de la libertad (Made in Spain, 2014) y produjo, entre otras, no ficciones como Con la pata quebrada (Made in Spain, 2013) y Manda huevos (Sección Oficial Proyecciones especiales, 2016), ambas dirigidas por Diego Galán, o El silencio de los otros (2018), de Almudena Carracedo y Robert Bahar.

San Sebastián 2025: el afiche oficial.

El Festival de San Sebastián reconocerá con un Premio Donostia la trayectoria de la productora Esther García, figura clave en la internacionalización del cine español y latinoamericano, justo cuando se cumplen cuatro décadas de la creación de la compañía El Deseo. Además, el cartel oficial de la 73ª edición será un homenaje a la actriz Marisa Paredes, una de las estrellas más queridas del Festival desde su primera visita en 1977 y hasta su fallecimiento el pasado año.

El Centro Internacional de Cultura Contemporánea-Tabakalera ha acogido el acto de presentación de carteles, durante el cual el director del Festival, José Luis Rebordinos, y la responsable de Comunicación, Ruth Pérez de Anucita, han desvelado la concesión del Premio Donostia a Esther García, productora de El Deseo con más de un centenar de títulos a sus espaldas.

Por octavo año consecutivo, una gran figura de la cinematografía contemporánea protagoniza un cartel que desde 2018 ha estado presidido por los retratos de Isabelle Huppert, Penélope Cruz, Willem Dafoe, Sigourney Weaver, Juliette Binoche, Javier Bardem y Cate Blanchett. El póster de este año con la imagen de Marisa Paredes ha sido diseñado por el estudio donostiarra Wallijai a partir de una instantánea tomada por el fotógrafo Manuel Outumuro en Madrid en el año 2000.

Wallijai también ha confeccionado los carteles del resto de secciones, que como es habitual, mezclan fotografía e ilustración, y esta vez juegan con la idea de que todas y todos llevamos distintas películas en nuestro interior. Asimismo, cada póster incluye referencias más o menos expresas a diferentes géneros: al drama (New Directors), al cine bélico (Horizontes Latinos), al romántico y al musical (Zabaltegi-Tabakalera), a la ciencia ficción (Perlak), al anime (Nest), al terror (Culinary Zinema), a las historias de aventuras (Zinemira) y al western (Made in Spain).

 

Marisa Paredes, medio siglo de vínculo con el Festival de San Sebastián

Dotada de una singular elegancia y presencia escénica, Marisa Paredes (Madrid, 1946-2024) trabajó en más de 75 largometrajes durante una carrera repleta de personajes complejos y de gran fuerza dramática. Su carrera está asociada a directores como Fernando Trueba, Montxo Armendáriz, Jaime Chávarri, Agustí Villaronga y, sobre todo, Pedro Almodóvar, para quien trabajó en Entre tinieblas (1983), Tacones lejanos (1991), La flor de mi secreto (1995), Todo sobre mi madre (1999), Hable con ella (2002) y La piel que habito (2011). Fuera del ámbito español, Paredes también actuó a las órdenes de cineastas como los mexicanos Arturo Ripstein y Guillermo del Toro, el chileno Raúl Ruiz, el italiano Roberto Benigni y el portugués Manoel de Oliveira.

Forjada en el teatro y la televisión de los años 60 y 70, la actriz estableció un sólido vínculo con el Festival de San Sebastián desde que en 1977 visitó el certamen por vez primera como parte del elenco de El perro, un filme de Antonio Isasi-Isasmendi, que concursó en la Sección Oficial. Posteriormente visitó el certamen con Tras el cristal (Zabaltegi, 1986), de Agustí Villaronga; Mientras haya luz (New Directors, 1987), de Felipe Vega, y Tres vidas y una sola muerte (1996), obra de Raúl Ruiz incluida en Perlak, igual que Profundo carmesí (1996), de Arturo Ripstein.

Con el director mexicano repitió en El coronel no tiene quien le escriba (Made in Spanish, 1999), a la que siguieron Salvajes (New Directors, 2001), de Carlos Molinero; El espinazo del diablo (Made in Spanish, 2001), de Guillermo del Toro; Una preciosa puesta de sol (Made in Spain, 2003), de Álvaro del Amo; Crepúsculo rojo (Sección Oficial, 2003), de Edgardo Cozarinsky; Frío sol de invierno (New Directors, 2004), de Pablo Malo, y Reinas (Made in Spain, 2005), de Manuel Gómez Pereira.

En la segunda década del siglo XXI visitó San Sebastián con As linhas de torres (Zabaltegi-Especiales, 2012), de Raúl Ruiz y Valeria Sarmiento; Querido Fotogramas (Made in Spain, 2018), de Sergio Oksman, y Petra (Perlak, 2018), de Jaime Rosales. Su última participación en el Festival tuvo lugar el año pasado, meses antes de fallecer a los 78 años, cuando participó en Made in Spain como parte del reparto del documental Mucha mierda (2024), de Alba Sotorra.

Premio Nacional de Cinematografía en 1996, Goya de Honor en 2018 y presidenta de la Academia de Cine entre 2000 y 2003, Marisa Paredes fue una de las grandes damas del cine español y, como tal, sus paseos por la alfombra roja del Festival o sus apariciones en las galas fueron frecuentes. En 1994, por ejemplo, entregó la Concha de Plata al mejor actor a Javier Bardem, y cinco años después recogió en nombre de Almodóvar el Premio FIPRESCI para Todo sobre mi madre. También otorgó los Premios Donostia a Ben Gazzara en 2005 y a Liv Ullmann en 2007, y entre ambas ediciones, en 2006, su imagen quedó asociada de por vida al Festival al protagonizar el cartel de su 54ª edición, caracterizada como el personaje de Rita Hayworth en el clásico La dama de Shanghai (1947), de Orson Welles.

Por tanto, tal y como ha señalado José Luis Rebordinos, será la segunda vez que Marisa Paredes protagonice el cartel del Festival. “En 2006 fue representada como La dama de Shanghai y ahora, 19 años después, en una imagen bellísima que nos recuerda su grandeza como actriz y como persona. Y todo ello en una edición en la que uno de los Premios Donostia será para una mujer igualmente talentosa y valiente con quien Marisa trabajó en varias ocasiones, Esther García, una productora sin la que no se puede entender el cine español y latinoamericano de los últimos 40 años. Por ambos motivos, por este cartel y por este galardón, no podemos estar hoy más felices”, ha concluido.

“A tiro limpio”, desde 7 de agosto en cines.

A tiro limpio la esperada cinta de acción dirigida por Jean Guerra, se estrenará en todos los cines de Dominicana este jueves 7 de agosto.

El largometraje contará con un álbum en Spotify con las canciones y pistas de la banda sonora, entre ellas, Quien va a disparar, una colaboración de Vakeró y Paulina Guerra, canción oficial de la película.

Durante un encuentro de prensa, Jean Guerra resaltó que durante más de una década ha trabajado en este proyecto, en el género que más le gusta. “Las armas son reales, preparadas para estos fines y para el uso de balas de salva. Contamos con expertos que trajimos de Miami para poder salvaguardar la seguridad de los actores y todo el equipo, quienes nos ayudaron con los dobles y las armas, entre otros detalles que hemos cuidado para poder ofrecerles una película con altos estándares de calidad”, dijo. 

Asimismo, Frank Perozo, protagonista de la historia, resaltó que Guerra “es muy perfeccionista” y ha buscado crear un proyecto que se convierta, por su calidad, en un precedente en la historia del cine de acción en la República Dominicana. “Estoy seguro de que, A tiro limpio, abrirá oportunidades para el cine de acción, en especial a nuevos productores y directores”, sostuvo.

Por otro, Manny Pérez, antagonista, celebró el impacto de la Ley de Cine que permite que la República Dominicana sume historias de esta envergadura. “Yo me alegro de vivir en esta etapa de la industria del cine de mi país”, manifestó.

Producida por Ricardo Bardellino y Celinés Toribio, guion de Gustavo López y Miguel Yarull, cuenta la historia de un grupo de asaltantes de élite que lleva a cabo una serie de robos, cada vez más elaborados, contra un poderoso conglomerado mafioso en la República Dominicana. Sin embargo, detrás de estos golpes no solo hay ambición, sino una venganza personal contra el magnate que lo controla todo. Cuando la policía descubre sus identidades, la cacería se intensifica. Ahora, deben llevar a cabo el golpe más grande de sus vidas, mientras enfrentan a un enemigo implacable y huyen de la ley que los acecha. 

Esta esperada producción es protagonizada por Frank Perozo, junto a grandes figuras de la actuación como: Manny Pérez, Félix Germán, Celinés Toribio, Solly Durán, Manuel Varet (Vakeró), Tony Almont, Laura Díaz, Antonio Melenciano, Axel Mansilla, Abraham Marte, Kiko El Crazy, Luis del Valle y Toussaint Merionne.

A tiro limpio cuenta con Guerra Films como casa productora, además de Esencia Films y Frio Frio Productions, producida por Jean Guerra, Milbert Pérez y Fernando Rivas; dirección fotográfica de Francis Adamez, música de Joel Berrido, cuanta con la distribución mundial de Caribbean Films Distribution, mientras que el tema oficial de la película es de los cantantes Popi Guerra y Vakeró.  

La preventa de boletas para A tiro limpio ya inició a través de la página de Caribbean Cinemas.

Goya 2026: Gonzalo Suárez, Goya de Honor.

Un creador que lleva 60 años simultaneando el cine y la literatura, y apostando por la imaginación y la fantasía frente a la realidad y las formas narrativas usuales. Director, guionista, productor, escritor, periodista deportivo –firmaba sus crónicas bajo el seudónimo de Martín Girard– y actor, Gonzalo Suárez recibirá el Goya de Honor en Barcelona, ciudad en la que realizó sus primeras películas y publicó sus primeros libros.

“Me alegra mucho este premio porque abarca toda mi obra, aunque siento añoranza de que no me pille haciendo cine. Me gustaría volver a decir ‘acción’ y ‘corten’ porque el cine es acción”, manifiesta este polifacético profesional que recibió el Goya a Mejor Dirección por Remando al viento, en 1989.

La Junta Directiva de la Academia ha decidido, por unanimidad, otorgar este premio honorífico al veterano cineasta asturiano por “una trayectoria desde la que ha desarrollado una filmografía sorprendente, en la que ha experimentado con todos los géneros y desde todas las actitudes, habiendo rodado cine experimental, cine comercial y adaptaciones literarias propias y ajenas. Hombre clave en la cultura española de los últimos sesenta años, es, además, un referente indudable de inteligencia y sentido del humor”.

El cortometraje Alas de tiniebla y el mediometraje El sueño de Malinche, son los últimos trabajos profesionales de Gonzalo Suárez, que cuenta con una filmografía en la que la experimentación y la narración se dan la mano en los más de 20 largometrajes que ha firmado. “Salvo alguna excepción, no he vuelto a ver mis películas. Si volviera a empezar, haría lo mismo: inventar el cine o tratar de inventarlo y acabaría, pues como lo he hecho. Para mí, el tiempo ha sido siempre la gran incógnita: es un flash que es la vida entera y tratar de capturarlo, bien sea con gestos que luego quedan, con momentos, o con luz, es un desafío. Y esto es lo que más me apetece del cine y lo que más recuerdo de determinadas películas”, reconoce.

Ditirambo, El extraño caso del doctor Fausto, La Regenta, Morbo, Parranda, la mítica Epílogo –Premio de la Juventud del Festival de Cannes–, Remando al viento –Concha de Plata y Goya a Mejor Dirección–, La reina anónima, El detective y la muerte, Mi nombre es sombra y Oviedo Express, son algunos de los títulos de Gonzalo Suárez, que lleva publicando libros desde 1963 y desde 1966 dirigiendo películas protagonizadas por Charo López, Francisco Rabal, José Sacristán, Fernando Rey, Fernando Fernán-Gómez, Carmen Maura, Aitana Sánchez-Gijón, Victoria Abril, Marisa Paredes, Maribel Verdú, Javier Bardem, Carmelo Gómez, Ana Belén, José Luis Gómez, Carmen Sevilla, Hugh Grant, María de Medeiros, Héctor Alterio y Donald Pleasence, entre otros muchos.

“Con todos los intérpretes me he llevado bien. Y eso que me he obstinado siempre y no he parado hasta no obtener aquello que buscaba”, declara el premiado, que cumple 91 años. Actualmente se dedica más a la literatura –acaba de lanzar El caso de las cabezas cortadas y de reeditar La suela de mis zapatos, una recopilación de sus crónicas, reportajes y entrevistas del que fue el precursor del nuevo periodismo–.

Nacido en Oviedo, en 1934, y propietario de una filmografía marcada por la mezcla de géneros, de drama y humor, y la búsqueda constante de la libertad creativa, en la trayectoria de este precursor de la denominada Escuela de Barcelona, que estudió Filosofía y Letras y fue ojeador de futbolistas a las órdenes de Helenio Herrera, también figuran las producciones Aoom, Reina zanahoria, Don Juan en los infiernos, El portero y la conocida serie de televisión Los pazos de Ulloa, entre otras.

La aventura, el ir más allá, ha marcado la vida de Gonzalo Suárez. “La aventura de no saber dónde iba y así me fue, llegué a donde no iba”, apostilla el creador, quien destaca que el cine “está más en manos de las plataformas que de los productores de antaño que yo añoro como Emiliano Piedra. Eran productores para los que las películas eran parte de sí mismos, ponían el ánimo y la fuerza en un largometraje, y lo compartían sin restarme libertad”.

Guarda un recuerdo “extraordinario” de la Barcelona de los sesenta, donde empezó con el periodismo, la literatura y el cine. “Enseguida me sentí muy acogido” en la ciudad en la que recogerá el Goya de Honor, momento para el que no ha pensado en ningún discurso. “Prefiero conectarme con la situación y decir lo que siento en ese momento”, expone el cineasta, que sí tiene claro dónde colocará la estatuilla. “En un lugar prominente de mi casa”.

Aficionado al boxeo, Gonzalo Suárez tiene el Premio Nacional de Cinematografía 1991, la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes y el Premio Luis Buñuel, y ha sido nombrado Caballero de las Artes y las Letras de Francia y de la Orden de Alfonso X el Sabio, la primera vez que se otorgaba esta condecoración a un director de cine.

“La salsa vive”: el ritmo eterno.

Como fenómeno musical, la salsa nació en New York de la mano del dominicano Johnny Pacheco y se expandió a todos los países latinoamericanos y mucho más allá: hay orquestas de salsa en Turquía y Japón, para poner ejemplos sorprendentes.

La salsa vive, documental de Juan Carvajal, presenta entrevistas con leyendas del género: Rubén Blades, Henry Fiol, el peruano Alfredo Linares, Ángel Lebrón (de Lebrón Brothers) y Jairo Varela (fundador del Grupo Niche), entre otros, quienes abordan los diversos períodos que ha experimentado el ritmo, desde el dominio pleno de las salas de baile en New York, hasta su presencia permanente en Cali, denominada capital mundial de la salsa.

Precisamente en Cali se celebra, cada año, el Festival Mundial de Salsa, una competencia de baile que reúne a los que mejor mueven el esqueleto y por donde desfilan las grandes estrellas del género musical. Merecido lujo para esta ciudad del Pacífico colombiano que asumió la salsa como propia y donde mantiene una envidiable vigencia que la ha protegido contra el olvido.

Lo primero que hay que señalar es que prescinde por completo de los teóricos fríos. Quienes nos conversan son artistas, bailarines, bailadores y melómanos, es decir, protagonistas de este fenómeno musical que se mantiene hasta nuestros días.

La salsa vive muestra las calles del New York de los años 70 y los barrios de Cali de la actualidad, hermanados por un puente rítmico que ha construido una hermandad sin igual. En Cali, como en otras ciudades latinoamericanas, se respira salsa en las calles, en los bares, en las “salsatecas” desaparecidas hace años y en los salones en donde cientos de melómanos se juntan en la actualidad a escuchar un ritmo que marcó de manera definitiva a varias generaciones de inmigrantes latinos en NY.

Un señalamiento: aunque la realidad del mercado de la música hoy día es tan cambiante (la bachata y los ritmos urbanos liderando preferencias), lo cierto es que ningún otro ritmo bailable ha aportado tanto en la conformación de una identidad latina, en servir como canal de la asfixiante realidad de nuestros barrios, así como también del empeño que pone nuestra gente en “echar pa’lante”. Punto para la salsa.

La salsa vive es un emotivo trabajo que recoge, desde la perspectiva de la gente común, lo que significa para nosotros, un ritmo que funciona como fórmula mágica para convocar a la alegría y sacudirnos de los destinos que sabemos corear: Pedro Navaja, Pablo Pueblo, Juanito Alimaña, Juana Peña y el resto de la pandilla.

Todo está en saber combinar las dosis de “Amor y control” y superar los obstáculos siempre presentes para celebrarnos en nuestra resiliencia. La salsa, ese ritmo eterno, es una de nuestras herramientas más poderosas para lograrlo.

 

La salsa vive (2025). Dirección y guion: Juan Carvajal; Fotografía: Mauricio Vidal; Edición: María Clara García y Gabriel Baudet. Entrevistas: Rubén Blades, Henry Fiol, Alfredo Linares.  

Premios Sur 2025: los ganadores.

Por primera vez en 19 años, los Premios Sur se celebraron fuera de Buenos Aires.

Córdoba fue la sede elegida para esta edición histórica, que consagró a El Jockey, de Luis Ortega, como la gran ganadora de la noche, con once estatuillas.

La ceremonia, organizada por la Academia de las Artes y Ciencias Cinematográficas de Argentina, tuvo lugar en el emblemático Teatro del Libertador San Martín, colmado de figuras del cine nacional y talentos locales.

La película de Ortega se quedó con los premios a Mejor Actor de Reparto, Guion Original, Dirección de Arte, Sonido, Música Original, Maquillaje, Diseño de Vestuario, Dirección de Fotografía, Actor Protagonista, Dirección y Película, el reconocimiento más importante de la velada. La historia, ambientada en el mundo de las carreras de caballos, no solo impactó por su estética y narrativa, sino también por un elenco aclamado por la crítica.

Uno de los momentos más emotivos fue el homenaje a Guillermo Francella, quien recibió el Premio a la Trayectoria de manos del gobernador Martín Llaryora. Visiblemente conmovido, el actor expresó: “Este evento es algo hermoso. Es una distinción que me llena de orgullo. Me movilizó mucho acercarme acá. Me estimula aún más con este polo audiovisual extraordinario que tienen ustedes los cordobeses. Este crecimiento que hay para filmar en la provincia me parece algo fantástico”.

Llaryora, en tanto, destacó el valor de llevar los premios al interior: “Córdoba ve en la industria de los eventos, el arte y la cultura, una industria tan importante como las demás, que genera trabajo y progreso. Tenemos que sentirnos orgullosos los cordobeses de la industria audiovisual que tenemos, que genera tantos puestos de trabajo y posiciona a Córdoba continuamente”.

La ceremonia fue conducida por Andrea Frigerio y Martín Bossi, y contó con presentaciones artísticas de alto nivel, como las de Jairo, Eruca Sativa y Los Caligaris, todos representantes del talento local. Además, se entregaron los Premios de Honor al director cordobés Eugenio Zanetti, ganador del Oscar por Restoration, y a la histórica productora Diana Frey, responsable de títulos emblemáticos como Esperando la carroza y Plata quemada.

“Carlota, la más barrial”, desde 28 de agosto en cines.

La comedia dominicana Carlota la más barrial tuvo una parada muy especial en la Ciudad Corazón, donde su equipo presentó el tráiler y póster oficial en una rueda de prensa que contó con la presencia del director Yoel Morales; los productores Víctor Dumé y Leidy Peña; así como los actores Carasaf Sánchez, protagonista del filme y coautor del guion, y Raymond Jáquez.

La presentación permitió a los medios locales conocer de primera mano los detalles de una historia que mezcla la comedia urbana con el espíritu combativo de los barrios dominicanos. Ambientada en Villa Hermosa, Carlota la más barrial narra cómo una mujer con uniceja icónica y carácter indomable enfrenta, junto a su comunidad, la amenaza de una banda delictiva. Con humor y acción, la película resalta el poder de la organización barrial y la identidad colectiva. “La idea siempre fue contar una historia que naciera desde el barrio, con personajes que se sientan reales y cercanos. Nos alegra compartir este proyecto con la prensa de Santiago y sentir ese apoyo que impulsa el cine hecho desde aquí”, expresó Morales durante la rueda de prensa.

Los productores Víctor Dumé y Leidy Peña manifestaron su satisfacción por compartir con los medios de Santiago un adelanto de lo que será el estreno nacional de Carlota la más barrial el próximo 28 de agosto.

“Estar aquí y poder conversar sobre el trabajo detrás de esta película es parte de lo que nos motiva; sentimos el respaldo y el interés del público desde ya”, señalaron.

Aprovecharon además para agradecer a los inversionistas que hicieron posible la producción, entre ellos Sinercon, Metaldom, Cervecería Nacional Dominicana, Leterago, Cielos Acústicos, Grupo Cometa y United Petroleum.

También extendieron su reconocimiento a los patrocinadores y aliados en la difusión, como Bajaj, Billboard, Carlos Brugal, De Último Minuto, Doña Pula, El Nuevo Diario, Fundación AIB, JP Chenet, Naranja China, Pou Films, Telemicro, Vallas Groove y Wind Telecom, cuyo apoyo ha sido clave en la campaña promocional.

La película cuenta con un reparto destacado que incluye a Fausto Mata, La Materialista, Aquiles Correa, Diana Filpo, Vakeró, Manuel Raposo, José Miguel Fernández, Ovandy Camilo y Papachín Lendor, entre otros talentos que dan vida a esta historia cargada de humor y sentido de comunidad.

Carlota la más barrial es una producción de Dukesa Films y La Aldea Estudio, dos casas productoras dominicanas comprometidas con un cine que nace desde lo local y dialoga con lo social.

El equipo técnico está encabezado por Francis Adamez (dirección de fotografía), Rosanna Batista (dirección de arte), Wander Reynoso (música original) y Samuel Muñoz (diseño sonoro). El estreno en las saalas de cine está programado para el 28 de agosto.

Venecia 2025: la Selección Oficial.

El mexicano Guillermo del Toro, el griego Yorgos Lanthimos y los estadounidenses Kathryn Bigelow, Noah Baumbach yJim Jarmusch competirán, entre otros, por el León de Oro de la 82 edición del Festival de Venecia, que ha presentado una espectacular cartelera de filmes, también fuera de concurso y en otras categorías.

Entre los cineastas con películas presentes en el Lido, del 27 de agosto al 6 de septiembre, hay nada menos que cinco ganadores del Oscar y tres de ellos mujeres: Del Toro, Bigelow, Sofia Coppola, Charlie Kaufman, Laura Poitras, además de 9 Leones de oro, incluidos dos a la carrera, los de Marco Bellocchio y Werner Herzog.

Frankenstein (Del Toro), Begonia (Lanthimos), A House of Dynamite (Bigelow), Jay Kelly (Baumbach), Father Mother Sister Brother (Jarmusch), The Wizard of the Kremlin (Assayas) y The Smashing Machine (Safdie) fueron los títulos más destacados de los anunciados en rueda de prensa por el director de la Mostra, Alberto Barbera.

La «esperadísima» y «espectacular» cinta del mexicano, según Barbera, es una de las grandes apuestas de la edición por un cineasta ya ganador del León de Oro con La forma del agua (2017), que sumó también cuatro Oscar (mejor filme, director, guion y banda sonora).

El festival será inaugurado la tarde del 27 de agosto con La grazia, el último filme de Paolo Sorrentino, que ha rodado rápido tras su Parthenope (2024) para buscar de nuevo el ‘León de Oro’, dos años después de intentarlo con su obra más personal, Fue la mano de Dios, León de Plata en 2023.

Lanthimos competirá con Bugonia, una cinta sobre los delirios conspiranoicos con la que ahondará en su provechosa relación con Emma Stone, mientras Bigelow regresa a Venecia tras competir en 2008 con En tierra hostil, con la que se convirtió en la primera mujer en ganar un Óscar a la mejor dirección.

Reparto de altura es el de Jay Kelly, una comedia protagonizada por George Clooney y Adam Sandler, que interpretan a un actor en crisis y su representante en un viaje por Europa, mientras el filme de Safdie es una biografía sobre el luchador Mark Kerr, al que da vida Dwayne Johnson, que comparte cartel con Emily Blunt.

Julia Roberts acude por primera vez a Venecia y lo hace de la mano de Luca Guadagnino para presentar, fuera de concurso, After the Hunt, un thriller inspirado en el movimiento #MeToo, en el que comparte protagonismo con Andrew Garfield y que marca el regreso del director a la Mostra tras Call Me by Your Name (2017).

También en esa sección, el director estadounidense Julian Schnabel presentará In the End of Dante, una película con un reparto deslumbrante que incluye a la israelí Gal Gadot, conocida por su papel de Wonder Woman, Gerard Butler o el legendario Al Pacino, que participa asimismo en Dead Man’s Wire, de Gus Van Sant.

Entre los documentales fuera de competición figura Nuestra Tierra, de Lucrecia Martel, que, según explicó Barbera, ha necesitado «muchos años para completar las investigaciones y encontrar las forma de reconstruir el homicidio» del indígena Javier Chocobar.
La representación española correrá a cargo del director Jaume Claret Muxart y de la incombustible Carmen Maura, mientras que el cineasta Javier Espada presentará el documental Memoria de los olvidados, sobre Luis Buñuel.

Maura regresará a Venecia como protagonista de la película Calle Málaga de la realizadora marroquí Maryam Touzani, en la sección Venecia Spotlight, mientras que Claret competirá con su ópera prima Extraño río, inspirada en sus propios viajes familiares, en Horizontes.

René Fortunato (1958-2025)

René Fortunato era un tipo de armas tomar, en el mejor sentido de la palabra. Un cineasta comprometido con restaurar la memoria colectiva de Dominicana a través de sus documentales, poniendo especial interés en que quedara claro quiénes jugaron como los protagonistas y quienes como antagonistas que operaban para su beneficio personal.

Reconocido como uno de los pilares del cine documental dominicano, Fortunato dedicó su vida a rescatar la memoria colectiva de nuestra nación a través de obras como Abril: La trinchera del honor, El Poder del Jefe, la trilogía sobre Trujillo, La violencia del Poder, Caamaño: de militar a guerrillero, entre muchos otros trabajos que marcaron hito en la historia del documental dominicano.

Actualmente se exhibe en cines su último filme, Triunfo de la democracia.
Su legado artístico y su compromiso incansable con la historia y la identidad dominicana han sido fundamentales para el fortalecimiento de nuestra cinematografía. Con una visión rigurosa y una narrativa comprometida, Fortunato no solo documentó personajes y procesos, sino que también sembró conciencia en generaciones de cineastas y ciudadanos.

Su partida deja un vacío irreparable, pero su obra permanecerá viva como testimonio de la dignidad y la memoria histórica de nuestra República Dominicana.

“Pitufos”, desde 17 de julio en cines.

La esperada película Pitufos se estrena en los cines de Caribbean Cinemas desde este jueves 17 de julio para aprovechar las vacaciones de verano. Esta nueva entrega promete rescatar la esencia de los personajes clásicos, pero con un giro fresco y musical.

Dirigida por Chris Miller (conocido por El Gato con Botas y Shrek 3) y escrita por Pam Brady, esta cinta es una producción de Paramount Animation junto con Nickelodeon Movies y el estudio belga Lafig Belgium. La animación corre a cargo de Cinesite, que brinda un estilo moderno a la historia original del cómic.

Pitufos cuenta la historia de cuando Papá Pitufo es secuestrado misteriosamente por los malvados magos Razamel y Gargamel, y Pitufina lidera a los pitufos en una misión al mundo real para salvarlo. Con la ayuda de nuevos amigos, los pitufos deben descubrir qué define su destino para salvar el universo.

El cómic original de los pitufos es del belga Peyo y data de 1958. Pero fue en 1981, cuando en Estados Unidos se produjo la serie animada de televisión producida por Hanna-Barbera que los Pitufos se ganaron un lugar privilegiado en la cultura popular de Estados Unidos y gran parte del mundo.

La primera película para cine fue Los Pitufos (2011, Raja Gosnell) que recaudó unos $563 millones en las taquillas. Por supuesto, hubo secuelas: Los Pitufos 2 (2013) y, más recientemente, Los Pitufos: la aldea perdida (2017).

A nivel mundial, los Pitufos son considerados íconos culturales intergeneracionales de la cultura popular y, por supuesto, han sido objeto de interpretaciones políticas y análisis sociológicos.

Pitufos se estrena desde este jueves 17 de julio en los cines de Caribbean Cinemas.

SmartFilms, el festival de cine más incluyente del mundo, llega a República Dominicana.

La industria cinematográfica dominicana da un salto cualitativo con la llegada de SmartFilms, el aclamado festival de cine con celulares que se ha consolidado como el más inclusivo y democrático del mundo. De la mano de los reconocidos actores y productores Evelyna Rodríguez y Danilo Reynoso, esta innovadora plataforma aterriza por primera vez en el país, para democratizar el acceso al conocimiento cinematográfico y potenciar el talento local.

SmartFilms, que celebra más de una década de éxito en Colombia (país de origen), México y Paraguay, se distingue por su enfoque en el cine al alcance de todos, ofreciendo una oportunidad única para que cualquier persona con un celular y una historia que contar, pueda participar y formarse de manera gratuita.

Como parte de su despliegue en el país, SmartFilms Dominicana presentará “La Ruta Peliculera”, una ambiciosa gira académica que llevará a destacados profesionales del cine nacional a 16 localidades a lo largo y ancho de la República Dominicana. Este evento de aprendizaje nacional recorrerá: Distrito Nacional, Azua, San Cristóbal, Valverde, Puerto Plata, Samaná, Santiago, Santo Domingo y La Altagracia, brindando talleres y charlas sobre cómo crear historias de calidad utilizando un dispositivo móvil.

A partir del 28 de julio, se anunciarán las categorías y requisitos para participar en SmartFilms Dominicana. El festival está abierto a profesionales, estudiantes, aficionados y a todo aquel que sienta el deseo de contar una historia, sin importar su edad o experiencia previa. Esta iniciativa busca incentivar la industria audiovisual a la vanguardia de las nuevas tecnologías, abriendo oportunidades para todos y combinando una agenda académica que visitará cada rincón del país.

“Hace tres años conocimos esta idea, nos enamoramos y desde entonces hemos estado trabajando para acercar el cine a todo el mundo y despertar la chispa creativa que todos llevamos dentro”, afirmó Reynoso. 

De su parte, Evelyna Rodríguez agregó: “Nosotros hemos sido producto de una oportunidad y sé que hay muchos jóvenes deseosos de contar sus historias. Esta herramienta, con tan solo un celular, los invita a hacerlo”, mientras que la Directora General de Cine, Marianna Vargas Gurilieva, externó “Desde la DGCine celebramos esta iniciativa que conecta con el corazón de lo que es el cine: contar historias que nos muevan, nos identifiquen y nos transformen. Apostamos a que más voces, más miradas y más territorios se sumen a esta ola creativa que pone la tecnología al servicio del talento”.

Con un recorrido que abarca 25 ciudades latinoamericanas y un impacto en más de 150,000 personas, SmartFilms ha logrado consolidarse como un referente global. Ha recibido más de 8,000 cortometrajes, demostrando su capacidad para reducir la brecha digital, sensibilizar sobre causas nobles y despertar un espíritu de pertenencia a través de cada historia contada; en fin, democratizar el acceso a la industria del cine.

A lo largo de sus 10 años de trayectoria, SmartFilms ha sido merecedor de importantes reconocimientos, como el premio a la “PYME más creativa y de mayor impacto social” por la Organización Mundial de Propiedad Intelectual (OMPI) y el de "Marca con Propósito", otorgado por la Revista Forbes.

SmartFilms llega a República Dominicana por el respado de la Asociación Cibao, Caribbean Cinemas, M Studio, el Consejo de Desarrollo Económico y Social de Santo Domingo, Expo Sostenibilidad, DGCine y Cinemateca Dominicana. Se suman como aliados Grupo de Medios Telemicro, Listín Diario, De Último Minuto, Front Stage y Cine Dominicano, mientras que Ron Siboney y White Claw agazajaron los invitados que se dieron cita en Agora Mall, junto a Rueda Cine.

 

Para más información sobre SmartFilms Dominicana, categorías y requisitos de participación, visite www.smartfilms.do y siga sus redes sociales en @smartfilmDominicana

Amaury Sánchez presenta “Todo Hollywood”: las grandes bandas sonoras del cine.

El maestro Amaury Sánchez anunció la puesta en escena del concierto musical Todo Hollywood, una gran gala dedicada a las bandas sonoras más emblemáticas del cine. La función está programada para el viernes 30 de agosto a las 8:30 de la noche, en la sala Carlos Piantini del Teatro Nacional Eduardo Brito.

El espectáculo será interpretado por la Orquesta Filarmónica de Santo Domingo, compuesta por más de 60 músicos, bajo la dirección y producción musical del propio Sánchez.  

Todo Hollywood promete ser una experiencia inmersiva y nostálgica para los amantes del séptimo arte, con un repertorio que incluirá piezas de películas como Star Wars, Cazadores del arca perdida, Gladiador, Spiderman, Skyfall, entre muchas otras.

La producción contará con invitados especiales para algunas interpretaciones, así como otras sorpresas durante la velada.

“Los temas originales de películas, conocidos como original score, son como la música clásica de nuestra era”, expresó Amaury Sánchez.

“Muchos de ellos tienen estructuras complejas que demandan una ejecución precisa, y además han alcanzado la categoría de clásicos imperecederos”.

Con este trabajo, el maestro Amaury Sánchez continúa innovando en la escena, reafirmando su compromiso con la calidad artística y la evolución del espectáculo musical en República Dominicana.

Esta propuesta forma parte del ciclo de presentaciones que viene desarrollando la Orquesta Filarmónica de Santo Domingo, orientado a llevar arte, cultura y entretenimiento a nuevos públicos, conectando la música académica con otras expresiones culturales.

La producción combinará ejecución orquestal en vivo con recursos escénicos y visuales que evocarán el universo cinematográfico, haciendo de la gala una experiencia integral tanto para melómanos como para cinéfilos.

Las boletas estarán a la venta a través de la plataforma Uepa Tickets y en la boletería del Teatro Nacional Eduardo Brito.