Leila Paghdipari apresada en Irán.

Texto íntegro del comunicado de la Coalición Internacional de Cineastas en Riesgo:

La Coalición Internacional de Cineastas en Riesgo y sus instituciones fundadoras, el Festival Internacional de Cine de Rotterdam, el Festival Internacional de Cine Documental de Ámsterdam y la Academia de Cine Europea, junto con el Festival Internacional de Cine de Berlín, la Academia de Cine Independiente de Bielorrusia, la Academia de Cine Catalán, la Academia de Cine Alemán, La Academia de Cine de Luxemburgo, la Academia de Cine Portuguesa y la Academia de Cine de Ucrania protestan con vehemencia contra el arresto de la escenógrafa y diseñadora de vestuario iraní Leila Naghdipari y exigen su liberación inmediata e incondicional.

Nos sorprende escuchar del embajador del CIFR, el director iraní Jafar Panahi, quien ha sido arrestado repetidamente por las autoridades iraníes, que Leila Naghdipari “fue arrestada en el aniversario de la muerte de Mahsa Amini. Todos los esfuerzos de su esposo El productor y cineasta Majid Barzegar, así como otras personalidades del cine iraní, no han servido de nada."

“Leila tiene asma y una enfermedad autoinmune”, continúa, “que le obliga a tomar medicamentos todos los días, que no le permiten recibir desde hace una semana.

Estoy preocupada por Leila y me preocupa el cine iraní”.

Y nosotros también.

Apoyamos a Jafar y a todos aquellos en Irán que defienden sus derechos humanos básicos y la libertad de expresión y pedimos a las autoridades iraníes que liberen inmediata e incondicionalmente a Leila Naghdipari y sus colegas. Alentamos a todas las instituciones cinematográficas y culturales de todo el mundo a hacer lo mismo. También conocemos otros casos, incluido el de la actriz Masoumeh Ghasemipour, y estamos igualmente preocupados por ellos, los vigilamos de cerca y seguiremos publicando información tan pronto como se confirme.

“El Conde”: exquisita sátira de Pablo Larraín.

Augusto Pinochet es un vampiro de 250 años que ha engañado a todo Chile fingiendo su propia muerte y vive retirado en una estancia muy al sur. Se siente orgulloso de haber asesinado algunos rojos en el nombre de la Patria, pero no soporta que le acusen de ladrón. En un rapto de conciencia, decide morirse de verdad y convoca a su familia para tales fines.

Esta es la traviesa premisa de Pablo Larraín en El Conde, una deliciosa sátira que le permite diseccionar, como si de una autopsia se tratara, e inventariar, como si de un juicio de fondo se tratara, las atrocidades y excesos de la dictadura de Pinochet, ahora que se cumplen 50 años del golpe militar contra Salvador Allende.

El tema Pinochet no es ajeno para Larraín: recordemos que le dedicó toda una trilogía a esa dictadura: Tony Manero (2008), Post Mortem (2008) y NO (2012), primer filme chileno nominado al Oscar. Lo que resulta novedoso es el enfoque: desde la sátira, tan efectiva como el drama en términos de denuncia social y que permite una libertad argumental que no conoce límites. Desde Aristófanes, la sátira ha servido y sirve para exponer las barbaridades que los hombres del poder han cometido a lo largo de la Historia, esa que se escribe con mayúsculas.

A ese respecto, el propio Larraín nos comenta: “La sátira es la mejor manera de enfrentarse a él. La sátira es un mecanismo para aproximarse a personajes de esta naturaleza, porque permite verlos y observarlos, pero al mismo tiempo tener la distancia correcta con ellos. Además, la sátira permite circular en el tiempo de una manera fascinante y hacerlo de forma divertida.”

Sigo con Larraín: “La impunidad provoca inmortalidad en el imaginario”. Un dictador que permanece en nuestras vidas por tanto tiempo es un vampiro. En Dominicana tenemos los propios. El dictador/vampiro es una ominosa presencia que invocamos de generación en generación, sin que los nuevos políticos tengan siquiera interés en exorcizar la sociedad de semejante demonio. Esa permanencia le conviene a sus intereses de ser eternos también. Esa permanencia les da luz verde en sus desmedidas ambiciones materiales.

Pinochet, como cualquier buen vampiro, alimentó el miedo a su figura con sangre del pueblo. Pinochet, como cualquier buen depredador, alimentó su ego con el corazón de lo mejor de la juventud de su época de oscuridad. También se vale consumirlos triturados en espesa batida. Otros, fueron lanzados al mar, atados a una barra de acero.

Esa titánica labor de instaurar el orden donde los socialistas han sembrado el caos, no tiene precio. Sin embargo, el erario siempre soporta transferencias bancarias millonarias a otros países. Algunas dejan huellas, para satisfacción de los sabuesos de la justicia nueva, otras simplemente duermen protegidas en Suiza y se convierten en el botín familiar para vivir como príncipes. Un vampiro, en este caso económico, va a chupar todo el flujo de efectivo y oro que le permiten sus privilegios imperiales y va a garantizar sus reservas de rey, por toda la eternidad.

Parecería una maldición bíblica. Y lo es. Ningún vampiro llega a controlar el reino sin la complicidad de los demás chupadores de sangre, a veces disfrazados de mansos corderos para engañar incautos y cobrar el diezmo, que controlan el despertar de las almas.

Otros vampiros explotan los sectores que aportan la mayor riqueza y, de alguna manera, contribuyen con su pinta de sangre (y algunas vírgenes) para hacer del vampiro un ser cada vez más poderoso, más indestructible, más intocable.

En términos de su realización, El Conde nos muestra a un Larraín con absoluto dominio de su oficio de narrador, un director capaz de mantener un ritmo trepidante en su cuento gótico con matices surrealistas. A eso contribuye mucho la fotografía de Edward Lachman (Dp de la trilogía Paraíso, de Ulrich Seidl) y la dirección de arte de Tatiana Maulen. En la parte actoral, Jaime Vadell y Alfredo Castro nos regalan un tour de force absolutamente maravilloso.

El Conde nos seduce como exquisita sátira y brillante ejercicio de creatividad cinematográfica. De los mejores estrenos del año.

 

El Conde (2023). Dirección: Pablo Larraín; Guion: Guillermo Calderón y Pablo Larraín; Fotografía: Edward Lachman; Edición: Sofía Subercaseaux; Elenco: Jaime Vadell, Alfredo Castro, Paula Luchsinger, Gloria Münchmeyer.

Los Globos de Oro con 2 nuevas categorías.

En su esfuerzo por recuperar la notoriedad y el prestigo de antaño, los Globos de Oro han creado dos nuevas categorías.

Así, en la 81.ª entrega de los galardones que anualmente concede la Asociación de la Prensa Extranjera de Hollywood (HFPA) premiaran al mejor blockbuster y mejor interpretación de comedia en vivo en televisión.

En esta etapa de relanzamiento de los premios, ya se sabe que en la gala que se celebrará el domingo 7 de enero de 2024, los Globos de Oro presentaran dos nuevas categorías que premiarán a las películas de éxito con alcance mundial, ya sea en taquilla o en streaming, así como a la mejor actuación en un monólogo cómico, la también conocida como stand-up comedy.

El primero de estos nuevos premios es el Globo de Oro al mérito cinematográfico y de taquilla. Los candidatos elegibles serán las películas más taquilleras en salas o más vistas en plataformas de streaming del año que, además, también ofrezcan excelencia creativa.

Para optar a este premio los filmes deben haber recaudado al menos 150 millones de dólares durante su estreno, 100 millones de los cuales deben proceder de la taquilla estadunidense.

Según la organizacón, se tendrán en cuenta las películas en streaming con un número de espectadores equivalente, basándose en datos de “fuentes reconocidas de la industria”.

Ocho películas optarán a ese premio al mejor blockbuster y las nominadas para este galardón también podrán competir en categorías como mejor película en las categorías de drama o comedia.

La segunda categoría nueva, mejor interpretación de comedia en televisión, reconoce el trabajo de los cómicos en el formato tradicional del monólogo o stand-up.

En esta categoría se tendrán en consideración los especiales de comedia emitidos en televisión tradicional, cable y también streaming. En todo caso, para optar a este premio los monólogos de comedia deben tener un distribuidor reconocido y no se admitirán trabajos publicados en redes sociales.

“Los Globos de Oro tienen una rica historia de apoyo y celebración del trabajo de los cómicos, y estamos encantados de honrar su brillantez junto a las actuaciones más destacadas del año en cine y televisión”, afirma la presidenta de los Globos de Oro, Helen Hoehne. “Además, estamos orgullosos de reconocer el duro trabajo y la innovación que conlleva hacer una película que sea a la vez un éxito de taquilla y artísticamente excepcional”, señaló Hoehne.

Premio Lumière 2023: Wim Wenders.

El cineasta Wim Wenders, autor de películas como París, Texas (1984) o El cielo sobre Berlín (1987), recibirá el Premio Lumière 2023, anunció el festival que lleva el nombre de los inventores del cine.

El realizador de 85 filmes y guionista de otros 52, es “un gigante del cine que encarna la renovación del cine alemán y europeo en los años 1970-80”, explicó el festival en el comunicado que anuncia el galardón.

Wenders, de 78 años, es un “cineasta errante, que ha reinventado la road movie” y “tras una carrera plena acaba de realizar en 2023 un vertiginoso retorno con dos nuevas películas”, añade el Festival Lumière, dirigido por Thierry Frémaux, que también es delegado general del Festival de Cannes.

La ceremonia de entrega tendrá lugar el próximo 20 de octubre en la ciudad francesa de Lyon y será precedida de una tradicional clase magistral en el Teatro Célestins, moderada por Frémaux.

Dentro de esta decimoquinta edición del festival, habrá una retrospectiva de algunas de las principales películas de Wenders, con copias restauradas, y un preestreno de su última película Perfect Days, que se proyectará en salas en noviembre.

También se exhibirá el documental Anselm, que se habrá estrenado pocos días antes.

Además, dos exposiciones fotográficas en las galerías del Instituto Lumière mostrarán de forma paralela el importante trabajo de Wenders con la imagen fija.

Los anteriores ganadores del premio han sido el estadounidense Tim Burton (2022), la neozelandesa Jane Campion (2021) y los hermanos belgas Jean-Pierre y Luc Dardenne (2020).

La entrega del premio es el momento culminante del Festival Lumière, que tiene lugar en Lyon, la ciudad en que Louis y Auguste Lumière crearon el primer cinematógrafo y rodaron en 1895. 

“Carlos”: la magia de Santana.

El 16 de agosto de 1969, Carlos Santana debutó en el Festival Woodstock y sacudió de tal manera a los asistentes con su mezcla de rock, blues y música africana, que todos lo sintieron como una experiencia religiosa. Y lo fue.

El sonido de la guitarra de Santana es capaz de elevarnos hasta alturas impensadas y calmarnos los demonios en nuestro interior. Era indudable: ese sonido nos unía en un solo ser de luz y paz, y también nos hacía alcanzar el éxtasis del frenesí de los cuerpos sudorosos: lo espiritual y lo pasional en una sola nota.

Carlos, de Rudy Valdez, es un formidable documental que repasa la vida de un guitarrista que puede ufanarse de unir varias generaciones con su música. La clave radica en que el propio Carlos Santana le garantizó total acceso a todos los aspectos de su vida y su carrera, la mayoría muy conocidos por sus fanáticos. Esa es la gran virtud de este filme: Santana pone a disposición del director todos los archivos audiovisuales que posee (incluyendo algunos videos caseros) y, lo más importante, se brinda a una conversación franca entre amigos, al calor de una fogata en el desierto: nada oculta y nada tiene que ocultar.

Carlos Santana es el perfecto ejemplo del “Sí, se puede”: hijo de un músico de mariachi, desde su infancia soñó con alcanzar fama y dinero, pero también con estremecer almas y encaminarlas, como un shamán que nos guía a nuevos mundos, hacia un estadio de equilibrio emocional a través de su música.

Carlos nos muestra aquellos duros inicios en que ser latino en Estados Unidos era un lastre a veces muy pesado (todavía hoy puede ser problema) y este mejicano, orgulloso de sus raíces, lo incluyó como parte de sus raíces musicales. Santana reconoce las influencias que tiene de John Coltrane, Miles Davis y B.B. King, pero también de Javier Bátiz, Mongo Santamaría y Tito Puente, este último el compositor de Oye como va, uno de sus mayores éxitos.

Cuando se viene de la extrema pobreza y se conoce el éxito desbordado de Santana es obvio que se pierde el equilibrio (a veces el juicio). Esa vida de sexo, drogas y rock and roll (todo mezclado y en exceso) solo conduce al nacimiento del mártir. Por suerte, Santana encontró a Sri Chinmoy, maestro de la meditación, quien le orientó por más de una década y le condujo al estadio mental que le permitió producir discos como Caravanserai (1972), una vaina demasiado espiritual para sus sorprendidos fanáticos.

Pero Carlos Santana es el perfecto ejemplo del “Reinventarse sin renunciar a su identidad”: con Supernatural, su premiado álbum de 1999, no solo consiguió el Grammy, como reconocimiento de la industria de la música, sino también la admiración de una nueva generación de oyentes, la gente del nuevo siglo, que no pudieron resistirse al llamado salvaje de su música.

“Magia es cuando tú controlas los elementos para captar el corazón de la gente”, ha dicho el músico. Carlos recoge, de manera muy significativa, lo ocurrido el 22 de agosto de 1982, en Altos de Chavón: apenas arrancó el concierto, Changó abrió de par en par las compuertas del cielo. Pero nadie se inmutó con el aguacero bíblico: todos bailaban hechizados por la música de Santana: eso es magia. Quien suscribe, no podía ni soñar con estar ahí. Tuve que esperar 27 años, hasta el 7 de marzo de 2009 para corear, en ese mismo escenario, su Black Magic Woman.

Y sí: fue una experiencia religiosa.

 

Carlos (2023). Dirección y guion: Rudy Valdez; Fotografía: Rudy Valdez; Edición: Viridiana Lieberman y Sierra Neal; Música: Carlos Santana; Elenco: Carlos Santana, José Santana, Deborah King, Cindy Blackman.

“La sociedad de la nieve”, a por el Oscar para España.

La Academia de Cine ha elegido La sociedad de la nieve, dirigida por J.A. Bayona, como representante española en la 96 edición de los Premios Oscar. La actriz Bárbara Lennie, acompañada por el presidente de la Academia, Fernando Méndez-Leite, y la notaria Eva Fernández Medina, ha anunciado la decisión de los académicos en un acto que tuvo lugar en la Academia de Cine.

Película de clausura del Festival de Venecia, La sociedad de la nieve supone el regreso al español de J. A. Bayona, que no rodaba en nuestro idioma desde El orfanato. La sociedad de la nieve retrata la tragedia de los Andes de 1972, cuando el vuelo 571 de la Fuerza Aérea Uruguaya, fletado para llevar a un equipo de rugby a Chile, se estrelló y los supervivientes quedaron atrapados en uno de los entornos más hostiles e inaccesibles del planeta. La sociedad de la nieve es su quinto largometraje y también participará en la sección ‘Perlak’ del Festival de San Sebastián.

 Es la segunda vez que una película de Bayona representa a España en Hollywood, ya que El orfanato fue elegida en 2007 para la carrera de los Oscar 2008.

Habrá que esperar hasta el próximo 21 de diciembre de 2023, fecha en la que se desvelará la shortlist de los Oscar, para conocer si La sociedad de la nieve continúa su carrera por lograr la estatuilla a la Mejor Película Internacional. El 23 de enero conoceremos las cinco películas nominadas en esta categoría y la ceremonia de los Oscar tendrá lugar el 10 de marzo de 2023.

Después de conocer la noticia, el director J.A. Bayona y el protagonista Enzo Vogrincic, se unieron a las productoras Belén Atienza y Sandra Hermida para compartir su alegría por la selección de los miembros de la Academia. “Después de siete años sin rodar en España tenía ganas de volver a casa, con mi gente, rodar una película mía…y tener el respaldo de los colegas me llena de satisfacción”, ha manifestado emocionado Bayona.

“Nos ha costado diez años financiar esta película y poder hacerla en español”, recordaba visiblemente contento el realizador, que ha destacado el trabajo de cada uno de los departamentos de la película, del equipo técnico y artístico. Asimismo, ha asegurado que la película –que sigue con su recorrido en festivales hasta el mes de noviembre– se podrá ver exclusivamente en cines antes del estreno en la plataforma.

“El método”, desde 21 de septiembre en cines.

Sky Films y Cacique Films estrenan, desde este jueves 21 de septiembre, El método, una producción dirigida por David Maler. La película cuenta con las actuaciones de Nashla Bogaert, Héctor Aníbal, Georgina Duluc, Pepe Sierra, Yasser Michelén, Dahiana Castro y Roger Wasserman. El filme es distribuido por Caribbean Films.

El método llega a las salas de cine del país este jueves después de convertirse en la gran ganadora del Festival de Cine Fine Arts “Hecho en RD”, donde se alzó con los premios en las categorías de Mejor película, Mejor director (David Maler) y Mejor actor principal (Pepe Sierra).

La película combina con maestría el drama, el thriller y la comedia, resultado de la visión de David Maler de la obra de teatro El método Gronholm (de Jordi Garceran), quien además de dirigirla, coescribió su guion junto a Andrés Curbelo.

“Dirigir El método ha sido una experiencia maravillosa. El proceso de filmación fue un nuevo desafío para nosotros ya que fue la primera vez que asumíamos el reto de filmar el 99% de la película en una sola locación. Estamos muy contentos con el resultado final”, destacó Maler.

“Ya a partir del 21 de septiembre, la película le pertenece al público. Sé que la gozarán tanto como la gozamos nosotros al filmarla. Agradezco a todo el elenco y al equipo técnico que formó parte de esta película. Fue un tremendo trabajo en equipo”, enfatizó.

Por su parte, el empresario Pedro García, uno de los productores de la película, reveló que El método es la segunda producción cinematográfica de Sky Films.

“Esta película ha superado nuestras expectativas en todos los sentidos, y solo eso produce una gran satisfacción. Que se convirtiera en la película más galardonada en el III Festival de Cine Fine Arts “Hecho en RD” es una grata satisfacción adicional. Espero que el público la disfrute tanto como nosotros”, comentó García.

Toronto 2023: los ganadores.

Tras dos semanas de proyecciones que, por norma general, suelen ser la primera parada de la carrera hacia la ansiada ceremonia de entrega de los Óscar, el TIFF 2023 ha dado punto y final otorgando el People's Choice Award a American Fiction, la sátira de la industria literaria escrita y dirigida por Cord Jefferson y protagonizada por Jeffrey Wright que gira en torno a un novelista que alcanza el éxito tras publicar una novela deliberadamente estúpida sobre la vida de las personas de raza negra.

De este modo, el título de Jefferson se posiciona como uno de los grandes favoritos a llevarse la estatuilla dorada en los Premios de la Academia de Hollywood, ya que 11 de los 14 últimos ganadores del People's Choice han terminado rascando al menos una nominación, incluyendo a las ganadoras Nomadland y Green Book y a aspirantes como La La Land y Tres anuncios por un crimen.

 A continuación, la lista completa de ganadores de la edición 2023 del Toronto International Film Festival, que incluye, entre otras galardonadas, a la última apuesta de A24:

People’s Choice Award: American Fiction (Cord Jefferson)

People’s Choice Award Documental: Mr. Dressup: The Magic of Make-Believe (Robert McCallum)

People’s Choice Midnight Madness: “Dicks: The Musical” (Larry Charles)

Premio Platform: “Dear Jassi” (Tarsem Singh Dhandwar)

Mejor película canadiense: “Solo” (Sophie Dupuis)

Mejor cortometraje: “Electra” (Daria Kascheeva)

Mejor cortometraje canadiense: “Motherland” (Jasmin Mozaffari)

#ShareHerJourney Award: “She” (Renee Zhan)

Premio NETPAC: “A Match” (Jayant Digambar Somalkar)

Premio FIPRESCI: “Seagrass” (Meredith Hama-Brown)

Premio Amplify Voices a la mejor película BIPOC canadiense: “Kanaval” (Henri Pardo)

Premio Amplify Voices a la mejor ópera prima BIPOC canadiense: “Tautuktavuk” (Carol Kunnuk and Lucy Tulugarjuk)

Premio Amplify Voices BIPOC Canadian Trailblazer: Damon D’Oliveira

Premio Changemaker: “We Grown Now” (Minhal Baig)

“Carlos”, 23 y 27 de septiembre en cines.

Cuando Carlos Santana debutó en el Festival Woodstock, el 16 de agosto de 1969, sacudió de tal manera a los asistentes con su mezcla de rock, blues y música africana, que todos lo sintieron como una experiencia religiosa. Y lo fue.

El sonido de la guitarra de Santana era capaz de elevarnos hasta alturas impensadas y calmarnos los demonios en nuestro interior. Era indudable: ese sonido nos unía en un solo ser de luz y paz, y también nos hacía alcanzar el éxtasis del frenesí de los cuerpos sudorosos: lo espiritual y lo pasional en una sola nota.  

Los días 23 y 27 de septiembre se presentará en los cines Carlos, un audiovisual que celebra la trayectoria de uno de los mayores íconos de la música: Carlos Santana.

Si eres fanático de Santana, podrás disfrutar en primicia de la nueva película Carlos, que incluye una presentación del director Rudy Valdez y del propio Santana, en exclusiva para este evento.

A los 5 años, Santana aprendió a tocar el violín en su México natal. A los 8, desarrolló un amor por la guitarra que lo acompañaría toda su vida. A los 14, perfeccionó sus dotes de virtuoso con la guitarra y su estilo interpretativo como músico callejero, y creó su propia banda tiempo después, cuando aún era un adolescente.

Y a los 22, justo antes del ovacionado lanzamiento de su primer álbum, Santana se convirtió en uno de los mayores descubrimientos de Woodstock, cuando se presentó en la segunda tarde del famoso festival.

Leyenda de la industria musical desde hace 50 años y sensación mundial ganadora de 10 premios Grammy, Santana sigue siendo uno de los artistas más destacados del ambiente musical, fusionando el jazz, el blues y el sonido mariachi con una espiritualidad propia del rock n' roll y un sentido de conexión con el nexo primario de la música hacia nuestras emociones más profundas.

El electrizante documental Carlos combina entrevistas inéditas con Santana y su familia, y un extraordinario material de archivo nunca visto, que incluye grabaciones caseras realizadas por el propio Santana, imágenes de conciertos y momentos entre bastidores, para que el director Rudy Valdez, ganador de dos premios Emmy, logre crear un documental íntimo y fascinante sobre un hombre cuyo sonido hechiza a los fanáticos de todo el mundo que, repiten incansablemente el coro de uno de sus famosos temas, “oye como va mi ritmo, bueno pa’ gozar”.

Amelia Deschamps gana en Festival de Cine Fine Arts.

Amelia Deschamps estrenó oficialmente en República Dominicana su corto En busca del corazón azul en el marco del Festival de Cine de Fine Arts “Hecho en RD”, donde recibió el premio al Mejor Cortometraje Documental.

Este cortometraje relata la historia de Daniel, padre de 11 hijos, que se sumerge cada día en los peligrosos y rústicos túneles de una mina artesanal en busca de Larimar, una piedra semipreciosa de color “azul-mar” exclusiva de la República Dominicana. Tras 32 años trabajando como piquero, Daniel busca hacer su última extracción para retirarse.

“Esta es una historia sobre las personas, sobre los seres humanos que entran cada día a extraer esta piedra que hoy reconocemos como nuestra piedra nacional. Y espero que este trabajo sea el punto de partida para conversaciones más profundas que nuestro país debe tener sobre el valor que le damos a los símbolos que nos representan y a todo su entorno”, expresó Deschamps.

“Me da mucha satisfacción mostrar este primer trabajo en mi país, porque es una historia nuestra. Al explorar la vida de Daniel, me sumerjo no sólo en la mina sino también en la mentalidad, los impulsos y los desafíos que afrontan en su día a día quienes se encargan de extraer nuestra piedra nacional. Y trato de sacar esas vivencias a través de este documental. He aprendido otra forma de contar las historias sobre los temas sociales que siempre han motivado mi trabajo, ahora usando otros recursos audiovisuales que me permiten mezclar mis dos pasiones: el cine y el periodismo”, agregó.

La presentación especial de En busca del corazón azul contó con la asistencia de Daniel Quezada, protagonista de la historia; Rodolfo Feliz, inversionista en la mina y jefe del equipo; y el resto del grupo de mineros que se convierten en personajes centrales de este documental que muestra los desafíos que enfrentan durante una semana en la que preparan el terreno para comenzar a extraer el larimar, después de meses de excavación.

“Los riesgos y desafíos en el camino hacia el interior de los túneles son tan profundos como el larimar mismo. Sin embargo, el calor, la falta de oxígeno, la oscuridad y la incertidumbre se mezclan con toda una cultura de desafío, de mentalidad fuerte y determinación que envuelven a cerca de 500 familias de República Dominicana que dependen de los golpes de suerte y la sabiduría popular para vivir de la extracción del larimar. Esta piedra semi preciosa que es exclusiva de esta montaña de Barahona y reconocida como nuestra piedra Nacional”, explicó Deschamps.

En busca del corazón azul hizo su premiere en DOC NYC, en Nueva York (el festival de documentales más grande de EEUU) y ha ganado algunos premios, entre ellos “Mejor Documental Corto” en el Florence Film Awards y en el Festival Fine Arts. El filme es el primer corto documental de la periodista y documentalista Amelia Deschamps. Es su trabajo de tesis en la especialidad de Realización de Documentales. que hizo recientemente en New York Film Academy.

“Croma Kid”: el color de la nostalgia de Pablo Chea.

“Toda época pasada fue mejor” reza un popular sofisma. Al margen de su rigor filosófico, creemos en su significado porque, siempre de acuerdo a nuestra nostalgia, todo era de oro: los años “dorados” del merengue, de nuestra infancia, de la burbuja mágica en que vivíamos y la magia de cualquier programa de televisión que nos transportaba a otros mundos. Nuestros padres eran superhéroes que resolvían cualquier problema y los días pasaban mientras cosechábamos curiosidades.

Croma Kid, debut como realizador de Pablo Chea, es el inventario de los colores de los años ochenta de acuerdo a la mirada de este director, hijo de Claudio Chea, uno de los maestros de la dirección de fotografía en Dominicana. Pablo ya ha construido un nombre por sí mismo como director, guionista y, sobre todo, brillante editor de filmes como: Cuarencena, El Blanco, La fiera y la fiesta y Bantú Mama y en cada frame del filme, se respira un guiño autobiográfico.

Para los que se preguntan por el título, croma es el nombre genérico que recibe el truco cinematográfico que consiste en rodar frente a una pantalla monocromática (habitualmente verde o azul) y luego sustituir esa imagen por una postal de cualquier ciudad del mundo, el espacio sideral o algún efecto visual que funciona como carnada hipnótica para el espectador. El “Croma Kid Show” es el programa televisivo que producen Daniela, Brandon y Lito, padres y abuelo de Emi, el auténtico protagonista de nuestra historia.

Para Emi, como para cualquier preadolescente, tener unos padres que visten inapropiadamente para cualquier ocasión y se dedican al mundo de la magia en un programa de televisión que nadie ve, es motivo de vergüenza absoluta. Su amor por ellos no se discute, ni que sean una familia funcional atravesando una crisis económica, es solo que Emi no quiere pertenecer a ese mundo plagado de incertidumbres.

Esta es la razón de su negativa a colaborar de alguna manera con la producción de los trucos de magia para el “Croma Kid Show”. Pero “hijo de gatos caza ratones” y la adolescencia no es más que llenarnos de preguntas en torno a cómo funcionan las cosas. Y nada detendrá a Emi en su afán por conocer cada secreto de la cámara, de las luces, de la edición, de los trucos para volver a creer que la familia puede volver a estar completa y unida.

Chea y su magnífico equipo de trabajo reconstruyen con detalles muy precisos la estética ochentera en Dominicana: entre merengues de Wilfrido, un equipo Betacam de ¾ que era la tecnología de punta de ese entonces, con esa furgoneta que cargaba todos los equipos e indumentarias necesarias, todas las esperanzas, toda la gente portadora de ganas de echar pa’lante. O esa casita de colores y arquitectura caribeña que está a punto de perderse por una hipoteca. Las calles no eran la jungla del más fuerte que son hoy día y el castigo en el colegio era ordenar los libros de la biblioteca. Casi como un sueño.

Croma Kid puede tomarse como nuevo referente de la calidad de realización en el cine dominicano porque detrás de la aparente simplicidad de su puesta en escena, se evidencia un excelente ejercicio de fotografía, edición, efectos visuales, dirección de arte (y otros departamentos) que lo deja bien claro: estamos en capacidad de producir películas al nivel de otras cinematografías.

Hay un juego de cajas chinas en Croma Kid que resulta divertido como rompecabezas familiar: los protagonistas Nashla Bogaert y David Maler son pareja en la vida real, al igual que los productores Laura Amelia Guzmán e Israel Cárdenas, los padres de Bosco, o sea, todo parte de que son una verdadera familia. Se puede decir, con toda propiedad, que Guzmán y Cárdenas han engendrado este filme (a través de Aurora Dominicana), junto a Rafael Elías Muñoz (de Lantica Media). Aún más (cosas de pueblos chiquitos), esa Guzmán algún parentesco guarda con otro gran maestro de la cinematografía local, Peyi Guzmán. Por eso, a veces lo que vemos no es un personaje de un filme, sino el producto de decenas de cruces de destinos y personas, un pasillo de casa de espejos en la que nada es verdad, ni mentira, solo circunstancia.

Lo importante: Croma Kid nos invita a acompañar a Emi en sus andanzas y es un llamado irresistible para viajar a una época que la nostalgia obliga a calificar de dorada. Esta afirmación no es un sofisma.

 

Croma Kid (2023). Dirección: Pablo Chea; Guion: Pablo Chea e Israel Cárdenas; Fotografía: Israel Cárdenas; Edición: Pablo Chea, Israel Cárdenas, Fernando Henríquez; Música: Grégoire Blanc; Elenco: Bosco Cárdenas Guzmán, Nashla Bogaert, Yasser Michelén, David Maler, Jaime Piña.

III Festival Fine Arts “Hecho en RD”: los ganadores.

El Festival de Cine Fine Arts Hecho en RD concluyó con éxito su tercera edición, esta vez realizado simultáneamente en Santo Domingo y Santiago con la proyección de películas, documentales y conversatorios 100% dominicanos.

Con la proyección de El Método como película de clausura, El Festival de Cine Fine Arts “Hecho en RD” presentado por Caribbean Cinemas y Altice se anunciaron los ganadores de diferentes categorías de esta 3ra edición:

-Mejor Película: El Método

-Mejor director: David Maler, por El Método

-Mejor actriz principal: Cecilia García por La hembrita

-Mejor actriz secundaria: Xiomara Fortuna por La hembrita  

-Mejor actor principal: Pepe Sierra por El Método

-Mejor actor secundario: David Maler por Croma Kid

-Mejor guion: Israel Cárdenas y Pablo Chea por Croma Kid  

Mejor cortometraje de ficción: Un gavillero en la sierra, de Ricardo Ariel Toribio

-Mejor cortometraje documental: En busca del corazón azul, de Amelia Deschamps.

El jurado oficial este año estuvo presidido por Félix Manuel Lora y compuesto por los críticos: Ariel Feliciano, Víctor Piñeiro, Marc Mejía, Alfonso Quiñones y José Rafael Sosa, quienes evaluaron todas las películas y cortometrajes presentados durante el festival.

El Festival de Cine Fine Arts “Hecho en RD” es un evento de Caribbean Cinemas con el auspicio oficial de Altice Dominicana y su programa de lealtad Altice Cinema. También se hace posible gracias a sus patrocinadores: Banco Caribe, Johnnie Walker, Induveca y Franks, además de contar con el apoyo de DGCine.

“Ramona”: la solidaria mirada de Victoria Linares Villegas.

Dominicana ocupa el primer puesto en materia de embarazo adolescente en Latinoamérica. Un vergonzoso liderazgo que encierra a nuestras niñas en un círculo vicioso de discriminación, marginalidad y pobreza y que nos condena irremediablemente al fracaso como sociedad.

Ramona es la solidaria mirada con la que Victoria Linares Villegas visibiliza el problema. Que este documental haya sido escogido para debutar en una de las secciones paralelas del Festival de Berlín es un aval de su calidad cinematográfica. La premisa es simple: Camila Santana, una de nuestras actrices más talentosas (Hotel Coppelia, Sol en el agua), debe crear el personaje de Ramona, una adolescente embarazada, para un filme de ficción, pero no se siente con el conocimiento de las herramientas que necesita para construirlo apropiadamente.

Advertimos la complejidad, cuando Santana, en su investigación de campo, a la que asistimos (junto a la cámara de Linares Villegas) en calidad de testigos privilegiados, nos lleva a conocer la realidad de muchas de nuestras menores de edad embarazadas.

Ese viaje es como descender al infierno de Dante, pero sin asumir posturas morales: conocer de primera mano la dulce pero dolorosa verdad. Linares y Santana logran una extraordinaria empatía con sus entrevistadas y su tragedia común: son niñas a las cuales un embarazo les ha arrebatado cualquier posibilidad de romper el círculo que las ahoga desde tiempos inmemoriales.   

La deserción escolar es apenas uno de los efectos de esta pandemia. Por supuesto, es mucho más difícil aprenderse el Teorema de Pitágoras con un bebé en el vientre que se alimenta de las energías que necesita una estudiante cualquiera para no dormirse en el aula. Para no hablar de los cambios físicos y mentales que implica cualquier embarazo.

El embarazo adolescente es un problema que perpetúa un patriarcado que explota y desecha la materia prima de su propio futuro. Y parecería una maldición bíblica: una niña de 15 años da a luz otra niña que sale embarazada a sus 15 años y la convierte en abuela, con solo 30 años. Eso es una bomba de tiempo para nuestra sociedad.

Por supuesto, nuestras niñas han contado con la indiferencia (y hasta la complicidad) de todas las autoridades de Salud Pública y Educación (y otros ministerios inútiles), las que por décadas han repetido su fórmula exitosa: cruzarse de brazos ante la situación. La Educación Sexual (con mayúsculas, y preservativos incluidos) sigue siendo una asignatura pendiente de todos mientras el problema crece. No hay otra palabra que califique mejor su desempeño: incompetencia, todos han reprobado esa materia.

Vuelvo a Ramona. Camila Santana se pasea por Gualey, cerveza en mano (como arma de reglamento), desafiante y, ya en personaje, se entrega al varón que baila una buena bachata de Luis Segura. Santana tiene la posibilidad maravillosa de volver en sí, que la razón controle el nivel de desenfreno caribeño, romper la cuarta pared y volver a su zona de confort. Nuestras adolescentes embarazadas, no.

Al igual que en Lo que se hereda, su filme anterior, Linares hace uso de un curioso recurso de recreación: ficciona la realidad en forma de ensayo y logra el milagro de cautivarnos con la posibilidad de ver a las adolescentes embarazadas representándose a sí mismas (al fin y al cabo, todas son Ramona), en el artificio de un set cinematográfico. Un set donde solo la tragedia es verdad, donde todo lo otro es mentira.

Y maravillarnos con planos fellinescos como el reflejo del moderno teleférico en el agua contaminada del río, o de varias embarazadas que se bañan en ese mismo río contaminado, a quienes esta sociedad ve como si fueran vacas y no precisamente sagradas, porque ni siquiera tienen un espacio que puedan reclamar como propio.

Cedo la palabra a una de nuestras niñas madres. Para sobrellevar su inverosímil realidad, “hay que tener cojones”. Punto y aparte.

Por suerte, una cineasta como Linares siempre puede tomarse una licencia poética y emprender con sus personajes un escape hacia Montecristi, para participar en el casting de una película. Sí ombe, ¡se vale soñar con Jobilús!

 

Ramona (2023). Dirección: Victoria Linares Villegas; Guion: Diego Cepeda, Victoria Linares Villegas; Fotografía: Jaime Guerra; Edición: Melisa Miranda; Música: Oscar Chabebe; Elenco: Camila Santana, Yanibel Alcántara, Lesly Aybar, Estrellita Ynoa.   

San Sebastián 2023: controversia por “No me llames Ternera”

El director del Festival de Cine de San Sebastián, José Luis Rebordinos, ha asegurado que ninguna de las personas que pide la retirada del documental de Jordi Évole sobre el exdirigente de ETA José Antonio Urrutikoetxea, más conocido como “Josu Ternera”, lo ha visto y está convencido de que, una vez que se proyecte, la polémica se “desinflará”. “Yo sí he visto la película y es terrible que tengamos que estar todo el rato así. He dicho ya como 15 veces en público que para mí ETA es una banda fascista y asesina. Creo que más claro no se puede ser. Obviamente, si pensara que la película blanquea ETA, no la proyectaría”, ha señalado Rebordinos al término de la presentación a los medios del plan de sostenibilidad del certamen.

El responsable del Zinemaldia ha indicado que al Festival no le ha llegado “directamente” el manifiesto firmado por más de 500 personas, entre ellas políticos, escritores y víctimas del terrorismo, y que quiere leerlo “tranquilamente” porque aún no ha tenido tiempo y, “si procede”, responderá. "Claro que la película no blanquea a ETA, no es no es una película pro ETA, no apoya a ETA para nada, no tiene nada ilegal. Es una película muy interesante por muchas razones. Es una película que arranca con una víctima y acaba con una víctima, creo que es una declaración de principios que la primera palabra y la última se le den a una víctima”, ha recalcado.

En esa carta abierta al Festival, que firman entre otros Fernando Savater, Fernando Aranburu, Félix de Azúa, Andrés Trapiello, Ana Iribar, Mari Mar Blanco y Maite Pagazaurtundia, hay personas a las que Rebordinos respeta mucho. “Gente a la que tengo aprecio, incluso personal. Me sorprende mucho cuando se dirigen a nosotros a través de la prensa”, ha apostillado. Ha remarcado que ninguno de ellos ha visto el filme y que no comprende cómo pueden decir que blanquea a ETA y pedir que se retire de la programación del Festival sin conocer su contenido. “Es que es que no lo entiendo, sinceramente. Me parece que es de una falta de rigor intelectual brutal”, ha señalado.

El director del Festival ha dicho que hay quienes han podido ver el documental, cuyo título es No me llames Ternera, en pases privados, gente de "ideologías muy diferentes" y no ha saltado “ninguna alarma”.

“Todo el mundo va a poder verla con normalidad. Veréis cómo luego gran parte del globo se desinflará, como pasa siempre”, ha afirmado Rebordinos, que ha recordado el caso de La pelota vasca, la piel contra la piedra, de Julio Médem, cuya inclusión en la programación del Festival hace dos décadas generó una importante polémica antes de su estreno en el certamen donostiarra.

Rebordinos también ha asegurado que algunas personas que piden que se retire han rehusado verla cuando se les ha ofrecido esa posibilidad. “No quieren, porque si la ven, ya no tienen argumentos para decir que es una película que blanquea a ETA”.

“Estamos muy tranquilos, creemos que es una película interesante, que habla de un período terrible de nuestra historia con uno de los protagonistas, con alguien que durante 50 años fue parte de ETA. Creo que es interesante la entrevista que le hace Jordi Évole. Cuando se vea, podremos opinar todos. El diálogo y la discusión siempre son interesantes”, ha asegurado el director del Zinemaldia.

Se ha referido también al filme Sparta, del austríaco Ulrich Seidl, que fue “la polémica del año pasado” porque, según un reportaje de la revista alemana Der Speigel, los niños protagonistas habían sido maltratados durante e rodaje. Dos festivales internacionales la sacaron de su programación, pero el de San Sebastián la mantuvo. “En enero o febrero de este año, dos fiscalías en Rumanía determinaron que no había habido ningún maltrato y que se había respetado absolutamente a los niños”.

Premio Ariel 2023: los ganadores.

El drama sobre una familia arraigada al campo mexicano y amenazada por el crimen organizado El norte sobre el vacío, de Alejandra Márquez Abella, triunfó en la 65ª entrega del Premio Ariel de cine mexicano, llevándose el premio de mejor película y coactuación masculina para Raúl Briones, en una noche en la que Bardo de Alejandro G. Iñárritu y Huesera de Michelle Garza Cervera también recibieron importantes premios.

“Toma los elementos arquetípicos del western para construir su dramatismo, pero no por eso es un western. Creo que es una película que habla del costumbrismo mexicano”, dijo sobre su filme Márquez Abella previo a la ceremonia en un encuentro de nominados del Ariel en la Ciudad de México.

“Para mí la verdadera pregunta es en realidad ¿de quién es la tierra?, porque en realidad la tierra no es de nadie, esa es la gran pregunta que quiere contestar esta película”, agregó la directora de filmes como Las niñas bien y la próxima a estrenarse A millones de kilómetros.

Si bien la película de Márquez Abella, que también cuenta con actuaciones de Dolores Heredia y Gerardo Trejoluna, se llevó el premio más codiciado de la noche, el veterano G. Iñárritu, quien estuvo presente en la ceremonia realizada por primera vez en la ciudad occidental de Guadalajara, tuvo el gusto de llevarse el premio a mejor director por Bardo.

Su historia surrealista acerca de la psique de un documentalista y periodista mexicano también se llevó el premio de mejor actor para su protagonista Daniel Giménez Cacho, vestuario, fotografía, edición, sonido y diseño de arte, este último departamento encabezado por Eugenio Caballero.

“Un viaje trabajar con Alejandro en México, con Daniel y con estos compañeros maravillosos”, dijo Caballero. “A mí los proyectos que me llaman la atención son los que me retan y me conectan en la víscera ... aunque Bardo es un proyecto muy complejo, muy cerebral en ese sentido, también tiene mucho, mucho que ver con temas que me interesan, me agarró de la tripa”.

El filme de terror y maternidad Huesera, de Michelle Garza Cervera, que llegó como el más nominado de la noche, triunfó en las categorías de ópera prima, guion original, maquillaje y efectos especiales.

“Hay tantas expectativas al respecto de la maternidad, y tanto sacrificio, que se le exige a las mujeres”, dijo Garza Cervera. “Y un tipo de cárcel emocional al que se mete a las mujeres, tomen la decisión de ser o no ser madres, me parecía un tema ideal para abordar en una película de horror, ya que el horror justamente habla de todo lo innombrable, de todo lo silenciado”.

La experimentada intérprete Arcelia Ramírez se impuso en la categoría de mejor actriz por su papel de Cielo, una madre en busca de justicia para su hija desaparecida en La civil, de la directora rumana Teodora Mihai.

“Creo que es de los guiones más poderosos que he tenido en mis manos y de los proyectos más sólidos”, dijo Ramírez. “Estábamos hablando de algo muy delicado, muy grave que pasa en México, es una herida profunda lo que vivimos con las desapariciones. Hay muchísimas mujeres en este país que buscan desesperadamente a sus hijos y que han encontrado a partir de la desgracia una fuerza enorme, que es un poco lo que le pasa al personaje de Cielo”.

Los ganadores, anunciados por la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas, organizadora del Ariel, y el Instituto Mexicano de Cinematografía, también incluyeron a Úrsula Pruneda (coactuación femenina) y Emilia Berjón (revelación actoral), ambas del filme Trigal. Berjón es hija de Ramírez.

“Es un regalo enorme para mí”, dijo Ramírez. “Estar nominada con Emilia es muy emocionante”.

La categoría de largometraje documental tuvo un empate con Dioses de México de Helmut Dosantos y Teorema de tiempo de Andrés Káiser. Home is Somewhere Else, de Patricio Hagerman Ruiz Galindo y Jorge Villalobos se impuso en la categoría de largometraje de animación.

Como era de esperarse, la ganadora en la categoría de mejor película iberoamericana fue Argentina, 1985 del cineasta Santiago Mitre, que previo a los Ariel fue ganadora en los Goya y los Globos de Oro.

Los directores Marcela Fernández Violante y Juan Mora Catlett, así como el departamento de imagen y sonido de la Universidad de Guadalajara recibieron el Ariel de Oro a la trayectoria

Venecia 2023: los ganadores.

Pobres criaturas de Yorgos Lanthimos, una comedia feminista y disparatada protagonizada por Emma Stone, ganó el León de Oro de la 80ª Mostra de Venecia, que también premió a los chilenos Pablo Larraín y Guillermo Calderón por el guion de El Conde, una sátira sobre Pinochet.

Las expectativas se cumplieron con esta película provocadora de Lanthimos, que provocó carcajadas y buenas críticas en su estreno.

Emma Stone interpreta a una Frankenstein ávida de sexo y experiencias en una Europa decadente e imaginaria de finales del siglo XIX.

El japonés Ryusuke Hamaguchi se llevó el León de Plata (Gran Premio del Jurado) por Evil does not exist, una enigmática película sobre la llegada de unos inversores a una comunidad rural.

El León de Plata al mejor director fue otorgado al italiano Matteo Garrone por Io capitano, un drama sobre los migrantes provenientes de África.

El premio especial del jurado fue a parar a otra película militante y promigrantes, Green Border de Agnieszka Holland, sobre otra tragedia, la de los candidatos al asilo atrapados en la frontera entre Polonia y Bielorrusia.

La joven actriz estadounidense Cailee Spaeny, de 25 años, saltó al estrellato con el premio a la mejor interpretación femenina por Priscilla de Sofia Coppola, sobre la esposa de Elvis Presley.

Y el también estadounidense Peter Sarsgaard se llevó al premio al mejor actor por su emocionante interpretación de un hombre afectado de demencia senil en Memory, del mexicano Michel Franco.

Sarsgaard fue una de las pocas estrellas que acudió al Lido, a causa de la huelga de actores y guionistas en Hollywood. Y aprovechó para advertir que la inteligencia artificial, uno de los temas candentes de negociación en Estados Unidos, es “terrorífica” para el cine.

“Todos aquí estamos de acuerdo en que un actor es una persona y un escritor es una persona, pero parece que no podemos. Y eso es aterrador porque este trabajo trata sobre la conexión”, dijo el actor.

A sus 50 años, Lanthimos (Langosta, La favorita) es un director especialista en sátiras sociales o históricas, en la línea de Ruben Ostlund, el enfant terrible del cine mundial que ganó el año pasado la Palma de Oro en Cannes.

Larraín, que ya ha abordado la historia reciente de su país, sorprendió con El Conde, una sátira en blanco y negro que retrata como vampiro al ex dictador Augusto Pinochet.

Con Jaime Vadell en el rol principal, El Conde es una improbable comedia en blanco y negro en la que el ex dictador vive con su esposa en una finca rural, tiene en realidad 250 años y por las noches sale volando para arrancar el corazón a sus conciudadanos.

“No a la impunidad”, pidió Larraín al recoger el premio, dos días antes del 50º aniversario del golpe de Estado pinochetista.

La 80ª Mostra resistió el impacto de la huelga de actores y guionistas en Hollywood, con muchas estrellas estadounidenses ausentes, pero salas llenas y una competición artística reñida. Emma Stone no pudo acudir a la Mostra, pero sí  Peter Sarsgaard y Cailee Spaeny.

Sarsgaard porque apostó por una producción totalmente independiente, como las que hace el director y guionista Michel Franco (Nuevo Orden) desde hace dos décadas, en México y Estados Unidos. Y Spaeny, apenas conocida por su papel en la reciente serie televisiva Euforia, se llevó el premio por su arriesgada y sensible interpretación de una chica inocente quien, a sus 14 años, conoció al rey del rock 'n' roll cuando éste hacía su servicio militar en Alemania.

Io capitane es un mensaje directo de la izquierda militante italiana al gobierno de Giorgia Meloni, en forma de odisea emocionante, la de dos chicos de Senegal que cruzan toda África, y el Mediterráneo, para llegar a su Europa soñada. La película muestra con tono épico un viaje terrible, que se cobra la vida de miles de personas cada año. El senegalés Seydou Sarr se llevó el premio al mejor actor promesa por su rol en esta cinta.

Green border de la directora polaca Agnieszka Holland, es una película aún más dura y militante, rodada en blanco y negro. La película es un trabajo coral con actores sirios o afganos que están refugiados en Europa, y provocó una agria polémica entre Holland y el gobierno polaco, que la acusa de ser una propagandista.

San Sebastián 2023: Premio Donostia para Hayao Miyazaki.

Cineastas e intérpretes de todo el mundo han confirmado su presencia en San Sebastián con motivo de la celebración de la 71ª edición del Festival. Juliette Binoche, Gabriel Byrne, François Cluzet, Emmanuelle Devos, Griffin Dunne, Aidan Gillen, Mads Mikkelsen, James Norton y Dominic West acompañarán sus películas y participarán en las galas del Festival. Además de Víctor Erice, que recogerá el Premio Donostia el día 29, y Javier Bardem, que lo hará en la próxima edición debido a las limitaciones que le impone la huelga convocada por el Sindicato de Actores de Estados Unidos (SAG-AFTRA), el Festival también reconocerá la trayectoria del maestro japonés de la animación Hayao Miyazaki, que dirige la película inaugural El chico y la garza. Miyazaki recibirá el Premio Donostia de forma virtual durante la gala de inauguración.

Además, cineastas relevantes de la cinematografía contemporánea viajarán a San Sebastián para acompañar sus últimas películas, como Maite Alberdi (La memoria infinita, Perlak), J.A. Bayona (La sociedad de la nieve, Perlak), Robin Campillo (L'île rouge, Sección Oficial), Isabel Coixet (Un amor, Sección Oficial), Michel Franco (Memory, Perlak), Matteo Garrone (Io Capitano, Perlak), Craig Gillespie (Dumb Money, Perlak), Jonathan Glazer (The Zone of Interest, Perlak), Kitty Green (The Royal Hotel, Sección Oficial), Todd Haynes (May December, Perlak), Tran Anh Hung (La passion de Dodin Bouffant, Culinary Zinema), Tatiana Huezo (El eco, Horizontes Latinos), Ladj Ly (Bâtiment 5, Perlak), James Marsh (Dance First, Sección Oficial), Cristi Puiu (MMXX, Sección Oficial), Valeria Sarmiento (El realismo socialista, Klasikoak), Justine Triet (Anatomie d'un chute, Perlak) o Fernando Trueba y Javier Mariscal (They Shot the Piano Player, Sección Oficial).

La cineasta Claire Denis presidirá el Jurado Oficial, en el que estará acompañada por la actriz china Fan Bingbing; la productora, realizadora y escritora colombiana Cristina Gallego; la fotógrafa francesa Brigitte Lacombe; el productor húngaro Robert Lantos; la actriz española Vicky Luengo y el director alemán Christian Petzold.

Cineastas como Maite Alberdi, J.A. Bayona, Robin Campillo, Isabel Coixet, Víctor Erice, Michel Franco, Matteo Garrone, Craig Gillespie, Jonathan Glazer, Kitty Green, Todd Haynes, Tran Anh Hung, Ladj Ly, James Marsh, Cristi Puiu, Valeria Sarmiento y Justine Triet presentarán sus películas ante el público y los medios de comunicación

En Sección Oficial, los actores Griffin Dunne, Miles Heizer y James Norton acompañarán al director Noah Pritzker para presentar Ex­-Husbands, que compite por la Concha de Oro, como la cineasta Raven Jackson y la productora Adele Romanski, que mostrarán All Dirt Roads Taste of Salt. Joaquim Lafosse, que participa con Un silence, se desplazará con Daniel Auteuil y Emmanuelle Devos; François Cluzet y Vincent Lacoste viajarán a San Sebastián con el director de Un métier serieux (Los buenos profesores), Thomas Lilti; Xavier Legrand defenderá Le successeur / The Successor con sus protagonistas, Marc-André Grondin e Yves Jacques; y Robin Campillo, el director de L'île rouge (La isla roja) lo hará junto a Quim Gutierrez y Nadia Tereszkiewicz (quien estará en San Sebastián por partida doble porque también protagoniza Rosalie, programada en Perlak). El cineasta rumano Cristi Puiu presentará MMXX con los actores Dorian Boguta (también productor), Florin Tibre y Laurentiu Bondarenco y las actrices Adelaida Perjoiu y Otilia Panainte. También se desplazarán al Festival la realizadora Kitty Green (The Royal Hotel), Christos Nikou (Fingernails) e Isabella Eklöf (Kalak). La película de clausura, Dance First, contará con una amplia representación: además de Marsh, Byrne y Gillen, también viajarán integrantes del reparto como Fionn O'Shea.

Buena parte de las y los cineastas de Perlak acompañarán sus películas en San Sebastián: Jonathan Glazer (The Zone of Interest); Todd Haynes (May December); Christian Petzold, jurado oficial y director de Roter Himmel / Afire; Matteo Garrone con los protagonistas de Io Capitano, Seydou Sarr y Moustapha Fall; Michel Franco (Memory); Nicolaj Arcel y Mads Mikkelsen (The Bastard / The Promised Land); los cineastas australianos Warwick Thornton (The New Boy) y Craig Gillespie (Dumb Money); Ladj Ly (Bâtiment 5) con los actores Steve Tientcheu, Anta Diaw, Aristote Luyindula y Alexis Manentis; así como las realizadoras Celine Song (Past Lives) y Stephanie di Giusto (Rosalie).

Como es habitual, la cinematografía latinoamericana estará ampliamente representada en San Sebastián. En Sección Oficial, con María Alché y Benjamín Naishtat y los actores Marcelo Subiotto, Leonardo Sbaraglia y Mara Bestelli (Puan); y Martín Rejtman y los intérpretes Esteban Bigliardi -también en Los delincuentes- y Camila Hirane (La práctica). En Horizontes Latinos, Dolores Fonzi, en su debut como directora, acompañada del actor Toto Rovito y Santiago Mitre en calidad de productor (Blondi); Tatiana Huezo (El eco); Paula Hernández junto a Alfredo Castro y Sergi López (El viento que arrasa); Lucía Puenzo y Mariana di Girolamo (Los impactados); Rodrigo Moreno (Los delincuentes); Felipe Gálvez (Los colonos); y Lila Avilés (Tótem), entre otras realizadoras. Presentarán sus películas en Zabaltegi-Tabakalera Eduardo Williams (El auge del humano 3) y Andrés di Tella (Mixtape La Pampa); en Culinary Zinema, los directores Mariano Cohn y Gastón Duprat y los intérpretes Luis Brandoni, Enrique Piñeyro y Majo Cabrera (Nada); y la cineasta Valeria Sarmiento asistirá al estreno de El realismo socialista (Klasikoak).

Encabezado por el Premio Donostia Víctor Erice y el reparto de Cerrar los ojos, José Coronado, Manolo Solo, Ana Torrent, María León, Petra Martínez, Mario Pardo, Venecia Franco y Helena Miquel, el cine español estará presente en San Sebastián en Sección Oficial con Isabel Coixet y los actores de Un amor (Laia Costa, Hovik Keuchkerian, Hugo Silva, Luis Bermejo, Francesco Carril e Ingrid García Jonsson), Jaione Camborda y los intérpretes Janet Novás y Diego Anido (O Corno), Isabel Herguera (El sueño de la sultana), Fernando Trueba y Javier Mariscal (Dispararon al pianista) y el equipo de La Mesías: los directores Javier Ambrossi y Javier Calvo y las actrices Carmen Machi, Macarena García, Cecilia Roth, Lola Dueñas y Ana Rujas, entre otras muchas intérpretes.

Para competir en New Directors se desplazarán los creadores de La estrella azul, con el director Javier Macipe y los intérpretes Pepe Lorente, Marc Rodríguez, Catalina Sopelana y Bruna Cusí. En Perlak, en busca del Premio del Público, J.A. Bayona presentará La sociedad de la nieve con el actor uruguayo Enzo Vogrincic. En las Galas RTVE, la directora Arantxa Echevarría estará acompañada de Leonor Watling, Carolina Yuste, Pablo Molinero, Xinyi Ye, Shiman Yang, Yehu Ji y Valeria Fernández (Chinas) y Emma Suárez, Carlos Cuevas, Alexandra Jiménez, Fernando Guallar, Gonzalo Castro y Anna Moliner asistirán junto al director, Vicente Villanueva, y al autor de la obra teatral, Alfredo Sanzol (La ternura). La actriz Mónica Randall presentará la proyección de la copia restaurada de Furia española en Klasikoak. En Zinemira estará el equipo de 20.000 especies de abejas con la directora Estibaliz Urresola y las actrices Patricia López Arnaiz, Itziar Lazkano, Ane Gabarain y Sofía Otero; para presentar Las buenas compañías, acudirán Alicia Falcó e Itziar Ituño, quien también acompañará al equipo de Irati.

Asimismo, viajarán a San Sebastián intérpretes, cineastas o profesionales de otras disciplinas que cuentan sus historias en primera persona. En Made in Spain, la actriz Carmen Elías, que desveló hace un año que padecía Alzhéimer, presentará Mientras seas tú, junto a la directora Claudia Pinto; Fernando Méndez Leite vendrá como protagonista de la no ficción La memoria del cine: una película sobre Fernando Méndez-Leite,dirigida por Moisés Salama; el exfutbolista y exentrenador enfermo de ELA Juan Carlos Unzué hará lo propio con los directores de Unzué, l'ultim equip del Juancar, Jesús Muñoz, Santi Padró y Xavi Torres. El filósofo Paul B. Preciado presentará Orlando. Ma biographie politique, una suerte de autobiografía colectiva a través de la obra de Virginia Woolf en Zabaltegi-Tabakalera y el superviviente del accidente de aviación de los Andes Gustavo Zerbino acompañará a J.A. Bayona en el pase de La sociedad de la nieve (Perlak).