Juan Diego (1942-2022)

El actor Juan Diego Ruiz Moreno, conocido como Juan Diego, ha fallecido a los 79 años de edad, según han confirmado la Academia de Cine y la Asociación Artistas Intérpretes, Sociedad de Gestión (AISGE). Rostro y voz imprescindibles de la historia del cine español, participó en obras maestras como Los santos inocentes o El viaje a ninguna parte, pero también fue un referente en el activismo de los derechos de los intérpretes.

Ganador de tres premios Goya, compaginó siempre cine y series de televisión con el teatro, que consideraba la esencia de su oficio y donde debutó en 1961 con la obra Esperando a Godot.  Su última película fue El cover, estrenada el verano de 2021.

Nació en Bormujos, Sevilla, el 14 de diciembre de 1942 y, precisamente, el pasado sábado 2 de abril la localidad le rindió un homenaje y le nombró Hijo Predilecto del municipio. “Ejemplo de nobleza humilde, hombre cultísimo que se supo hacer a sí mismo cuando las circunstancias menos acompañaban”, ha señalado la AISGE en Twitter.

Juan Diego estudió Arte Dramático y se inició en el teatro en la universidad. Con el objetivo de convertirse en un actor profesional, en 1963 se marchó a Madrid, donde en aquel tiempo combinaba sus colaboraciones con grupos teatrales con trabajos de extra o con pequeños papeles. Desde entonces, no paró de cosechar éxitos en el ámbito del cine, la televisión y el teatro. 

Figura destacada del cine español, participó en Los santos inocentes, París-Tombuctú o El camino de los ingleses. Su última película fue El cover, de 2021, y cuenta con un extenso currículum cinematográfico que le ha valido innumerables premios, medallas, Goyas y reconocimientos a su trabajo. 

Ganó tres Premios Goya, con 9 nominaciones, cinco premios al mejor actor en el Festival de Málaga y recibió la Concha de Plata al Mejor Actor en el Festival de San Sebastián por su trabajo en Vete de mí, de Víctor García León

Además, a lo largo de su carrera, el sevillano trabajó bajo la dirección de Luis García Berlanga, Eloy de la Iglesia, José Luis García Sánchez, Mario Camus y Fernando Fernán Gómez, entre otros.

Cannes 2022: el Jurado de “Una cierta mirada”.

La directora, actriz y productora italiana Valeria Golino será la presidenta del jurado de “Un Certain Regard” en la 75ª edición del Festival de Cannes. Rodeada de 4 jurados de Polonia (actriz Joanna Kulig), Venezuela (actor Edgar Ramírez), Estados Unidos (directora Debra Granik) y Francia (cantautor y actor Benjamin Biolay), su misión será establecer la lista de premios de esta sección que celebra un cine joven, de autor y descubrimiento.

“He venido tantas veces a Cannes, como actriz, directora, en diferentes selecciones... Es la cita del mes de mayo. Una fiesta donde te encuentras con amigos. Pero también una oportunidad para la reflexión. ¿Qué camino tomé? ¿Qué hicieron los demás? ¿Qué dice el cine que es universal, específico de todos los tiempos y de todos los países? Es tanto más intenso dentro de un Jurado, donde sentiremos emociones, pensaremos, compartiremos juntos. En este mundo lleno de ruido y furia, me siento feliz y honrado de estar ahí para ayudar, quizás, a que surjan cineastas”, ha declarado Golino.

Artista intensa y apasionada, Valeria Golino se involucra tanto cuando actúa y dirige como cuando produce, iniciando obras que rompen códigos y cuestionan nuestro tiempo. Destacada desde sus primeras apariciones en la pantalla en 1983, cruza regularmente desde las fronteras de su Italia natal para ejercer su talento a nivel internacional. Su repertorio navega entre el drama social y el cine de época, la parodia hilarante y la obra más intimista, siempre más cercana a los sentimientos.

Hablando varios idiomas, Valeria Golino les ofrece su personalidad de mujer libre, fuerte e impertinente, digna representante del cine italiano, de la generación napolitana, en el firmamento. “Valeria es una de esas artistas inspiradas e inspiradoras que se renuevan atreviéndose a correr riesgos y reinventándose con cada aparición”, comentaron Pierre Lescure, presidente del Festival de Cine de Cannes, y Thierry Frémaux, delegado general. Su actuación y su compromiso como directora le darán una mirada particularmente rica y aguda a las obras presentadas”.

A Valeria Golino le acompañan como miembros del Jurado de “Una cierta mirada”: la directora americana Debra Granik, la actriz polaca Joanna Kulig, el actor francés Benjamin Biolay y el actor venezolano Edgar Ramírez.

“Un Certain Regard” es una de las secciones más importantes del Festival de Cannes.

Martin Scorsese lanza un cine online de clásicos.

 

La Film Foundation fue fundada en 1990 por Martin Scorsese, en compañía de otros cineastas. Esta organización sin ánimo de lucro nacía de la angustia de que las películas clásicas o procedentes de mercados extranjeros se perdieran en el tiempo por no contar con una buena conservación, y desde entonces ha trabajado sin descanso en que sean restauradas para el disfrute del público. Scorsese no solo es un cinéfilo irredento, sino alguien muy comprometido con la preservación de este arte, y en pos a este esfuerzo se entiende su nueva iniciativa: The Film Foundation Restoration Screening Room. Esto es, que su fundación ha montado una plataforma de visionado online gratuito para algunos de estos trabajos restaurados.

El segundo lunes de cada mes estará disponible una película en la plataforma, comenzando a una hora determinada y quedando al acceso de quien quiera durante 24 horas. Cada filme contará con una introducción propia, entrevistas a quienes lo han restaurado, un vistazo entre bastidores al proceso, y una charla que indague en su relevancia cultural. “Queremos poner estas hermosas restauraciones a disposición de un amplio público”, ha declarado Scorsese. “Muchas de estas presentaciones contarán con restauraciones casi inéditas, en las que yo mismo y otros cineastas compartiremos por qué son tan importantes, cómo han impactado en nuestras vidas y por qué es crucial que se conserven”.

El ciclo comenzará este 9 de mayo, con I Know Where I’m Going. Se trata de un drama romántico de 1945 dirigido por Michael Powell y Emeric Pressburger, responsables de una película que ha influido tantísimo en la carrera de Scorsese como Las zapatillas rojas. El film estará presentado por el autor de Taxi Driver, además de contar con los testimonios de figuras como Tilda Swinton, la cineasta Joanna Hogg o Thelma Schoonmaker, montadora habitual de Scorsese que además resulta ser la viuda de Michael Powell y puede ofrecer un completo vistazo a su trabajo. El ciclo por entero está comisariado por el propio Scorsese en asociación con Kent Jones, director y guionista que ha colaborado con él en documentales como Mi viaje a Italia o A Letter to Elia.

Luego de I Know Where I’m Going, The Film Foundation Restoration Screening Room ha programado películas como La strada de Federico Fellini (1945), el filme indio Kumatty de Govindan Aravindan (1979), Detour de Edgar G. Ulmer (1945), Acosados de Arthur Ripley (1946) o Moulin Rouge de John Huston (1952).

El resto de títulos se irá anunciando en los próximos días.

Cannes 2022: el Jurado Oficial.

Vincent Lindon ha sido elegido para ser el Presidente del Jurado del Festival de Cannes. Rodeado de ocho miembros del jurado, el ganador del premio al Mejor Actor en 2015 entregará la Palma de Oro a una de las 21 películas de la Competición el sábado 28 de mayo, durante la Ceremonia de Clausura.

Tras la coronación de Titane, Palma de Oro 2021, en la que actuó junto a Agathe Rousselle, Vincent Lindon regresa a la Croisette, ya no sobre sino frente a la pantalla del Théâtre Lumière en el Palais des Festivals. Su tarea será entregar el premio supremo a quien suceda a Julia Ducournau, la segunda directora en ganar la Palma de Oro después de Jane Campion en 1993.

El primer papel masculino en este impactante trabajo sobre identidades andrajosas y monstruosidad reivindicada, el comediante, totalmente impregnado de su papel de bombero magullado, ha marcado cuerpos, corazones y mentes, como cada una de sus composiciones, ya sea empresario (Mi pequeña empresa), maestro nadador de Calais (Bienvenido), albañil (Mademoiselle Chambon), Primer Ministro (Pater), humanitario (Les Chevaliers Blancs), desempleado de larga duración (La Loi du marché), escultor ( Rodin ), gran reportero (L'Apparition) o representante sindical (En guerre).

Actor físico, digno heredero de Jean Gabin, Lino Ventura o Patrick Dewaere, comparte con sus mayores una presencia magnética y áspera, donde aflora una rara sensibilidad. Instintivo y apasionado, Vincent Lindon es un bloque de tensión y emoción. Liberado de las ataduras de la modernidad, comprometido ya veces sublevado, al actor le gusta traspasar fronteras con sus personajes en lucha y sus relatos universales.

Su búsqueda de la autenticidad lo lleva naturalmente a refrendar los males políticos y sociales de nuestro tiempo (la injusticia, la xenofobia, el empobrecimiento) para comprenderlos mejor. Y reflexionar, subrayando sin juzgar las contradicciones de una humanidad vencida que se esfuerza por mantenerse digna, sabiendo también socavar sus propias certezas.

Fiel al Festival de Cannes con el que comparte una larga historia (ha presentado nueve largometrajes desde 1987) que culmina con el Premio de Interpretación otorgado por los hermanos Coen en 2015 por La Loi du Marché, es también con ciertos cineastas a los que se encuentra con mucha regularidad durante una filmografía compuesta por más de setenta películas: Claire Denis y Claude Lelouch en tres ocasiones, Benoît Jacquot, Pierre Jolivet y, por supuesto, Stéphane Brizé con quien ha rodado cinco películas.

Titane le ha valido a Vincent Lindon numerosas nominaciones y premios, incluido el premio al Mejor Actor de Los Angeles Critics.

Una hazaña rara: desde el Festival de Cine de Cannes 2021, ha presentado una película en la competencia de los otros tres grandes eventos cinematográficos: Venecia (Otro mundo de Stéphane Brizé), San Sebastián (Investigación sobre un escándalo estatal de Thierry de Peretti) y Berlín (Con amor e implacabilidad de Claire Denis).

A Lindon le acompañan como miembros del Jurado: la directora y actriz inglesa Rebecca Hall, la actriz india Deepika Padukone, la actriz sueca Noomi Rapace, la directora italiana Jasmine Trinca, el director iraní Asghar Farhadi, el director francés Ladj Ly, el director norteamericano Jeff Nichols y el director noruego Joachim Trier.

“Vals de Santo Domingo”: en cines desde el 5 de mayo.

El largometraje documental Vals de Santo Domingo, escrito y dirigido por Tatiana Fernández Geara (directora de Nana) estará en salas de cine dominicanas desde el 5 de mayo de 2022.

El filme recibió la Mención Honorífica a Mejor Documental Iberoamericano en la Competencia Oficial del Festival Internacional de Cine en Guadalajara (FICG) en octubre 2021, y el premio a Mejor Documental en el Dominican Film Festival New York, en noviembre 2021.

El documental se desarrolla dentro de una clase de ballet de veinte adolescentes, con solo tres varones. Siguiendo la amistad entre Raymundo, Ángel y Víctor, salen a relucir los prejuicios de un país donde la danza es catalogada como una actividad exclusiva para mujeres. Las interacciones, los movimientos de los bailarines y la música van componiendo esta historia sobre los roles de género tradicionales. Como un vals, un ritmo musical de tres tiempos, los tres bailarines recorren la ciudad de Santo Domingo enfrentándose, y a veces acogiéndose, a la cultura machista que rige la sociedad dominicana.

La película es también ganador del Premio Fonprocine para la producción de largometraje documental de la Dirección General de Cine, y del primer fondo de postproducción Su Mirada del IFF Panamá en el 2020.

La película fue producida por Fernando Santos Díaz, responsable de las aclamadas películas Liborio y Cocote.
La directora Tatiana Fernández Geara estudió Comunicación Publicitaria en Santo Domingo, fotografía en Milán y recibió la beca Fulbright para realizar la Maestría en Fotoperiodismo en la Universidad de Missouri. Es directora y directora de fotografía de documentales abordando temas de género y derechos humanos. Trabaja también como fotoperiodista independiente para medios internacionales. En el 2015 estrenó su ópera prima, Nana. Vals de Santo Domingo es su segundo largometraje.

El peso del talento: Nicolas Cage y el metacine.

Según los teóricos, el metacine “es el ejercicio cinematográfico que permite al cineasta reflexionar sobre su medio de expresión a través de su práctica, en el que el cine se mira al espejo con la pretensión de conocerse mejor.” Hay que añadir un elemento importante para completar el sentido de la definición: el metacine devela de algún modo los mecanismos usados para crear la ilusión cinematográfica (basada en la función de esos mecanismos y la coherencia narrativa) y juega con la relación entre la ficción y la realidad de la pantalla.

El peso del talento, de Tom Gormican, hace es un claro ejemplo de metacine, partiendo de la figura de su actor principal, Nicolas Cage, quien hace de sí mismo y, de paso, recrea varios de los personajes que ha hecho a lo largo de su carrera. El título en inglés del filme, El insoportable peso del talento total, funciona como el mejor elogio para Cage, uno de los mejores actores de su generación y ganador del Oscar por Leaving Las Vegas.

Se dice que el metacine, como recurso, es tan antiguo como el Séptimo Arte. Es una discusión más propia de lingüistas, así que prefiero enumerar algunos títulos clásicos para clarificar las diversas formas en que podemos disfrutarlo. El metacine estaba presente en el El crepúsculo de los dioses (1950), del inmenso Billy Wilder, en Ocho y medio (1963, una de las 10 mejores películas del Cine) de Fellini, en Memorias del subdesarrollo (1968) de Gutiérrez-Alea,  en La noche americana (1973) de Truffaut y Annie Hall (1977), de Woody Allen. También en filmes más recientes como: Una película de parejas (2021) filme dominicano de los talentosos Natalia Cabral y Oriol Estrada, La rosa púrpura del Cairo (1985) de Allen, Being John Malkovich (1999) de Spike Jonze con guion de Charlie Kaufman. Y en otro brillante guion de Kaufman, Adaptation (2002), también dirigida por Jonze y protagonizada por Nicolas Cage, en su doble papel de Charlie y Donald Kaufman. El primero es el propio guionista, un tipo que paga impuestos (digamos que es el angelito), el segundo es su alter ego que, como cualquier artista, sufre de muchas inseguridades (digamos que es el diablito).

Precisamente esa es la estructura de presentación que ha asumido Tom Gormican y su coguionista, Kevin Etten. En El peso del talento, Nicolas Cage se parodia a sí mismo, como un actor desesperado por encontrar trabajo que se ve forzado a ser parte del cumpleaños de un millonario español que le idolatra por su exitosa carrera.

Como parte de esa carrera, hay que recordar que Cage primero se estableció como actor de carácter en filmes como: Rumble Fish (1983), Birdy (1984), Peggy Sue (1986), Moonstruck (1987) y Wild at Heart (1990), la formidable película de David Lynch ganadora de la Palma de Oro. Luego que Cage ganó el Oscar, Hollywood lo vio como la respuesta a sus plegarias y nació un nuevo héroe de acción para: The Rock (1996), Face/Off (1997), Con Air (1997), Gone in Sixty Seconds (2000) y National Treasure (2004), todos citados a lo largo de El peso del talento.

Para vincular al actor Cage con la celebridad Cage, ambos protagonistas a partes iguales, Gormican se vale de divertidos gags que le permiten recrear algunos diálogos de esos blockbusters y de un elenco español que encabezan Pedro Pascal y Paco León, que suman sus talentos humorísticos y su formidable química, para lograr una de las comedias más inteligentemente divertidas de los últimos años.

Un humor que se hace presente hasta en los créditos finales: Nicolas Cage es “Nick Cage”, mientras Nicolas Kim Coppola (su nombre real) es “Nicky”.

Diré algo obvio: mientras más cinéfilo el espectador, más posibilidades tiene de disfrutar un filme de múltiples referencias a otras películas, no solo las protagonizadas por Cage, como son: El gabinete del doctor Caligari (1920), joya del expresionismo alemán, y Paddington 2, uno de los mejores filmes del siglo XXI.

 

El peso del talento (2022). Dirección: Tom Gormican; Guion: Tom Gormican y Kevin Etten; Fotografía: Nigel Bluck; Edición: Melissa Bretherton; Música: Mark Isham; Elenco: Nicolas Cage, Pedro Pascal, Paco León, Sharon Horgan.

Cannes 2022: España entra a competencia con Albert Serra.

 El cine español sí estará este año en la sección oficial de Cannes. Lo ha logrado finalmente el catalán Albert Serra que competirá por la Palma de Oro con Bora Bora, película con producción española y francesa que será la única presencia española en competición. Lo ha anunciado el Festival de Cannes en un comunicado donde da a conocer nuevas incorporaciones a las diferentes secciones que componen el certamen, después del anuncio oficial el pasado 14 de abril.

Albert Serra es un viejo conocido del festival que ya obtuvo el Premio Especial del Jurado en la sección paralela “Una cierta mirada”, con Liberté, una película sobre el cruising en el siglo XVIII, una propuesta envolvente y provocadora que contaba la huida de un grupo de nobles franceses para implantar el libertinaje en Alemania. Es la cuarta vez que Albert Serra estará en la Costa Azul, donde ha ido presentando otros de sus trabajos, como Honor de cavalleria, La Muerte de Luis XIV, una monumental película con Jean Pierre Léaud.

Bora Bora, es la historia de una escritora que vuelve a su hogar en la Polinesia Francesa tras haber triunfado en Francia. Pero su vuelta está rodeada de desconcierto debido a una crisis creativa en la que está sumida. Sin poder escribir, decide aceptar un trabajo de traductora simultánea para un embajador. La película está protagonizada por el actor francés Benoît Magimel y por el catalán Sergi López.

La presencia de Albert Serra es un nuevo hito del cine español en este año en el que Carla Simón ha ganado el Oso de Oro en Berlín con Alcarrás. Normalmente, es difícil que una película española se cuele en competición salvo las de Pedro Almodóvar.

Desde el primer anuncio, se supo que una directora española estaba en una de las secciones que se celebran en el marco del festival, la Quincena de Realizadores. Elena López Riera con su ópera prima, El agua, protagonizada por Luna Pamiés, Bárbara Lennie y Alberto Olmo. "Es una recompensa enorme a un trabajo muy largo y un esfuerzo enorme que hemos hecho todos. Es un trabajo colectivo y significa el reconocimiento de todas las personas que han trabajado en la película", dijo López.

También en la Semana de la Crítica habrá dos directoras españolas que presentarán el próximo mes de mayo sus cortometrajes en el certamen. Se trata de 'Cuerdas', de la cineasta vasca Estíbaliz Urresola y 'Nisam je stigao voljeti', de Anna Fernández de Paco.

Jacques Perrin (1941-2022).

El actor francés Jacques Perrin, el Salvatore adulto de la icónica película Cinema Paradiso, falleció en París a los 80 años, indicaron medios franceses.

Perrin cuenta en su filmografía con más de 70 películas, participó en obras de teatro y dirigió documentales y produjo varios largometrajes de Costa Gravas o Jean-Jacques Annaud. También intervino en el éxito de 2004, Los chicos del coro.

Nacido en París en 1941, apareció en su primera película con apenas cinco años y, a finales de los 50 empezó una carrera profesional que, a lo largo de los años, le convirtió en un rostro popular de las pantallas en Francia.

Costa Gavras, Vittorio de Seta, Pierre Schoendoerffer o Agnès Varda le tuvieron a sus órdenes, en películas como Le Crabe-tamour, L'honneur du capitaine, Las señoritas de Rochefort, Piel de asno o Los chicos del coro, que tuvo un gran éxito de taquilla internacional.

Revisen sus agendas: vuelve el Festival Fine Arts “Hecho en RD”

Por segundo año, Caribbean Cinemas y Altice se unen para rendir honor al cine dominicano con la segunda edición del Festival de Cine Fine Arts Hecho en RD que tendrá su apertura el próximo 28 de abril, dedicado 100% al cine dominicano.

Para dar a conocer los detalles e innovaciones del festival, los principales ejecutivos de Altice Dominicana y Caribbean Cinemas, entre ellos Gregory Quinn, Managing Partner de Caribbean Cinemas y Zumaya Cordero, Directora del festival; acompañados de Soraida Soto, Vicepresidenta Comercial Segmento Personal de Altice Domincana, se reunieron en Caribbean Cinemas VIP de Downtown Center.

Allí compartieron con la prensa, patrocinadores y relacionados a la industria cinematográfica dominicana, las novedades que traerá el festival este año, el cual se llevará a cabo del 28 de abril al 11 de mayo y que también será celebrado de manera simultánea en Puerto Rico.

Durante 14 días se presentarán en las salas de Fine Arts Cinema Café at Novocentro un total de 11 producciones dominicanas. Además, se contará con actividades para los amantes del séptimo arte, estudiantes de las universidades del país, tales como, proyecciones especiales, competencia de cortometrajes, charlas educativas con destacadas personalidades del sector y paneles con líderes de la industria del cine dominicano.

Zumaya Cordero, Directora del festival, expresó que “dedicamos esta presentación del mejor cine dominicano, para deleite de cineastas, cinéfilos, estudiantes, público amante del buen cine, quienes son los mejores protagonistas de estas historias, queremos celebrar con 11 grandes producciones que distinguen nuestra cartelera y que agradecemos a sus productores por aceptar la invitación a ser parte de la misma. Con esto seguimos demostrando que la industria del cine dominicano está fortalecida y en franco crecimiento”.

De su lado Soraida Soto, vicepresidenta Comercial de Segmento Personal de Altice Dominicana destacó que “con gran orgullo reafirmamos nuestro compromiso de apoyar el desarrollo del cine dominicano por más de 11 años, de manera ininterrumpida, siendo aliados incondicionales del Festival Fine Arts. Una vez más, para esta entrega, estamos otorgando beneficios exclusivos para nuestros clientes, válidos durante todo el festival, como es un 15% de descuento para adquirir sus taquillas los lunes, martes, miércoles y viernes y para los jueves aplicando igualmente el valorado beneficio del 2 x 1 de Altice, en todas las salas de Caribbean Cinemas”.

La apertura del festival será con la película dominicana Rafaela, protagonizada por Judith Rodríguez, un drama del director Tito Rodríguez y producida por Danilo Reynoso, la cinta fue galardonada con el primer lugar en el Festival de Panamá. Mientras que la clausura estará a cargo de la más reciente película y primer thriller del director Roberto Ángel Salcedo, Desaparecido, la cual tendrá su estreno mundial junto con el inicio del festival el 28 de abril.

El jurado encargado de seleccionar lo mejor de esta edición está conformado por la productora Desirée Reyes (presidente), la cual estará acompañada por el crítico de cine Félix Manuel Lora, el realizador Ariel Feliciano, el actor Richard Douglas y el periodista Pachico Tejada.

Durante el festival se estarán premiando las categorías: mejor película, mejor director, mejor guion, mejor actriz principal, mejor actriz secundaria, mejor actor principal y mejor actor secundario.

El Festival de Cine Fine Arts Hecho en RD también se realiza gracias a los patrocinadores Unit, filial del grupo Universal y Brugal, además de la colaboración de la DGCINE, Cosas de mi País y el Listín Diario.

Caribbean Cinemas realizó su acostumbrada convocatoria a los nuevos cineastas de diferentes universidades a participar en el concurso de “Cortometrajes Dominicanos”. Para esta edición fueron seleccionados 10 cortometrajes inéditos de jóvenes talentos de este país a través de las propuestas de las universidades participantes como son: UNIBE, UNAPEC, INTEC, CHAVON y PUCAMAIMA.

Cortos participantes:

UNAPEC: “El valor del Agua” y “Una”

UNIBE: “Desde la raíz” y “De Cristal”

INTEC: “Muñecas” y “Uno”

PUCAMAIMA: “Swipe Up” y “Mula Mulata”

CHAVON: “Distancias Cercanas” y “Hay un jardín en el Lapino”

Netflix pierde 200.000 usuarios en el primer trimestre de 2022 y se desploma en bolsa.

Durante su informe financiero correspondiente al primer trimestre fiscal de 2022, Netflix dio a conocer la pérdida de 200.000 usuarios, la primera que reporta en una década. La última vez que la plataforma de vídeo en streaming comunicó una disminución en el número de suscriptores fue en 2011. Evidentemente, la bolsa ha reaccionado negativamente a esta noticia, pues el valor de las acciones de Netflix se ha desplomado un 25%, al momento de esta publicación.

Más allá de la pérdida sufrida en el anterior trimestre, lo que realmente preocupa a los accionistas es que Netflix, a través del mismo informe, proyecta perder 2 millones de usuarios durante el actual trimestre. Si la estimación se concreta, sería el peor año en la historia de Netflix como compañía que cotiza en la bolsa.

Ciertamente, el mercado esperaba que Netflix sufriera una desaceleración del crecimiento durante el año en curso. ¿La razón? Durante la pandemia, Netflix y otras plataformas incrementaron sus suscriptores de manera significativa porque el confinamiento obligó a millones de personas a permanecer en casa. Muchos buscaron actividades de entretenimiento para sobrellevar una situación inédita, entre ellas ver películas y series. Ahora, sin embargo, el mundo parece retomar las actividades cotidianas.

Otro factor que Netflix cree que ha influido en su desaceleración es el hecho de que cada vez más personas comparten una misma cuenta “dentro del hogar”, lo cual disminuye el número de potenciales nuevos suscriptores y, por consiguiente, de sus ingresos. En este sentido, el mayor problema que enfrenta Netflix es que muchas personas comparten su contraseña con personas fuera de casa.

Además, claro, está el tema de la competencia. Servicios como Disney+, HBO Max y Apple TV+ cada vez son más atractivos para los consumidores. No solo por la calidad de su contenido, también por el precio. Precisamente, Netflix ha sido criticada en meses recientes por aumentar el precio de su suscripción en diversos países, entre ellos Estados Unidos, que es su mercado más grande a nivel mundial. En la mayoría de los casos, la justificación es la misma: necesitan más recursos para seguir produciendo contenido original al mismo ritmo.

¿Cómo afrontará Netflix la caída de suscriptores? En su informe, mencionan que seguirán enfocados en “acelerar el crecimiento de la visualización y en mejorar todos los aspectos” de la plataforma, sobre todo la “calidad de la programación y recomendaciones”.

Aunque algunos consideran que Netflix podría seguir los pasos de HBO Max y Disney Plus lanzando una suscripción gratuita con anuncios, desde la compañía no muestran interés en este tipo de propuestas. “Eso no es algo que esté en nuestros planes en este momento. Tenemos un gran modelo en el negocio de suscripciones, a escala mundial”, declaró el pasado marzo Spencer Neumann, director financiero de Netflix.

Cannes 2022: el afiche oficial.

Pasos que conducen a la revelación. Una celebración poética de lo esquivo y la libertad. Una ascensión para pasar por alto el pasado y avanzar hacia la promesa de renovación. Del martes 17 al sábado 28 de mayo, el Festival de Cine de Cannes celebra su 75ª edición.

Este es su afiche 2022: como el inolvidable Truman encarnado por Jim Carrey que roza su horizonte con la punta de los dedos, el Festival de Cine de Cannes toma nota de la extremidad de un mundo para aprehenderlo de nuevo. Crisis climática, desastres humanitarios, conflictos armados: hay muchos motivos de preocupación.

Como en 1939 y luego en 1946, Cannes reafirma su convicción de que el arte y el cine son lugares de reflexión y contribuyen a la reinvención del mundo. Y no olvidemos nada de su compromiso fundacional descrito en el artículo primero de su reglamento: “El Festival Internacional de Cine tiene como objetivo, en un espíritu de amistad y cooperación universal, revelar y destacar obras por su calidad al servicio de la evolución del arte cinematográfico.” Evocación moderna del mito de la caverna de Platón, The Truman Show del dúo Peter Weir-Andrew Niccol y dirigido por Peter Weir (1998) y esta escena decisiva en particular invitan al espectador a tocar la frontera entre la realidad y su representación tanto como cuestionar los poderes de la ficción, entre la manipulación y la catarsis.

Y si Truman, por esta subida, escapa a la mentira, el Festival, por la subida de sus Red Steps, ofrece entrar en un cine para descubrir la verdad de los artistas.

Jacques Tati: reír(nos) de todo y de todos.

(Un axioma: el asueto de Pascua hay que invertirlo en cosas que nos hagan crecer. No se me ocurre mejor manera que estudiar a los Maestros de Cine, ese arte tan esencial para comprender la vida. Uno de sus Maestros del humor es Jacques Tati, brillante cineasta francés que nos entregó un universo absolutamente inimitable.          –José D’Laura.)   

El alemán Frederick Nietzsche, considerado uno de los filósofos esenciales del siglo XIX, sentenció: “El hombre sufre tan terriblemente en el mundo que se ha visto obligado a inventar la risa”. Esta afirmación existencial establece que el humor es, en el fondo, un tipo de catarsis o contraveneno espiritual que hace más soportable la existencia.

El Diccionario Filosófico (1965), de P.F. Rosenthal, define “lo cómico”: categoría de la estética que expresa la disconformidad (total o parcial), históricamente condicionada, de un fenómeno social dado, de la actividad y conducta de las personas, de su mentalidad y costumbres, respecto al curso objetivo de las cosas y al ideal estético de las fuerzas sociales progresivas. La comicidad puede manifestarse de distintas maneras: en la falta de correspondencia entre lo nuevo y lo viejo, entre el contenido y la forma, entre el fin y los medios, entre la acción y las circunstancias, entre la esencia real de una persona y la opinión que ella tenga de sí misma. Los sucesos y figuras cómicos provocan risa, sentimiento de reprobación, etc. La comicidad, por su origen, por su esencia y por su función estética, posee carácter social.

La larga introducción me sirve para presentarles a Jacques Tati, uno de los grandes cineastas del humor mundial, injustamente menospreciado por muchos y desconocido por quienes se decantan por las opciones más fáciles, por las menos exigentes, por la vulgaridad simplona.

Monsieur Hulot es un personaje nacido a partir de su extraordinaria capacidad de observación del mundo y sus “avances” y con un perfil muy particular: impermeable, pipa, paraguas y sombrero, además de su despistada forma de caminar. En esencia, es un mimo que se instaló en el cine sonoro como en casa. 

A partir de su éxito, el señor Hulot se inscribe por derecho propio en la pequeña familia de los grandes personajes del cine mudo: el Charlot de Chaplin, el Pamplinas de Keaton, el Chico de las gafas de Lloyd. Es importante acotar que, a pesar de que Hulot casi no habla, Tati hace uno del sonido como recurso humorístico. Así, el sonido de un tocadiscos que interrumpe la tranquilidad de un hotel (y su consecuente desconexión), los “tiros” de su automóvil o el sonido de una bola de tennis cuando es puesta en juego, son servidos como efectivos elementos de una narrativa que nos conduce al estado de la risa a flor de labios.

Tres filmes fundamentales nos permiten conocer a Monsieur Hulot:

Las vacaciones de Monsieur Hulot (1953), Premio de la Crítica en Cannes.

Los altoparlantes de la estación de abordaje anuncian con un parloteo incomprensible la llegada del tren (obvio antecedente al idioma Minion) y Tati juega al equívoco de las direcciones del tren: cuando los pasajeros hacen fila para abordar en una orilla, el tren aparece por la otra, en una gimnasia que podría repetirse hasta el infinito.

Las vacaciones del título son en un hotel costero y sobresale en Tati la observación de los pequeños detalles y su acentuación para lograr carcajadas: por ejemplo, un perro gran danés que duerme la siesta en medio de la calle e impide transitar a los automóviles. Otro ejemplo, a la entrada del restaurant, el chef parte un trozo de carne acorde con la contextura física de cada comensal que desfila por la puerta.

Mi tío (1958), Premio Especial del Jurado en Cannes y Oscar a la Mejor Película Extranjera, es una necesaria reflexión sobre los procesos de automatización de hogares y fábricas, así como de sus habitantes cotidianos: las familias, los obreros y los empresarios.

Es notable el ingenio de Tati para imaginar cocinas del futuro donde todo se reduce a tocar los interruptores que encienden o apagan complicados equipos, como estufas dignas de módulos lunares (hoy en día forman parte de cualquier cocina modular). En el hogar, puertas y ventanas se accionan a voluntad de sus ocupantes. Lo humorístico se hace visible cuando “pierden el control”, a costa de los ricos que pueden darse semejantes lujos.

En la fábrica, todo es juego, situación a la que se presta perfectamente cualquier cadena de producción: varios obreros transportan una manguera que parece interminable, el operador de turno se distrae y las maquinarias desatendidas se “rebelan” y producen artículos muy distintos para las que fueron diseñadas, echando por tierra la eficiencia de esos centros de trabajo.

Tati fue un auténtico maestro del “caos controlado”, una coreografía grupal en clave de humor que obliga al espectador a bailar con sus personajes favoritos entre la multitud. La clave es que todos tienen su propia narrativa y coreografía, unido a la aventura de compartir un mismo espacio (por ejemplo, una sala de fiestas), que multiplica las posibilidades de equívocos y extravíos, fuente esencial de su humor.

En Play Time (1967), Premio de Plata en el Festival de Moscú, arriesga todo su dinero…y quiebra. Rodada en 70 mm, a un costo de 17 millones de francos, hizo un edificio de cristal donde construyó todos los ambientes que necesitaba, y parte del entorno del edificio también.

En esta comedia, Tati se permite el uso de la cámara estática con un gran plano general y prácticamente ningún primer plano, para permitirle al espectador escoger la historia con la que quiere divertirse.

Y, por supuesto, sus constantes: la burla a los sistemas automatizados cada día menos comprensibles, el sonido inextricable de los parlantes de aeropuertos, escobas eléctricas que presagian aspiradoras, ascensores que nos encierran como trampas, etc.

Con el plano general de una empresa, por ejemplo, nos permite ver todos los cubículos en que trabajan sus burócratas. Perfectamente alineados, estos cubículos a asemejan a archivos verticales (y sirven para tales fines) en los que el elemento humano se reduce a gritos inextricables.

En definitiva, Jacques Tati creó a Monsieur Hulot, un personaje fundamental para el Cine y sentó las bases prácticas para, desde su humor, reflexionar profundamente sobre la condición humana de nuestros días.  

Cannes 2022: la Selección Oficial.

El cineasta canadiense David Cronenberg, el estadounidense James Gray, los hermanos belgas Dardenne y el ruso Kirill Serebrennikov, actualmente fuera de su país, competirán por la Palma de Oro en el 75ª Festival de Cannes, informó el delegado general del certamen, Thierry Frémaux.

Un total de 18 películas participan en la selección oficial del festival, que se celebra del 17 al 28 de mayo.

Estos son los filmes que se disfrutarán en el más importante festival del mundo:

-Z (COMME Z) Michel HAZANAVICIUS  (Noche inaugural, fuera de competencia) 

Sección Oficial:

-HOLY SPIDER, de Ali ABBASI

-LES AMANDIERS, de Valeria BRUNI TEDESCHI

-CRIMES OF THE FUTURE, de David CRONENBERG

-TORI AND LOKITA, de Jean-Pierre y Luc DARDENNE

-STARS AT NOON, de Claire DENIS

-FRÈRE ET SŒUR, de Arnaud DESPLECHIN

-CLOSE, de Lukas DHONT

-ARMAGEDDON TIME, de James GRAY

-BROKER, de KORE-EDA Hirokazu

-NOSTALGIA, de Mario MARTONE

-RMN, de Cristian MUNGIU

-TRIANGLE OF SADNESS, de Ruben ÖSTLUND

-DECISION TO LEAVE, de PARK Chan-Wook

-SHOWING UP, de Kelly REICHARDT

-LEILA’S BROTHERS, de Saeed ROUSTAEE

-BOY FROM HEAVEN, de Tarik SALEH ZHENA

-TCHAÏKOVSKI'S WIFE, de Kirill SEREBRENNIKOV

-EO, de Jerzy SKOLIMOWSKI

Sección Una Cierta Mirada:

-LES PIRES, de Lise AKOKA, Romane GUERET 1 st film

-BURNING DAYS, de Emin ALPER

-METRONOM, de Alexandru BELC 1 st film

-SICK OF MYSELF Kristoffer BORGLI

-ALL THE PEOPLE I'LL NEVER BE, de Davy CHOU

-DOMINGO Y LA NIEBLA, de Ariel ESCALANTE MEZA

-PLAN 75, de HAYAKAWA Chie 1 st film

-UNTITLED PINE RIDGE PROJECT, de Riley KEOUGH y Gina GAMMELL 1 st film

-CORSAGE, de Marie KREUTZER

-BUTTERFLY VISION, de Maksim NAKONECHNYI 1 st film

-GODLAND, de Hlynur PÁLMASON

-RODEO, de Lola QUIVORON 1 st film

-JOYLAND, de Saim SADIQ 1 st film

-THE SILENT TWINS, de Agnieszka SMOCZYNSKA

-THE STRANGER, de Thomas M WRIGHT

 

Fuera de Competencia:

-TOP GUN: MAVERICK, de Joseph KOSINSKI

-ELVIS, de Baz LUHRMANN

-MASQUERADE, de Nicolas BEDOS

-NOVEMBRE, de Cédric JIMENEZ

-THREE THOUSAND YEARS OF LONGING, de George MILLER

 

Estrenos en Cannes:

-Nos frangins, de Rachid Bouchareb

-Esterno Notte, de Marco Bellocchio

-Dodo, de Panos H. Koutras

-Irma Vep, de Olivier Assayas

 

Proyecciones Especiales:

-All that breathes, de Shaunak Sen

-The Natural History of Destruction, de Sergei Loznitsa

-Jerry Lee Lewis: Trouble in Mind, de Ethan Coen

 

Proyecciones de Medianoche:

-Hunt, de Lee Jung-jae

-Moonage Daydream, de Brett Morgen

-Fumer fait tousser, de Quentin Dupieux

Clásicos de Semana Santa.

Desde los inicios del cine, los hechos que se conmemoran en la Semana Santa han inspirado numerosas películas. Louis Lumiére y Georges Hatot estrenaron en 1898 La vida y la pasión de Cristo y, desde entonces, innumerables filmes han tocado este tema.

Es buena época para recordar algunos filmes esenciales para Semana Santa.

Los 10 mandamientos (1956): escrita y dirigida por el mítico Cecil B. DeMille, dramatiza la historia bíblica de la vida de Moisés, interpretado por Chalton Heston.

Jesús de Nazaret (1977, Franco Zeffirelli): es una de las versiones que mayor aceptación ha tenido de todas las realizadas. A la precisión de Zeffirelli, se unió el talento de Robert Powell como Jesús.

La Pasión de Cristo (2004, Mel Gibson), filme que creó muchísima controversia por las crudas escenas de tortura, pero que fue aplaudida por millones, convirtiéndola en un gran éxito de taquilla. El actor James Caviezel interpretó el rol protagónico.

Jesucristo Superstar (1973, Norman Jewison): la película basada en el exitoso musical de Broadway escrito por Andrew Lloyd Webber y Tim Rice. Contó con las actuaciones de Ted Neeley como Jesús e Yvonne Elliman como María Magdalena.

La última tentación de Cristo (1988): vilipendiada, al igual que el personaje bíblico pocos comprendieron el sentido del filme de Martin Scorsese, basado en la novela homónima de Nikos Kazantzakis

El Mártir del calvario (1952, Miguel Morayta): es la más representativa de todas cuantas se han hecho en Latinoamérica. Rodada en México y protagonizada por el español Enrique Rambal.

Ben Hur (1959, William Wyler): costó en su momento 15 millones de dólares, el mayor presupuesto para una película en Hollywood. Recibió el respaldo del público y la crítica y consiguió 11 Oscars, una marca que se mantiene (compartida) hasta la fecha. 

En 2018, dos filmes vinculados al tema fueron estrenados: María Magdalena (Garth Davis), con Rooney Mara en el papel protagónico y Joaquin Phoenix como Jesús; y Pablo, al apóstol de Cristo (Andrew Hyatt), con James Faulkner (como Pablo) y Jim Caviezel (como Lucas).

 

Cannes 2022: afiche de la Semana de la Crítica.

En el cartel de la 61ª Semana de la Crítica, la fotógrafa Charlotte Abramow proyecta sobre un cuerpo personajes de la película Sous le ciel d'Alice de Chloé Mazlo, a medio camino entre una linterna mágica y un buen genio de Las mil y una noches.

Este encuentro de dos mundos poéticos y alegres es un homenaje al cine, una declaración de amor a quienes lo hacen, a los espectadores a los que cautiva, conmueve, sorprende, interpela o empuja… a los aficionados que lo llevan en la piel.

Bajo un cielo estrellado, la Semaine de la Critique le invita a la maravillosa aventura de las primeras películas, un viaje hacia las emociones, las sensaciones.

La sala se oscurece para revelarnos los cortometrajes y largometrajes que Ava Cahen, Delegada General y sus comités de selección han buscado en todo el mundo, para una nueva edición dedicada al descubrimiento.

Sección paralela de Cannes dedicada a las primeras y segundas películas, la Semana de la Crítica, que se celebrará en Cannes del 18 al 26 de mayo, ¡te invita a compartir la magia del cine!

“Madres paralelas”: Almodóvar y la sororidad de su universo.

Madres paralelas, de Pedro Almodóvar, estuvo en la selección oficial del Festival de Venecia 2021. En el festival más antiguo del mundo, Penélope Cruz consiguió la Copa Volpi a la mejor actuación. Duro mentís para quienes no terminan de aceptar que es una de las mejores actrices de nuestro tiempo. También fue la confirmación de Almodóvar como uno de los mejores directores de actrices del Cine, junto nombres tan ilustres como George Cukor, Billy Wilder, Roger Vadim y Woody Allen, quien dirigió a Pe para ganar su Oscar por Vicky Cristina Barcelona.

Si vamos a hablar de premios, recordemos que Penélope Cruz fue galardonada en Cannes por Volver, también dirigida por Almodóvar, que la convirtió en la primera actriz española en ser nominada al Oscar y al Globo de Oro.

Una fructífera relación de director y actriz, que se prolonga por 24 años y 7 películas, a saber: Carne trémula (1997), Todo sobre mi madre (1999), Volver (2006), Los abrazos rotos (2009), Los amantes pasajeros (2013), Dolor y gloria (2019) y Madres paralelas (2021). Sí, ya es tiempo de que alguien lo diga: Penélope Cruz es la mejor de todas las chicas Almodóvar (consulte la canción de Sabina), un club al que todas quieren pertenecer y para el que se requiere mucho talento. Establecido eso: crédito a la luminosa presencia de Milena Smit: ha nacido una estrella.

Madres paralelas explora nueva vez esos conflictivos universos femeninos que pocos han sabido exponer con la brillantez de Almodóvar y reivindica una sororidad que no conoce fronteras de ningún tipo.

Como en cualquier película de Almodóvar, sus heroínas enfrentan enormes desafíos (la maternidad como centro gravitacional de todo lo bueno y de todo lo malo) que cambiarán sus vidas y exhiben una capacidad bíblica para superarlos. Todos saben que este cineasta bebe de los melodramas de Douglas Sirk, una influencia que se siente en cada fotograma y en la presencia de esos rojos que desatan pasiones inexpugnables. Pero también hay que señalar las felices colindancias con otro grande, el japonés Kenji Mizoguchi, en lo que respecta a sus filmes, porque no podrían ser dos personas más diferentes.

Regla dramática para los genios: siempre, menos es más. A Almodóvar le basta con vestir a una de ellas con una blusa que nos transporta de golpe a los estampados de Volver y eso es una autocita. A Almodóvar le basta con un abrir y cerrar de puerta (indudable guiño a Lubitsch) para viajar en el tiempo de forma natural. A Almodóvar le bastan unos segundos de la canción Summertime, de Janis Joplin, para explicarnos el pasado del personaje, su vocación vinculada al arte y el origen de su nombre. Siempre, menos es más.

Madres paralelas, también sirve para mostrarnos al Almodóvar en pleno dominio de su oficio de guionista: propone sus puntos de giro con precisión de reloj suizo, sus personajes aparecen (y desaparecen, los hombres limitados a sembrar semillas y dudas) supeditados a las necesidades del drama y siempre establece un intenso diálogo con el espectador porque hay algún nudo dramático que espera respuesta y las múltiples posibilidades de resolución. Toda una aventura dialéctica que nos conduce a la verdad.

Por cierto, para los que se extrañan del elemento de denuncia social en Madres paralelas, eso no es nuevo en Almodóvar: bastaría recordar el inicio y cierre de Carne trémula. Lo que sí es novedoso es cerrar con una frase de Eduardo Galeano: “No hay historia muda. Por mucho que la quemen, por mucho que la rompan, por mucho que la mientan, la historia humana se niega a callarse la boca.” ¿Didactismo? Un pueblo que olvida su historia… 

Madres paralelas (2021). Dirección y guion: Pedro Almodóvar; Fotografía: José Luis Alcaine; Edición: Teresa Font; Música: Alberto Iglesias; Elenco: Penélope Cruz, Milena Smith, Israel Elejalde.

Will Smith vetado 10 años de la Academia de Hollywood.

Ya la Academia del cine tomó una decisión tras la bofetada que el actor Will Smith le dio a Chris Rock en plena transmisión del Oscar. 

Smith fue vetado durante diez años de cualquier evento de la Academia del cine. Este viernes la organización comunicó el castigo elegido para el actor después del golpe dado al comediante Chris Rock la noche de los Oscar tras una broma sobre Jada Pinkett Smith.

“Por un periodo de diez años, a partir del 8 de abril, el señor Smith no podrá participar en ningún evento o programa, en persona o de forma virtual”, señalan en una carta abierta el presidente David Rubin y la consejera delegada, Dawn Hudson. Hollywood cierra las puertas del Olimpo al más reciente ganador del premio de Mejor actor.

Hace unos días Will Smith se adelantó a la decisión, cuando anunció que renunciaba a la organización. “Traicioné la confianza de la Academia y privé a los nominados y ganadores de una oportunidad de celebrar y ser celebrados por su extraordinario trabajo”, señaló el actor en un comunicado.

El actor aseguraba tener “el corazón roto” tras una decisión que lo coloca en una deshonrosa lista compuesta por cinco nombres, los académicos expulsados tras la irrupción del movimiento Me Too. Estos son el productor Harvey Weinstein, el comediante Bill Cosby, el director Roman Polanski y el fotógrafo Adam Kimmel, quien ha sido procesado por tener sexo con menores de edad.

En el texto publicado, Rubin y Hudson se disculpan por no haber manejado la situación la noche del Oscar “de forma adecuada”. “Esta fue una oportunidad para nosotros de poner un ejemplo con nuestros invitados y espectadores y nos quedamos cortos, sin estar preparados para lo inesperado”, señala el documento.

La Academia pretende con su decisión poner punto final a casi dos semanas de polémica. Este tiempo, no obstante, ha dejado poca claridad de la actuación de la cúpula de la organización dentro del teatro Dolby, donde fueron entregados los premios. Rubin aseguró la semana pasada que la Academia pidió a Smith abandonar el lugar después del golpe y este se negó. Esta versión fue posteriormente desmentida por gente cercana al ganador del Oscar a la revista Variety. Fuentes anónimas señalaron a la publicación que el intérprete recibió mensajes contradictorios.

“Desaparecido”: desde el 28 de abril en cines.

El actor, productor y director Roberto Ángel Salcedo ahora decide ampliar la bandeja de contenidos de sus filmes con el primer thriller que lleva a la pantalla grande, Desaparecido, a partir del 28 de abril. 

“Hoy es Desaparecido con suspenso; mañana será drama y así sucesivamente. Sin dejar de hacer humor”, expresó el también guionista de esta historia que cuenta la producción de Miranda Films, Anillo Films y la distribución de Caribbean Films Distribution.

El largometraje cuenta con un elenco formidable, con un alto compromiso, preparación y una trayectoria en la pantalla grande. Algunos ya han participado anteriormente en películas de Anillo Films y Miranda Films. Mientras que otros se estrenan con Roberto Ángel.

El elenco lo conforman: Gaby Desangles, Lizbeth Santos, Jalsen Santana, Albert Mena, Johnnie Mercedes, Miguel Lendor, María Castillo, Christian Álvarez, Ramón Candelario y Anderson Mercedes.

Desaparecido narra la historia de Manuel, un hombre joven, emprendedor y casado, quien tiene un accidente tras una larga persecución; su perseguidor, al buscarlo en el carro que conducía, no lo encuentra, y es cuando se inicia la trama para dar con su paradero. La esposa de Manuel, Paulina, inicia junto a la policía una investigación que terminará revelando detalles ocultos de la vida de Manuel.

“Ha sido muy satisfactoria y gratificante, pues es una historia que mantiene al público expectante y queriendo descubrir que pasó con Manuel”, reveló Salcedo en un encuentro con la prensa en el salón VIP de Caribbean Cinemas de DownTown Center.

“Fue una experiencia muy grata (…) Filmamos la película entre los meses de junio y julio del año pasado (en medio de la pandemia) y ya estamos prestos, a partir del 28 de abril, a colocarla a la consideración de todo el público”, destacó Salcedo.

Premios Platino 2022: Carmen Maura, Premio Platino de Honor.

Carmen Maura será reconocida por su dilatada trayectoria en el audiovisual iberoamericano con el Premio Platino de Honor de la IX Edición de los galardones de la industria que se celebrarán el próximo 1 de mayo en Madrid. La actriz recibirá el reconocimiento por sus más de cincuenta años dedicada a la interpretación en películas, series y obras teatrales de todo el mundo.

Maura es una de las grandes instituciones de la interpretación a nivel mundial, como refrendan sus colaboraciones con directores de la talla de Pedro Almodóvar, Álex de la Iglesia, Mario Camus, Carlos Saura, Fernando Trueba, José Luis Borau, Ricardo Larraín, André Techiné, Francis Ford Coppola, Pilar Miró o Fernando Colomo.

La actriz es una de las más destacadas en el panorama iberoamericano, algo que refleja el extenso palmarés de reconocimientos que atesora: la Palma de Oro del Festival de Cannes, cuatro premios Goya, dos premios Felix de la Academia de Cine Europeo, la Concha de Plata del Festival de San Sebastián, el Premio César, el Premio Donostia del Festival de San Sebastián, el Premio Honorífico de la Academia de Cine Europeo.

Carmen Maura nació en 1945 en Madrid, y después de graduarse en Letras Francesas y realizar estudios de Filosofía y Literatura comenzó a actuar en el Teatro Español Universitario para volcarse en la interpretación a finales de los años setenta, con sus primeros papeles en cine y televisión.

Sería, primero, con Folle… folle… ¡fólleme Tim! y después con Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón cuando el nombre de Carmen Maura quedaría ligado al de Pedro Almodóvar, director con el que colaboró habitualmente en la época convirtiéndose en la primera “chica Almodóvar”, protagonizando varias de sus siguientes películas: Entre tinieblas, ¿Qué he hecho yo para merecer esto?, Matador o La ley del deseo, algunas de las películas más relevantes de la época.

Maura fue la protagonista de Mujeres al borde de un ataque de nervios, película que le valdría a Almodóvar su primera nominación al Premio Oscar y con la que la actriz consiguió el Premio Goya y el Felix de los Premios del Cine Europeo.

La década de los noventa supuso la consagración definitiva para la actriz en España, Europa e Iberoamérica protagonizando cintas como ¡Ay, Carmela!, de Carlos Saura, gran éxito en la época que le valdría sendos premios Goya y Felix, La reina anónima, de Gonzalo Suárez, Sombras en una batalla de Mario Camus o Cómo ser infeliz y disfrutarlo de Enrique Urbizu.

En el año 2000, Maura protagonizaría La comunidad, celebrada cinta de Álex de la Iglesia que le valdría su tercer premio Goya y la Concha de Plata del Festival de San Sebastián.

En 2006 cuando, después de casi dos décadas, volvería a trabajar con Pedro Almodóvar en Volver compartiendo reparto con Penélope Cruz, Chus Lampreave, Lola Dueñas o Blanca Portillo. El reencuentro de la actriz y el director le valdría al realizador manchego el Premio Oscar, mientras que su reparto femenino, con Maura incluida, se alzaría con la Palma de Oro del Festival de Cannes, consiguiendo también el cuarto Goya de la actriz.

En la última década, Carmen Maura ha trabajado en cintas como la francesa Las chicas de la sexta planta, con el que consiguió el Premio César a la mejor actriz de reparto, Las brujas de Zugarramurdi, de Álex de la Iglesia, o la colombiana Sofía y el terco.

Maura recibirá el merecido galardón en la gala de la IX Edición de los Premios Platino del Cine y el Audiovisual Iberoamericano, que presentarán Lali Espósito y Miguel Ángel Muñoz y será retransmitida por televisiones de toda Iberoamérica. Una noche para celebrar el audiovisual y que coronará a la Mejor Película Iberoamericana de Ficción.