Festival de Cine Global de Santo Domingo (FCGSD) abre convocatoria para su 17ma edición

El Festival de Cine Global de Santo Domingo anuncia la apertura de la convocatoria para que profesionales de la industria cinematográfica, estudiantes y amateurs, tanto locales como extranjeros, participen en la 17ma edición que se celebrará del 30 de Enero al 5 de Febrero 2025.

Desde el 30 de septiembre y hasta el 30 de noviembre de 2024, los interesados podrán inscribirse en las competencias de largometraje Ópera Prima Ficción “Jimmy Sierra”; Ópera Prima Documental “Fernando Báez”: Así como también podrán aplicar al Concurso de Cortometrajes “Corto Global” en sus categorías de ficción y/o documental y de animación, para que sus obras cinematográficas puedan ser evaluadas y en caso de ser seleccionadas formen parte de la programación oficial del Festival.
Los aspirantes deberán realizar el proceso de registro en las plataforma electrónica www.festhome.com en la que además encontrarán información detallada y los requisitos de participación. Tras la evaluación de un jurado compuesto por profesionales del cine designado por el FCGSD, los finalistas se darán a conocer previo a la celebración del evento cinematográfico, a través de su página web www.tamoencine.org.

Kris Kristofferson (1936-2024).

El actor y estrella de la música country estadounidense Kris Kristofferson murió a los 88 años, anunció su familia.

Considerado una leyenda del country, Kristofferson ganó más fama luego de estelarizar en la pantalla grande junto a Barbra Streisand la película Nace una estrella (1976), por la que recibió un premio Golden Globe a mejor actor.

“Es con el corazón apesadumbrado que compartimos la noticia de que nuestro esposo/padre/abuelo Kris Kristofferson, falleció el sábado 28 de septiembre pacíficamente en su casa” en Hawái, aseguraron sus familiares en una breve nota en su página oficial en Facebook, en la que no se precisó la causa de la muerte.

Kristofferson, además de ser reconocido por el Salón de la Fama de la Música Country en Estados Unidos y por ganar un premio Grammy, escribió éxitos como Sunday Mornin' Comin' Down y Me and Bobby McGee.

Si bien se le conoció por actuar en solitario durante décadas, también conformó la reconocida banda The Highwaymen a mediados de los años 80 junto a otras leyendas como Johnny Cash, Waylon Jennings y Willie Nelson.

“Fuimos todos bendecidos por nuestro tiempo a su lado, gracias por quererlo todos estos años”, añadió su familia en el comunicado.

Kristofferson nació el 22 de junio de 1936 en Brownsville, Texas. Le sobreviven su tercera esposa, Lisa, y sus ocho hijos.

San Sebastián 2024: los ganadores.

El largometraje Tardes de soledad, dirigido por Albert Serra, ha conquistado la Concha de Oro de la 72ª edición del Festival de San Sebastián, cuyo jurado oficial ha otorgado la Concha de Plata ex aequo a la mejor dirección a dos debutantes, Laura Carreira y Pedro Martín Calero, por sus respectivos trabajos en On Falling y El llanto.

La Concha de Plata a la mejor interpretación protagonista ha recaído en Patricia López Arnaiz por su papel en Los destellos, tercer largometraje de Pilar Palomero, mientras que el premio a la mejor interpretación de reparto ha sido para Pierre Lottin como miembro del elenco de Cuando cae el otoño, de François Ozon. Este último y Philippe Piazzo han logrado el Premio del Jurado al mejor guion, mientras que el galardón a la mejor fotografía lo ha recibido Piao Songri por Bound in Heaven, ópera prima de Huo Xin.

Además, el Premio Especial del Jurado ha ido a parar a The Last Showgirl, dirigida por Gia Coppola, para reconocer el trabajo de su elenco de actrices y actores, entre quienes figuran Pamela Anderson, Kiernan Shipka, Brenda Song, Billie Lourd, Dave Bautista y Jamie Lee Curtis. “Por su alta calidad interpretativa, repleta de verdad y de matices, que con gran sutileza y contención nos acerca a los sentimientos de un grupo de personas que debe enfrentarse a un oficio que se pierde, a un mundo que se acaba”, dice el acta.

El jurado oficial que ha entregado estos premios ha estado presidido por la cineasta Jaione Camborda. La donostiarra ha estado acompañada en las deliberaciones por la escritora y periodista argentina Leila Guerriero, el actor y director estadounidense Fran Kranz, el realizador, guionista y productor griego Christos Nikou, el cineasta austríaco Ulrich Seidl y la productora francesa Carole Scotta.

El Premio Horizontes ha sido para El jockey, el filme de Luis Ortega que compitió en la última Mostra de Venecia, mientras que el Premio Zabaltegi-Tabakalera ha recaído en otro título programado en el mismo festival, Abril, segundo largometraje de Dea Kulumbegashvili. Además, la película presentada en Festival de Locarno Monólogo colectivo, de Jessica Sarah Rinland, ha cosechado una mención especial del Premio Zabaltegi-Tabakalera.

El cortometraje El reinado de Antoine, del dominicano José Luis Jiménez, ha obtenido el Premio Nest The Mediapro Studio.

Maggie Smith (1934-1924)

La actriz Maggie Smith, conocida por las películas de Harry Potter y la serie Downton Abbey, murió a los 89 años, según comunicó su familia.

Leyenda del cine y el teatro británicos, ganó dos Oscar durante su carrera: por The Prime of Miss Jean Brodie (traducida como La primavera de una solterona) en 1970 y California Suite en 1979.

Recibió otras cuatro nominaciones a los premios de Hollywood y ocho premios Bafta de la Academia británica.

En las películas de Harry Potter interpretó a la mordaz profesora Minerva McGonagall, famosa por su sombrero puntiagudo de bruja y su actitud severa con los jóvenes magos de Hogwarts.

La carrera de Maggie Smith comenzó en el teatro, y obtuvo su primera nominación al Bafta en el melodrama de 1958 Nowhere to Go.

En 1963, Laurence Olivier le ofreció el papel de Desdémona, para protagonizarlo junto a su Otelo, en la Compañía Nacional de Teatro inglesa.

Dos años después, la obra se llevó al cine con el elenco original y Smith fue nominada a un premio de la Academia estadounidense.

Otros papeles memorables de la actriz incluyen en 1985 la película Una habitación con vistas, en la que interpretó a la chaperona Charlotte Barlett, que acompañaba a Lucy Honeychurch a Italia. El papel le valió otra nominación al Oscar y un Bafta.

Sus últimos papeles incluyen The Miracle Club de 2023, que sigue a un grupo de mujeres de Dublín que van en peregrinación a la ciudad francesa de Lourdes. Es coprotagonizada por Kathy Bates y Laura Linney.

“Sala de profesores”: intenso drama de Ilker Çatak.

Decía el teórico alemán Siegfried Kracauer que “Las películas de una nación reflejan su mentalidad de forma más directa que otros medios artísticos”, es decir, son espejos de las sociedades en que se hacen. Cuando se quiera estudiar los rasgos característicos de una sociedad en particular, hay que analizar su cine.

“Más que credos explícitos –señala Kracauer- lo que las películas reflejan son tendencias sicológicas, los estratos profundos de la mentalidad colectiva”. La afirmación nos sirve como anillo al dedo para hablar de Sala de profesores, filme alemán dirigido por Ilker Çatak, que disecciona la sociedad alemana contemporánea en su compleja forma de pensar.

Hay que contextualizar con la vergonzosa derrota militar de la II Guerra Mundial, hasta la Alemania de hoy, una de las naciones europeas más hospitalarias para los necesitados: un millón de refugiados sirios por la guerra en su país, un millón de ucranianos refugiados (solo en los primeros días) luego de la invasión rusa, masivas migraciones que, desde luego, producen fricciones entre las diferentes capas sociales, preludio de sismos. A eso, hay que añadir el estigma no superado desde el Holocausto.

Parte de esas grietas de su sociedad se deja entrever en Sala de profesores. La premisa del filme es simple: una serie de robos menores ocurren en la escuela donde labora la profesora Carla Nowak y ella decide tender una trampa al posible ladrón para aclarar las cosas. Efecto de bola de nieve: con su acción desata una serie de eventos que crecen más allá de su capacidad de control.

Aunque primer sospechoso resulta ser uno de sus alumnos (turco para más señas), la prueba más fehaciente apunta a la señora Kuhn, empleada del colegio y madre de otro de sus alumnos.

Sala de profesores se torna entonces en un thriller de máxima tensión que evidencia la discriminación racial, los prejuicios sociales y las posiciones de poder que defienden sus protagonistas.

Çatak apoya su propuesta con una puesta en escena minimalista y con el rostro de la formidable Leonie Benesch, casi siempre en primer plano, mostrando las diferentes etapas de su conflicto personal: desde motivar a sus alumnos a salir adelante con sus diferentes problemas (personales y escolares), pasando por recurrir a las máximas autoridades para implantar el orden, hasta verse acosada por sus propios alumnos y también acusada por sus colegas, como consecuencia de cuestionar el statu quo de las cosas. Curiosamente, Benesch protagonizó otro filme que sigue ese esquema dramático: la formidable La cinta blanca, de Michael Haneke.

Cada quien juega su papel como isla de poder en su entorno y nadie cuestiona más allá de lo que conviene. Peor aún: cualquier iniciativa de cambio, siempre se encuentra con los obstáculos de siempre y todo se convierte en un trámite tortuoso que nunca conduce a nada.

Pero todos exigen un chivo expiatorio, una excusa para dejar las cosas iguales y que paguen quienes no tienen la culpa de nada. En ese opresivo juego de poder, siempre pierden los más débiles y la autoridad está para perpetuar la propia estructura que la crea a imagen y semejanza.

Sala de profesores debutó en el Festival de Berlín, donde consiguió el Premio Panorama Cicae Arts. Ganó 5 Lolas (los premios del cine alemán), estuvo en el Top 5 del National Board of Review y nominada al Oscar como Mejor Película Internacional. En el Festival de Palms Spings se llevó los premios al Director to Watch y Mejor Actriz (para Leonie Benesch).

Sin dudas, un impactante drama que repensamos muchos días después de haberlo visto.

 

Sala de profesores (2023). Dirección: Ilker Çatak; Guion: Ilker Çatak y Johannes Duncker; Fotografía: Judith Kaufmann; Edición: Gesa Jäger; Música: Marvin Miller; Elenco: Leonie Benesch, Michael Klammer, Eva Löbau, Leonard Stettnisch. 

“Robot Salvaje”, desde ya en cines.

A partir del 26 de septiembre los apasionados del cine podrán disfrutar de la película Robot Salvaje en todas las salas de cine de Caribbean Cinemas. 

La adaptación cinematográfica del éxito literario de Peter Brown, The Wild Robot, promete cautivar a espectadores de todas las edades con una historia emocionante y conmovedora sobre el vínculo entre la tecnología y la naturaleza, abordando en el trasfondo temas de autodescubrimiento y coexistencia.

Producida por los estudios de DreamWorks Animation, la cinta cinematográfica es mucho más que una película animada; es una reflexión conmovedora sobre lo que significa estar vivo. La trama sigue las aventuras de Roz, una robot que naufraga en una isla desierta. A medida que enfrenta los desafíos del entorno salvaje, Roz desarrolla una profunda conexión con los animales de la isla, en especial con un ganso huérfano del que se convierte en madre adoptiva. 

El elenco de voces cuenta con la participación de grandes talentos del cine y la televisión como Lupita Nyong’o, Pedro Pascal, Catherine O'Hara, Bill Nighy, Kit Connor y Stephanie Hsu. También se suman Mark Hamill, Matt Berry y Ving Rhames.

La película está escrita y dirigida por Chris Sanders, quien ha sido reconocido por su trabajo en How to Train Your Dragon, The Croods y Lilo & Stitch; con la producción de Jeff Hermann, productor de The Boss Baby 2 y coproductor de la franquicia Kung Fu Panda.

Caribbean Cinemas invita a todos los amantes del cine a disfrutar Robot Salvaje, una épica aventura animada en la gran pantalla.

Isabella Rossellini: Premio Europeo a la Trayectoria.

La actriz italiana Isabella Rossellini recibirá el premio European Achievement in World Cinema, un reconocimiento a su trayectoria, en los Premios del Cine Europeo de este año.

La estrella italoamericana, hija de la actriz sueca Ingrid Bergman y del director de cine italiano Roberto Rossellini, fue una exitosa modelo de moda, famosa por su trabajo para la marca francesa Lancôme, antes de dedicarse a la actuación.

Su primer papel protagonista fue en el drama de los hermanos Taviani The Meadow (1979), pero su gran éxito internacional fue en Blue Velvet (1986), de David Lynch, en la que interpretó a la misteriosa y torturada cantante de club nocturno Dorothy Vallens. La actuación, en la que Rossellini también cantó la melodía principal de la película, le valió el premio Independent Spirit a la mejor actriz principal.

Durante las siguientes cuatro décadas, Rossellini forjó una carrera única en el cine, moviéndose entre películas de gran presupuesto (La muerte le sienta bien (1992) de Robert Zemeckis, Sin miedo (1993) de Peter Weir) y películas de autor independientes, trabajando con Peter Greenaway (Las maletas de Tulse Luper (2003)), Guy Maddin (Brand Upon the Brain! de 2006), Marjane Satrapi (Pollo con ciruelas (2011)) y Alice Rohrwacher (La chimera de 2023). Fue nominada al Emmy por un papel recurrente en Chicago Hope y apareció en episodios de Alias, 30 Rock y como ella misma en un episodio de Friends.

Más recientemente, Rossellini aparece como una monja entrometida en la popular película de Edward Berger, Cónclave.

Al anunciar el premio a la trayectoria, la Academia de Cine Europeo dijo que el honor “sirve como un recordatorio de la profundidad y amplitud del talento de Rossellini, que continúa dando forma al panorama del cine mundial”.

“Las tres hijas”: los misteriosos vínculos familiares.

Por regla general, un buen drama necesita un buen detonante para atraparnos en la historia. Habitualmente: una muerte, un nacimiento o un accidente. Las tres hijas, nuevo filme de Azazel Jacobs, nos siembra en el asiento desde el primer fotograma.

Tres hermanas (Katie, Christina y Rachel) acuden a acompañar a Vincent, su padre moribundo, y la tensión entre ellas es absolutamente insoportable. Son tres personalidades completamente distintas y compartir el mismo espacio es una bomba de tiempo a punto de estallar.

Ellas hablan de frente a la cámara, nos hablan de frente, como si fuésemos sus terapeutas, y nos llenan el alma de desasosiego. Cada una de ellas tiene sus propios problemas para vivir en infelicidad y aunque no queremos ser partícipes de sus pesadas cargas, no hay forma de escapar. Estamos atrapados en el mismo frío apartamento de New York, con Vincent agonizando en su habitación.

Katie sufre, como corresponde, el inclemente desprecio de Tracey, su hija adolescente; Christina se abraza a la alegría que le da su pequeña Mirabella. Rachel solo se preocupa por ganar en sus apuestas deportivas, y conseguir marihuana y algunas manzanas para no morir de inanición.

A su manera, cada una vive dentro de un círculo vicioso que les ha minado sus alegrías y las ha convertido en ansiedades andantes. A su manera, cada una trata de reconstruir las memorias de lo vivido con su padre, de armar con los añicos el espejo de lo que ha sido su vida, misión que sabemos imposible porque siempre faltarán piezas y también el talento para semejante tarea. El problema es que intentan inventar una forma de mitigar el dolor ante la inminente partida cuando han olvidado lo más importante: abonar con su amor a quien le deben la vida. Christina define el sentimiento con una frase excepcional: “La única manera de comunicar cómo se siente la muerte es con ausencia. Todo lo demás es fantasía.”  

Jacobs escribió un guion muy poderoso, con obvias influencias de realizadores como Ingmar Bergman (y el Woody Allen de September (1987), que le permite construir un drama poderoso, pero lleno de luz, sobre la familia y sus misteriosos vínculos. A veces se percibirán como vínculos tóxicos, pero esenciales para conformar ese tejido que es la base de cualquier sociedad. Del resto, se encargan los terapeutas cuando es necesario.

Y siempre, las canciones de cuna son un bálsamo para el vacío que nos queda con la partida de los más queridos.

Del elenco, destaco la maravillosa construcción que ha logrado Elizabeth Olsen, actriz que brilla con luz propia en filmes como Martha Marcy May Marlene (su debut en 2011) y Liberal Arts (2012) y que paga las facturas cuando forma parte del Universo Cinematográfico Marvel. No me extrañaría que Olsen o su compañera Natasha Lyonne consigan algunas nominaciones en la próxima Temporada de Premios.

 

Las tres hijas (2023). Dirección y guion: Azazel Jacobs; Fotografía: Sam Levy; Edición: Azazel Jacobs; Música: Rodrigo Amarante; Elenco: Natasha Lyonne, Elizabeth Olsen, Carrie Coon, Jay O. Sanders.

“Emilia Pérez”, de Francia, a por el Oscar.

Emilia Pérez, la comedia musical de Jacques Audiard protagonizada por las actrices Karla Sofía Gascón, Zoe Saldaña y Selena Gómez, grabada en español, será la candidata de Francia al Óscar a la mejor película extranjera.

El Centro Nacional del Cine de Francia (CNC) anunció la elección de este filme del que recordó en un comunicado que desde su estreno en Francia el 21 de agosto ya lo han visto 750.000 espectadores.

El presidente del CNC, Olivier Henrard, agradeció la “tarea difícil” que ha tenido la comisión de once miembros encargada de escoger cuál de los cuatro pretendientes iba a ser nominado por Francia.

El filme recibió el premio de interpretación colectivo para sus cuatro actrices: Zoe Saldaña, de lejos la mejor, en el papel de la abogada Rita; Karla Sofia Gascón, actriz transgénero en el papel de Emilia Pérez; Selena Gómez es Jessi, la mujer del narcotraficante; y Adriana Paz es la amante de Emilia. La versión original está hablada y cantada en español.

La película fue galardonada también con un premio del jurado, lo que nos deja pensar que debió provocar arduas discusiones, pero no se atrevieron a darle la Palma de oro, o no alcanzó en todo caso la mayoría.

Con Emilia Pérez competían también All We Imagine as Ligth, de Payal Kapadia, El Conde de Monte Cristo, de Mathieu Delaporte y Alexandre de La Patellière y Miséricorde, de Alain Guiraudie.

Para Henrard, los cuatro finalistas muestran “la extrema variedad de sus historias y de su realización, la totalidad, pero también la diversidad del cine francés y la eficacia del ecosistema que lo sostiene”.

“Segundo Premio”, de España, a por el Oscar.

La Academia Española de Cine ha elegido Segundo Premio, dirigida por Isaki Lacuesta y Pol Rodríguez, como representante española en la 97 edición de los Premios Oscar. El actor Eduardo Noriega, acompañado por el presidente de la Academia Fernando Méndez-Leite y la notaria Eva Fernández Medina ha anunciado la decisión de los académicos.

La película de Isaki Lacuesta y Pol Rodríguez nos traslada a la ciudad de Granada en los años noventa para poner imágenes a la génesis de la leyenda en torno a la banda Los Planetas, con Daniel Ibáñez y Cristalino en los papeles principales. Recibió la Biznaga de Oro a la Mejor Película española del Festival de Málaga.

Habrá que esperar hasta el próximo 17 de diciembre de 2024, fecha en la que se desvelará la shortlist del Oscar, para conocer si Segundo Premio continúa su carrera por lograr la estatuilla a la Mejor Película Internacional. El 17 de enero de 2025 conoceremos las cinco películas nominadas en esta categoría y la ceremonia de los Oscar tendrá lugar el 2 de marzo de 2025.

“Parece que la historia de una banda de Houston o de Pionyang sí que puede ser universal, y que con lo nuestro no puede ocurrir lo mismo. Todas las historias pueden ser universales”, afirmaba Lacuesta, que intervino por vía telemática tras el anuncio, y bromeaba que “yo a la película sólo le veo debilidades, pero me alegra que la gente la haya percibido de otra manera”.

En la misma línea, su productor, Cristóbal García recalcó que, desde el inicio del proyecto, “nunca pensamos que Segundo Premio fuese una historia local, está concebida como un homenaje a la música, a la amistad y al amor, y eso es universal. Para Isaki, Lorca fue una inspiración tremenda y salió de Granada y llegó a Nueva York”.

La película, que lleva más de 15 selecciones en festivales internacionales y tendrá su estreno en Francia a principios del próximo año, inicia su camino al Oscar, un camino que “vamos a emprender desde mañana, para nosotros es un terreno desconocido, no esperábamos todo este cariño, pero vamos a trabajar”, dijo García.

Toronto 2024: los ganadores.

Terminó la 49ª edición del Festival Internacional de Cine de Toronto (TIFF), que nos ha dejado una larga lista de películas que tendremos que ver en los próximos meses. Empezando por la ganadora del Festival, The Life of Chuck, un filme protagonizado por Tom Hiddleston y Mark Hamill.

Como ya es costumbre, gracias a la cercanía con Estados Unidos celebridades de Hollywood como Angelina Jolie, Salma Hayek, Demián Bichir, Cate Blanchett, Andrew Garfield y Florence Pugh, se dejaron ver en Toronto. Donde presentaron sus más recientes proyectos o recibieron un reconocimiento como Amy Adams y David Cronenberg.

Esta edición además pasará a la historia por las protestas y amenazas, que han suspendido las proyecciones de una película, tras acusaciones de ser propaganda rusa. Y protestas anti-Israel, en un Festival donde tradicionalmente películas de ese país han encontrado un lugar para proyectarse. Aunque en esta edición de Israel solo se proyecto el drama Hemda de Shemi Zarhim.

La gran ganadora de esta edición fue la cinta del director Mike Flanagan, The Life of Chuck, que ganó el People’s Choice Award, el máximo galardón del Festival. 

Basada en una novela de Stephen King, el filme cuenta con un elenco muy interesante encabezado por Tom Hiddleston, Quien es acompañado por Mark Hamill, Chiwetel Ejiofor, Karen Gillan, Jacob Tremblay y Nick Offerman. 

Flanagan es uno de los cineastas que con mayor éxito ha adaptado a Stephen King. Y se espera que este filme este entre los más sonado en la próxima temporada de premios. 

La producción de Prime Video, The Tragically Hip: No Dress Rehearsal se llevó el máximo reconocimiento en la categoría de documental. Esta serie documental cuenta la historia de la banda canadiense The Tragically Hip (o sólo Hip) y sus influencias en la cultura canadiense.

Por otro lado, la película de Coralie Fargeat, The Substance se llevó el primer premio en la categoría de Midnight Madness. Un filme de drama y terror protagonizado por Demi Moore y Margaret Qualley. 

Esta película desde su estreno en el pasado Festival de Cannes llamó la atención por su originalidad y reflexiones sobre el envejecimiento y la fama.

Mientras que la cinta española Polvo Serán de Carlos Marqués-Marcet, se llevó el Premio Patform. Este filme narra en forma de musical lo que experimenta una familia cuando sus progenitores deciden poner punto final a sus vidas.  

Esta edición del TIFF estará marcada por un evento sin precedentes, la suspensión de las proyecciones de una película debido a las protestas y “amenazas significativas” a las operaciones del festival y la seguridad del público. 

El filme que generó estás manifestaciones fue el documental Russian At War de la directora ruso-canadiense Anastasia Trofimova. Quien siguió a soldados rusos en su invasión a Ucrania.  

El cónsul de Ucrania en Toronto, Oleh Nikolenko llamó “irresponsable” la decisión del Festival de incluir el filme. Mientras que la directora del filme comentó que está consciente de que “las emociones eran grandes” pero invitó a la gente a ver la película.  

Trofimova ha negado las acusaciones de autoridades ucranianas, que han llamado a la película propaganda rusa. Y aunque en primera instancia los directivos del TIFF defendieron su proyección, su exhibición fue cancelada.

Esta es la lista completa de ganadores en Toronto 2024:

-Película de Ficción

Mejor Película de Ficción: The Life of Chuck de Mike Flanagan
Primer Finalista: Emilia Pérez de Jacques Audiard
Segundo Finalista: Anora de por Sean Baker

-Documental

Mejor Documental: The Tragically Hip: No Dress Rehearsal de Mike Downie
Primer Finalista: Will & Harper de Josh Greenbaum
Segundo Finalista: Your Tomorrow de Ali Weinstein

Midnight Madness

Mejor Título de Midnight Madness: The Substance de Coralie Fargeat
Primer Finalista: Dead Talents Society de John Hsu
Segundo Finalista: Friendship de Andrew DeYoung

Otros Premios

Premio Platform: Polvo serán de Carlos Marques-Marcet
Premio FIPRESCI: Mother Mother de K’naan Warsame
Premio NETPAC (Mejor Película Asiática de un Director Debutante o de Segundo Filme): The Last of the Sea Womem de Sue Kim
Premio Canadian Discovery (Mejores Cineastas Emergentes): Universal Language de Matthew Rankin
Premio a la Mejor Película Canadiense: Shepherds de Sophie Deraspe
Premio Short Cuts – Mejor Película Internacional: Deck 5B de Malin Ingrid Johansson
Premio Short Cuts – Mejor Cortometraje Canadiense: Are You Scared to be Yourself Because You Think You Might Fail de por Bec Pecout

‘Sugar Island’ triunfa en el Festival de Cine de Venecia

La película Sugar Island, dirigida por la cineasta dominicana Johanné Gómez Terrero, ha sido galardonada con dos menciones de honor tras su premiere mundial en la sección independiente Venice Days, del prestigioso Festival de Cine de Venecia 2024. Este evento, celebrado del 28 de agosto al 7 de septiembre, es reconocido por destacar cine de autor innovador.

Dentro de los reconocimientos obtenidos, Sugar Island recibió la mención de honor de la Fundación Fai Persona Lavoro Ambiente, por su mensaje laboral y ambiental, donde el jurado destacó el profundo enfoque de la película en la mecanización del trabajo agrícola y la falta de reconocimiento de los derechos laborales fundamentales.

Asimismo, Sugar Island obtuvo la mención de honor del Inclusione e Sostenibilitá Edipo Re, un premio oficial colateral del Festival de Venecia que apoya la distribución de obras cinematográficas de alto valor artístico y cultural en los cines italianos. 

Johanné Gómez Terrero, directora de la película, expresó “Estoy muy agradecida con el equipo que hizo posible esta película, para ellos son los reconocimientos. También estos premios son para mis ancestras y para el movimiento y pensamiento decolonial en la isla.”

De igual manera su productor Fernando Santos Díaz comentó “Competir en el Festival de Venecia y recibir estas menciones de honor es una reafirmación de nuestro compromiso en seguir cultivando una mirada crítica y reflexiva, además de contribuir a la proyección de nuestra identidad en el escenario internacional.”  

Sugar Island cuenta la historia de Makenya, una adolescente embarazada, y su abuelo cañero, mientras protestan por las indemnizaciones ante la mecanización de la industria azucarera. La película explora el valor y la condición de las corporalidades negras desde una perspectiva decolonial, en un entorno cargado de tradiciones y espiritualidad, simbolizando la transición de Makenya hacia la adultez durante la última zafra manual.

El elenco de la película incluye a Yelidá Diaz (Makenya), Ruth Emeterio (Filomena), Juan María Almonte (El Abuelo), Diógenes Medina (Leroi), y Génesis Piñeyro (Yelidá). Sugar Island es una coproducción entre Güasábara Cine (República Dominicana) y Tinglado Film (España), producida por Fernando Santos Díaz y David Baute.

James Earl Jones (1931-2024)

James Earl Jones, el prolífico actor de cine, televisión y teatro cuyo resonante e inconfundible barítono era más conocido como la voz del villano de Star Wars, Darth Vader, murió en su casa en el condado de Dutchess, Nueva York, a sus 93 años.

Después de superar un profundo tartamudeo cuando era niño, Jones se consagró como uno de los actores negros pioneros de su generación, acumulando una carrera abundante y versátil que abarca más de 60 años, desde su debut en Broadway en 1958 en el Teatro Cort, rebautizado como Teatro James Earl Jones en 2022, hasta su actuación más reciente en Coming 2 America de 2021. Para esa película, Jones repitió su papel como el Rey Jaffe Joffer de la comedia de Eddie Murphy de 1988 Coming to America, uno de varios papeles, junto con Darth Vader, que Jones revisó, incluida la voz del Rey Mufasa en el largometraje animado de Disney El Rey León en 1994, la secuela directa a video de 1998 y la nueva versión de 2019, y el subdirector de la CIA, el vicealmirante James Greer en tres películas de Jack Ryan, La caza del Octubre Rojo (1990), Juego de patriotas (1992) y Peligro inminente (1994).

Entre sus más de 80 créditos cinematográficos, otras películas notables de Jones incluyen como bombardero B-52 en la sátira de la Guerra Fría de 1964 de Stanley Kubrick Dr. Strangelove (su debut cinematográfico), como el primer presidente negro de los Estados Unidos en The Man de 1972, como el temible villano en Conan el Bárbaro (1982), como un autor solitario en El campo de los sueños (1989), como una ex estrella ciega del béisbol en The Sandlot (1993), y como un ministro que vive en la Sudáfrica del apartheid en Cry, the Beloved Country (1995).

Jones fue nominado a cuatro premios Tony y ganó dos, en 1969 por interpretar al boxeador Jack Johnson en La gran esperanza blanca (que repitió en la película en 1970, recibiendo su única nominación al Oscar), y en 1987 por originar el papel de Troy Maxson en el drama ganador del premio Pulitzer de August Wilson Fences. Fue nominado a ocho premios Emmy en horario de máxima audiencia, ganando dos veces en 1991, como actor de reparto en la miniserie Heat Wave, sobre los disturbios de Watts en 1965, y como actor principal en la serie dramática Gabriel’s Fire, sobre un ex policía encarcelado injustamente que se convierte en detective privado. Fue la primera vez que un actor ganó dos premios Emmy en el mismo año.

Jones recibió un premio Kennedy Center Honor en 2002, el premio Screen Actors Guild Life Achievement en 2009, un Oscar honorario en 2011 y un premio Tony a la trayectoria en 2017. Su premio Grammy en 1977 por álbum de palabra hablada convierte a Jones en uno de los pocos actores que han recibido un EGOT.

James Earl Jones nació en 1931 en una granja en Arkabutla, Mississippi. Su padre, Robert Earl Jones, se fue de casa poco después para dedicarse a su propia carrera como actor (los dos se reconciliaron más o menos cuando el joven Jones tenía 20 años, e incluso actuaron juntos). Cuando Jones tenía 5 años, se mudó con sus abuelos maternos a Michigan. El shock de la mudanza le provocó un tartamudeo tan severo que a menudo solo podía comunicarse por escrito. No fue hasta la escuela secundaria cuando comenzó a superar su tartamudez, cuando su profesor de inglés, al enterarse de que Jones componía poesía, lo animó a leer sus escritos en voz alta en clase.

Premios Ariel 2024: los ganadores.

La Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas (AMACC) celebró la edición número 66 de los Premios Ariel, a lo mejor del cine mexicano, coronando a la cinta Tótem como la gran triunfadora de la noche.

Con 15 nominaciones, Tótem, la cual se convirtió en la representante de la Academia para competir por una nominación al Oscar en su edición 2024, también se llevó el galardón a Mejor Director y Mejor Guion Original, para Lila Avilés, así como a Mejor Actriz de Reparto para Montserrat Marañón, quien compartió el premio con Ludwika Paleta por su papel en Todo el Silencio, y Revelación Actoral para Naíma Sentíes.

Previo al triunfo de la cinta dirigida por Avilés, la AMACC celebró la carrera artística de la directora de arte Brigitte Broch, la actriz Angélica María y la cineasta Busi Cortés con el Ariel de Oro, uno de los premios más importantes de la Academia que premia las aportaciones a la industria cinematográfica. 

En las ternas principales de actuación, la actriz Adriana Llabrés, protagonista de Todo el Silencio se coronó como la Mejor Actriz, en tanto, el actor Noé Hernández, de Kokoloko se llevó el galardón a Mejor Actor. 

El Eco, dirigida por Tatiana Huezo, una de las creadoras con mayor proyección en los últimos años, triunfó en las ternas de Mejor Fotografía, para Ernesto Prado; Mejor Música Original para Leonardo Heiblum y Jacobo Lieberman, así como Mejor Documental. 

Sobre Temporada de huracanes, basada en la exitosa novela de la escritora y periodista Fernanda Melchor, triunfó en las categorías de Mejor Maquillaje, para Alejandra Velarde; Mejor Edición, para Miguel Schverfinger y Paulina del Paso así como Mejor Guion Adaptado para Elisa Miller y Daniela Gómez.

En tanto, Desaparecer por Completo, cinta de terror que rinde homenaje a la labor fotoperiodista en México, triunfó dentro de las categorías a Mejores Efectos Especiales y Mejores Efectos Visuales. 

Venecia 2024: León de Oro para Pedro Almodóvar.

Pedro Almodóvar ha conquistado el León de Oro en la Mostra de Venecia con su nueva película La habitación de al lado.

Suma el premio más importante de un festival que ha sido muy generoso con él: en 2019 le concedió un León de Oro honorífico, y todas las películas con las que ha concursado han acabado ganando algo. En 1986 el certamen recompensó el guion de Mujeres al borde de un ataque de nervios, en 2021 concedió a Penélope Cruz la Coppa Volpi por su trabajo en Madres paralelas y ahora Almodóvar acaba de convertirse en el segundo director español que gana tan prestigioso galardón, y el primero en hacerlo con una película española. Luis Buñuel se hizo con el primero en 1967 gracias a la producción francesa Bella de Día.

El logro que representa el galardón resulta aún mayor si se tiene en cuenta que, con este filme, Almodóvar se ha impuesto una serie de riesgos creativos inusuales para un director de 74 años: basada en la novela Cuál es tu tormento de Sigrid Nunez, La habitación de al lado retrata los últimos días de una corresponsal de guerra que padece un caso terminal de cáncer, y que reconectará con una antigua amiga, escritora de éxito, mientras va recorriendo la historia de su vida y la relación con su hija o sus viejos amantes. Tras su proyección de gala en Venecia recibió una ovación de 17 minutos.

El Gran Premio del Jurado ha ido a parar al cuarto largometraje de la italiana Maura Delpero, Vermiglio, hipnótico retrato de los habitantes de un pueblo situado en los Alpes durante el último año de la Segunda Guerra Mundial cuya mayor virtud es la mezcla de sutileza y rotundidad con la que apela a la emotividad del espectador.

El Premio Especial del Jurado ha recaído en el implacable nuevo trabajo de Dea Kulumbegashvili, Abril, que se sirve de la historia de una ginecóloga dedicada a practicar abortos clandestinos en la Georgia rural, contada a través de la sucesión de planos estáticos e increíblemente largos que la cineasta ha convertido en sello propio.

El estadounidense Brady Corbet ha obtenido un premio a la Mejor Dirección por The Brutalist, una película monumental que habla del precio que tiene ir en busca de esa falacia de Sueño Americano y de lo que significa ser un artista, la historia de Europa, la identidad judía y el antisemitismo.

Igualmente acertadas fueron las decisiones de los jueces en las categorías interpretativas. El trabajo de Nicole Kidman en Babygirl, la intriga cargada de complicadas escenas de sexo gracias a la que ha ganado la Coppa Volpi, mientras Vincent Lindon ha ganado por Jugar con fuego su Coppa Volpi al Mejor Actor.

“Beetlejuice, Beetlejuice”, desde 5 de septiembre en cines.

La esperada secuela de la icónica película de Tim Burton Beetlejuice (1988), llega a los cines de República Dominicana este 5 de septiembre, de la mano de Caribbean Cinemas con una trama que sigue a la familia Deetz que regresa a Winter River tras una tragedia familiar.

Lydia, aún atormentada por Beetlejuice, enfrenta un nuevo giro en su vida cuando su hija adolescente Astrid descubre una maqueta de la ciudad y, accidentalmente, abre un portal al Más Allá. Con los problemas creciendo en ambos mundos, la situación se descontrola cuando el nombre de Beetlejuice es pronunciado tres veces, desatando su estilo único de caos.

Dirigida por Tim Burton, Beetlejuice Beetlejuice está protagonizada por Michael Keaton, quien retoma su papel como Beetlejuice, acompañado por Winona Ryder en su regreso como Lydia Deetz, y Catherine O’Hara, como Delia Deetz. En esta ocasión se suman al elenco Justin Theroux, Mónica Bellucci, Arthur Conti, Jenna Ortega como Astrid, la hija de Lydia, y Willem Dafoe.

La película, que tiene una duración de 1 hora 44 minutos, fue grabada en varias localidades de Reino Unido y será distribuida por Warner Bros.

En República Dominicana, los cinéfilos podrán disfrutarlas en todas las salas de cine de Caribbean Cinemas.

“Dueños del tiempo”, desde el 5 de septiembre en cines.

Con la presencia de la directora de la Dirección General de Cine (DGCine), Marianna Vargas Gurilieva, destacadas figuras de la industria cinematográfica dominicana, el cast & crew de la película, así como los medios de comunicación especializados, se celebró la premiere de la película dominicana Dueños del tiempo, dirigida por Luis Llosa Urquidi, y protagonizada por José Guillermo Cortines. El evento tuvo lugar en Caribbean Cinemas Galería 360.

Dueños del tiempo es una película de aventuras y ciencia ficción que llevará a las audiencias, especialmente a niños y familias, a un viaje inolvidable a través de momentos clave en la historia de la República Dominicana. 
El filme sigue a Rafael Castillo, un científico que viaja en el tiempo junto a cuatro adolescentes, en busca de su abuelo perdido, viviendo intensas y emocionantes experiencias mientras exploran hechos históricos cruciales. Entre estos, destacan la llegada de Cristóbal Colón, la rebelión de Enriquillo y la defensa de los indígenas por parte de Fray Antón de Montesino.
Luis Llosa Urquidi, director y productor de la película, expresó su satisfacción al ver cómo esta obra ha conectado con el público, y adelantó que ya está lista la segunda parte que será anunciada próximamente. “La premiere fue una ocasión especial para celebrar la riqueza de la historia dominicana, presentada de una manera accesible y entretenida para toda la familia.”
De igual manera destacó que “el largometraje tiene la capacidad de combinar entretenimiento con educación, creando una experiencia cinematográfica que resalta valores como la amistad, el trabajo en equipo y la importancia de los lazos familiares.” 
Dueños del tiempo es producida por Aventura Histórica Films y distribuida por Caribbean Films Distribution. Estará disponible en todas las salas de cine a partir del jueves 5 de septiembre. 

 

“Longlegs”: el asesino está entre nosotros.

No es fácil hacer un buen thriller en estos días. Más aún, cuando tienen elementos sobrenaturales como parte de su historia. La razón es simple: ha sido uno de los géneros más sobreexplotados en los últimos años al punto de que casi siempre tenemos un filme del género en cartelera.

Lo peor: la mayoría de esos filmes se valen de los mismos trucos narrativos para contar lo mismo: una edición efectista para crear sobresaltos en el público, una mezcla de sonidos sobre modulados para sorprender, atractivas actrices que puedan gritar a todo pulmón y un largo etcétera.

Longlegs, titulada Coleccionista de almas en nuestro continente (prometo un artículo sobre las traducciones de títulos), está escrita y dirigida por Oz Perkins y protagonizada por una excelente Maika Monroe y un irreconocible Nicolas Cage. Perkins ya ha experimentado con el género por filmes como Gretel y Hansel (2020) y La enviada del mal (2015).

Longlegs le inscribe por derecho propio entre la élite de los que cultivan el thriller. Punto. Su guion, para atrapar al espectador en la historia, nos sirve los elementos por piezas, para que cada quien arme su rompecabezas en función de sus niveles de atención y habilidades. Convoca la atención total del público y eso, en la era del whatsapp en el cine, es un requisito que se agradece: solo los que se portan bien conseguirán todas las fichas del juego.

Longless es la historia de una novata agente del FBI, Lee Harker, que persigue a un asesino en serie. Eso le emparenta con otros filmes como: Seven (1995) y Zodiac (2007), ambas de David Fincher y, sobretodo, El silencio de los inocentes (1991), el maravilloso filme de Jonathan Demme. Con este últimos comparte la línea de una vulnerable agente del FBI a la caza de un asesino en serie.

Maika Monroe construye un personaje muy convincente que nunca se nos muestra del todo, que sospechamos que algo nos oculta y que arrastra una carga muy pesada sobre sus hombros. No tiene pareja, ni hijos y solo se comunica con su madre por teléfono y con frases cortas, llenas de tensión. Nadie en el mundo está más sola que ella y, para colmo de males, posee una desarrolladísima intuición femenina: ella ve cosas que nadie ve en la escena de cada crimen, más allá de la sangre y el terror de la víctima antes de morir.

Perkins construye un poderoso drama y se vale de novedosos recursos narrativos: por ejemplo, utiliza un encuadre 4x3 para los flashbacks y pantalla completa para el presente de los años 90 (la foto de Bill Clinton es la referencia), pasando de uno a otro con una naturalidad que nos deja desprevenidos, aunque incómodos, frente a la investigación. Entonces nos sorprende con autoridad y eficiencia, dejando bien claro que siempre tiene un as bajo la manga.

Perkins se vale de sus maravillosas locaciones en Vancouver (Canadá) para lograr en grandes espacios abiertos una atmósfera opresiva y, por momentos, sentimos que nos falta aire para respirar. Sus encuadres de primeros planos a sus personajes nos revelan parte de sus inquietudes y sus desasosiegos, convirtiéndonos en espectadores empáticos, sobre todo con la atolondrada agente Harker.

Perkins demuestra por enésima vez que, en cine, “menos es más”: muestra solo lo necesario, sin tantas detonaciones ni abalorios que distraigan, pero nos siembra el miedo en los huesos.

 

Longlegs (2024). Dirección y guion: Oz Perkins; Fotografía: Andres Arochi Tinajero; Edición: Graham Fortin; Música: Elvis Perkins; Elenco: Maika Monroe, Nicolas Cage, Alicia Witt.

La serie “Cien años de soledad”.

Hace unos meses se lanzó la campaña de expectativa de la serie de Netflix Cien años de soledad, basada en la extraordinaria novela de Gabriel García Márquez.

Todos estamos en espera. Mientras, compartimos algunos datos sobre Cien años de soledad, la serie.

La serie contará con 16 episodios y es una producción de Netflix. Está dirigida por Laura Mora y Alex García López.

Los hijos de García Márquez figuran como productores: “Durante décadas, nuestro padre se mostró reacio a ceder los derechos cinematográficos de Cien años de soledad porque creía imposible realizarla bajo las limitaciones de tiempo de una película y pensaba que producirla en un idioma que no fuera el español no le haría justicia. Pero, en la actual época dorada de las series y con el nivel de talentosos escritores y directores, la calidad cinematográfica y la gran recepción mundial del contenido en idiomas extranjeros, el momento no podría ser mejor para llevar una adaptación a las audiencias globales de Netflix. Estamos muy entusiasmados de apoyar a Netflix y a los creadores en este proyecto, y ansiosos por ver el producto final”.

En el elenco se encuentran Claudio Cataño (Coronel Aureliano Buendía adulto), Jerónimo Barón (Aureliano Buendía niño), Marco González (Jose Arcadio Buendía), Leonardo Soto (José Arcadio hijo), Susana Morales (Úrsula Iguarán), Ella Becerra (Petronila), Carlos Suaréz (Aureliano Iguarán), Moreno Borja (Melquíades), Santiago Vásquez (Aureliano Buendía adolescente).

La serie se grabó en los departamentos de La Guajira, Magdalena, Cesar, Cundinamarca y Tolima en Colombia.

La escritura de la serie estuvo a cargo de José Rivera, Natalia Santa, Camila Brugés, María Camila Arias y Albatrós González.

La dirección de de fotografía fue un trabajo de Paulo Pérez y Maria Sarasvati, y el diseño de producción estuvo a cargo de Eugenio Caballero y Bárbara Enríquez.

Recientemente la novela cobró bastante popularidad en Japón, donde en las últimas semanas se han vendido 290 mil copias de la novela. De acuerdo a varias fuentes, las razones de la creciente popularidad son: un descuento en el precio del libro, el próximo lanzamiento de la serie y el diseño de la portada que mezcla elementos japoneses con la obra de García Márquez.