Cannes 2026: el afiche.

Treinta y cinco años después del estreno mundial de Thelma y Louise, película de Ridley Scott, el 20 de mayo de 1991 en Cannes, ellas regresan como heroínas del cartel oficial.

Estas dos luchadoras inolvidables cambiaron el rumbo de los acontecimientos y rompieron estereotipos cinematográficos y políticos; encarnaron la libertad absoluta y una amistad inquebrantable; mostraron el camino hacia la emancipación cuando esta se vuelve crucial. Recordarlas hoy significa celebrar el progreso alcanzado, sin olvidar el trabajo que aún queda por hacer.

Con una camiseta blanca de tirantes y una pose despreocupada, Louise clava su mirada en la nuestra, desafiándonos con los ojos. Con un revólver en el bolsillo trasero, Thelma escudriña el horizonte tras sus gafas oscuras. Ambas van sentadas con orgullo en un Ford Thunderbird descapotable de 1966. Bajo el sol de Arkansas, en una América desierta, se lanzan a la carretera, escapan, huyen —de la existencia, de la sociedad, de los hombres que las maltratan— para forjar su propio camino.

Los temas vanguardistas de 1991 impregnaban Thelma & Louise y siguen resonando con fuerza hoy en día. Para plasmarlos, el Festival de Cannes eligió esta imagen en blanco y negro de una película vibrante que celebra la vida y la eterna lucha por la libertad de ser uno mismo.

Hace treinta y cinco años, las dos protagonistas de la primera road movie feminista protagonizada íntegramente por mujeres se lanzaron a la aventura, impulsadas por un viento de libertad que soplaba a sus espaldas. Se convirtieron en iconos inmortales. Hoy, están ante nosotros. Y contemplamos su legado.

Luis Puenzo (1946-2026)

 

El director, guionista y productor argentino Luis Puenzo, ganador del primer Óscar en la historia del cine argentino por la película La historia oficial (1985), murió a los 80 años, confirmó la Sociedad General de Autores de Argentina (Argentores).

“Con profundo pesar despedimos al destacado guionista, director, productor y socio de nuestra entidad Luis Puenzo, quien falleció en la ciudad de Buenos Aires, a los 80 años. Desde Argentores enviamos nuestras condolencias a sus familiares, amigos y colegas en este difícil momento”, señaló la entidad en un comunicado.

El reconocimiento internacional llegó con La historia oficial, que dirigió y coescribió junto a Aída Bortnik, que abordaba el robo de niños y niñas durante la última dictadura militar argentina y fue protagonizada por Norma Aleandro y Héctor Alterio.

El filme obtuvo múltiples galardones y obtuvo el Oscar a la Mejor película extranjera en 1986, el primero en la historia del cine argentino.

Puenzo y Bortnik recibieron también la nominación al Óscar en la categoría de mejor guion original, y la película fue premiada en el Festival de Cannes, ganó el Globo de Oro a Mejor película en lengua no inglesa y obtuvo el premio Cóndor de Plata de la Asociación de Cronistas Cinematográficos de la Argentina.

Continuó su carrera de director y guionista con títulos como Gringo viejo (1989), adaptación de la novela del escritor Carlos Fuentes, una producción internacional que contó con las actuaciones de Jane Fonda, Gregory Peck y Jimmy Smits, ambientada en los años de la revolución mexicana.

Además, adaptó el guion y dirigió La peste (1992), basada en la novela homónima de Albert Camus, encabezada por William Hurt, Robert Duvall y Raúl Juliá; y La puta y la ballena (2004), largometraje rodado entre Argentina y España, protagonizado por Leonardo Sbaraglia y Aitana Sánchez-Gijón.

“Milly: la reina del merengue”, nuevo filme de Leticia Tonos.

Leticia Tonos Paniagua es una de nuestras cineastas más talentosas. Bastaría revisar algunos títulos de su filmografía: La hija natural, Cristo Rey y Mis 500 locos para comprobar su enorme talento y su audacia de probar con diversos géneros cinematográficos.

Milly Quezada no solo es la reina del merengue: es una de las más dignas representantes de la mujer dominicana de cualquier época, perfecto ejemplo de superación personal frente a los obstáculos de quienes emigraron a New York en los convulsos años 60, sin ceder un ápice en sus principios y sus creencias.

Estas dos mujeres extraordinarias han hecho posible Milly: reina del merengue, filme mitad biopic, mitad musical que llega a la cartelera luego de su estreno en el Festival de Cine Global y su recorrido por los Festivales de Panamá y Miami.

La exitosa carrera como merenguera de Milly Quezada es conocida por varias generaciones que han bailado y cantado su música. Milly: reina del merengue nos presenta también lo que la cámara no capta, lo que el público desconoce: los fracasos, las lágrimas, la resiliencia detrás de cada éxito discográfico, detrás de cada fiesta multitudinaria, de cada estatuilla recibida.

Milly Quezada recibió el Gran Soberano de Acroarte en 1998, como reconocimiento a una carrera que también se ha visto premiada con el Latin Grammy y el Premio a la excelencia de The Latin Recording Academy.

Milagros Quezada Borbón llegó siendo una niña al Washington Heights de mediados de la década 60 y tuvo que enfrentarlo todo: una vieja cultura paternal que le asignaba papeles muy específicos como mujer (nada de tongonearse en una tarima), una nueva cultura que no siempre era hospitalaria y el deseo natural de la niña Cuquita de convertirse en la mujer Milly, contando con muy poco estímulo de su entorno más íntimo. Es en ese momento cuando la fe en ti mismo obra maravillas y descubres tu propia voz.

Para contar (y cantar) esta historia se necesitaba no solo de la sororidad de Quezada (productora ejecutiva del filme) y de Tonos (guionista y directora): era necesario encontrar a alguien que fuera capaz de encarnar toda la fuerza y la vulnerabilidad, la determinación y las caídas del personaje. Aquí aparece el primer acierto del filme: Sandy Hernández quien, en su primer protagónico, logra una actuación asombrosa.  

Hernández luce formidable en su papel como Milly, con su rostro, su cuerpo y su propia voz al servicio de los propósitos dramáticos que, en varias ocasiones, nos sacuden por dentro. Unas veces de pura empatía con el personaje que atraviesa una crisis, otras como expresión de la alegre dominicanidad que albergamos en nuestros corazones.

Ese es el gran logro de Milly: reina del merengue: al margen de la excelencia de la puesta en escena, la fotografía, el vestuario y la edición, nos conmueve en lo más íntimo, nos enciende una chispa interior con tanta desbordante alegría quisqueyana, sobre todo para quienes vivimos los años dorados del merengue, convocando todos los recuerdos al compás de Volvió Juanita.

Por supuesto, el filme también funciona como inventario de los obstáculos que enfrenta cualquier inmigrante dominicano a New York, atraídos por la propaganda del Sueño Americano o por las inseguridades que se generan en los muchos desgobiernos que nos han azotado.

Por supuesto, un filme basado en la vida de una merenguera que ha sembrado tantas alegrías en varias generaciones, es un obvio inventario de muchos de los éxitos merengueros de las últimas décadas y un sincero y necesario reconocimiento a una mujer que ha logrado el éxito y es un referente de decencia, una absoluta dama del escenario, quien solo necesitó mostrar su talento y ejercer su maravillosa capacidad para conectar con su público, la misma que todavía la mantiene posicionada en el gusto popular.

En una época en que los medios destilan ejemplos execrables, se hace invaluable un filme como Milly: reina del merengue y su contundente alegato: la trascendencia viene como recompensa a quienes no trafican con su dignidad.

 

Milly: reina del merengue (2026). Dirección: Leticia Tonos; Guion: Leticia Tonos y Junior Rosario; Fotografía: P. J. López: Edición: Juanjo Cid; Música: Luichy Guzmán y Allan Leschhorn; Elenco: Sandy Hernández, Juan Carlos Pichardo, Jalsen Santana, Nicole Padrón, Cindy Galán.

Luis Brandoni (1940-2026)

Luis Brandoni, uno de los más grandes actores argentinos, conocido por éxitos como La tregua, La odisea de los giles o La Patagonia rebelde, falleció este lunes a los 86 años tras haber sufrido hace unos días un accidente doméstico, se informó.

Nacido en Buenos Aires en 1940, Brandoni comenzó su carrera como actor en televisión y participó después en grandes éxitos del cine argentino. Acababa de estrenar Parque Lezama, de Juan José Campanella, adaptación de la obra de teatro homónima, en Netflix.

El actor, que acababa de cumplir 86 años este sábado, también se encontraba preparando la segunda temporada de Nada, una serie para Disney+ en la que compartió escenas con Robert De Niro, según recoge el diario Clarin.

Desde el anuncio de su muerte, se han sucedido las condolencias. Entre ellas, la del secretario de Cultura argentino, Leonardo Cifelli, quien afirmó que «Brandoni fue mucho más que un actor extraordinario: fue un emblema de nuestra identidad cultural».

«Supo retratar como pocos el alma argentina y fue un referente cuyo compromiso con su oficio lo convirtió en ejemplo para colegas y futuras generaciones -añadió-. Su talento, su vocación y su integridad seguirán siendo parte viva de nuestra cultura».

El productor de cine Axel Kuschevatzky, que trabajó con él en varias ocasiones, compartió un mensaje en su perfil de Instagram en el que asegura que «Luis Brandoni fue único, y es imposible imaginar el cine argentino sin él. Su figura atraviesa algunas de las películas más importantes de nuestro ADN cultural de los últimos 55 años. Trabajé con él cinco veces, y compartir tiempo a su lado siempre fue memorable».

La actriz Graciela Borges dijo también en Instagram: «Vas a estar siempre en mi corazón», mientras que Soledad Silveyra, que compartía escenario junto a Bradoni en ‘¿Quién es quién?’, la obra que se tuvo que suspender tras su caída, lamentó la desaparición del actor.

«Sos el último de los grandes en irse. Siempre con tu recuerdo. Día muy triste para la cultura», señaló.

Según dijo el productor teatral Carlos Rottemberg, Brandoni fue «un defensor de la cultura argentina. Después de 48 años de amigo, puedo decir que por un lado uno tiene el dolor que tiene que tener y por el otro gratificar que Brandoni vivió todo lo que él quiso vivir», agregó.

También lamentó su muerte la Asociación Argentina de Actores con un mensaje en la red X: «Acompañamos con respeto a sus familiares y seres queridos en este momento de dolor. Su sólida labor interpretativa en cine, teatro y televisión lo consolidó como una reconocida figura de la escena nacional».

Nathalie Baye (1948-2026)

La actriz francesa Nathalie Baye, conocida por haber sabido encarnar todo tipo de papeles a las órdenes de prestigiosos directores como François Truffaut, Xavier Dolan, Bertrand Blier o Claude Chabrol, falleció a los 77 años de edad, anunció su familia a medios locales.

Ganadora de cuatro César del cine francés, uno de los rostros más populares de la gran pantalla francesa, Baye falleció este viernes en su domicilio parisiense, tras una larga enfermedad que había sufrido durante el último año.

Polifacética hasta el final de su carrera, la actriz se caracterizó por atreverse con todo tipo de papeles, del drama a la comedia, pero también por su huida del estrellato, pese a que durante cuatro años fue la pareja del mediático ‘rockero’ Johnny Hallyday, con quien tuvo una hija, la también cineasta Laura Smet.

Tras efectuar estudios de danza en Mónaco y Nueva York, la joven nacida en un pueblo de Normandía el 6 de julio de 1948, regresó a París con 18 años para aprender interpretación y tras una carrera en el teatro llamó la atención de Truffaut, que le otorgó un papel preponderante en La noche amemricana, trampolín hacia su éxito.

A partir de ese éxito, se multiplicaron los papeles en la gran pantalla, de la mano de Claude Sautet (Mado), Marco Ferreri (La dernière femme), Maurice Pialat (La gueule ouverte), entre otros, además de una nueva colaboración con Truffaut en El hombre que amaba a las mujeres.

Ganadora del César el mejor papel secundario en 1981 y 1982, la consagración le llegó al año siguiente cuando ganó el de mejor actriz por Un étrange affaire, de Pierre Granier-Deferre.

Un cuarto premio le llegaría ya en la madurez por Le petit liutenant, de Caroline Vaudieu, en 2006.

Nathalie Baye dejó también tomas de posición en temas políticos, algunos más de consenso, como su apoyo a la lucha contra el cambio climático, otros más polémicos como cuando en 2023 firmó junto a otros artistas una columna en apoyo a Gérard Depardieu, acusado de abusos sexuales, por los que posteriormente fue condenado.

En mayo regresa el Festival de Cine “HECHO EN RD”

Como parte de la tradición de la industria cinematográfica del país, regresa este año el Festival de Cine Fine Arts “Hecho en RD”, esta vez a realizarse en Caribbean Cinemas Downtown Center, estrenando nueva sede, la cual acogerá una amplia propuesta de proyectos locales que van desde películas hasta cortometrajes, charlas y conversatorios.

Para esta ocasión en el mes de mayo, la sexta edición del festival reafirma el crecimiento del cine nacional en diferentes vertientes, abarcando una programación 100% dedicada a producciones dominicanas, celebrando nuevas historias y creaciones de gran impacto, así como creando un espacio de apoyo a los cineastas y actores del país.

Próximamente se darán a conocer más detalles sobre la programación y actividades.

Asimismo, el festival presenta el Premio del Público, una iniciativa que brinda a los asistentes la oportunidad de elegir la mejor película o documental, participando mediante votación en línea a través de festivaldecinefinearts.com. Como incentivo adicional, los votantes podrán optar por atractivos premios sorpresa.

Premio Platino de Honor 2026: Guillermo Francella.

La Entidad de Gestión de Derechos de los Productores Audiovisuales (EGEDA) y la Federación Iberoamericana de Productores Cinematográficos y Audiovisuales (FIPCA) anunciaron que Guillermo Francella será homenajeado con el Premio PLATINO de Honor por su sobresaliente trayectoria interpretativa en el audiovisual iberoamericano durante la gala de los XIII Premios Platino Xcaret, el próximo 9 de mayo en el Teatro Gran Tlachco del Parque Xcaret, en Riviera Maya (México).

Este reconocimiento pone en valor la contribución del actor argentino a la creación de un patrimonio fílmico iberoamericano, formando parte imprescindible de la historia de nuestro audiovisual gracias a su participación en títulos tan diversos como inolvidables en cine y televisión.

Con una trayectoria que se extiende a lo largo de más de cuatro décadas, Guillermo Francella se ha consolidado como uno de los intérpretes más populares y reconocibles de Argentina, desarrollando una carrera sostenida en cine, teatro y televisión que lo ha situado como una figura central del audiovisual iberoamericano.

En el ámbito televisivo, su nombre quedó tempranamente asociado a algunos de los mayores éxitos de la comedia argentina, protagonizando títulos como De carne somos, La familia Benvenuto, Naranja y media, Trillizos, Poné a Francella, Casados con hijos o El hombre de tu vida. Su trabajo en este género, marcado por una extraordinaria conexión con el público, ha sido reconocido en nueve ocasiones con el premio Martín Fierro como actor de comedia, el máximo galardón de la televisión argentina, a los que se suma el Martín Fierro de Oro de Cine y Series obtenido en 2024.

De forma paralela, su labor sobre los escenarios ha dado lugar a destacados éxitos teatrales como Los productores y El joven Frankenstein, de Mel Brooks; Los reyes de la risa, de Neil Simon; La cena de los tontos, de Francis Veber (obra que también dirigió en su versión de 2009); Dos pícaros sinvergüenzas; Nuestras mujeres, de Eric Assous o Desde el Jardín, versión teatral de la emblemática película de Peter Sellers que se encuentra representando actualmente. Asimismo, desarrolló su faceta como director teatral con títulos como Perfectos desconocidos, adaptación de la obra de Paolo Genovese.

Tras protagonizar diversas películas de gran popularidad entre finales de los años noventa y la primera década de los 2000, de entre las que destaca el filme mexicano Rudo y Cursi, su carrera cinematográfica atravesó un punto de inflexión con el éxito internacional de El secreto de sus ojos, una de las obras cumbre del cine iberoamericano, dirigida por Juan José Campanella y galardonada con el Premio Oscar a la mejor película en lengua extranjera. A partir de este momento, la profundidad dramática y la profusión de personajes de creciente complejidad actoral se ha mantenido como una constante en la carrera del intérprete.

Desde entonces, ha participado en una amplia variedad de producciones bajo la dirección de cineastas como Ana Katz (Los marziano), Eduard Cortés (Atraco), Marcos Carnevale (Corazón de León), Daniel Burman (El misterio de la felicidad), o Gastón Duprat y Mariano Cohn (Mi obra maestra), manteniendo siempre una constante búsqueda de nuevos desafíos interpretativos.

Especial relevancia alcanza su interpretación de Arquímedes Puccio en El clan, de Pablo Trapero, por la que obtuvo el Premio Platino a Mejor Interpretación Masculina, consolidando su reconocimiento internacional en el ámbito dramático.

Su filmografía reciente incluye títulos como Los que aman, odian (Alejandro Maci), adaptación de la obra de Silvina Ocampo y Adolfo Bioy Casares; Animal (Armando Bo); o El robo del siglo (Ariel Winograd). Con la llegada del ecosistema de plataformas, protagonizó Granizo (Marcos Carnevale), estrenada en Netflix y convertida en un éxito global, así como el thriller La extorsión (Martino Zaidelis).

Cannes 2026: los filmes en competencia.

El delegado general del Festival de Cannes, Therry Frémaux, anunció las películas incluidas en los diferentes apartados oficiales de la 79 edición del certamen francés, entre ellas las 21 que competirán por la Palma de Oro.

Amarga Navidad, de Pedro Almodóvar; El ser querido, de Rodrigo Sorogoyen y con Javier Bardem; y la película La bola negra de Javier Ambrossi y Javier Calvo, ‘los Javis’; pelearán por la Palma de Oro de Cannes, un hito de tres filmes españoles en competición inédito con el actual sistema de selección.

Amarga Navidad, estrenada en España el 20 de marzo, no faltó entre las películas anunciadas desde París para la edición 79 del certamen francés (que se celebrará del 12 al 23 de mayo) porque es una «película Almodóvar», que es un «maestro», según detalló a la prensa el delegado general del festival, Thierry Frémaux.

Protagonizada por Bárbara Lennie, Aitana Sánchez-Gijón y Leonardo Sbaraglia, cuenta con colaboraciones como las de Rossy de Palma, Carmen Machi o la cantante Amaia Romero.

«Es una película autobiográfica, tiene mucho que ver conmigo. La reacción en Madrid tanto de la crítica como del público ha sido muy positiva, así que estoy lleno de esperanzas», dijo Almodóvar a la prensa tras conocer la noticia en París, donde el Centro Pompidou le dedica una restrospectiva.

Será la séptima participación de Almodóvar en la competición de Cannes, que le ha premiado con el galardón de mejor dirección por Todo sobre mi madre, en 1999, y con el de mejor guion por Volver, en 2006, además de los premios de interpretación para las mujeres de esa última cinta y para Antonio Banderas, en 2019, por Dolor y Gloria.

Sorogoyen acudirá por segunda vez como seleccionado a la Costa Azul francesa, tras el paso de Las bestias por el festival en 2022 fuera de competición.

En esta cinta, Javier Bardem encarna a un aclamado director de cine que rueda junto a su hija, actriz sin éxito, una película tras años de distanciamiento y tensión que ninguno quiere abordar directamente.

El reparto cuenta también con Victoria Luengo, Raúl Arévalo y Marina Foïs, entre otros, y el proyecto se filmó principalmente en Fuerteventura.

Las nuevas generaciones estarán representadas por Calvo y Ambrossi, que debutan en Cannes por la puerta grande, peleando por la Palma de Oro también ante nombres como el iraní Asghar Farhadi, el japonés Hirokazu Kore-eda o el polaco Pawel Pawlikowski, entre un total de 21 películas.

La bola negra, que es el segundo largometraje dirigido por ‘los Javis’ tras La llamada, está protagonizada por el cantante Guitarrica de la Fuente, que debuta como actor, acompañado por Miguel Bernardeau, Carlos González y Lola Dueñas, además de contar con las colaboraciones de lujo de Penélope Cruz y Glenn Close.

Narra las vidas interconectadas de tres hombres gays en épocas distintas -1932, 1937 y 2017- y una parte del filme está inspirada en la obra homónima que dejó inconclusa Federico García Lorca, de la que se conservan tan solo cuatro páginas y que contaba con un protagonista homosexual. También en el diario de un amigo suyo que contaba cómo Lorca pensaba desarrollarla.

 

Este es el listado completo de la Sección Oficial:

— ‘Fatherland’, de Pawel Pawlikowski.

— ‘Histories parallèles, de Asghar Farhadi.

— ‘Sheep in the Box’, de Hirokazu Kore-eda.

— ‘Amarga Navidad’, de Pedro Almodóvar.

— ‘El ser querido’, de Rodrigo Sorogoyen.

— ‘La bola negra’, de Javier Calvo y Javier Ambrossi.

— ‘The Man I Love’, de Ira Sachs.

— ‘Minotaur’, de Andrey Zvyagintsev.

— ‘Fjord’, de Cristian Mungiu.

— ‘Moulin’, de László Nemes.

— ‘All of a Sudden’, de Ryusuke Hamaguchi.

— ‘Nagi Notes’, de Koji Fukada.

— ‘Coward’, de Lukas Dhont.

— ‘Garance’, de Jeanne Herry.

— ‘La vie d’une femme’, de Christine Bourgeois Tacquet.

— ‘Histoires de la nuit’, de Léa Mysius.

— ‘Gentle Monster’, de Marie Kreutzer.

— ‘The Dreamed Adventur’, de Valeska Grisebach.

— ‘L’inconnue’, de Arthur Harari.

— ‘Hope’, de Na Hong-Jin.

— ‘Notre salut’, de Emamanuel Marre.