Movie Suite© por José D'Laura

miércoles, mayo 29, 2013

Premios Ariel 2013: los ganadores.

La cinta El Premio, dirigida y escrita por la argentina Paula Marcovitch, fue la gran ganadora el llevarse cuatro de los diez premios Ariel a los que se encontraba nominada durante la 55 entrega de los galardones que otorga la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas.

Mejor película, Mejor Ópera Prima, Mejor Guión Original y Mejor Edición fueron las categorías con las que la cinta de Marcovitch superó a la favorita de la noche, La vida precoz y breve de Sabina Rivas, del cineasta Luis Mandoki.

“Para mi la escritura de cine es fundamental, considero que escribir cine es una obra literaria independiente. Dedico este premio a todos los escritores de cine'', dijo Markovitch momentos después de recibir el premio por la historia autobiográfica de la cineasta, llevada a la pantalla sobre una niña de siete años que no puede revelar su verdadera identidad durante la dictadura militar argentina.

Con Mónica Huarte, Adriana Paz, Hugo Catalán y Gerardo Méndez como anfitriones del evento realizado en el Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México, uno a uno los premios se fueron descubriendo. Rodrigo Plá, ganador del Ariel como Mejor Director por La demora, dedicó el galardón a su padre, “quien falleció y no tuvo oportunidad de ver la película”.

Roberto Sosa levantó en alto el premio cuando su nombre fue anunciado como el de Mejor Actor por su trabajo en El fantástico mundo de Juan Orol, a la vez que Úrsula Pruneda recibió el reconocimiento como Mejor Actriz por su papel en El sueño de Lú; Laura Santullo recibió el galardón por Mejor Guión adaptado por La demora, mientras que Pablo Berger se llevó hasta España un Ariel por Blancanieves, la que fue la Mejor Película Iberoamericana.

Lista de ganadores de la 55 ceremonia de entrega del Premio Ariel 2013 otorgada por la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas.

- Mejor Película

El Premio, de Kung Works.

- Mejor Director

Rodrigo Plá por La demora.

- Mejor Largometraje Documental

Cuates de Australia, de Everardo González.

- Mejor Cortometraje Documental

La herida se mantiene abierta, de Alberto Cortés.

- Mejor Actriz

Úrsula Pruneda por El sueño de Lú.

- Mejor Actor

Roberto Sosa por El fantástico mundo de Juan Orol.

- Mejor Guión Original

Paula Markovitch por El Premio.

- Mejor Guión Adaptado

Laura Santullo por La demora.

- Mejor Ópera Prima

El Premio, de Paula Markovitch.

- Mejor Película Iberoamericana

Blancanieves, de Pablo Berger (España).

- Mejor Cortometraje Ficción

La tricia o cómo curar la tristeza.

- Mejor Cortometraje Animación

La Noria, de Karla Castañeda.

- Mejor Fotografía

Carlos Hidalgo por El fantástico mundo de Juan Orol.

- Mejor Edición

Lorena Moriconi, Mariana Rodríguez y Paula Markovitch por El Premio.

- Musica Original

Leonardo Heiblum y Jacobo Lieberman por Carrière 250 metros.

- Mejor Sonido

Matías Barberis, Jaime Baksht y Pablo Tamez por Cuates de Australia.

- Mejor Diseño de Arte

Antonio Muñoz hierro por La vida precoz y breve de Sabina Rivas.

- Mejor Maquillaje

Alfredo Mora por Colosio el asesinato.

- Mejor Vestuario

Deborah Medina por El fantástico mundo de Juan Orol.

- Mejores Efectos Especiales

Adrian Durán por La vida precoz y breve de Sabina Rivas.

- Mejores Efectos Visuales

Víctor Velázquez y Alejandro Berea por Depositarios.

- Coactuación Femenina

Angelina Peláez por La Vida Precoz y breve de Sabina Rivas.

- Coactuación Masculina

Daniel Giménez Cacho por Colosio el asesinato.

lunes, mayo 27, 2013

Cannes 2013: los ganadores.

En la clausura del 66to. Festival de Cannes, Steven Spielberg, prestigioso presidente del jurado caracterizado por las múltiples influencias de su cine, llamó a escena tanto a Abdellatif Kechiche, como a sus actrices, Léa Seydoux y Adéle Exarchopoulos, en una muestra de reconocimiento por su importancia en Blue is the Warmest Color, para hacerles entrega de la Palma de Oro. Spielberg, "en perfecta harmonía" según dijo el actor y jurado Christoph Waltz en la alfombra roja, decidió otorgar el premio del jurado a Like Father, Like Son, del japonés Hirokazu Kore-Eda.

El gran premio fue para Inside Llewyn Davis, dirigida por Joel y Ethan Coen.

El director mexicano Amat Escalante se alzó con el premio al mejor director por Heli, coproducida por México, Alemania, Países Bajos y España.

Jia Zhanke fue otro de los asiáticos galardonados esta noche en la Croisette al ganar el premio al mejor guion por A Touch of Sin, tercera película del director chino que compite en el certamen y primera por la que recibe un reconocimiento.

Los rumores que circularon por Cannes no se cumplieron para los premios de interpretación. Así, fue una sorpresa moderada el galardón al mejor actor para el estadounidense Bruce Dern (padre de la actriz Laura Dern, de 72 años de edad) por su conmovedor papel en Nebraska, de su compatriota Alexander Payne. La francesa Bérénice Bejo suscitó los aplausos de todos al alzarse con el premio a la mejor actriz por su papel en The Past, de Asghar Farhadi.

De su lado, el jurado de la Cámara de Oro, presidido por Agnès Varda, nombró como mejor ópera prima del certamen a LLo ilo, del director originario de Singapur Anthony Chen.

Los Premios FIPRESCI fueron para:

-Competencia Oficial: La vie d'Adèle - Chapitre 1 & 2 (Francia), de Abdellatif Kechiche

-Un Certain Régard: Manuscripts Don’t Burn (Irán), de Mohammad Rasoulof

-Quincena de Realizadores: Blue Rain (EE.UU.), de Jeremy Saulnier

Los premios ecuménicos fueron:

-Galardón principal: Le passé (Francia), de Asghar Farhadi.

-Menciones: Miele (Italia), de Valeria Golino; y Like Father, Like Son, de Hirokazu Kore-eda.



viernes, mayo 24, 2013

El decálogo del perfecto cineasta (barato).

(Por considerarlo de interés, reproducimos el decálogo de Benh Zeitlin, el director de Bestias del sur salvaje, fabuloso filme que se hizo con apenas dos millones de dólares, en un territorio de Louisiana recurrentemente inundado, llamado The Bathtub.)

1. Rinde tributo a tus héroes, pero con tu propia voz.

Encontré un vhs de Underground (Emir Kusturica) en un videoclub de Nueva York. La vi tres veces seguidas y pensé: esto es lo que quiero hacer con mi vida, ésta es la forma de hacer películas en la que estoy interesado, en oposición a la manera de hacerlas que tiene Hollywood. Para Bestias del sur salvaje, me fui a esta región moribunda, bien en el fondo de Louisiana. Vi cómo las ciénagas desembocaban en el golfo, como se puede ver en la película. Me hizo recordar mucho el momento final de Underground, cuando la tierra se parte y se aleja flotando. La inspiración inicial fue que yo quería hacer mi propio Underground: hacer una película que fuese un tributo a un sitio que nunca vamos a volver a ver.

2. Tu película tiene que ser un hecho. Sólo el viaje es negociable.

La mentalidad con la que encaramos este proyecto siempre fue que íbamos a hacer la película, no importaba lo que sucediera. Nunca pensamos en que íbamos a escribir el guión y después esperar a que alguien lo financiara. Lo íbamos a hacer y había una fecha en la que empezábamos. Si conseguíamos el dinero, sería una película más grande. Si no, la filmaríamos con nuestros celulares. El dinero persigue a la determinación. Ibamos hacia adelante tan rápido que éramos casi como un bote atravesando el agua, creando la corriente y el momento.

3. Dirige la cámara como si fuese un actor más.

Al camarógrafo, más que darle indicaciones técnicas, lo hice actuar. Nunca le permitía anticiparse a la acción. Tenía que estar reaccionando ante el mundo de la misma manera en que lo hacía la pequeña protagonista. Si alguien iba a levantar un vaso de agua, y él movía la cámara antes de la acción, lo hacía cortar y le decía: “No estás escuchando”. Igual que a un actor.

4. Encuentra una historia con la que cualquiera pueda identificarse.

Las películas que la gente más ama son las que son inteligentes, que cuentan vidas, verdades e ideas simples. Mis películas preferidas durante mi adolescencia, como E.T., tenían esa cualidad. Había temas importantes y una sabiduría esencial en ellas. Hay que tomar el lenguaje de un film artístico y lírico, pero que su corazón sea sabio y con grandes preguntas, ideas simples y temas universales.

5. Mantente fiel al tema clave de tu película, en todos los planos de cada una de las escenas.

Hay una pregunta que realmente ayuda a centrarlo todo: ¿Cómo es que uno pierde eso que te constituye? ¿Cómo sobrevives a perder tu lugar, a perder tu hogar? ¿Cómo sobrevives a perder a uno de tus padres, no sólo físicamente, sino emocionalmente? ¿Cómo mantienes tu alegría y tu sonrisa y sentido del humor y la pérdida no te destruye, pero al mismo tiempo le haces frente? ¿Cómo la miras escurrirse entre tus dedos y logras mantenerte vivo después de eso, después de que algo tan horrible acaba de suceder? Esa no es una pregunta que aparezca en la película, pero era la roca sobre la que se apoyaba cada escena, rindiéndole sus respetos a lo que se estaba yendo, y sobreviviendo a esa tragedia.

6. Dirige la verdad, incluso en la ficción.

Si uno quiere filmar una fiesta, hace una fiesta. Si uno quiere filmar una inundación, va a ella. Hay que trata de capturar algo verdadero en la cámara, visual y emocionalmente.

7. La vieja fórmula de Hollywood acerca de lo que hace exitoso a un film ha muerto.

Estábamos tratando de explicarle la idea a la productora Cinereach por teléfono y no estaba funcionando. Finalmente dijimos: “Realmente ayudaría si vinieran a Nueva Orleans y les contáramos sobre el proyecto aquí”. Inesperadamente, dijeron: “¡Buenísimo! Vamos hasta allá, vamos a tu bar, nos quedamos despiertos toda la noche...” Sencillamente nos dejaron hablar sobre la película y no de la manera en que uno normalmente habla sobre una película: “Oh, esto es Cuando Harry conoció a Sally más Tiburón”. Nos dejaron hablar sobre los sentimientos, las emociones que estábamos tratando de crear, el espíritu, quién era este personaje. Nos dejaron ofrecerles esta amplia y divagante presentación y lo apoyaron.

8. No existe una fórmula única a la hora de hacer una película.

Se trata de hacer lo que uno quiere hacer. El lugar en el que la gente empieza a meterse en problemas es cuando empiezan a diseñar estrategias acerca de cómo hacer un largometraje y entonces están haciendo películas para poder hacer el largometraje, cuando deberían estar simplemente haciendo la película que ya está madura.

9. El cine se mantiene vivo y con vigor afuera de Los Angeles y Nueva York.

Hay demasiadas cosas allí afuera. Creo que una de las cosas más criminales de la industria es que uno ve todas estas historias sobre alguien que quiere vivir en Los Angeles y Nueva York, mientras existe toda esta otra gente en el mundo que es tan talentosa. De hecho, hay dos industrias: está la industria de hacer las películas, y está la industria de fabricar celebridades. Y en este momento la gente no sabe cómo separarlas, pero son de verdad dos cosas diferentes. La industria de fabricar celebridades es obviamente donde están las cámaras, donde están la ostentación y la sofisticación. La industria de hacer películas puede estar en cualquier lado.

10. Hacer cine es una aventura. Trátalo como tal.

Algo pasa cuando una cosa se te mete en la cabeza y necesitas sacarla. Uno queda atascado en preguntas sobre el mundo que no comprende y la manera de aprender sobre ellas es trabajar con ellas. No creo que yo hubiera podido caminar en el territorio de Pointe Au Chien, Louisiana, y hacer quinientos amigos si estuviera vendiendo pólizas de seguro, o practicando danza interpretativa. El cine tiene esta cualidad hermosa que todo el mundo ama y aprecia, y que te permite colaborar con gente con la que de otro modo no podrías.

martes, mayo 21, 2013

Nuevas reglas para el Oscar

La junta directiva de la AMPAS (La Academia de Hollywood, por sus siglas en inglés) ha aprobado nuevas normas para la próxima edición de los Oscar. El cambio más significativo lo encontramos en la categoría de Mejor Película de Animación y Mejor Película Extranjera.

En Animación, una nueva regla establece en dos el número de posibles galardonados; uno de los cuales deberá contar como productor. “El director y/o principal creativo del equipo seguirá siendo quien reciba el premio y, en caso de que la dirección corra a cargo de dos personas por igual, se podrá conceder una tercera estatuilla,” ha puntualizado la Academia.

Este año ganó el Oscar Valiente, una película de animación que contaba en sus créditos con dos directores: Mark Andrews y Brenda Chapman (ambos recibieron su estatuilla, no así la productora Katherine Sarafian).

Otros cambios anunciados para la 86º Edición de los Premios de la Academia incluyen la posibilidad para los votantes de ver los cortos documentales y las películas extranjeras tanto en pases organizados para su visionado, como en dvd. Con anterioridad a la votación final, la Academia ofrecerá a sus miembros copias en dvd de los títulos nominados en cinco categorías: Mejor Película Extranjera, Mejor Película Documental, Mejor Corto Documental, Mejor Corto de Ficción, Mejor Corto de Animación.

Los Premios Oscar se entregarán el domingo 2 de marzo de 2014.

lunes, mayo 13, 2013

Los mejores guiones del cine, según la WGA.

El Sindicato de Guionistas de Estados Unidos (conocido por WGA, sus siglas en inglés) ha actualizado su lista de los mejores guiones de la historia.

¿Cuál es la función del guión en una película? La respuesta es simple: sin guión no existirían historias, ni personajes, ni nada que contar. Su importancia es fundamental para que puedan hacerse las películas.

La que sigue es la lista con los mejores 20 guiones de la historia del cine.

1. Casablanca. Guión de Julius J. & Philip G. Epstein and Howard Koch. Basado en la obra de teatro “Everybody Comes to Rick’s” de Murray Burnett y Joan Alison

2. El Padrino. Guión de Mario Puzo y Francis Ford Coppola. Basado en la novela de Mario Puzo

3. Chinatown. Escrito por Robert Towne

4. Ciudadano Kane. Escrito por Herman Mankiewicz y Orson Welles

5. All About Eve. Guión de Joseph L. Mankiewicz. Basado en “The Wisdom of Eve,” un relato corto y una obra radiofónica de Mary Orr

6. Annie Hall. Escrito por Woody Allen y Marshall Brickman

7. Sunset Boulevard. Escrito por Charles Brackett y Billy Wilder y D.M. Marshman, Jr.

8. Network. Escrito por Paddy Chayefsky

9. Con faldas y a lo loco. Guión de Billy Wilder & I.A.L. Diamond. Basado en “Fanfare of Love”, una película alemana escrita por Robert Thoeren y M. Logan.

10. El Padrino II. Guión de Francis Ford Coppola y Mario Puzo. Basado en la novela de Mario Puzo “The Godfather”

11. Butch Cassidy y the Sundance Kid. Escrito por William Goldman

12. Dr. Stranglove. Guión de Stanley Kubrick, Peter George y Terry Southern. Basado en la novela “Red Alert” de Peter George

13. El graduado. Guión de Calder Willingham y Buck Henry. Basado en the novela de Charles Webb

14. Lawrence de Arabia. Guión de Robert Bolt y Michael Wilson. Basado en la vida y los escritos del coronel. T.E. Lawrence

15. El apartamento. Escrito por Billy Wilder y I.A.L. Diamond

16. Pulp Fiction. Escrito por Quentin Tarantino. Basado en un argumento de Quentin Tarantino y Roger Avary.

17. Tootsie. Guión de Larry Gelbart y Murray Schisgal. Historia de Don McGuire y Larry Gelbart

18. Nido de ratas. Historia para la pantalla y guión de Budd Schulberg. Basado en “Crime on the Waterfront”, un artículo de Malcolm Johnson

19. To Kill a Mockingbird. Guión de Horton Foote. Basado en la novela de Harper Lee

20. ¡Qué bello es vivir! Guión de Frances Goodrich y Albert Hackett & Frank Capra. Basado en el relato corto “The Greatest Gift” de Philip Van Doren Stern. Contribuyeron en el guión Michael Wilson and Jo Swerling.

jueves, mayo 09, 2013

Michael Haneke, Premio Príncipe de Asturias de las Artes.

El director, guionista y dramaturgo Michael Haneke fue distinguido hoy con el Premio Príncipe de Asturias de las Artes por una obra de profundas raíces europeas que ha conseguido convertirse en un referente del cine actual y que afronta con radical sinceridad los problemas individuales y colectivos.

Michel Haneke, nacido en 1942 en Múnich (Alemania) pero criado en Austria, destaca por una "original y personalísima aproximación de radical sinceridad, aguda observación y extrema sutileza a problemas fundamentales que nos conciernen o afectan individual y colectivamente", según refleja el acta del jurado.
Su presidente, el empresario José Lladó, fue el encargado de hacer público desde Oviedo el fallo del jurado, que destacó también la capacidad del cineasta austríaco de iluminar y diseccionar "con deslumbrante maestría aspectos sombríos de la existencia como la violencia, la opresión y la enfermedad". El autor de Amor, su nueva película, los afronta "con extraordinaria sobriedad formal, a la vez que abre espacios a la persistencia consoladora del amor, la confianza y el compromiso", según un jurado que ha puesto de relieve la continua evolución de su filmografía.
Haneke se impuso en las últimas votaciones al bailarín y coreógrafo cubano Carlos Acosta, al artista estadounidense Bruce Nauman, al compositor estonio Arvo Pärt y a la artista serbia Marina Abramovic, los cinco finalistas de entre los 33 candidatos que optaban a este galardón en la presente edición.
La candidatura de Haneke, que se impuso por mayoría, fue propuesta por el embajador de Austria en España, Rudolf Lennkh, y apoyada por la ministra federal de Educación, Arte y Cultura de Austria, Claudia Schmied. "Me ha llamado el jurado y me alegro muchísimo. Me siento honrado, también porque el Príncipe de Asturias (de las Artes) ya lo han recibido personas muy destacadas y es además un buen mensaje para el cine", dijo Haneke.
Haneke es el sexto galardonado con el Premio de las Artes procedente del mundo del cine, tras haberlo obtenido también a lo largo de sus treinta y dos ediciones anteriores Luis García Berlanga, Fernando Fernán Gómez, Vittorio Gassmann, Woody Allen y Pedro Almodóvar. El austríaco aseguró sentirse alabado de poder unirse a esta "buena compañía" de galardonados y, tras haber visto un vídeo de la "impresionante" puesta en escena de la entrega de premios, garantizó que acudirá personalmente y con "mucha alegría" a recibir el galardón, que se entrega en octubre en el Teatro Campoamor de Oviedo, en una gala presidida por el príncipe Felipe.
Con su película Amor, la historia de una pareja otoñal que se enfrenta a la cruda realidad de la enfermedad, con la dignidad y el amor por medio, Haneke ganó el Óscar a la mejor película de habla no inglesa y la Palma de Oro en Cannes, festival que adora y premia su cine.
También La cinta blanca, el retrato en blanco y negro de una familia, con un padre pastor de almas de unos hijos aterrorizados, en el contexto de un pueblo cargado de prejuicios y de maldad, un film cargado de una tremenda violencia invisible, se llevó la Palma de Oro en Cannes.

En este certamen francés, en cuya competición oficial ha presentado la mayor parte de sus películas, su perturbadora cinta La pianista, con una perversa Isabelle Huppert, consiguió el Gran Premio del Jurado, así como la Mejor Dirección con la desasosegante Caché.
Este Premio de las Artes es el primero que se falla en la trigésimo tercera edición de los Premios Príncipe, destinado a galardonar a quienes hayan hecho una aportación relevante al patrimonio cultural de la humanidad. El premio, al igual que los otros siete que concede anualmente la Fundación Príncipe de Asturias, está dotado con una escultura de Joan Miró -símbolo representativo del galardón-, 50.000 euros (65.000 dólares), un diploma y una insignia.

lunes, mayo 06, 2013

Los filmes más taquilleros del cine.

Al momento que escribo esta nota, ya se sabe que Iron Man 3 recaudó la impresionante suma de $175 millones de dólares en su primer fin de semana en USA, el segundo mejor debut en la historia del cine, sólo por debajo de lo conseguido en su momento por Los vengadores.

Se hace necesario pues, revisar la lista de los filmes más taquilleros en Estados Unidos ante la seria amenaza de, por lo menos, dos de los super-héroes que veremos en acción este verano.

En la cima, Avatar (2009), la justificación de James Cameron para el advenimiento de la nueva tecnología del 3D. Este filme engrosó US$760.5, sólo en taquillas.

Le sigue otra de Cameron, Titanic (1997), la que en su estreno consiguió US$600 millones y el pasado año, con su re-lanzamiento en 3D, apenas sumó unos míseros US$58 millones más.

También del 2012, Los vengadores (Joss Whedon) consiguió su ingreso a este elitista club con su total de US$623 millones, cantidad que le convierte en la tercera película de mayor recaudación en la historia del cine.

En el cuarto puesto, El caballero de la noche (2008), la reinvención de Christopher Nolan de la saga sobre Batman, alcanzó unos US$534.

La quinta posición la ocupa George Lucas con La amenaza fantasma (1999), su reinvención de la saga de Star Wars.

Bajando a la sexta posición, La guerra de las galaxias (1977), la religión que fundó George Lucas y que le permitió agenciarse unos US$461 millones.

En el séptimo puesto, El caballero de la noche asciende (2012), el épico final de Nolan a la saga de Batman, con unos $448 mdd.

Le sigue Shrek 2 (2004, Andrew Adamson y Nelly Asbury), que arrancó carcajadas a todos, incluyéndome, y les permitió a sus productores reírse a carcajadas con sus US$441 millones.

En el noveno puesto, E.T. (1982), el clásico dirigido por Steven Spielberg que consiguió US$435 millones y a la que muchos señalan como la película más vista del cine.

De su lado, Piratas del Caribe 3 (2006, Gore Verbinski) tocó su botín de US$423 millones para cerrar el círculo de las 10 películas más taquilleras.

Otros seis filmes han logrado pasar de la barrera de los $400 millones de dólares de recaudación.
Los menciono en orden descendente: El Rey León (1994, $422), Toy Story 3 (2010, $415), Los juegos del hambre (2012, $408), El Hombre Araña (2002, $403), Transformers 2 (2009, $402) y, con un re-estreno de hace algunas semanas Jurassic Park (1993) redondeó justo los $400 millones.